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LA CERÁMICA GRIEGA Y ROMANA Y OTRAS ARTES FIGURATIVAS
1.1 CERÁMICA GRIEGA
1.1.1 Estilo geométrico
Se pueden establecer los siguientes períodos: protogeométrico (1000 -900 a. de C.); geométrico temprano ( 900 -750 a. de C.), y geométrico tardío ( 750 -700 a. de C.).
Los más antiguos ejemplares son de color negro con escasa decoración, limitada en una sola franja horizontal de temas rectilíneos. Poco a poco va aumentando el número de franjas, y entran el meandro y la cruz gamada.
En un segundo momento, hacia fines del siglo IX a. de C. , se empieza a dividir la zona principal del vaso por medio de verticales, introduciendo en el campo decorativo siluetas de pájaros, caballos y ciervos, en hilera o agrupados. El barniz pasa a un color castaño oscuro, que resalta sobre el fondo amarillo de la arcilla.
Ya en el siglo VIII a. de C. aparece la figura humana y los vasos pasan a ser usados como monumentos fúnebres. Los ornamentos lineales aparecen distribuidos en fajas superpuestas alrededor del vaso, siempre manteniendo una simetría, inquebrantable aún a pesar del repentino cambio de tema.
Se da la alternancia de figuras humanas y animales con esquemas geométricos. Se basa también este estilo en la repetición de fórmulas.
El estilo Dipylon sobresale en Atenas y nos muestra el estilo en plena época de madurez. Muchos de estos vasos representan antiguos ritos que aparecen en la Ilíada, como los funerales de Patroclo.
1.1.2 Estilo orientalizante
1.1.2.1 La cerámica de Corinto
A mediados del siglo VII a. de C. se coloca a la cabeza de todas las fábricas de esta época.
Payne distingue cinco períodos: protocorintio (750 – 640 ); de transición (640 -625); corintio primitivo (625 -600 ); corintio medio (600 -575 ), y corintio tardío ( 575 -540 ).
Los pintores emplean a la vez dos técnicas: el dibujo de contornos y el de siluetas, que se complementan con incisiones para marcar líneas y detalles dentro de la silueta. Al color negro se suman zonas con colores rojo y blanco y alcanza lo que se conocerá como la cerámica de figuras negras.
Existe una gran variedad en cuanto a las formas.
Todos estos vasos suelen formar una decoración de hileras de animales sobre un fondo de motivos florales, sobre los que destaca la roseta de puntos. Más tarde se incluirá el tema de la mitología.
Entre las producciones de Corinto destaca el aryballos de Berlín adornado con una hazaña de Hércules. A partir del siglo VII a. de C. destaca el vaso Chigi con el encuentro de dos ejércitos de hoplitas en la faja superior. Con este ejemplo se puede decir que se cierra el protocorintio.
El corintio posee menos fuerza. Atenas hace sentir su competencia y las exigencias comerciales sacrifican la calidad por la cantidad: se limita a una fórmula repetitiva.
A principios del siglo VI a. de C., los corintios intentan imitar la pasta anaranjada de la cerámica ática.
1.1.2.2 La cerámica de Rodas
Este estilo de vasos se caracteriza por la preparación del fondo para los adornos pintados, con una capa de barniz que oscila entre un lavado fino y un espeso engome blanco. Esta cerámica florece durante el siglo VII a. de C., desaparece a comienzos del VI a. de C. y deja como sucesora a la cerámica de Fikellura.
El estilo se caracteriza por su decoración, por el cuidado del dibujo y la ornamentación puramente oriental.
1.1.3 Cerámica ática de figuras negras
Los vasos del siglo VII a. de C. se caracterizan por la espontaneidad y lozanía de sus dibujos.
La leyenda heroica ofrecía a los pintores de esta época una gran riqueza temática. Los frisos de animales y de monstruos siguen ocupando lugares eminentes.
Para sus últimas décadas se eliminan los dibujos a línea. Esta depuración técnica se debe en gran parte al pintor de Neso, cuya ánfora representa la leyenda de Perseo en el cuerpo de vaso y el combate de Heracles y Neso.
Entrado ya el siglo VI a. de C. se advierte un considerable progreso con el llamado vaso François, que está formado por sus dos autores: el alfarero Ergótimos y el pintor Klitias. Está compuesta por un centenar de miniaturas dispuestas en fajas horizontales. En su mayor parte tales miniaturas ilustran episodios de leyendas heroicas y mitológicas.
A partir del siglo VI a. de C. se acentúan cada vez más las dos corrientes paralelas de la cerámica ática: la del estilo miniaturista y la del estilo monumental.
Este último lo cultivan preferentemente el Pintor de la Acrópolis, Nearchos y Lidos. El estilo miniaturista prosigue su curso en los Kylikes llamados “ copas de Siana” y posteriormente en las “copas de los maestros menores”. Dos variedades conviene distinguir en éstas últimas: copas de labio y copas de bandas.
Exequias, Lydos y Amasis son los principales maestros de la cerámica de figuras negras. Entre las creaciones de su primera época destaca un ánfora, en el museo Británico, que figura en una de sus caras la muerte de la amazona Pentesilea a manos de Aquiles. La célebre ánfora del Vaticano de Exequias muestra a Aquiles y Ayax concentrando toda su atención en un juego de habilidades y azar.
1.1.4 Cerámica ática de figuras rojas
El fondo se recubre de pintura negra y las figuras se dejan en claro y toman el color de la arcilla. El pintor esboza primero los contornos y los grandes rasgos de sus figuras, y luego los rodea de una ancha banda de pintura. La operación más delicada consiste en dibujar los detalles interiores. Empleando un pincel muy fino, el pintor traza líneas sin grosor, pero de marcado relieve.
Dicha técnica tardará quince años en imponerse. Además se introducen múltiples innovaciones: las figuras, antes de perfil, girarán al espectador total o parcialmente. Así la solidez y el volumen de los cuerpos ganan.
En esta época el kylix adquiere máxima importancia.
1.1.4.1 Período de transición ( 530 -520 )
El pintor de Andócides fue con mucha probabilidad el introductor de esta técnica. Los primeros ensayos en figuras rojas los hace en “vasos bilingües”, vasos que tienen figuras negras por una cara y rojas por la otra.
1.1.4.2 Período primero ( 520 -500 )
Eufronio y Eutímides alcanzan la mayor altura en este campo. La afición con que estudian los cuerpos en movimientos determina el predominio de ciertos temas: las escenas de palestra; los bailes de las comparsas; y los ruidosos tropeles de bacantes y sátiros.
Eufronio se consagra a los vasos grandes. El mejor ejemplo de su interés por los escorzos se encuentra en la escena de la lucha de Heracles y Anteo.
Eutímides no alcanza el nivel de Eufronio, pero le sobrepasa en el manejo de los escorzos. Su obra maestra es el ánfora de Münich.
1.1.4.3 Período segundo ( 500 -470 )
El estilo de esta época es llamado por algunos autores, arcaico de madurez.
El pintor de Panaitios se caracteriza por el presuroso ritmo de sus movimientos y por el sello personal de sus figuras, que tienen cabeza grande, nariz larga y el pecho dibujado en dos grandes eses. Sus mejores pinturas son un Sátiro sentado en un ánfora y la conversación de Teseo y Anfítrite.
La mayor virtud de Douris es la creación de grandes conjuntos decorativos. Destaca el psykter del museo Británico con un friso de sátiros.
Los personajes del pintor de Brygos se distinguen por el cráneo alargado, frente ancha, labios de forma delicada, barbilla redonda y fuerte, ojos largos y ropaje muy elaborado. Entre sus obras representativas se halla una Iliupersis, un grupo de Ménades, Zeus persiguiendo a Ganimedes en un cántaro de Boston y la hermosa ménade que decora un kylix blanco.
Aparte de la mitología, Macrón cultiva las escenas amorosas. Su taza del Louvre con la despedida de Triptólemo es una de sus más logradas piezas.
El pintor de Cleofrades y el pintor de Berlín adaptan su estilo a la exornación de grandes vasos.
1.1.5 La cerámica ática entre el 475 -450
El influjo de la pintura mural se hace sentir con toda su fuerza. Aparecen composiciones en las que todas las figuras se distribuyen libremente por el espacio.
Los mismos estímulos despiertan un vivo interés por los escorzos, la perspectiva, el sombreado y la expresión de emociones.
En la forma de los vasos se advierten grandes cambios: las de mayor popularidad son el pelikai, stamnoi, ánforas y cráteras. Al lado de la cerámica de figuras rojas adquieren gran desarrollo los vasos de fondo blanco.
Cabe distinguir varios grupos de pintores con cuatro tendencias claramente definidas: la escuela del Pintor de Altamura y del Pintor de Nióbides cultiva una pintura histórica en un estilo monumental académico, de ejecución torpe, inanimada y fría; el grupo del Pintor de Villa Giulia puede llamarse académico, de ejecución, se distingue por sus figuras reposadas, graciosas y por sus sencillas composiciones, bien ajustadas a la forma de los vasos; la belleza de la línea y del diseño se advierten en el grupo de los naturalistas ( el Pintor de Pentesilea, el Pintor de Sotades y sus seguidores); y el Pintor de Pan que se relaciona con un cuarto grupo, el de los manieristas.
1.1.6 Vasos de la segunda mitad del siglo V a. de C.
Las pinturas de vasos representan los ideales de la época, pero renuncian a emplear todos los medios de que por entonces disponía la pintura mayor; sólo los vasos de fondo blanco parecen acortar bastante esta distancia.
Los principales maestros son el Pintor de Aquiles, Polignotos, homónimo del gran pintor de Thasos, y el Pintor de Eretria, con el cual se verifica la transición al período siguiente.
A partir del 425 a. de C. hay un cambio de estilo llamado “suntuoso”, menos descriptivo que el anterior, pero que también sirve para incluir aquellos vasos en que perdura la tradición de la época precedente.
Las majestuosas figuras del arte clásico van cediendo sus puestos a otras más delicadas y frágiles, que visten con afectada elegancia y en todo su porte dan una impresión de amaneramiento. En la temática predominan las escenas de la vida doméstica. En la técnica de figuras rojas, los barnices blanco y amarillo ocupan áreas cada vez mayores. La analogía de estos vasos con la escultura contemporánea es evidente.
Tres modalidades dominan en la pintura de vasos: el grupo del Pintor de Cleofón y el Pintor del Dinos de Berlín, se caracterizan por la grandiosidad de sus composiciones, por sus estructuras de formas redondas y carnosas, por sus vestidos amplios con pliegues de corte clásico y por su perfecto sentido del espacio; el Pintor de Meidías y su grupo son los que mejor reflejan el sentir de la época, sus asuntos predilectos se desenvuelven entre mujeres, en sus cuadros abundan las expresiones melodramáticas, por último, a fines del siglo y comienzos del siguiente se desarrolla un estilo sumamente artificioso, los colores blanco y amarillo transforman el aspecto tradicional de los vasos, los más distinguidos son el Pintor de Talos, el Pintor de Prónomo y el Pintor de Suessula.
1.1.7 La cerámica en el siglo IV
Prolonga la dirección de la cerámica de fines del siglo V a. de C., sin renovarla. Su mayor interés radica en su gran difusión.
Hacia el 370 a. de C. se inicia una restauración del estilo clásico, que se percibe por la aparición de figuras atléticas. Los vasos áticos de este período se conocen con el nombre de Kerch, por los muchos encontrados en esta localidad de Crimea.
A partir del 360 a. de C., los pintores se complacen en decorar grandes pelikés, cuya forma se prestaba a una composición ornamental: los personajes se escalonan en diversos planos y las figuras se aproximan unas a otras hasta el punto de cubrir toda la superficie del vaso.
1.2 MOSAICO
En Olinto se han encontrado muchos mosaicos griegos de los siglos V y IV a. de C., habiendo aparecido otros parecidos en Olimpia, Alejandría y Macedonia. En contraste con la mayoría de los mosaicos posteriores, éstos no están hechos a base de piedrecitas talladas o teselas, sino de cantos rodados en su color natural, blancos, negros y multicolores.
Los temas utilizados son los habituales en las demás ramas del arte griego, es decir, animales, monstruos, escenas mitológicas y motivos florales. Particularmente notables son las representaciones de las Nereidas y Belerofonte atravesando a la Quimera con su lanza, ambas procedentes de Olinto y fechadas en la primera mitad del siglo IV a. de C.
Parece ser que la técnica de las teselas se introdujo en Grecia desde Oriente después de las conquistas de Alejandro.
En Olinto, Delos y otros lugares han aparecido algunos de época helenística. En época romana se empleó exclusivamente dicha técnica.
Al igual que en la pintura romana, en algunos mosaicos se aprecia claramente que son copias de famosos originales griegos.
1.3 OTRAS ARTES EN EL MUNDO GRIEGO
1.3.1 Estatuillas y relieves menores
No se limitan a repetir la historia de la escultura mayor.
Su uso era distinto al de las esculturas mayores.
Usaron gran variedad de materiales para dichas estatuillas. Además de la piedra y el metal, emplearon marfil, hueso, ámbar, cera, madera y terracota.
Muchas de las figuritas de bronce sirvieron originariamente como detalles ornamentales en trípodes o como asas, patas u otros detalles de vasijas, espejos y otros utensilios.
Algunas se dedicaron en santuarios.
1.3.2 La metalurgia ornamental
Abarca un campo muy extenso. Consiste principalmente en armaduras, trípodes y objetos para el hogar. Su decoración consistía en relieves, incisiones y figuras a bulto redondo.
Pueden distinguirse varias técnicas: el repujado: se colocaba la lámina de metal sobre un molde de colofonia, dándosele la forma alternativamente por delante y por detrás; en el batido se martilleaba la lámina sobre una matriz con el dibujo en negativo; en el estampado se imprimía el dibujo del troquel en el metal; y el vaciado de relieves, que era muy parecido al de las estatuas.
Parece ser que en los primitivos tiempos no se utilizaba el molde, de hecho, hasta época helenística no se reprodujeron copias exactas.
En todas estas técnicas se emplearon herramientas de grabado para labrar los detalles.
Las incisiones se hacían con instrumentos de diversas formas, como la ruedecilla, la perla y el cincel plano.
También se utilizaban las incrustaciones, empleándose fundamentalmente piedra de colores, vidrio, hueso, marfil, cobre, oro y plata. Su principal objetivo era impartir a la pieza un efecto de policromía.
1.3.3 Orfebrería
Las técnicas del modelado, vaciado, repujado, la talla, el granulado (decoración a base de minúsculas bolitas formaron un diseño o cubriendo la superficie de una pieza), la filigrana (decoración a base de alambres muy delgados), trenzado, embutido y engaste se practicaba con gran maestría.
Naturalmente, el oro no era el único metal que los griegos emplearon en su orfebrería.
También se labró la plata, el electro, el bronce, el plomo y el hierro.
La decoración de las joyas muestra la misma evolución que las demás ramas del arte griego. Al principio se representaban las figuras humanas y animales de forma generalizada, luego siguiendo unas reglas fijas y finalmente de manera naturalista. También cambia la temática. En un primer momento las composiciones son sencillas, haciéndose gradualmente más complejas.
1.3.4 Vidrios
Su uso era restringido. El soplo no se utilizó hasta el siglo II a. de C. ó el I a. de C. Hasta entonces la mayoría del vidrio se modelaba trabajándose a mano, usando una técnica corriente en Egipto: se modelaba la vasija de vidrio en estado fluido sobre un núcleo y mientras estaba todavía caliente se aplicaban a su superficie unos hilos de vidrio de colores, que se pegaban haciéndola girar, produciéndose distintos dibujos al cruzar su superficie en diversas direcciones con un instrumento afilado.
Tanto las formas como los colores adoptados por los griegos eran distintos de los egipcios.
Durante la época helenística se continuó usando la misma técnica, pero las formas y la decoración variaron ligeramente. Los cuellos de los alabastrones se alargaron, las formas perdieron su anterior grosor y las asas se agrandaron y complicaron.
Se considera que el vidrio transparente existió ya en el siglo VII a. de C. y parece ser que se continuó usando durante las épocas clásica y helenística.
2. CERÁMICA EN ROMA
En la época republicana, el principal centro productor de cerámica estaba en la Campania, de ahí que a esta cerámica se la denomine “campana”. El barro que utiliza suele ser rojo y a veces gris, pero el barniz es siempre negro, por lo que esta cerámica suele conocerse como “cerámica negra campana”. Las formas son muy variadas, poco corrientes; no obstante en Celas se fabricó una cerámica decorada con relieves, imitando vasos metálicos, que es conocida con el nombre de “cerámica celona”.
La cerámica negra campana deriva de la cerámica griega del siglo IV a. de C. y en Italia se produjo desde comienzos del siglo III a. de C. y durante los siglos II y I a. de C., coincidiendo la terminación de su producción con el comienzo de la producción de la cerámica aretina.
La cerámica aretina recibe este nombre de la localidad de Arretium (Arezzo ) en el Norte de Italia, que es donde estuvieron los talleres más importantes de esta especialidad.
También se la denomina cerámica sigillata o terra sigillata, debido a que lleva una estampilla con el nombre del fabricante o artífice. Este nombre de “terra sigillata” también se aplica a las cerámicas sucesoras de la aretina.
La arcilla utilizada por la cerámica aretina es roja como el lacro, su decoración es en relieve, el estilo de los vasos de plata y de oro de la época.
Desde los comienzos del Imperio de Tiberio se produjo una dispersión de los talleres de cerámica sigillata, de tal manera que en todas partes del Imperio surgieron talleres de esta modalidad.
(Trabajo realizado por el equipo de profesores del Centro de Documentación y Estudios.)
Segovia, 26 de abril del 2025
Juan Barquilla Cadenas.
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