John William Waterhouse

La Anunciación es un óleo sobre lienzo dibujado en 1914 por John William Waterhouse (1849-1917), pintor italiano británico. Nacido de padres que eran pintores, muchas de sus pinturas se inspiraron en autores como Shakespeare, Homero, Tennyson, Keats y Ovidio.

Su trabajo reflejaba la belleza que veía en las personas, los lugares y las cosas. Él creía que el arte tiene el poder de tocar la vida de las personas y cambiarlas para mejor de muchas maneras. Se sabía que la obra de arte de Waterhouse representaba a mujeres de la leyenda artúrica y la mitología griega antigua. Su pintura de La Anunciación pertenece al género religioso. La pintura representa a la Virgen María y otra figura de mujer que se supone es el ángel Gabriel. La representación de Waterhouse del ángel Gabriel está en contra de todas las demás imágenes similares que han retratado al ángel como un hombre.

La pintura captura a la Virgen María con una mano en la cabeza y la otra en el pecho. Las dos manos representan diferentes reacciones. La mano en su cabeza transmite cierta falta de comprensión y sorpresa de por qué un ángel la ha visitado. La mano en su pecho probablemente podría significar un gesto de gratitud o una muestra de humildad. A pesar de la confusión, el rostro de Mary se muestra sereno. La escena del escenario de la pintura es al aire libre. Se ve que el ángel sostiene una flor que podría representar o significar que entrega buenas noticias. La Virgen María está vestida con un vestido azul, lo que transmite que hay algo celestial y divino en ella. La ilustración la tiene de rodillas en señal de respeto a un ser poderoso frente a ella. Es una descripción del anuncio bíblico a la Virgen María por parte del ángel Gabriel de que ella concebiría un niño que sería el salvador del mundo por los poderes del espíritu santo. La pintura tiene las inscripciones de una firma y fecha en la parte inferior derecha: JWWaterhouse.-1914

Santa Eulalia es un magnífico cuadro que refleja fidelidad arqueológica en el escenario escogido, se supone que uno de los foros de Emérita Augusta a comienzos del siglo IV. El escritor latino Prudencio narró el martirio poniendo especial atención en las morbosas heridas y quemaduras que se le practicaron a la santa, lo que el artista omitió por no ser del gusto de la sociedad aristocrática de la época. A cambio, se recreó en la imagen impactante del bello cadáver de la joven tendido en el suelo con un atrevido escorzo y la captación de las condiciones atmosféricas también  referidas por el hagiógrafo como parte del martirio/milagro.

Una obra maravillosa que muestra a Santa Cecilia, patrona de la música, dormida en una silla mientras dos ángeles tocan instrumentos de cuerda a su lado. Santa Cecilia fue una noble romana que se convirtió al cristianismo y sufrió martirios por ello. 

Obra "Coged rosas mientras podáis", realizada el año 1909 por John William Waterhouse.

El título está tomado de la primera frase del poema To the Virgins, to Make Much of Time, del poeta inglés Robert Herrick (siglo XVII). Ver el escrito en Wikipedia.

El cuadro fue valorado en 2.5 Millones de dólares en 2007, cuando salió a la venta en la casa de subastas Sotheby's (Nueva York). En aquella ocasión no fue vendido, por lo que la institución lo sigue conservando.

Los favoritos del emperador Honorio es una pintura del inglés John William Waterhouse completada en 1883. La pintura representa al emperador romano de Occidente Honorio alimentando aves que están en una alfombra, frente a él.

Los colores oscuros de la alfombra y su ropa definen un espacio. Separados de él y los pájaros, los consejeros, vestidos con tonos claros, reclaman su atención. También aparece un asistente del emperador.

Honorio fue nombrado emperador de Occidente a la edad de 10 años, tras la muerte de su padre Teodosio I. Durante su reinado, de 393 a 423, el territorio de la Antigua Roma fue invadida por tribus extranjeras y la capital, saqueada por los visigodos. Honorio está considerado uno de los más débiles emperadores romanos y uno de los factores de la desaparición del Imperio. Waterhouse le muestra aquí con su afición favorita desde niño, en lugar de ocuparse prontamente de los asuntos de estado.

Muestra a 4 personajes bajo un toldo y mirando una mesa llena de flores que tiene la tendera para ofrecer. Cuadro pintado por J. W. Waterhouse en 1880.

Escena costumbrista del mundo antiguo. La imagen es emotiva, las sombras, posturas, luces y colores, están deliciosamente dispuestos, llenando el lienzo de intención y movimiento.

En su cuadro, Waterhouse nos muestra lo que podría ser el momento inicial del tratamiento en un templo de Esculapio, el dios romano de la medicina, al que los griegos habían conocido como Asclepio, y a cualquiera de sus muchos templos (dicen que más de trescientos) diseminados por los territorios de Grecia, primero, y Roma después, los griegos llamaban "asclepeion" o "asclepion". La madre, con el niño enfermo, presenta sus sencillas ofrendas (frutas y verduras, principalmente, que se muestran en una cesta, a la derecha de la imagen), puede que algo de vino en el ánfora que está a sus pies, y se queman sustancias aromáticas (quizás incienso), en presencia de los asclepíades, los médicos-sacerdotes que atendían el templo, de sus ayudantes y otras personas (posiblemente algún familiar) ante la estatua del dios.

Muestra a 4 personajes bajo un toldo y mirando una mesa llena de flores que tiene la tendera para ofrecer. Cuadro pintado por J. W. Waterhouse en 1880.

Escena costumbrista del mundo antiguo. La imagen es emotiva, las sombras, posturas, luces y colores, están deliciosamente dispuestos, llenando el lienzo de intención y movimiento.

La obra se encuentra actualmente en la Laing Art Gallery, en Newcastle, Inglaterra.

La Dama de Shalott es una balada de Alfred Tennyson, poeta de la época de Biedermeier. Interpretó el Nimue de la leyenda artúrica, que tiene sus raíces en la Edad Media.

La historia cuenta la historia de una mujer que, como guardiana del manantial, vive sola en una torre en el agua. Todo lo que aprende del mundo que ve en un espejo; Los motivos se tejen en una enorme alfombra. Un día, cuando ve a un hermoso caballero, mira por la ventana en contra de su propósito y lanza una maldición. El espejo se rompe y su anhelo la deja salir de la torre. Ella sube un bote, a la que escribió su nombre. Ella pierde su vitalidad y canta una última canción.

JW Waterhouse comienza este momento en su interpretación de 1888. Ahora, el primer escrutinio de cada observador primero va a las letras en el barco. Pero solo con dificultad se pueden reconocer las palabras "La Dama de ...". Este es un movimiento hábil del artista, porque la dama es conocida por muchos nombres. Se hace referencia, por ejemplo, a una dama, una amante, una guardiana o una reina del lago, el manantial, el agua o el pozo. Como primer nombre, además de Nimue, también se llaman Vivian, Elaine y Niniane.

Ella se sienta en su bote, la gran alfombra con ella, porque no deja nada atrás. Los pasos a la torre están detrás de ella. La cadena oxidada ya está resuelta, cada momento ella la deja deslizarse de las manos. Se ha vuelto otoño alrededor de ellos, la naturaleza respira su vida, ya que la joven está destinada ahora. Dos de las tres velas en frente de ella ya se han ido. Pero la llama de la última vela muestra que tiene viento de cola. Un par de golondrinas vuelan sobre el agua. También parecen despedirse de su viaje al sur con un último saludo. Las colinas boscosas en la distancia todavía están en pleno follaje verde.

Las almohadas están listas en el barco. El de arriba está provisto de pompones de oro. En su centro, un león heráldico negro de doble cola camina sobre un fondo blanco. Eso también está detrás de ella. El trabajo de su vida artística parece haberla arrastrado sin amor. El observador puede ver bien el bordado detallado, pero la alfombra cuelga en el agua. Uno podría pensar que la corriente lo está tirando bajo la superficie; ¿O es solo hojas en el estanque?

Ante ella en el bote hay un crucifijo, el hombre lleva un paño rojo alrededor de sus entrañas, un rosario se coloca cuidadosamente sobre su cintura. El color de la tela parece corresponder al rojo de sus labios.

Conocido en español como "Eco y Narciso". obra pintada en 1908 por John William Waterhouse. Estilo: Prerrafaelita.

Obra expuesta actualmente en la Walker Art Gallery, Liverpool.

Hilas y las ninfas representa a Hilas, uno de los argonautas que acompañaban a Jason en busca del vellocino de oro, en su desenlace mitológico. Los expedicionarios habían llegado a una isla e Hilas, conocido por ser uno de los más apuestos de la partida, fue enviado a a buscar agua para sus compañeros. En el momento en el que encontró una poza y se inclinó a cargar sus cantimploras, las ninfas emergieron de súbito en el agua. Una de ellas llamó a Hilas, le besó en la boca y del argonauta nunca más se supo.

La pintura muestra un joven inclinado sobre el agua de un lago cubierto por vegetación. El hombre esta vestido con una túnica azul con faja roja sosteniendo un cántaro en la mano izquierda, pues había bajado a buscar agua y mira atentamente a las ninfas que se le acercan, unas chicas jóvenes desnudas que están medio sumergidas en el lago, del que sólo sobresale la parte superior del cuerpo. Están representadas como siete chicas con largos cabellos castaño rojizos adornados con flores, rostro inexpresivo y un cuerpo blanco y delgado. Su físico es muy similar para todas. Rodean al hombre tentándolo para que entre en el agua. De las tres más cercanas a él, una le sujeta la muñeca y el codo, una segunda le tira de la túnica y la tercera le enseña unas perlas en la palma de la mano.

La blancura de la piel contrasta con el color vivo de la ropa del joven y con los tonos oscuros y verdosos del paisaje. En la superficie cristalina del lago se pueden ver varios nenúfares y otras ninfeáceas.

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Obra al óleo titulada "Miranda (la tempestad)", pintada en 1916 por John William Waterhouse.

Está inspirada en la obra de teatro La tempestad de Shakespeare, donde la joven es la hija del protagonista, y un ejemplo de la virtud femenina.

Muestra a la muchacha de pie, sobre las rocas, mirando el mar embravecido y un barco a punto de naufragar. Se sujeta el pelo y hace un ademán de vaga preocupación.

Cuento de el Decamerón ( 1916 ) es un aceite pintura por JOHN WILLIAM WATERHOUSE . juan boccaccio escribió El Decamerón entre el años 1348-53 . El trabajo es considerado como su obra maestra , y , estilísticamente , él es el mayoría perfecto ejemplo de Prosa clasica italiana , y es influencia en literatura renacentista en toda europa era enorme . La pintura (102×159 cm) se encuentra en el colección de el galería de arte lady lever , Liverpool , Reino Unido.

La historia de Ulises y el canto de las sirenas sigue siendo un mito muy popular, casi no es necesario volverlo a contar (aunque sí lo haremos). Tal vez lo curioso de esta obra de Waterhouse es que las sirenas no están representadas como estamos acostumbrados a verlas.

En la Odisea (se llama así porque su protagonista es Odiseo, el nombre griego que encontramos más comúnmente como “Ulises”, su versión latina), Homero relata las peripecias que debe pasar Ulises para regresar a su reino (Ítaca) después de la guerra de Troya. Es por eso que a una serie de aventuras o de sucesos llenos de adversidades la llamamos “odisea”.

Después de pasar un año con su tripulación en la isla de la hechicera Circe, ésta le indica cómo regresar a Ítaca, para lo que tendrán que bordear la isla de las sirenas.

Las sirenas son esos seres mitológicos (que nosotros conocemos como mitad mujer y mitad pez), que tienen una voz tan seductora que con su canto atraen de modo irresistible, hipnótico, a los marineros, que terminan estrellando sus barcos contra las rocas de la isla. Una seducción perversa que conduce a la muerte.

Un detalle interesante: se especula con que la mítica isla estaría en el Mediterráneo, frente a Sorrento, con lo que “coincidiría” con la isla de Capri.

Ulises debe sortear la situación, pero su curiosidad lo tienta de querer conocer ese irresitible canto. Por ello, y como es bien conocido, hace que los marineros se taponen los oídos con cera, y hace que a él lo aten al mástil del barco, para poder escuchar el canto mortal, pero no poder reaccionar cuando ese canto lo haga caer en el hechizo.

Ulises y sus marineros superan la isla de las sirenas sin estrellarse y la odisea continúa.

¿Pero por qué las sirenas de Waterhouse tienen cuerpo de ave?

Es que la tradición griega las representaba así. Antes de la obra de Homero (la primera aparición en las letras de las sirenas), podemos ver sirenas con cuerpo de ave representadas en cerámicas de todo tipo (urnas, estatuillas, vasijas). Muchas veces relacionadas con cuestiones funerarias (hay diferencias de criterios sobre el porqué, pero aparentemente estaban relacionadas con el mundo de los muertos).

La sirena con cola de pez, representación proveniente de otras mitologías, se impondrá recién a partir de la Edad Media.

Circe ofreciendo la copa a Odiseo representa una conocida escena de la Odisea. Como sabemos, en su largo regreso de la guerra de Troya, Ulises (el nombre latino de Odiseo) visita la isla de Eea donde vive Circe, una bella hechicera que envenena a la mayoría de su tripulación y los convierte en cerdos. Antes de que Ulises llegue al palacio de Circe para intentar rescatar a su tropa, Hermes, el dios mensajero enviado por Atenea, lo frena y le indica cómo derrotar a Circe para liberar a sus camaradas del embrujo. Hermes le proporciona a Ulises la hierba que lo protegerá de la magia de Circe y también le dice que debe desenvainar su espada y actuar como si fuera a atacarla, aunque le aconseja precaución. Ulises finalmente logra resistirse a los efectos malignos de la poción de Circe y devuelve a sus marineros a la forma humana.

En la epopeya de Homero, Ulises toma el control y domina a Circe, sin embargo en la representación de este episodio Waterhouse concentra la atención en el poder de la seductora bruja, que amenaza al visitante con un brebaje en la mano y levantando su varita mágica. Ulises solo es entrevisto a través del reflejo en el espejo circular que hay detrás de ella, como dudando de coger su espada. Circe, en cambio, sentada en un trono ornamentado con leones rugientes en cada brazo, está segura de sí misma y muestra toda su sensualidad. Está rodeada de flores púrpuras, el color de la realeza, ya que se cree una reina. Los animales retratados en el cuadro representan a otros mortales que cayeron en el hechizo de Circe, entre ellos un sapo y un roedor.

Circe era famosa por sus vastos conocimientos sobre pociones y hierbas. Uno de sus epítetos homéricos es polypharmakos, que en griego significa “conocedora de muchas drogas o amuletos”. Su fuerte era crear elixires transformadores a partir de flores y hierbas, y el arte de curar o hechizar con hierbas ha sido una de las principales funciones de las brujas a lo largo de la historia. La idea de la desnudez en los rituales es también algo que muchas brujas abrazan, como expresión abierta de nuestro poder natural.

La diosa de la mitología Griega retratada por John William Waterhouse. Muestra al personaje de pie sobre el agua y vertiendo el líquido verde desde su fuente.

La obra está expuesta actualmente en La Galería de Arte de Australia del Sur (Art Gallery of South Australia).

Circe era famosa por sus vastos conocimientos sobre pociones y hierbas. Uno de sus epítetos homéricos es polypharmakos, que en griego significa “conocedora de muchas drogas o amuletos”. Su fuerte era crear elixires transformadores a partir de flores y hierbas, y el arte de curar o hechizar con hierbas ha sido una de las principales funciones de las brujas a lo largo de la historia. La idea de la desnudez en los rituales es también algo que muchas brujas abrazan, como expresión abierta de nuestro poder natural.

Son muchas las representaciones artísticas que se han hecho del mito de Apolo y Dafne, y posiblemente de todas ellas la más espectacular y bella sea la escultura barroca que hizo el gran Gian Lorenzo Bernini de la que ya os hablamos en otra ocasión.

De manera que hoy os vamos a contar ese mito pero a partir de una pintura, un cuadro que hizo el artista prerrafaelista John William Waterhouse. Una pintura que no es excesivamente antigua, ya que es de 1908 pero que recoge todas las esencias del relato clásico.

Apolo era muy hábil con las flechas y el arco, tanto que acudió al monte Parnaso para liquidar a la terrible serpiente Pitón que tenía atemorizada a toda la fauna del lugar. Y como acabó matando a aquel monstruo se volvió un ser engreído y se tenía como el dios de los arqueros, presumiendo de su hazaña hasta el exceso, cansando al resto de dioses del Olimpo. Incluido a Eros, el cual tenía una figura angelical, infantil y también disponía de una arco, pero muy pequeñito.

Por eso en una ocasión que se encontraron Eros y Apolo, este último se burló del minúsculo arco y de sus diminutas flechas. Se burló tanto que Eros, dios del amor, prometió vengarse. De modo que le lanzó una de sus flechas de oro al corazón, unas flechas que provocan un enamoramiento irreprimible. En este caso, hizo que Apolo perdiera la cabeza por la ninfa Dafne.

Pero la venganza consistió en que a la bella muchacha le lanzó una de sus flechas de hierro, que tenían el poder contrario, provocar el rechazo. Así que había hecho que Apolo amará a Dafne, y está rehusara del dios.

Apolo la perseguía y corría tras ella, mientras Dafne huía. Y en una ocasión, cuando casi la iba a atrapar, la ninfa pidió ayuda a su padre Peneo. El cual ante la desesperación de su hija provocó que se fuera convirtiendo en árbol. Más concretamente en un laurel. Un relato que con todo lujo de detalles aparece en las Metamorfosis de Ovidio.

Para cuando llegó Apolo, su amor ya se estaba transformando en un laurel. Precisamente ese es el momento que nos representa Waterhouse, ya que vemos como el cuerpo de la joven se está integrando en el tronco.

No obstante, Apolo decidió amarlo igualmente, pero como un auténtico árbol sagrado. Tanto que aplicó sus poderes para que fuera una especie de hoja perenne y que estuviera siempre verde. Y además hizo su corona con ramas de laurel, una tradición que provocó que los generales, gobernantes, poetas o deportistas que triunfaban en los Juegos Olímpicos recibieran una corona de laurel como símbolo de sus victorias.

Lienzo al óleo titulado "La bola de cristal", realizado en 1902 por John William Waterhouse.

El personaje principal es una mujer observando la bola con gran atención, al fondo muestra el interior de una construcción de estilo renacentista italiano, figuras dispuestas en líneas verticales y horizontales, combinadas con semicírculos.

Obra titulada "Psique Abriendo la Puerta al Jardín de Cupido", pintada en 1904 por John William Waterhouse.

Actualmente se expone en el Harris Museum & Art Gallery, ubicado en Lancashire, Reino Unido.

Según esta leyenda de origen celta, el anciano rey Mark de Cornualles se había quedado viudo sin descendencia. Su sobrino Tristán es el encargado de escoltar hasta Cornualles a la que será la nueva esposa del rey, la princesa Isolda de Irlanda. Durante la travesía en barco, los dos jóvenes beben un filtro mágico que les hace enamorarse uno del otro. Isolda cumple su deber y se casa con el rey Mark, pero no puede evitar ponerle los cuernos con Tristán.

El rey acaba pillando a la pareja y envía a Tristán al exilio, donde será gravemente herido por una lanza envenenada. Isolda acude en su ayuda para intentar curarle, pero llega tarde y se encuentra a Tristán sin vida. Desesperada, muere de amor junto al cadáver de su amado.

En esta pintura, Waterhouse representa a Tristán e Isolda a punto de beberse la pócima que desencadenará la tragedia, poco antes de que el barco atraque en Cornualles (se ve el castillo al fondo). Los colores brillantes son típicos de los pintores prerrafaelitas, que siempre pintaban a los protagonistas de sus cuadros guapos de doler los ojos. Es muy interesante el contraste entre las dos figuras: Tristán de tez más oscura, ataviado con su pesada armadura plateada, e Isolda de piel blanquísima, vestida con telas vaporosas agitadas por el viento. Las manos de la pareja no se tocan, aunque el pie de Tristán está oculto bajo el vestido de Isolda y su rodilla se aproxima a las de ella. La mirada que se están echando es de lo más elocuente.