Jean-François Millet

Jean-François Millet nació en el campo. Ese detalle explica toda su obra. Fue en la aldea de Gruchy, municipio de Gréville-Hague, Normandía, el 4 de octubre de 1814, en una familia campesina. Fue el primogénito de Jean-Louis-Nicolas y Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet. Dos sacerdotes de la comunidad se acercaron y le brindaron sus conocimientos: así aprendió el latín y leyó a los autores modernos.

De joven había esbozado algunas piezas de carbón por la noche después de un duro día de trabajo en los campos de su hogar natal. Estos bocetos habían despertado la admiración de un artista de tercera categoría que vivía en los alrededores. Desde entonces, Millet se dio cuenta de que la carrera de un granjero no era para él. El arte era su negocio, su misión, su propia religión. El artista amigable intercedió con un comité en París para votarle una beca. Millet salió de su casa y se fue a la capital.

"Ah, hijo mía", le había dicho el sacerdote de la aldea a Jean Francois cuando era muy joven, "tienes un corazón que te causará muchos problemas; no sabes cuánto sufrirás". Y Jean Francois cumplió la profecía.

Los críticos tomaron sus pinturas a la tarea por la ausencia de alegría en ellas. ¿Alegría? No conocía ninguno. El era un campesino. Había sido criado por una abuela simple y estoica, por un padre que murió a una edad temprana de exceso de trabajo, por una madre que murió triste porque su hijo Jean Francois, que estaba pintando en Barbizon, no podía pagar el ferrocarril. tarifa a su lado de la cama. "El aspecto alegre de la vida nunca se me aparece. No sé qué es. Nunca lo he visto. Las cosas más alegres que sé son la calma y el silencio". Las últimas palabras de su abuela, una católica severa, majestuosa y casta con el alma de un puritano, ahora volvieron a él. "Prefiero verte muerto, hijo mía, que rebelde e infiel a los mandamientos de Dios… Recuerda, eres cristiano antes de ser artista".

A los 19 dejó el campo y se fue a Cherburgo en 1833. Quería estudiar pintura y eso hizo: el retratista Paul Dumouchel fue un gran maestro para él que, como una esponja, absorbía todo. Se perfeccionó hasta volverse una verdadera promesa y dos años después comenzó a tomar clases con Lucien-Théophile Langlois, un pupilo del barón Gros, en Cherburgo, quien lo apoyó económicamente para que pudiera viajar a París a la École des Beaux-Arts y estudiar con Paul Delaroche.

Y si bien sabía de sus destrezas, el primer cuadro que presentó en el Salón de París fue rechazado. ¿Qué hacer cuando, estando en la capital cultural de Occidente y en un punto altísimo de la cumbre, tropiezas? Levantarse y seguir escalando. Siguió estudiando, conociendo, perfeccionando su técnica y en 1849 se fue al bosque de Fontainebleau a reencontrarse con el paisaje de sus orígenes: el campo. Desde entonces su pintura se volvió fabulosa.

Junto a pintores como Narcisse Díaz, Théodore Rousseau, Jean-Baptiste Camille Corot y Charles-François Daubigny formaron un grupo: la Escuela de Barbizon. El objetivo era potenciarse y generar un nuevo estilo, una nueva estética, sin perder la tradición francesa. Fueron los precursores del impresionismo, le dieron un mayor vuelo al paisajismo y una gran solidez al realismo, contraponiéndose al romanticismo de Théodore Géricault y Eugène Delacroix.

De esa época (1853) es La comida de los segadores, que lleva como subtítulo “Ruth y Booz”. ”Como excusa para presentarse al premio en el Salón de 1853 (que ganaría) cuenta la historia de Ruth, una joven que tras quedarse viuda tuvo que ganarse el pan trabajando como cosechadora en los campos de Booz, que admirado por el buen corazón de la mujer acabó casándose con ella”, escribió la historia del arte Emilia Bolaño.

Los segadores son las personas que se encargan de cortar la mies o la hierba y recogerla. Y allí están, en el cuadro, pero no trabajando, sino descansando. “Millet muestra a Booz invitando a una tímida Ruth a comer junto con el resto de segadores, pero queriendo dejar claro de qué iba su obra decidió cambiar el título ‘Ruth y Booz’ añadiendo eso de ‘La comida de los segadores’, pues consideraba a los campesinos dignos de una obra de arte con mayúsculas”, agrega Bolaño.

La comida de los segadores hoy está en el Museo de Bellas Artes de Boston, en Estados Unidos. Es una de las mejores de Millet, aunque es difícil elegir. Algunos se inclinan por El aventador, que se encuentra en el Museo del Louvre, o por El Ángelus, del Museo de Orsay, o por Las espigadoras, también en el Orsay, o incluso por Cazando pájaros de noche, atesorado en el Museo de Arte de Filadelfia. Todas son obras bellísimas.

Su legado fue enorme: inspiración para pintores como Vincent van Gogh, Claude Monet, Georges Seurat y Salvador Dalí pero también para escritores como Mark Twain y Edwin Markham. Murió en Barbizon el 20 de enero de 1875, tres semanas después de casarse con su gran amor y madre de sus nueve hijos, Catherine Lemaire. Dejó, más que una obra y una estética, una sensibilidad.

El Ángelus es la obra maestra de Millet y pone de manifiesto su adhesión al Realismo. Millet muestra a dos campesinos orando y dando gracias a Dios por la cosecha obtenida con el sudor y el esfuerzo de muchos días. La pareja de campesinos interrumpe su trabajo por el sonido de las campanas anunciando el Ángelus y están orando. El hombre y la mujer agachan piadosamente las cabezas, agarrando él su sombrero y llevando ella sus manos al pecho. A sus pies contemplamos la cesta con los frutos y el apero de labor. La escena se desarrolla al atardecer, quedando las dos figuras en zonas de luz y sombra respectivamente, en un contraste lumínico de gran belleza.

Es un cuadro con un horizonte profundo. Las figuras están en el primer plano y no se comunican entre si. Los volúmenes tienen una fuerte presencia. Es una obra cargada de gran lirismo, y espiritualidad. Las pinceladas son gruesas y sueltas y los colores son tierras.

Este interés por la luz natural acerca a Millet al Impresionismo. Su pincelada es firme y segura al igual que el dibujo, emplea colores suaves para el campo y más oscuros para los personajes, reflejando las vestimentas de los campesinos a la perfección. La temática empleada por el maestro hizo que los críticos le tacharan de socialista lo cual le trajo persecuciones. Consiguió transmitir la espiritualidad de los trabajadores en su faceta más realista, alejada de tópicos.

El Ángelus es uno de los cuadros más conocidos de toda la historia. Y más allá de las interpretaciones posibles, Millet mismo cuenta que lo ha pintado pensando en su abuela.

Al parecer, en su infancia, cuando estaban trabajando en el campo y sonaban las campanas de la iglesia, la abuela hacía detener las tareas y todos debían rezar el Ángelus por los pobres muertos, piadosamente y con el sombrero en la mano.

En 1865, Millet afirmará: “El Ángelus es un cuadro que he realizado, pensando en como, trabajando antaño en el campo, a mi abuela no se le escapaba, cuando oía tocar la campana, de hacer que nos detuviéramos en nuestra labor para rezar el ángelus”. Vemos como Millet refleja su admiración por la gente sencilla del mundo rural, por su religiosidad sincera e inherente a su quehacer diario.

El artista y escritor Paul Gsell escribirá respecto a este cuadro: "En medio de los campos, un joven campesino y su esposa acaban de terminar su día de trabajo. Algunos sacos de papas se cargan en una carretilla. Las nieblas del crepúsculo están robando el campo. En el horizonte hay una aldea. El campanario de la iglesia y algunos techos de cabañas se distinguen a través de la creciente oscuridad. De repente, la música lejana del Ángelus flota en el aire tranquilo. Silenciosos e inmóviles, los dos ocupantes de la escena se pierden en la contemplación religiosa. El hombre, dejando al descubierto la cabeza, se coloca torpemente sosteniendo su sombrero en sus manos grandes y gastadas; la mujer la abraza con reverencia y los dos inclinan la cabeza. ¡Qué pobre y tosca es su apariencia! Al mirarlos, uno pensaría que ambos son compuesto por el suelo que se aferra a sus zuecos de madera. Sin embargo, en la quietud del crepúsculo, oscuramente recortada contra el desvanecimiento del esplendor de la puesta del sol, sus formas dominan la escena. El mundo de la naturaleza se está derritiendo. o las sombras cada vez más profundas de la noche y deja de abrumarlas con su inmensidad. Ya no son dos personas pobres y solitarias, sino dos almas cuya oración llena el infinito ".

Millet consideraba a este lienzo como una de sus mejores obras. Pretendía ser una ilustración del Antiguo Testamento, concretamente del libro de Ruth, pero desde el punto de vista de su propia época. Representa la historia bíblica de Ruth, una viuda que conoció a Booz, un terrateniente y pariente que eventualmente se convirtió en su marido, mientras ella estaba espigando en los campos.

Fue esta una época en la que el artista empezó a desarrollar su imaginería simbólica de la vida campesina, pero poniendo acento en las condiciones sociales contemporáneas de los ciudadanos de la Francia rural.

Millet quiere potenciar con su pintura la dignidad de las vidas humildes. Para presentarse al premio en el Salón de 1853 (que ganaría) cuenta la historia de Ruth, una joven que tras quedarse viuda tuvo que ganarse el pan trabajando como cosechadora en los campos de Booz, que admirado por el buen corazón de la mujer acabó casándose con ella.

Millet muestra a Booz invitando a una tímida Ruth a comer junto con el resto de segadores, pero queriendo dejar claro de que iba su obra decidió cambiar el título «Ruth y Booz» añadiendo eso de «La comida de los segadores».

Por una vez, Millet había puesto un sermón en su pintura. El hombre de la azada es un siervo paciente que hace la obra de Dios en su catedral de tierra y cielo. "¿Es el trabajo que hacen estos hombres el tipo de trabajo inútil que algunas personas nos hacen creer?" él desafió. "En cualquier caso, me transmite la verdadera dignidad, la verdadera poesía de la raza humana". Sí, poesía, pero poesía trágica. La labranza de los campos, la pintura de cuadros, la escritura de himnos, estas nobles obras tienen que hacerse. Pero, ¿por qué tanta amargura al hacerlo?

En esta obra Millet representa un grupo familiar en el que concedió carácter sagrado a una imagen aparentemente trivial que nos hace pensar en la infancia de Cristo en una carpintería.

Esta es una de las pinturas más conocidas de Millet, Las espigadoras (1857). Caminando por los campos alrededor de Barbizon apareció un tema recurrente en el lápiz y pincel de Millet durante siete años—el espigueo, el derecho secular de las mujeres pobres y de los niños de llevarse el grano abandonado en los campos, después de la cosecha. Encontró que era un tema eterno, unido a historias del Antiguo Testamento. En 1857, presentó la pintura Las espigadoras en el Salón, con un público poco entusiasta, incluso hostil.

Este cuadro muestra a tres mujeres recogiendo la cosecha. Al fondo se ve la carreta, un rebaño y algunas casas. Amplia perspectiva, en la que trabaja la luz muy bien, utiliza colores ocres y amarillos. Este cuadro provocó una gran polémica por parte de académicos y burgueses, porque narra la vida sencilla de las trabajadoras del campo y las ennoblece.

Una cálida luz dorada sugiere algo sagrado y eterno en esta escena cotidiana en la que se desarrolla la lucha por la supervivencia. Durante sus años de estudios preparatorios Millet sopesó cómo transmitir mejor el sentido de repetición y fatiga en las vidas diarias de los campesinos. Las líneas trazadas sobre la espalda de cada mujer llevan al suelo y luego se repiten en movimiento idéntico a su labor interminable y agotadora. A lo largo del horizonte, el ocaso perfila la granja con sus abundantes montones de grano, en contraste con las largas figuras sombrías en el primer plano. Los vestidos sencillos y oscuros de las espigadoras cortan robustas formas contra el campo dorado, lo que da a cada mujer una fuerza noble y monumental.

Millet, como otros muchos pintores de su época, se trasladó a París para estudiar arte. Tuvo la oportunidad de hacerlo en el taller de Delaroche. Sin embargo, pronto desarrolló un estilo propio. Desterró lo mitológico y lo pintoresco de sus lienzos, interesándose por el trabajo y la vida campesina desde un punto de vista innovador. Este cuadro recoge la esencia pura de Millet: simplificación, intensos contrastes de tonos, la insinuación de valores y una figura vigorosa. Además, se preocupa por captar la realidad del trabajo y retratar con precisión el esfuerzo que realiza el cuerpo. Courbet quedó prendado de él y, probablemente, lo tuvo muy en cuenta cuando creó Los Picapedreros (1849).

Una particular mezcla de rasgos realistas y románticos; conforme a los primeros, cualquier tema deviene objeto de representación artística; conforme a los segundos, adquiere tono simbólico. La luz es potente pero cálida y la imagen del pastor con su ganado remite claramente al Evangelio.

La calma, la serenidad y la armonía triunfan en este cuadro. Ataviada con una capa de lana y una capucha roja, la joven pastora (quizás la propia hija del pintor) está de pie frente a su rebaño. Ella está tejiendo, mirando su trabajo. En un paisaje monótono que se extiende, ininterrumpido, hasta el horizonte, está sola con sus animales. La bandada forma un parche de luz ondulante, reflejando los rayos del sol poniente. La escena es una admirable mezcla de precisión y melancolía. Millet observó los detalles más pequeños, como las pequeñas flores en primer plano. Hace uso de la perfecta armonía de azules, rojos y dorados.

Desde 1862, Millet había estado pensando en una imagen de una pastora cuidando sus ovejas. No se lo contó a nadie, pero Alfred Sensier cuenta que el tema "se había apoderado de él".

Una vez finalizada, la obra fue presentada en el Salón de 1864 donde fue muy bien recibida. "Una pintura exquisita" para algunos, "una obra maestra" para otros, esta escena tan apacible cautivó a todos aquellos que preferían imágenes de escenas idílicas del campo a las de la miseria campesina. Bergère avec son troupeau recibió incluso una medalla, y el Estado, que hasta entonces había mostrado poco interés, se mostró deseoso de adquirirla. Sin embargo, la obra ya había sido prometida al coleccionista Paul Tesse. Como una serie de otras pinturas de Millet, esta finalmente ingresó a las colecciones nacionales en 1909, gracias a un legado de Alfred Chauchard, el director de Grands Magasins du Louvre.

Esta es la tercera versión distinta de Millet de un tema que lo absorbió profundamente durante la segunda mitad de la década de 1850, un ama de casa de campo que regresa de un pozo local, cargando un balde (o baldes) de agua para preparar su cena familiar. Mujer cargando leña y un balde, terminada hacia 1860, es la única de esas escenas en la que la aldeana de Barbizon también lleva un fardo de leña para calentar esa sopa.

Millet rara vez proporcionaba explicaciones sobre sus pinturas o trataba de controlar su interpretación, pero un año o dos después de terminar Mujer con leña y un balde, hizo todo lo posible para asegurarse de que un escritor de la ciudad entendiera sus intenciones en una versión posterior del mismo año. :

'Traté de hacer imposible que nadie la tomara por una simple aguadora o simplemente por una sirvienta; [Quería que vieran] que ella acaba de venir de sacar agua para su propia casa, agua para hacer sopa para su esposo y sus hijos; que lleva sólo el peso, ni más ni menos, de baldes llenos; que más allá de la leve mueca en su rostro por el esfuerzo de la carga y más allá de sus ojos entrecerrados por la luz del sol, uno podría leer en su rostro una sensación de bienestar. Como siempre, evité, con horror, todo lo que pudiera parecer sentimental. Yo quería, en cambio, que ella hiciera una tarea como cualquier otra tarea del hogar, con sencillez y buena voluntad, no como una carga, un acto cotidiano que era la costumbre de su vida.

Millet estaba trabajando en su composición de mujeres que regresan del pozo durante los mismos años que creó The Gleaners (Musée D'Orsay, París) y The Man with a Hoe (Getty Museum, Los Ángeles); y así como estaba decidido a que esos grandes cuadros del Salón desafiaran los mitos sociales sobre el bienestar económico en el campo, también se comprometió a utilizar sus cuadros para que los coleccionistas privados corrigieran silenciosamente los pequeños malentendidos urbanos sobre la vida cotidiana en la Francia rural. Detrás de mijo' s muchas imágenes de mujeres cargando agua yacían siglos de canciones e imágenes populares que mostraban los pozos de las aldeas como lugares de reunión para chismes ociosos o (aún más condescendientemente) como sitios de encuentro para mujeres jóvenes ingenuas que escapan brevemente de madres vigilantes, una sugerencia popularizada por Greuze en el libro anterior. siglo y explotado con gran provecho por Bouguereau en los años posteriores a las pinturas de Millet. Como sugiere la descripción de Millet de su pintura, era bastante consciente de los placeres simples de la vida del pueblo que acompañaban sus formas más simples.

Entre los muchos cuadros de Barbizon de Millet de 1850, Mujer cargando leña y un balde se destaca por la particular belleza de su combinación de colores verde suave y marrón dorado, y por su acabado cuidadoso. El turquesa tenue de la marmota de la mujer (un pañuelo bien envuelto en la cabeza), que se repite en su escote y en el agua que salpica en su balde y hace eco en los tintes más grises del pozo cubierto de musgo y la pila de leña, es una nota de color inusual para Millet. Está perfectamente equilibrado por los pequeños toques de marrón anaranjado en la falda de su aldeano, el borde cobrizo de su cubo en la cuerda apenas visible en la ventana distante del pozo.

La pintura, inicialmente llamada Mujer que alimenta a sus hijos, se convirtió en La Becquée: «Me gustaría que fuera como una nidada de pájaros, a la que su madre da de comer», le escribía a su marchante Alfred Sensier.

"Una vez fui a un hospital para hacerme algunas pruebas y tuve que esperar en una fila durante una hora más o menos. No había traído un libro para ocuparme y, como sucede en estos casos, me entretuve mirando alrededor y examinando sigilosamente a las personas que esperaban su llamada. Después de unos minutos llegó una pareja con bebés mellizos, tal vez de un año, la madre era la paciente, no los niños. Detrás de ellos caminaba una abuela inquieta, recordándole constantemente a la mujer más joven que era hora de "alimentar a los jóvenes". Finalmente, la madre cedió el papel de cuidadora y comenzó la fiesta: la anciana sacó un frasco de puré de frutas comercial y comenzó a forzar cucharas gigantes en la boca de los bebés, animando si al menos la mitad de la mezcla terminaba dentro. Los bebés parecían infelices... estaban tan regordetes como están, ¡y sus mejillas eran casi del tamaño de su cabeza! Después de menos de dos cucharadas estaban apartando los labios, espiando. Sin embargo, los niños del cuadro que tenemos delante no parecen sufrir de sobrealimentación."

En la obra de Millet, se aprecia un sinnúmero de mujeres en el trabajo, guardando y esquilando ovejas, tejiendo, hilando, recogiendo leña, alimentando a sus hijos… Sentada a la sombra de un bosque y en una atmósfera de serenidad, su Tricoteuse, envuelta en una capa de lana está absorbida en su modesta tarea.

Descanso al mediodía por Vincent Van Gogh, 1890

Tomando la obra de Millet, al que Van Gogh idolatraba, el artista holandés se permitió hacer una versión con su propio estilo y el resultado es espectacular, llegando a ser hoy más conocida que la original.

Vincent pintó esta obra mientras descansaba de sus nervios en el asilo de Saint-Rémy después de haberse cortado su famosa oreja.

Era invierno, y como no había mucho que pintar, Van Gogh optó por copiar cuadros que admiraba. Su primera opción sería su amado Millet, que como él, veía más belleza en una pareja de campesinos que en Venus o Apolo.

La obra de Van Gogh está invertida con respecto a la de Millet. Esto se debe a que la copió de una reproducción en blanco y negro, una xilografía. Y como no tenía colores, el loco de pelo rojo tuvo que inventárselos, creando esta maravilla tonal de colores entre el azul y el inevitable amarillo.

Le Semeur (El sembrador), 1850 (Londres, National Gallery). La primera versión del Semeur hecha por Millet en 1846-47 era una pintura de pequeño tamaño, pero la versión de 1850 es como un estallido de fuerza, la figura brota literalmente en un relieve virtual. La fuerza de su puño resalta visualmente el gesto crucial, que el espesor de la materia pictórica hace salir de la superficie del lienzo hasta nuestro espacio.

Una de las pinturas que más conmovió a Van Gogh fue precisamente esta. El holandés provenía, al igual que Millet, del mundo rural. La temática conectaba con él y también el estilo del francés. Le fascinaba el halo evangélico que impregnaba a sus imágenes y, aún más, ese cromatismo terroso que, como le escribió a su hermano Theo, parecía surgir de la propia tierra. Van Gogh reprodujo hasta en ocho ocasiones El sembrador de Millet. Abandonó, pues creyó que sería imposible alcanzar a su maestro.

"Primeros pasos" por Vincent Van Gogh, 1890

La cuñada de Van Gogh, Johanna Bonger, espera un hijo para el mes de enero de 1890. Vincent se siente feliz ante la noticia - especialmente al conocer que le van a poner su nombre si es un niño como así ocurrirá - aunque ligeramente receloso ante la posible pérdida de atención que pueda mostrar su hermano ante el nacimiento de un hijo. Quizá como homenaje elabore esta bella composición, inspirada en una estampa de Millet pero adaptada al lenguaje artístico de Vincent, tomando como punto de partida el Impresionismo. Así el escenario se llena de una potente luz solar que proyecta sombras malvas, resaltando las tonalidades amarillas y verdosas incluyendo toques de blanco en la escena. La pincelada es rápida y empastada, destacando los trazos caracoleantes que observamos en la parra o en algunos matojos, mientras las líneas de contorno están marcadas con un trazo oscuro que recuerda a Gauguin. Las "traducciones" de las estampas de Millet se pueden considerar auténticos originales donde Van Gogh expresa los profundos sentimientos que desarrolla en su interior.

Agar e Ismael, detalle, 1848-1849 (La Haya, The Mesdag Collection). Según el relato bíblico, Abraham expulsó a su criada Agar y su hijo Ismael, después de que su esposa Sara diera a luz. Millet representa a las dos figuras muriendo de sed en el desierto. Para el pintor se trata sin duda de un tema clásico: dos desnudos en un paisaje inerte despojado de árboles y plantas, un desierto cuya esterilidad se expresa, no por una perspectiva y un fondo de paisaje clásico con algunos detalles, sino por un lienzo vacío sin precedentes y una gama de colores intensamente físicos. La hostilidad de la tierra yerma rara vez se ha expresado de forma tan trágica en la historia del arte europeo.

Este cuadro pertenece al último ciclo de su carrera. A partir de 1863, bajo la influencia de Théodore Rousseau, cultivó el género del paisaje, realizando diversas pinturas sobre las estaciones del año en las que rompía con lo anterior. Deja poco espacio para el hombre, reducido, en esta tela, a una pequeña silueta que sitúa debajo del árbol del centro. Es la expresión de un encuentro, llena de lirismo, entre el ser humano y la naturaleza. Una obra en la que cada elemento posee un valor simbólico para manifestar la renovación primaveral. Asimismo, se fija en la naturaleza, captura el instante, atiende a las variaciones de la luz y elige colores frescos. Se acercaba así a Monet o Renoir que, por aquel entonces, ya acudían al bosque de Fontainebleau, cerca de Barbizon, donde se había mudado en 1849 y donde permaneció hasta su muerte.

Millet pintó el momento en que el sol perfora las nubes después de la tormenta y cuando los colores de la nueva estación interceptan los tonos terrosos del invierno. Con toques vibrantes, pinta los nuevos brotes que aparecen en las ramas de los árboles.

En una carta del 18 de febrero de 1873 a su mecenas Frédéric Hartmann, Millet escribió que casi había terminado esta pintura y esperaba entregársela a su marchante Durand-Ruel dentro de una semana: "Es un montículo, con un solo árbol casi sin hojas, y que he tratado de colocar bastante atrás en la imagen. Las figuras son una mujer vista de espaldas y algunos pavos. También he tratado de señalar el pueblo en el fondo en un plano más bajo". El escenario está cerca de Barbizon, donde Millet vivió la mayor parte de su carrera; la torre distintiva de la aldea vecina de Chailly-en-Bière es visible en la distancia.