D'autres élèves préparent le concours d'entrée à l'École des beaux-arts : Monet, Renoir, Sisley et Bazille. Volontiers plus dandy que bohème, il fait l'objet de caricatures. George du Maurier le dépeint dans son roman Trilby (1894) sous les traits de Joe Sibley. Whistler menaça son ancien ami du Maurier de lui faire un procès. Il se lie d'amitié avec Alphonse Legros et Henri Fantin-Latour. Ils décident de faire carrière et fondent la Société des Trois.

En 1859, il arrive à Londres où il passe une longue partie de sa vie. Il se présente comme un aristocrate sudiste ruiné, bien que sa sympathie envers les sudistes pendant la Guerre civile américaine ne soit pas démontrée.

En 1863, Napoléon III fait ouvrir le Salon des Refusés dans un coin du Palais de l'Industrie. Deux tableaux font sensation : Le Déjeuner sur l'herbe de Manet et La Dame en blanc de Whistler, œuvre refusée l'année précédente à la Royal Academy de Londres.

Découvrant Vélasquez et la peinture espagnole introduite au Louvre par Louis-Philippe, il part pour Madrid afin d'admirer l'œuvre du maître, mais le voyage s'interrompt à Guéthary. Cependant, Vélasquez l'influençera dans nombre de portraits comme Arrangement en noir (1884), son Autoportrait en brun et or (1896), ou dans Arrangement noir et or, le comte Robert de Montesquiou (1891-1892, The Frick Collection, New York).

En 1866, Whistler participe à un trafic d'armes au cours de la guerre entre l'Espagne et le Chili. Whistler s'intéresse également à la peinture extrême-orientale et collectionne les porcelaines et les tissus orientaux où, comme Dante Gabriel Rossetti, les bois gravés servant à imprimer les tissus. 

Paris Musée d'Orsay

La mère de l'artiste

Arrangement en gris et noir n°1, portrait de la mère de l'artiste rappelle, ne serait-ce que dans son double titre, la stylisation à laquelle Whistler soumet rapidement l'esthétique réaliste des débuts. L'acuité psychologique du portrait s'impose avec force dans le dépouillement formel de la composition. L'oeuvre, dans sa rigueur linéaire et chromatique dominée par des tons neutres, prolonge les recherches du peintre dans le domaine de l'estampe. Elles sont directement évoquées dans le tableau par une Vue de la Tamise, accrochée au mur.

Whistler, délaissant définitivement l'anecdote, ne donne bientôt plus que des sous-titres musicaux à ses peintures, privilégiant la notion musicale d'harmonie plutôt que celle de sujet. Le tableau, acheté par l'Etat français en 1891, est aujourd'hui l'une des plus célèbres oeuvres d'un artiste américain, conservée hors des Etats-Unis. 

Washington National Gallery of Art

La jeune fille en blanc

Symphonie en blanc n°1 : la jeune fille en blanc, en anglais Symphony in White, No. 1

The White Girl, est un tableau réalisé par le peintre américain James Abbott McNeill Whistler en 1861-1863. Cette huile sur toile est le portrait d'une jeune femme rousse, Joanna Hiffernan, vêtue d'une robe blanche qui se tient debout sur une peau de loup, du lys à la main, devant un rideau blanc. Exposée au Salon des refusés, à Paris, l'œuvre est aujourd'hui conservée à la National Gallery of Art, à Washington. 

Wapping sur la Tamise

L'artiste américain James Abbott McNeill Whistler a réalisé ce tableau de Wapping à ses débuts à Londres, alors qu'il utilisait encore un style figuratif.

Arrivé en 1859, il fut influencé par le poète français Baudelaire pour chercher des sujets parmi les classes populaires de la ville moderne et choisit de s'installer dans le quartier des quais de Wapping, qui regorgeait de travailleurs fluviaux de toutes sortes. Vivre, manger et boire parmi eux lui a permis de se faire une idée de la vie quotidienne des travailleurs de l'époque et, en tant qu'ancien topographe du département de cartographie de l'Office of Coast Survey des États-Unis, il a pu produire des gravures habiles qui transmettaient un sens de la Tamise animée et de ses rives.

Cette image de Wapping, cependant, est à l'huile et, contrairement à ses œuvres ultérieures, il s'agit d'un exercice de réalisme, montrant trois personnages sur un balcon donnant sur la Tamise à Bermondsey. Bien que rehaussée des couleurs profondes des peintures à l'huile, la toile conserve les contours nets d'une gravure, notamment dans la représentation du trafic qui passe en arrière-plan. Le contour partiel de la troisième personne encadre le tableau et aide à contenir l'action sur l'eau, tout en suggérant peut-être aussi une autre vie derrière lui.

L'harmonie des couleurs était essentielle à l'art de Whistler. Il a appliqué des nuances finement, recouvrant la toile de plusieurs couches de peinture et augmentant progressivement leur intensité. Les personnages seraient d'abord peints en brun terne, se fondant dans la toile, qui verrait ensuite le fond recevoir le même traitement. Ce processus s'est répété à maintes reprises au fil du temps, jusqu'à ce que Whistler donne vie à la scène, lui donnant le genre de profondeur qui apparaît dans cette représentation avec sa rivière trouble et ses bateaux qui se bousculent.

Embrassant les idéaux du mouvement esthétique et son slogan Art for Art's Sake, son approche radicale doit beaucoup au style japonais qui inspirait alors les artistes occidentaux, utilisant des formes plus plates qui l'amèneront progressivement à s'éloigner du réalisme et à se diriger vers l'abstraction. . Pour cela, Whistler occupe une place importante dans l’histoire de l’art, entre impressionnisme et post-impressionnisme, changeant la façon dont d’autres, comme Manet et Degas, considéraient leur travail. James Whistler a également étudié Velázquez, Rembrandt et les sculptures de la Grèce antique, et leur influence est facile à voir dans cette vision de Wapping.

Washington Freer Gallery of Art

Le Paravent d'or, Caprice en pourpre et or

Le paravent d’or, en 1862, où le personnage du tableau est une femme occidentale, qui aime porter et collectionner des œuvres d’art orientales, une mode très répandue à l’époque, signifie notamment cette adoption des attitudes orientales quand aux problèmes de la ligne et de la perspective, des relations délicates de couleurs, de la composition d’un thème sur la surface picturale, en même temps qu’elle figure le vêtement oriental. Whistler partage la passion très répandue pour les estampes japonaises, qui ont tant fasciné, entre autres, des peintres comme Van Gogh et Mary Cassatt. Contrairement à ses collègues, Whistler ne s’est pas limité aux aspects techniques ou compétitifs, mais a tenté une interprétation sophistiquée. Comme toujours, James Whistler fait preuve d’un mépris total pour le motif : ce qui l’attire, ce sont les réflexions techniques et expérimentales sur la couleur et le dessin. 

Trouville, bleu et argent

Cette toile, peinte en automne 1865 lorsque Whistler travaillait au côté de l'artiste Gustave Courbet à Trouville, marque un tournant dans le développement du style artistique de Whistler. Entre la fin des années 50 et le début des années 60, les peintures ouvertement non-conventionnelle de Courbet et son personnage, en font un modèle puissant pour Whistler. Harmonie en Bleu et Argent est à la fois un hommage à l'influence de Courbet et une affirmation de Whistler de s'orienter vers une préoccupation exclusivement esthétique et un style de peinture plus indépendant. Intitulé en 1866 par l'artiste : Courbet sur le bord de mer, cette toile fait écho à la composition de l'oeuvre de Courbet, La plage de Palavas (1854). Alors même qu'il fait référence à Courbet dans le titre de l'oeuvre et qu'il y fait figurer Courbet lui-même, Harmonie en Bleu et Argent annonce un tournant majeur, avec l'émergence de ce qui sera plus-tard la phase de maturité dans la peinture de Whistler.

Note Rose La Romance

Le Balcon, Varation in flesh colours and green

"Variations de couleur chair et de vert - Le balcon" est une peinture, commencée en 1864 et finalement achevée en 1879, par l'artiste américain James Abbott McNeill Whistler, 1834-1903, dans le Londres victorien, en Angleterre, pays dans lequel il était principalement basé. pour le reste de sa vie après son arrivée là-bas à l'âge de vingt-cinq ans. Cette œuvre d'art intrigante se trouve désormais à la Smithsonian Freer Gallery of Art, un cadeau de Charles Lang Freer (le plus important collectionneur de Whistler), à Washington DC, aux États-Unis. Whistler basait souvent les titres de ses œuvres uniquement sur les couleurs les plus prédominantes qui y étaient représentées. Son attitude fondamentale à l'égard de la peinture était qu'il s'agissait d'un processus fondamental consistant à réduire la composition à ses éléments les plus formels, à savoir les variations de teintes. C'est le premier de ses tableaux à présenter un papillon (stylisation de ses initiales et symbole de métamorphose) dans un cartouche japonais, qui remplace sa signature traditionnelle. En effet, Whistler fut l'un des premiers admirateurs occidentaux sérieux de l'art japonais (voir également "Caprice en violet et or - Le paravent d'or" de 1864 et les "Nocturnes" des années 1870). "Variations in Flesh Color and Green" transforme la vue quotidienne de son balcon surplombant la Tamise et de ses modèles anglais en une scène japonaise fantastique aux motifs nationaux : des fleurs de cerisier, un instrument de musique à cordes, un éventail, des rideaux, un saké. bouteille et petites tasses sur un plateau laqué noir et un matelas au sol. Les jeunes filles japonaises sont parées de costumes orientaux, dont l'un présente un motif particulièrement orné. Les repères des protagonistes sont tirés directement des estampes des presque contemporains Utagawa Kunisada, Katsushika Hokusai et Utagawa Hiroshige, artistes japonais dont les œuvres furent les premières à parvenir en Occident. Le quartier industriel très réel, pollué et brumeux de Battersea, offre un arrière-plan sombre qui contraste fortement avec le premier plan lumineux et imaginatif. Les formes distinctives des terrils sont probablement inspirées des images du mont Fuji. Comme cela apparaît clairement ici, Whistler était un précurseur du mouvement japonisme, un terme inventé en 1872 par le critique d'art et collectionneur français Philippe Burty, faisant référence à tout ce qui est japonais dans le monde de l'art.

La petite fille en bleu

Charles Lang Freer (1854-1919), l'a acheté à l'artiste en 1903 mais ce n'est qu'à partir de 1920 qu'elle sera à la

Freer Gallery of Art, par un don de Charles Lang Freer en 1920.

D'après la remarque du conservateur GD Guest, en 1945, dans le dossier de l'objet : « En examinant la question de l'achat du tableau, il s'avère qu'un bon couvrant son achat n'était pas inclus parmi les fichiers envoyés de Détroit à Washington en 1920.

Mais une recherche dans les lettres de Whistler révèle que la peinture à l'huile, Harmony in Blue and Gold: The Little Blue Girl, comme l'artiste vient de l'appeler, a en réalité été achetée et payée en 1894.

Une note signée de M. Whistler, datée du 28 novembre 1894, accuse réception d'un chèque pour couvrir son coût et celui de trois dessins au pastel et à l'aquarelle.

Le tableau resta cependant en possession de Whistler jusqu'à sa mort, et Freer le reçut finalement en août 1903.

C'est cette date, et non celle du chèque, qui explique l'inscription dans la liste d'achat originale et le numéro d'enregistrement qui lui a été attribué par la suite... le cadre conçu pour le tableau a été travaillé à quelque temps entre la date d'achat réelle, 1894, et la date d'acquisition, 1903.  L'acte original du don de Charles Lang Freer a été signé en 1906. La collection a été reçue en 1920 après l'achèvement de la Freer Gallery.

Detroit Institute of Arts 

La fusée qui retombe, Nocturne en noir et or

"J'ai déjà vu et entendu bien des exemples d'impertinence, mais jamais je ne me serais attendu à voir un personnage demander deux cents guinées pour jeter un pot de peinture à la figure du public" écrivit John Ruskin dans Fors Clavigera à propos de Nocturne en noir et or lorsque cette œuvre fut exposée en 1877 à Londres à la galerie Grosvenor.

Whistler, qui n'était pas sans esprit de répartie et qui n'était pas homme à se laisser faire attaqua Ruskin en diffamation. Lorsque l'affaire fut jugée, Whisler expliqua ses intentions et la raison pour laquelle il avait choisi ce terme Nocturne.

Il voulait de la sorte "orienter l'attention à l'égard de son œuvre seule, déliant la peinture de toute sorte de curiosité qui aurait pu autrement se diriger vers elle. Il s'agit avant tout d'un arrangement de lignes, de formes et de couleurs". Whisler, fidèle à la théorie esthétique de Théophile Gautier de l'art pour l'art, estimait qu'une œuvre d'art n'existait que pour elle-même, dégagée de toute association extérieures et que sa réussite ou son échec ne pouvait être prononcé qu'en fonction de ses intentions esthétiques

Fin 1878, Whisler gagne son procès contre Ruskin, mais n’obtient qu’un farthing symbolique de dommages et intérêts. En 1879, il est acculé à la faillite et part pour Venise.

Boston Museum of Fine Arts

La lagune de Venise, Nocturne en bleu et argent 

Ce séjour italien, qui marque un nouveau tournant dans sa production, était motivé par une commande de marchands de la Fine Art Society, qui lui avaient demandé une suite de douze eaux-fortes sur des sujets vénitiens. Whistler resta plus d'un an à Venise, en donnant une vision très neuve au travers de cinquante eaux-fortes, cent pastels et moins d'une dizaine de peintures. Il n'hésite pas à s'aventurer sur les canaux ou dans les cours inconnus, à décrire la lagune de nuit et non sous le soleil. Il montre aussi une ville vivante, avec ses habitants et son activité quotidienne. 

New York Metropolitan Museum

Cremorne Gardens N°2

L'expatrié progressiste James McNeill Whistler est associé à la philosophie de « l'art pour l'art », qui privilégie la forme artistique sur le contenu. Pourtant, ses sujets étaient souvent considérés comme aussi radicaux que ses harmonies de couleurs éthérées. Dans ce soi-disant nocturne, peint dans les Cremorne Gardens de Londres (près de son studio de Chelsea), Whistler explore le thème de la vie moderne adopté par nombre de ses associés européens, en particulier les impressionnistes français. Parc élégant et bien entretenu qui attirait les promeneurs à la mode pendant la journée, les jardins devenaient la nuit un lieu de musique animée, de danse et de feux d'artifice, fréquenté par un plus large éventail de classes. 

Andover Addison Gallery of Academic Art

Old Battersea Bridge

Dans cette peinture du vieux pont de Westminster, nous voyons la démolition du pont du XVIIIème siècle qui enjambait la Tamise. Ce pont a été construit pour réduire les embouteillages sur le Old London Bridge, mais à mesure que le 19ème siècle avançait, il est devenu évident que ce pont plus récent était lui aussi insuffisant pour répondre aux problèmes de circulation croissants de Londres. En 1862, le pont Old Westminster a été démoli pour faire place au nouveau pont Thomas Page. Cette construction élégante avec ses sept arcs elliptiques nervurés en fer est toujours utilisée aujourd'hui.  

Brown and Silver, Battersea Bridge

Ses œuvres, exposées à Londres, reçurent un accueil mitigé. Mais Whistler, instruit par le précédent ruskinien, développa alors une offensive multiforme pour imposer ses idées, par le biais de conférences (Ten O'Clock, 1885), d'articles, d'opuscules, de préfaces, sans compter la correspondance. Membre puis président de la Society of British Artists en 1886-1887, il combattit, avec un certain succès, mais en étant néanmoins, finalement, mis en minorité, les préjugés défendus au sein de la Royal Academy. En même temps il se préoccupait à nouveau d'acquérir une stature européenne, envoyant des tableaux au Salon de Paris (il avait cessé de le faire en 1867), aux expositions des XX, à Bruxelles, mais aussi à Dublin, à Munich ou à Amsterdam. Différentes collections publiques acquièrent ses peintures, Glasgow, en 1890, Philadelphie, en 1895, et surtout le musée du Luxembourg, à Paris, en 1891, à l'instigation du critique Théodore Duret, mais également de Mallarmé et de Monet. 

Hartford Wadsworth Atheneum 

La cote bretonne

Profitons de cette toile peinte en Bretagne pour évoquer Joanna Hiffernan. Elle est née vers 1843, sans doute en Irlande. Elle est la fille de Patrick Hiffernan, professeur de calligraphie, et de Katherine Hiffernan (1818-1862). Cette famille catholique romaine vient vivre à Londres, au 69 Newman Street, vers 1859. Selon le témoignage de Walter Greaves (1846-1930), élève de Whistler et ami de Joanna, celle-ci aurait eu un fils vers 1863, prénommé Harry, dont on ne sait rien. En 1860, elle rencontre James Abbot Whistler dans son atelier londonien de Rathbone Place. Elle entretient avec lui une relation pendant six ans. Elle pose pour le tableau Wapping (National Gallery of Art, Washington, DC), où elle présente une amie entre deux hommes, dont le graveur Alphonse Legros, à une terrasse d'un pub donnant sur la Tamise. Puis elle pose pour la série des Symphonies en blanc du même Whistler.

En 1861, elle et Whistler se rendent en Bretagne, puis s'installent à Paris dans un atelier situé boulevard des Batignolles, où elle pose pour la toile qui deviendra Symphony in White, No. 1: The White Girl, alors que des amis peintres, Fantin-Latour, Manet, Courbet, viennent rendre visite au couple.