Caspar David Friedrich

Una vista fantástica ofrece la figura, que es el foco de una de las pinturas románticas más famosas. Una figura masculina, su cabello despeinado, su mano derecha apoyada en un palo, mira un impresionante paisaje de montaña. Crucial para el efecto abrumador de la imagen es su construcción refinada. La figura masculina en vista posterior se ve junto con el visor de imágenes en picos de montañas imponentes que se extienden majestuosamente fuera de la niebla. Tanto el visor de imágenes como la figura de la imagen se encuentran sobre este sublime paisaje de montaña, que parece extenderse casi hasta el infinito. Como todas las pinturas de Caspar David Friedrich, esta obra también se interpretó en detalle. El título "El vagabundo sobre el mar de niebla", que no es del propio Caspar David Friedrich, ya interpreta el contenido de la imagen. Lo decisivo, sin embargo, es que el trabajo atrae directamente a sus espectadores en su impacto, hoy en día como sin duda en el momento de su creación.

Con la pintura "El monje junto al mar" (escrita entre 1808 y 1810 y también conocida con el título de "Errante en la orilla del mar") Caspar David Friedrich rompe no solo con la continuidad de su propio trabajo, sino con toda la pintura de paisajes de su tiempo. ,

Si solo consideramos la elección del motivo, emergen los patrones recurrentes de Frederick. La pintura muestra una duna, muy desnuda y de color beige a blanquecino, que parece en la mitad izquierda de la imagen hacia el lago o el mar. La superficie del agua es casi de color negro y sobre el horizonte se llena como la niebla en la capa de nubes, por lo que la transición del agua a las nubes es apenas visible. Hacia el cielo, el gradiente cambia suavemente a un azul oscuro. Aunque podemos imaginar la luz del sol detrás de las densas nubes, la hora del día permanece oculta para nosotros.

La pintura está dominada horizontalmente, solo el monje parado en la pequeña colina a la izquierda forma una línea vertical. Al igual que en la pintura más famosa de Frederick "The Wanderer above the Sea of Fog", esta es una figura trasera que expresa la calidad desesperada del espacio en la desesperación trascendental en el encuentro del hombre y la naturaleza. El aspecto enigmático y para su época tan radical recibe la pintura por la falta de profundidad espacial. La costa, el agua y el cielo se estratifican sin ninguna transición espacial, dando la impresión de una superficie y carece del marco clásico de la época, lo que dio las imágenes de la profundidad del tiempo y la accesibilidad.

Mientras tanto, las interpretaciones de las imágenes han asumido un número inmanejable en la historia del arte. Si la imagen habla de la conciencia de estar a merced de las fuerzas oscuras e incuestionables de la naturaleza y de la historia, o si se trata solo de un monje dejado por Dios, en última instancia permanece en equilibrio.

"El árbol solitario" es una de las sorpresas de Caspar David Friedrich. Pero, ¿qué tiene de especial la imagen? La composición es clara. En el centro se encuentra un viejo roble nudoso. Forma el núcleo vertical dominante de la pintura, en el cual el espectador enfoca inmediatamente su mirada. Solo más tarde, como la segunda capa horizontal detrás, percibe los prados de color pastel, las montañas y el cielo brillando en el fondo. Una vez que sus ojos se han acostumbrado al colorido, comienza a grabar detalles. Hay un estanque en primer plano, intercalado con mechones de plantas, que refleja los colores del cielo en tonos más oscuros. Y luego viene la sorpresa: apenas reconocible apoyando a un pastor en el tronco del roble, sus ovejas pastando en las cercanías. La mirada, alienta, sigue buscando. De hecho, detrás de los campos, casi fusionándose con las montañas, se asoma una torre de iglesia y algunos estandartes de casas de humo.

Friedrich es un maestro de la composición, como se puede ver en el "Árbol solitario". Normalmente, los ojos siempre miran primero las fuentes de luz de una imagen. Pero esta pintura es diferente. Aquí se enfoca en la oscuridad, poderosa en el centro. ¿De qué otra manera puede ser que el pastor y los pequeños edificios no sean detectados por tanto tiempo? Y como ningún otro Friedrich logra crear un estado de ánimo especial. Tan hermoso, tan armonioso es este paisaje, podrías imaginarlo incluso sin el gran árbol.

Como muchas de las pinturas de Friedrich, "Der einsame Baum" ("El árbol solitario") tiene más capas de significado, y no es solo la imagen diseñada artísticamente de un paisaje inundado de suave luz de la mañana. Por un lado, está el roble, un signo de lo permanente, indestructible. Pero la vida y la muerte están unidas en ella, una indicación de la vida terrenal. Las hojas frescas todavía están creciendo hacia abajo, mientras que las ramas superiores ya están muertas. Y como suele ser el caso, el hombre y todas las cosas hechas por el hombre parecen desvanecerse en la naturaleza perfecta creada por Dios.

En esta pintura, Caspar David Friedrich solo hace aparecer la naturaleza. El "paisaje del pueblo a la luz de la mañana" se caracteriza por un gran árbol, que es el centro de la pintura, mientras que en la mitad inferior está fuertemente forrado por hojas, aparecen en la parte superior solo ramas pequeñas y secas que apenas tienen una hoja. Directamente frente al árbol hay una pequeña piscina, que brilla de azul y el rebaño de ovejas a la izquierda del árbol podría servir para calmar la sed, alrededor del cual aparece un amplio campo de flores, cuyo color cambia de un color marrón-naranja. que se puede encontrar en el lado izquierdo, a una cara mucho más feliz y más verde en el lado derecho. Tal vez influyó en la mañana iluminando la apariencia del prado, creando un juego de colores.

En el centro de la imagen puedes ver más pequeñas áreas boscosas, prados y lagos. El paisaje se caracteriza en gran medida por un exuberante verde, por lo que no hay elevaciones escénicas especiales. En el lado derecho del gran árbol, sin embargo, se puede ver un campanario de la iglesia, que se ve pequeño frente a las montañas de pie detrás y se apila impresionantemente. Sobre las montañas, que todavía están en la oscuridad de la mañana, hay un cielo azul nublado pero nublado. Las nubes brillan tan anaranjadas como los prados en el primer plano izquierdo.

En esta pintura, la naturaleza fue bellamente capturada, especialmente el juego de colores. El sol de la mañana trae un esquema de color único y sumerge al mundo en un tono naranja. Caspar David Friedrich ha colocado este filtro maravillosamente sobre el mundo rural en primer plano de una cadena montañosa, capturando todo el espectro de colores diversos del sol de la mañana.

Dos hombres se paran en un sendero de montaña y miran la luna creciente en el cielo nocturno. A su lado brilla la estrella de la tarde. Los hombres visten trajes antiguos alemanes con túnicas azules, Barrett negro y Kranzmütze. Ambos parecen familiares, uno pone su mano sobre el hombro del otro. Al anochecer, que el pintor simboliza a través del color marrón, están absortos en la conversación. El roble erizado y desarraigado por el viento, apoyado en una roca poderosa, y el bosque que aparece en la distancia completan la imagen.

Representando al espectador de la imagen, los dos hombres están en la naturaleza. Caspar David Friedrich no pinta una escena realista, pero representa la visión de la naturaleza en la era del Romanticismo. La luna creciente, con sombreado claro, la luna llena se traza, es el foco de la pintura. La escena no se puede clasificar exactamente en una estación en particular, probablemente sea primavera en el momento de la creciente luna creciente antes de Pascua. El motivo melancólico es una invitación, similar a los dos hombres representados, para participar en una visión contemplativa de la naturaleza. Polémico es el nivel político de la imagen. El momento de origen de la imagen coincide con las Resoluciones de Carlsbad de 1819, que se tomaron para combatir las tendencias nacionales en Alemania y llevaron a la prohibición de este disfraz. Por otro lado, el antiguo traje alemán se puede encontrar en pinturas, bocetos y estudios de Caspar David Friedrichs incluso antes de 1819.

El pintor Caspar David Friedrich ha hecho de esta imagen varias variantes y copias, que aún se conservan hoy. La presunta primera versión cuelga en la galería Neue Meister en Dresden. El Museo de Arte Metropolitano de Nueva York posee una pintura con sede en Dresde del propio Friedrich. Tiene fecha de 1825/30. Para copias adicionales, no está claro si el autor es Caspar David Friedrich.

Al crear esta pintura, Caspar David Friedrich se centró en la salida de la luna. Esta es la única fuente de luz en "Moonrise at the Sea" y, por lo tanto, hace que todos los demás aspectos de la imagen brillen en su esplendor. Por lo tanto, a pesar de la relativa oscuridad, son evidentes una variedad de colores que se extienden por toda la pantalla.

Solo en primer plano apenas llega la luz de la luna. El espectador vislumbra los contornos de roca gruesa a orillas del mar. Grandes y pequeñas piedras parduzcas son visibles aquí. Justo en el medio de la imagen está la roca más grande. En esta roca se sientan tres personas cuyo semblante brilla a la luz de la luna. Hay un hombre con sombrero al lado de dos mujeres. Separados, estas tres personas atraviesan una pequeña brecha entre el hombre y la mujer sentada correctamente. La luz de la luna ilumina sus cuerpos con tanta fuerza que al menos el color rojizo de las faldas de las mujeres y la parte superior azul son perceptibles. Las tres personas parecen mirar con nostalgia al mar. No está del todo claro si están estudiando la salida de la luna y los colores resultantes o los dos veleros que se están acercando a la costa. Estas dos naves son claramente visibles en el lado izquierdo de la imagen. Sin embargo, debido a la falta de iluminación, son oscuros y no tienen ningún color.

La luz de la luna se extiende al menos en la zona trasera sobre la amplia superficie del mar en la que se encuentran los barcos. En el horizonte, esto golpea el mar particularmente fuerte y lo hace brillar en un tono naranja. Sobre el mar, la luna misma está parcialmente oculta detrás de una capa de nubes violeta para poder iluminar el cielo en tonos naranja y rosa más arriba. Caspar David Friedrich colocó la luna exactamente entre los veleros y la mirada de la gente, como si estuvieran sentados directamente al lado de la luna y, sin embargo, tan lejos. El anhelo parece ser genial.

La luz de la luna encantada irradia opacamente sobre un espectacular paisaje rocoso. Un hombre está a la izquierda en la imagen y parece que está más afectado por el paisaje. Esta imagen de Caspar David Friedrich fue creada en 1825. Se sabe que el pintor mismo acudió repetidamente a la escena para absorber la fascinación de este paisaje rústico de rocas de la remota Suiza sajona. Hoy, esta ubicación es parte del parque nacional y el área de retiro de especies en peligro de extinción como el búho real.

Ahora el pintor era ante todo un artista y no un naturalista. Es por eso que el motivo de la imagen debe entenderse de tal manera que lo dramático y el tamaño del paisaje lo interesen como símbolo del romance emocional. La garganta sombría y misteriosa hechizó al pintor. Los fuertes efectos de los contrastes de luz y oscuridad son creados por la luz de la luna llena y el bosque de pinos oscuros. En el medio se encuentra un bosque profundo, cubierto de nubes de niebla, y el contorno borroso de las empinadas paredes de las montañas es un lugar intangible.

El hombre está de pie a la luz de la luna. Los contornos de su cuerpo están rodeados de luz ligera. El arroyo frente a él proviene de una cascada que yace mágicamente escondida en las profundidades del paisaje. Grandes rocas han sido colocadas en el arroyo por el artista. ¿Es una imagen natural o una composición artística? En cualquier caso, las piedras guían la mirada del espectador desde el frente hacia la imagen. El paisaje virgen también se incrementa dramáticamente por los árboles caídos en el lado derecho de la corriente. La imagen de Uttewalder razona inicialmente opresiva y melancólica. Sin embargo, en una inspección más cercana, la luz de la luna en la nube iluminada en la parte superior de la imagen y en el curso de agua da una luz conciliadora sobre el paisaje. Parece como si el mundo estuviera estancado y el sombrío desfiladero con los abetos verdes se está transformando en una naturaleza protectora y autónoma. La imagen representa la grandeza de la naturaleza, la soledad y la oscuridad amenazante inicialmente percibida. También se ilumina en el sentido romántico para echar un vistazo a la mañana siguiente, que nuevamente será respaldada por los rayos del sol.

"El Océano Ártico" es una de las pinturas más famosas de Caspar David Friedrich. Las capas de hielo quebradas, marrones, verdes y amarillas se han unido y forman una estructura triangular irregular que inevitablemente atrae la mirada del espectador. Solo tarde se da cuenta de que algo más se esconde en el hielo: un velero accidental. Solo la cola decorada es claramente visible, en algún lugar también se fusionó el mástil y una parte de una vela en color con el hielo. La sección de la imagen está bien elegida. El observador cree que está de pie frente a las placas de hielo en forma de escalera. El esquema de color marrón da la impresión de un material sólido, nada frágil y cristalino que normalmente se imagina un helado. Su poder se enfatiza así.

Por un lado, la imagen se ve desolada. Muestra el tremendo poder de la naturaleza contra el cual el hombre no tiene ninguna posibilidad. Este tema se encuentra a menudo en las imágenes de Friedrich. Pero también hay suficiente color en la imagen, por lo que "Eismeer" no se ve sombrío en absoluto. Por el contrario. La composición magistral dirige la mirada desde la parte inferior pesada y marrón hacia arriba, donde se vuelve más brillante, el hielo brilla casi transparentemente azulado, hasta que alcanza la cima, donde en el cielo la capa de nubes se abre y se abre. Espero dar shows azules.

Se supone que la pintura tiene un trasfondo histórico. En los años 1819/20 tuvo lugar una expedición durante la cual se encontró el Pasaje del Noroeste entre el Atlántico y el Pacífico. No fue ni el primer ni el último intento, y hasta ahora todo había fallado. Lo mismo hizo la expedición William Edward Parry, que sirvió de inspiración para la pintura. La situación era que una de las naves fue empujada contra la tierra por los témpanos de hielo y casi volcó. Friedrich estaba bastante seguro de conocer el diario de viaje y un grabado en cobre de la señorita cercana. No solo copió las ilustraciones, sino que las continuó.

La pintura sin fecha "Drifting Clouds" de Caspar David Friedrich en óleo sobre lienzo utiliza el repertorio del arte romántico en términos de técnica de composición y elección de motivos, transmitiendo un anhelo de vida que es típico de la obra de Caspar David Friedrich. La pintura muestra en primer plano piedras cultivadas de musgo, que están entrelazadas por la hierba alta. Detrás de las piedras hay un prado que muestra una ligera pendiente hacia la distancia y en el medio del prado se encuentra un estanque azul nublado. Desde las piedras cubiertas de musgo hasta el prado se desarrolla un gradiente de color cada vez más brillante. Si el primer plano todavía está en verde oscuro, el prado en el medio no solo se ilumina, sino que también se compensa con sombras gris azuladas que preparan el color del fondo. El pequeño estanque con su color azul grisáceo crea un contraste de color con el prado verde y el crecimiento de musgo verde oscuro en primer plano.

Al igual que el estanque al prado, el paisaje de montaña que se desarrolla en el fondo forma un contraste de color con el primer plano. Sin embargo, las montañas solo se pueden adivinar, por lo que la vista de la cordillera aparentemente interminable está nublada por un grupo de nubes, cuya disposición diagonal da la apariencia de un movimiento, como si las nubes pasaran en breve, dando así la esperanza de una visión clara. La hipermetropía surge y, sin embargo, falla.

Como en muchas de sus obras, Caspar David Friedrich abre una dicotomía de concreción mundana y abstracción de otro mundo. Por lo tanto, el color de las piedras y el musgo se diferencian mucho, parecen reales y casi tangibles. El interés real, sin embargo, es precisamente lo intangible. Como observadores, nos encontramos en el aquí y ahora, en el mundo finito de este mundo, pero nuestra mirada se dirige ansiosamente hacia la distancia infinita cuyo horizonte no se puede ver.

La

Al igual que con muchas de las imágenes de Caspar David Friedrich, las figuras de la pintura, sentadas o de pie, le dan la espalda al espectador y lo atraen misteriosamente en la dirección del ojo, aquí hacia la luna creciente. La naturaleza se convierte en objeto de contemplación, incluso de adoración.

Dos hombres han cruzado las rocas y piedras de la costa hasta el mar. Su actitud traiciona la expectativa tensa en lugar de la contemplación. Dan la impresión de que están esperando a uno de los barcos que navegan en el mar en el crepúsculo de la noche. Más adelante, en un acantilado junto a la orilla, se sientan con gracia dos mujeres vestidas de colores que miran hacia los hombres y la luna creciente, que, medio oculta por las nubes, ilumina misteriosamente la escena.

Dos triángulos ligeramente desplazados determinan la composición geométrica de la pintura. El triángulo terrenal inferior va desde los anclajes a la izquierda en primer plano y desde las mujeres a la derecha hasta los hombres de pie. Por encima de eso, las nubes forman un triángulo suavemente curvado con la luna en la parte superior.

En lugar de vegetación en primer plano dos anclas. Simbolizan el vínculo con la tierra y la costa, lo que brinda seguridad y estabilidad. El dispositivo entornado indica el bullicio de los hombres. En el fondo, casi fantasmal, los veleros blanquecinos son el punto medio entre la tierra y el cielo, dirigiendo los pensamientos que se deslizan desde la costa firme hacia un mundo de ensueño, hacia la voluble pero auspiciosa luz de la luna.

La imagen impresionante cuelga hoy en el Hermitage en San Petersburgo. Caspar David Friedrich, quien presentó el estado de ánimo del mar Báltico de una manera única, melancólica, sensual y apasionada, también era muy solicitado y apreciado en Rusia.

Caspar David Friedrich es conocido por sus paisajes profundamente psicológicos, que llevan al espectador al desierto de la naturaleza. Su sutil paleta de colores y su énfasis en la luz proporcionan al público una sensación ubicua de vacío. El minimalismo y la simplicidad de la composición transmiten las ideas significativas del artista.

La pintura "Las etapas de la vida", también conocida como "Las etapas de la vida", fue creada alrededor de 1835. Aunque el artista evitó representar lugares y personas reales, los investigadores suponen que la pintura muestra a su familia. En primer plano a la izquierda hay un anciano con pieles. Ese debería ser el propio Caspar David Friedrich. Sentado en el suelo, se puede ver a su hijo Gustav Adolf, así como a su hija Agnes Adelheid. Ella tiene una bandera sueca en la mano. Su vida apenas comienza. Comienzan a explorar el océano infinito de la vida. Al lado de los niños de la izquierda hay un joven enérgico con un cilindro. Aquí están las interpretaciones. Un juego supone que es el propio artista, pero en su juventud. La otra parte afirma que es su sobrino. El joven mira las cosas que yacen en la orilla. Están en una condición usada. El viejo es el único que nota los barcos. Mira a lo lejos y su actitud es relajada. Está listo para hacer su último viaje.

En primer plano se puede ver la costa con sus objetos dispersos: un bote invertido y un timón. En el agua de arriba, flotan cinco veleros de diferente tamaño y ubicación. Los dos barcos en el horizonte representan la mortalidad, el gran velero en el medio representa al artista, los barcos más pequeños al lado de la esperanza. Ilustran a los niños y su esposa.

El objetivo de Caspar David Friedrich era hacer que la gente pensara detenidamente sobre cómo están interconectados los barcos y las figuras representadas. El artista imagina la vida como un viaje. Las cinco naves se fusionan con los cinco humanos. Ambos muestran las etapas de desarrollo de la vida humana.

La pintura "Sobre el marinero" de Caspar David Friedrich (1777-1840) es un sentimiento brillante del romanticismo. Muestra en la vista posterior una pareja sentada en la proa de un velero, con las manos en confianza, mirando hacia la ciudad portuaria que se encuentra en la distancia. La imagen cautiva inmediatamente al observador a través de los elementos estilísticos elegidos por el pintor. Primero, son las proporciones de las personas y el velero. La gente se ve casi elegante en comparación con el mástil de madera, que se mantiene sólido e inclinado en el medio en el plano de la imagen frontal.

Parece que el espectador mismo está a bordo, ya que el mástil está al alcance. Luego, la posición oblicua del mástil en primer plano y las dos velas que están completamente en el viento nos dan una buena brisa y el barco tiene velocidad máxima. Casi participamos en el balanceo y la deriva de la nave, porque el arco ascendente en forma de flecha directamente en el centro de la imagen mejora este efecto. La velocidad del barco también se transmite por las cuerdas tensas y los pliegues apretados en la parte inferior del lienzo. Y luego estas dos personas están mirando íntima e íntimamente esta distancia irreal.

La vista concentrada de la ciudad en la distancia crea un tirón y expresa un fuerte anhelo por lo que las dos personas esperarán. La imagen es como un vistazo al futuro. En la bruma esférica de la luz del atardecer aparecen torres de iglesias y edificios de una ciudad, que no es inmediatamente interpretable. ¿Es una ciudad portuaria como Greifswald o Stralsund, motivos que el artista ha usado a menudo en sus otras pinturas? Las dos personas, el hombre de la izquierda y la mujer de la derecha, están elegantemente vestidos. El hombre viste un traje azul oscuro y una boina a la antigua manera alemana, y la mujer está vestida con un largo vestido rojo con cuello de encaje blanco. ¿Qué esperará en la nueva ciudad? Caspar David Friedrich crea una composición armoniosa con una actitud romántica y una visión de lo que vendrá con esta imagen cautivadora, que parece un recorte.

"El árbol de los cuervos" es una pintura al óleo romántica tardía del artista alemán Caspar David Friedrich, creada en 1822. Ha sido propiedad del Louvre en París desde 1975.

El motivo central de la pintura es un roble desgastado. Sus ramas nudosas, en parte rotas y muchas ramas enredadas llenan una gran parte de la imagen. Las pocas hojas marchitas sugieren un clima invernal. Hay algunos pájaros negros en las ramas. En el borde inferior oscuro de la imagen, en primer plano del roble, hay tocones de árboles y varias ramas desnudas. El roble se encuentra al pie de una pequeña colina cubierta de hierba que, según una nota en la parte posterior de la pantalla, es un montículo en Rügen. En el fondo hay un cielo vespertino azul-violeta con nubes brillantes de color amarillo anaranjado y un pequeño enjambre de cuervos para reconocer.

La pintura recuerda a una fría y tormentosa noche de invierno. El enjambre de robles y cuervos son emocionales y sombríos. Evocan un sentimiento de desesperación dramática, anhelo y atemporalidad indómita.

Caspar David Friedrich es uno de los artistas más importantes de la era romántica. Su motivo principal era la naturaleza, que utilizó una y otra vez como herramienta simbólica para representar su estado mental y sus creencias religiosas. "El árbol de los cuervos" fue creado dos años después del robo de su artista amigo Gerhard von Kügelgen, que había golpeado con fuerza a Friedrich. En 1822, también se creó una pintura titulada "Kügelgens Grab". El roble en el "árbol de los cuervos" se ha asociado en el pasado con la muerte y el cielo de fondo con la salvación cristiana.

La imagen es un poco oscura, pero aún fascinante. ¿Cómo logró el pintor crear este increíble ambiente de iluminación? La "Abadía en el bosque de robles" de Caspar David Friedrich es una pintura que cautiva de inmediato al espectador. Es difícil decir qué llama la atención primero. ¿Es el fragmento de la pared de la ruina del convento, cuya ventana gótica adorna el centro de la imagen? ¿O es más bien el fondo borroso y nebuloso, que tiene su área más brillante en el medio de la imagen e inevitablemente atrae la mirada hacia sí misma? Al menos notarás primero estos dos elementos. Entonces los nudosos robles que se alzan junto a las ruinas se hacen visibles. Solo tarde la vista vaga por la parte inferior oscura. Cruces y lápidas están esparcidas alrededor de las ruinas en la tierra cubierta de nieve, como figuras extrañas. Pero como puede ver en una inspección más cercana, algunos de estos personajes son en realidad personas, monjes, que llevan un ataúd al portal de la ruina.

La imagen ya le ha dado a muchas personas rompecabezas. Porque la composición es clara: varias verticales (los árboles y las ruinas del monasterio mismas) están atravesadas por una enorme horizontal (la franja de luz en el cielo). ¿Pero qué hay del contenido? Se podría decir que la imagen es una alegoría de la muerte y la vida eterna. Los árboles desnudos, el monasterio en ruinas, y no menos importante las cruces, indican una tumba abierta y el ataúd. La luz, por otro lado, en el fondo, en las alturas, quiere mostrarle al alma el camino hacia la eternidad.

La "Abadía en el bosque de robles" es un buen ejemplo de los temas que mantuvieron ocupado a Friedrich una y otra vez. Porque no es la única pintura que se ocupa de la muerte o la pérdida del hombre frente a una naturaleza dramática.

Las nubes pesadas cuelgan como rollos sobre una costa pedregosa y oscura. En la parte superior, en el medio, están un poco relajados, de modo que la brillante luz verdosa de la luna reconocible ilumina una estrecha franja de agua nocturna. Entre las piedras en la orilla, apenas reconocibles, dos pequeñas embarcaciones están amarradas. Todo parece estar dormido, pero debe haber movimiento en el mar: a poca distancia de la orilla, pero ya cerca de la orilla, hay dos veleros con sus velas navegando de regreso a la tierra. Un tercer barco aún está lejos.

La pintura de Caspar David Friedrich "Sea Shore in Moonlight" es una pintura romántica clásica. El pintor ha creado una atmósfera impresionante en marrones, azules y verdes, que cautiva al espectador. La composición está bien pensada: la luna ilumina exactamente la superficie del agua entre los dos barcos cercanos a la tierra, la luz conduce la vista entre ellos a través de una puerta y lejos del mar. Debido a que la vista primero percibe esta parte, el espectador descubre los botes pequeños en tierra y el tercer velero tarde. Esto corresponde exactamente a la técnica de pintura de Friedrich: sus imágenes no se pueden capturar con una sola mirada, siempre es necesaria una mirada más cercana.

Como suele ser el caso en las pinturas de Friedrich, esta imagen también muestra una naturaleza perfecta pero casi inviolable. Del hombre y de todo lo hecho por el hombre, en este caso los barcos y las naves, solo se pueden ver sombras indistintas. Pero también tiene un trasfondo religioso. La pintura es probablemente la última imagen de Friedrich antes de morir. Lo pintó después de su trazo, aunque apenas podía guiar el pincel. Tal vez fue una imagen de despedida: puede verse como llegar al puerto después de conducir por la vida.

La pintura Winterlandschaft mit Kirche de Caspar David Friedrich está pintada en un paisaje místico y sombrío. Un hombre se sienta cansado apoyado contra una piedra, sus manos están dobladas en oración. Lleva un pantalón gris azulado claro y una chaqueta verde oscuro. Está sentado directamente con sus pantalones en la nieve fría y húmeda. Tiró sus muletas de madera en su camino hacia la piedra en la nieve. Esta circunstancia muestra que no quería o no podía continuar. El hombre no parece equipado para una larga caminata. No tiene mochila con él. Además, las muletas de madera indican que no es bueno a pie. Anhelaba un descanso o tal vez tomó el arduo viaje para llegar al crucifijo.

Su mirada está fija en una cruz de madera con un Jesús parado entre abetos grandes y majestuosos. Casi parece que el gran abeto comienza a crecer alrededor del crucifijo y desaparecerá con los años. El paisaje montañoso que rodea al hombre está cubierto de nieve. Los abetos de diferentes tamaños y las grandes piedras están ligeramente cubiertas de nieve.

El cielo está iluminado en un tono amarillo y azul, que se funde en un rojo ligeramente desteñido en el borde izquierdo hacia el suelo. Este juego de colores sugiere que el sol se está poniendo y es rojizo. El juego único de colores subraya el estado de ánimo místico de la imagen.

En el fondo, una niebla de velo ve misteriosamente una iglesia de inspiración gótica en sus contornos. La iglesia, con sus torres, parece casi un castillo tragado por la niebla. Le da profundidad a la imagen y atrae la primera vista de sí mismo, de modo que la inclinación contra un hombre de piedra solo se percibe en una inspección más cercana.

Caspar David Friedrich también pintó una hermosa vista sobre un paisaje, como se conoce por muchas de sus obras de arte. El espectador de la imagen obtiene una maravillosa visión de la naturaleza y la vida de las personas. "Mittag" deja abiertas al observador todas las posibilidades para ver y comprender libremente el paisaje y los habitantes de este mundo.

Si observa la pintura, el grupo de árboles aparece inmediatamente en el medio del lienzo. Los aproximadamente 20 árboles se elevan en altura y brindan mucha sombra. Esto es especialmente evidente por el hecho de que debajo de los árboles no parece crecer hierba verde. Un tono marrón domina junto con las sombras oscuras creadas por el sol cenital. Si la vista se adentra más en el fondo de la imagen, se ven bosques más densos y más grandes, que se extienden bajo el cielo azul sobre todo el fondo. Si bien la vegetación allí solo es débilmente reconocible y diferentes tonos de verde marcan el suelo, es más notable en primer plano. Desde la parte frontal derecha de la imagen, un camino de tierra conduce a la izquierda y al fondo. A ambos lados de este camino de campo marrón crecen varias hierbas, arbustos y flores. Especialmente en el área frontal izquierda de la pintura, estos han sido bien organizados.

Sin embargo, dado que el día también se caracteriza por el trabajo y esto también se lleva a cabo a la hora del almuerzo, las personas también son perceptibles. Mientras que en el lado izquierdo del campo hay una persona que parece estar inactiva, hay una persona más activa en el lado derecho de la imagen. Él hace su trabajo y conduce a las gallinas para que encuentren suficiente comida. Al menos deje que se cierren los muchos animales sombríos entre él y el grupo de árboles en el medio de la imagen. Por lo tanto, "Mediodía" no solo se caracteriza por la belleza escénica, sino también por el trabajo de las personas y ofrece una visión general de la belleza de la vida cotidiana.