O postimpresionismo: Gauguin
Catalogación
Autor: Paul Gauguin (1848-1903)
Título: A visión despois do sermón
Cronoloxía: 1888
Estilo: postimpresionismo
Técnica: óleo sobre lenzo
Localización: National Gallery, Edimburgo.
Tema: relixioso. Representa un grupo de mulleres campesiñas bretonas que, despois de saír da misa, contemplan unha visión da loita entre Jacob e o anxo segundo a explicación do cura local no sermón. Un acto cotiá enchese da fonda carga mística. Se ben a temática é relixiosa non pretende mover a devoción.
O autor
Home do seu tempo, de educación burguesa e formación artística temperá. Crítico constante da sociedade na que vive, foxe de París e trata de atopar novos horizontes, primeiro en Bretaña, logo en Tahití a onde chega en 1891, o que supón un achegamento ás culturas primitivas, e desde entón mantén pouca relación con París. A súa amizade con Bernard e Van Gogh influirá na súa obra. A súa primeira retirada a Pont Aven, en Bretaña, significa unha experiencia nova con pintores, poetas e escritores que discuten sobre arte, pintura e poesía. As súas ideas de liberdade e independencia impóñense e as súas procuras son insaciables; esta actitude é a que se valora como fundamento da arte moderna.
Nos seus temas prefire contar visións alegóricas: Visión despois do sermón (Pont Aven, 1888) Cristo amarelo (1889). De onde vimos, que somos e onde imos (Tahití, 1897), coñecido como o seu testamento espiritual. As mulleres son a súa auténtica preocupación iconográfica e pretexto para as súas investigacións. Tamén os retratos de amigos e autorretratos, pero as imaxes que realmente fixéronlle famoso foron as súas paisaxes e a vida cotiá de Tahití, nos que rende homenaxe aos isleños como seres libres, tranquilos e acolledores.
Abonda en diversas técnicas: pintura ao óleo, escultura, tapices, gravados, relevos tratados con vidro. Apaixónase pola arte medieval, as miniaturas, as vidrieras e esmáltelos, e tamén polas culturas orientais onde busca o exótico e o misterio do primitivo e do salvaxe. Este camiño lévalle a exaltar a cor e a simplificar as formas.
Estende as cores puras en campos extensos dentro de grosas liñas de contorno, como en esmáltelos cloissonée, e con iso consegue armonizar as masas cromáticas de figuras na natureza.
As súas composicións están simplificadas; rexeita a perspectiva e crea novos espazos con fondos pechados nos que sobresaen formas planas e liñas definidas. No seu sentido de beleza transmite todo o sentimento e a poesía contidas no espírito indíxena do bo salvaxe. As súas figuras teñen xestos conmovedores, cargados de tenrura. En todas as súas obras imponse o contido simbólico.
Análise formal
Esta obra resulta clave para comprender os principios estilísticos da pintura de Gauguin na etapa de Pont-Aven cando se distancia do Impresionismo, cunha representación na que combina unha escena de acotío con figuras reais e unha imaxe simbólica xerada na mente das mulleres.
Compositivamente opta por un encadre insólito no que renuncia á perspectiva tradicional ó empregar clara desproporción entre a amplitude das mulleres do primeiro plano e un segundo plano moito máis reducido cunha vaca excesivamente empequenecida. Pero esta configuración ten unha finalidade significativa pois a árbore, unha maciñeira, divide diagonalmente a composición en dous espazos un tanto asimétricos. Dun lado a visión, o anxo pelexando con Xacob; do outro, as mulleres en actitude de recollemento espiritual.
As formas defínense con claros trazos negros de contorno, grosas liñas que illan as figuras e os obxectos, e que, no caso das campesiñas do primeiro plano, outórgalles un marcado carácter escultórico.
Esas formas simples conteñen as cores como se dun mosaico, unha vidreira ou un esmalte (coa técnica do cloisonné) tratara. Son cores planos e brillantes, puros, sen tonos nin matices, sen sombras, contrastando a calidez e violencia do vermello cos brancos das cofias e os negros das vestimentas. Pero ademais empréganse arbitrariamente, sen necesariamente estar en relación directa coa realidade de xeito que o chan adquire unha vibrante cor vermella que lle da un aspecto fantástico. Era o que o artista quería amosar, unha paisaxe irreal na que ten lugar o relato bíblico inspirado pola prédica do sacerdote que aparece no lado dereito.
Non trata pois de copiar da natureza, senón de expresar dun modo vívido o poder da pintura para escoller un momento irreal, figurado, expresivamente inexistente na realidade, é a mente do pintor quen crea unha nova realidade. Doutra banda, converte a obra nun símbolo da relixiosidade e da fe absoluta destas mulleres bretonas, un trazo dos pobos rurais e do primitivismo que tanto buscaba.
Modelos e influencias
Foi un simbolista, porque soubo abstraer as leccións da natureza, transformalas na súa mente e plasmalas manifestando outras inquietudes, por iso é polo que se fale nas súas obras de sínteses, pola súa achega de significados múltiples e profundos e polos métodos que practicou para chegar a unha nova visión. Chamado tamén inxenuista, pola utilización que fai do primitivo, non só polos horizontes inéditos que se lle abren cando abandona París, senón polas súas incursións nos primitivos exipcios e nas primitivas culturas, ou porque rende culto ao bizantinismo, realizando mosaicos e miniaturas.
Hai unha grande influencia da estampa xaponesa, sobre todo con a obra de Hiroshige, Xardín de ameixeiras en Kameido, que tanto éxito tiña nestes momentos, a súa influencia amosase na división diagonal, nas figuras recortadas nos extremos, na ausencia de perspectiva e na simplificación das formas.
Xardín de ameixeiras en Kameido, Hiroshige