Les thèmes d'inspiration d'Ivan Aïvazovsky et sa manière de les traiter l'inscrivent au cœur du courant romantique du xixe siècle. Ce romantisme s'affirmera tout au long de sa carrière en atteignant son apogée dans ses œuvres des années 1850, avec par exemple La Neuvième Vague (1850), Clair de lune (1849) et Tempête (1854).

Par la suite, dans la mouvance naissante de l'art russe de l'époque et sous la probable influence des écrivains russes qu'il côtoyait, une tendance au réalisme apparaît dans ses tableaux mais sans effacer la facette romantique. Son œuvre la plus accomplie de cette période est La Mer Noire (1881) qui saisit la nature même de la mer, éternelle, toujours en mouvement, mais L'arc-en-ciel (1873), Naufrage (1876), La Vague (1889), et La Maria prise dans la tempête (1892) sont également des œuvres majeures de l'artiste.

Philatéliquement parlant, le bloc feuillet ci-dessus nous fait découvrir une photographie du peintre

Ce portrait d'Ivan Konstantinovich Aivazovsky a été peint par le peintre russe Sergei Pen  (1952-) 

Sergei Varlenovich Pen est né le 19 juin 1952 à Leningrad dans la famille des artistes célèbres Varlen Pen et Praskovya Derbizova Trofimovna. Élève des académiciens Viktor Mikhaïlovitch Oreshnikov et Boris Sergueïevitch Ugarov, Sergeï Pen maîtrise parfaitement tous les genres de peinture, mais le destin l'amène au plus ancien musée naval russe, avec sa brillante collection de peintures marines russes du XIXe siècle, et l'air baltique de Saint-Pétersbourg l'a infecté d'un désir indéracinable de mers lointaines et proches. La mer est devenue le thème principal et le principal amour de sa vie. Après avoir obtenu son diplôme de l'école secondaire d'art, Sergey Pen entre en 1970 au département de peinture de l'IE Repin. En 1976, il est diplômé de l'institut de l'atelier de VM Oreshnikov avec le titre d'artiste-peintre et d'enseignant. Depuis 1976, Sergei participe à des expositions, des peintures de genre et des peintures historiques, principalement sur les thèmes de la flotte, des paysages et des portraits. En 1980, il est accepté comme membre de l'Union des artistes de Léningrad. En 1987, il commence à travailler au Musée naval central de Leningrad en tant que peintre de marine. En 1989, il devient directeur artistique de l'Atelier des Peintres de Marine du Musée. 

Saint Petersbourg Musée de l'Ermitage

Fondé il y a près de 240 ans, le Musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg avait eu le temps de réunir un trésor comptant environ trois millions de pièces, qui inclut de très riches collections d’art d’Antiquité orientale, grecque et romaine, d’art islamique, de Renaissance italienne, de peinture des XIXe et XXe siècles, ... 

Le plus fameux musée de la Russie, un des plus renommés musées au monde, l’Ermitage surprend le visiteur non suelement de volumes de ses collection mais aussi de la beauté de ses salles et bâtiments. Les palais et pavillions qui abritent la collection du musée sont eux-mêmes les oeuvres d’art.

Le musée de l’Ermitage ce sont cinque bâtiments reliés entre eux: le Palais d’Hiver, l’ex-résidence des tsar russes, le Petit Ermitage, le Grand ou l’Ancien Ermitage, le théâtre de l’Ermitage et le Nouvel Ermitage. Quatre de ces palais longent la Néva, le Palais d’Hiver donne aussi sur la place du Palais, et le Nouvel Ermitage est visible uniquement de la rue Millionnaya (des Millions).

Le musée a été fondé par Catherine II en 1764. Les premiers 225 tableaux acquis ont été exposés dans le Petit Ermitage construit par Felten et Vallin de la Mothe. A l’époque il s’appelait l’Ermitage tout simplement et a reçu le nom de “petit” uniquement après la construction du Grand Ermitage (Felten, années 1770) qui le flanque. Aujourd’hui uniquement le jardin suspendu rappelle l’époque de la Grande Catherine car au XIX siècle l’intérieur du Petit Ermitage a été reconstruit par Stakenshneider. La Salle de Pavillon du Petit Ermitage est à visiter!

Saint Petersbourg Musée d'Etat Russe

Le Musée russe est un musée situé à Saint-Pétersbourg et est le musée le plus important consacré aux beaux-arts russes. 

La première collection est constituée d'une partie des œuvres d'art rassemblées par Alexandre au palais Anitchkov à laquelle sont ajoutées des œuvres en provenance du musée de l'Ermitage et de l'Académie impériale des beaux-arts. Après la Révolution russe de 1917, beaucoup de collections privées des familles de la noblesse et de la bourgeoisie russes furent confisquées et confiées au Musée russe.

 La collection comprend près de quatre cent mille œuvres d'art : peintures, sculptures et autres objets de décoration. Les plus remarquables sont une collection de six mille icônes russes remontant pour certaines au Xe siècle, dix mille œuvres de peintres russes du XVIIIe au XXe siècle 

Le Musée russe a pour ambition de présenter l'art russe depuis les origines de la Russie jusqu'à nos jours. Les collections du musée reflètent donc cette évolution chronologique et présentent des œuvres emblématiques de l'histoire de l'art russe. 

Le brick Mercury (après avoir vaincu deux navires turcs rencontre l'escadre russe)

Vue d'une ville balnéaire 

Chumaki en Ukraine 

Pour changer du paysage hivernal des Chumaks, le propriétaire de la maison a apparemment versé du liquide chauffant à l'un des marchands. Peut-être qu’ils célèbrent une bonne affaire avec désinvolture.

Tempête sur Evpatoria 

Dans sa tempête, il y a du ravissement, il y a cette beauté éternelle qui émerveille le spectateur dans une véritable tempête vivante. Et cette propriété du talent de M. Aivazovsky ne peut pas être appelée unilatérale, ne serait-ce que parce que la tempête elle-même est infiniment diverse. Notons simplement que, peut-être, dans la représentation de la variété infinie des tempêtes, aucun effet ne peut sembler exagéré, et n'est-ce pas pourquoi le spectateur ne remarque pas d'effets inutiles dans les tempêtes de M. Aivazovsky?   

 Aul Gunib au Daghestan Vue coté Est

Pour nous tous, l’œuvre de l’artiste Ivan Konstantinovich Aivazovsky est inextricablement liée à la mer. Mais ce maître a laissé de nombreuses belles peintures écrites sur des sujets variés. Et parmi eux se trouve « L'escarmouche des Chirvans avec les Mourides sur Gunib », qui est conservé à la Galerie nationale Tretiakov.

La capture de Gunib est une opération militaire de l'armée du Caucase sous le commandement de l'adjudant général Alexandre Baryatinsky visant à bloquer et à prendre d'assaut le quartier général de l'imam Shamil, qui a uni les montagnards de l'ouest du Daghestan et de la Tchétchénie dans l'imamat du Caucase du Nord. L'escarmouche a eu lieu dans le village de Gunib, sur le plateau montagneux du même nom au Daghestan. Ce fut la dernière zone contrôlée par Chamil (sa résidence en Tchétchénie avait déjà été prise d'assaut, après quoi ses anciens partisans avaient cessé de résister). La prise de Gunib eut lieu du 9 au 25 août 1859. En conséquence, Shamil, qui était en guerre contre la puissante Russie depuis plus de vingt ans, a été capturé et la résistance organisée dans le nord du Caucase a été généralement stoppée.

L'artiste Ivan Aivazovsky entreprit un voyage dans le Caucase et en Transcaucasie en 1868, soit près de dix ans après les événements décrits. Le voyage dans les hauts plateaux du Daghestan a laissé une marque indélébile sur l’œuvre du peintre, incitant le maître à transférer sur toile des paysages inhabituels pour son pinceau. La collection de ses œuvres, basée sur des peintures sur un thème marin, a été reconstituée avec des images d'une chaîne de montagnes calme autour du village caucasien de Gunib.

Marchant « sur les traces » de l’Avar Shamil, le regard du créateur s’est arrêté sur le village de Gunib, où il s’est rendu. Le magicien, utilisant magistralement un pinceau, a présenté au monde le tableau « Aul Gunib au Daghestan. Vue du côté est"  qui est au Musée d'État russe.

L’air frais et le vent chargé de l’arôme enivrant des herbes de montagne faisaient tourner la tête du maître. En contemplation de la majesté des montagnes, l'artiste a eu la chance de passer suffisamment de temps dans le Caucase pour transférer habilement sa vision des contreforts ruraux sur toile.

Aivazovsky a exprimé le charme des massifs de Gunib avec des lignes douces et des nuances douces. L'image semble émettre une lumière chaude, et ce malgré les sommets enneigés des montagnes du Caucase. L'harmonie de la palette utilisée laisse un arrière-goût agréable et une envie de revenir à la contemplation de cette œuvre...

Bord de mer Calme

Le Moulin sur le Rivage 

Le 23 août 1833, Ivan Aivazovsky, 16 ans, est inscrit à l'Académie des Arts en tant que retraité du Cabinet de Sa Majesté en tant qu'étudiant dans la classe de peinture de paysage. Le cours académique obligatoire comprenait la copie des œuvres de maîtres anciens.

Il est évident que dans le tableau «Moulin à vent au bord de la mer», Aivazovsky a utilisé des impressions tirées des œuvres d'anciens maîtres hollandais du XVIIe siècle, vues dans la collection de l'Ermitage. En particulier, la structure compositionnelle de cette œuvre est proche du « Paysage avec moulins » d'Art van der Neer.

S'appuyant sur un motif commun aux Néerlandais, le jeune artiste transfère l'action dans son paysage natal de Crimée. Il construit une composition avec des plans successifs allant au loin.

Depuis les collines ondulantes immergées dans l'ombre avec comme dominante de l'image un moulin à vent, le regard se déplace vers une bande côtière sablonneuse plus éclairée avec une chaloupe et des bateaux jetés à terre, et plus loin - vers la surface de la mer, éclairée par le premiers rayons du soleil levant et une chaîne de montagnes couverte d'une brume bleue brumeuse.

Aivazovsky représente soigneusement les herbes en fleurs recouvrant les collines, étudie les figures humaines, les bateaux et les voiliers debout dans la rade, et même le sable humide et les crêtes des vagues mousseuses. Le paysage semble sursaturé d’action. Et pourtant, il n’a toujours pas cette pulsation vivante qui apparaîtra dans les œuvres ultérieures de l’artiste.

Dans ses dernières années, l’artiste a modifié le schéma de couleurs de ses peintures sur les éléments de la mer. Si auparavant les panoramas représentés sur ses toiles étaient illuminés par la lumière du soleil et suscitaient la controverse du public sur le thème «Cette lumière est-elle peinte ou y a-t-il une bougie derrière le tableau? Les nuances claires ici sont utilisées par le capitaine pour décrire la mousse épaisse qui apparaît sur les crêtes des vagues déchaînées pendant une forte tempête. L'éblouissement, la danse sur le dessus des murs d'eau et les éclairant soi-disant de l'intérieur, ce sont les reflets de la foudre qui vole d'en haut à partir de lourds nuages de plomb.

Le «personnage» central du tableau d’Aivazovsky, «La vague», est la mer. La sérénité de la surface lisse turquoise a été remplacée par des flots rugissants, dont les dimensions sont terrifiantes: cela ressort clairement des restes du navire, qui vont couler de fond en bout, minute après minute, abandonnant dans une lutte inégale. Seul le bout des mâts avec un drapeau de signalisation en lambeaux sur l'un d'eux et trois membres de l'équipe, essayant en vain d'échapper à la colère de Poséidon, de l'autre, sort du fond.

Du voilier qui coule, le bateau, à peine encombré de gens, s’éloigne difficilement. En regardant de plus près, vous pouvez voir que les marins qui y sont assis tirent plusieurs malheureux de la captivité de la mer. La vague imminente menace d'absorber à la fois le navire en perdition, le bateau et les marins accrochés à l'immense épave du navire. L'image d'Aivazovsky nous apprend que l'élément qui s'est dégagé n'a pas pitié de lui et que tout ce qui reste dans l'épicentre de la tempête ne peut qu'espérer un miracle.

Pour illustrer l'ampleur de la tragédie, l'artiste a choisi une toile de dimensions 505 x 304 cm, qui rend ce qui se passe tellement réel que le spectateur peut se sentir à peine l'un des personnages du tableau d'Aivazovsky "La vague", ainsi que le souffle impressionnable du vent froid et salé. Vous pouvez le vérifier en visitant le musée national russe à Saint-Pétersbourg. C'est là que se trouve le tableau, considéré comme l'un des meilleurs ports de plaisance d'Aivazovsky. 

Pouchkine au sommet d'Aï-Petri au lever du soleil 

Voici une œuvre unique de la dernière période de l'œuvre d'Aivazovsky, c'est la seule de la collection du Musée russe consacrée au thème Pouchkine, sur lequel l'artiste a travaillé depuis les années 1830. Le tableau a une signification historique et culturelle importante.

Il fut achevé par l'auteur à l'occasion du centenaire de la naissance du poète, puis exposé à la célèbre exposition "Pouchkine" dans la capitale en 1899. La toile a été écrite à Feodosia sur la base des souvenirs de conversations avec l'ami de Pouchkine NN Raevsky junior, sous la direction dont Aivazovsky, diplômé de l'Académie, a participé à une expédition militaire à Megrelia à l'été 1839. L'événement réel de mai 1820 est représenté, lorsque Pouchkine passa plusieurs jours dans la maison hospitalière des Raevsky à Gurzuf. Enrichissant l'image artistique, le maître a introduit dans l'œuvre le motif de l'immensité "planétaire" de l'espace terrestre. 

Une esquisse préparatoire au tableau "Pouchkine en Crimée" (1899, Musée d'État russe, R-33021) est placée sur une feuille du journal de l'artiste avec le texte d'un brouillon de sa lettre, marqué début mai 1899, à NN Kuzmin, son premier biographe. Il rend compte du travail sur le tableau.  

La tempête au cap Aya 

" Tempête au cap Aya " est un chef-d'œuvre de la peinture d'Ivan Aivazovsky, qui transmet de manière majestueuse et pittoresque la puissance et la beauté des éléments imprévisibles. Ce chef-d'œuvre de l'art est capable de capter l'attention par son drame et de décrire le mystère des profondeurs de la mer.

Au premier coup d'œil, le tableau attire le regard par son atmosphère sombre. Le ton principal de l'image est constitué de nuances sombres de bleu et de gris, véhicule harmonieusement l'esprit de la tempête. Il est à noter que ces couleurs renforcent l'intensité des événements sur la toile, car elles créent l'impression d'un mauvais temps imminent.

Malgré toutes les horreurs de la tempête qui approche, un halo de lumière est visible sur la toile, traversant les nuages​​orageux. Ce point lumineux confère à la toile une atmosphère particulière et un sentiment de salut, comme s'il personnifiait l'âme qui vit en nous. Il y a un sentiment d'espoir que même pendant les chocs les plus terribles de la nature, il y aura un coin de salut.

La description de la tempête elle- évoque même la sensation d'un puissant tourbillon avec d'énormes pierres au fond de la mer. Les vagues montent de plus en plus haut, créant un rythme et un mouvement distinctifs dans l'image. La pénombre filmée du lion sous la côte norvégienne ne baigne l'image que d'éclairs lumineux des vagues déferlantes des vagues.

Les silhouettes des navires perdus dans les profondeurs de la mer sont particulièrement impressionnantes. La Horde stoïque se retrouva complètement sans défense face aux assauts des vagues. Les mâts et les voiles courbés aggravent le sentiment général d'anxiété et de désespoir.

En même temps, en observant la surface de la mer à l'horizon, chacun comprend que cette tempête est suivie du calme et de l'harmonie de la nature. En s'élevant, le renforcement donne à nouveau l'attrait des débris flottants, immergés dans le calme et la tranquillité. Cela crée un équilibre et une certaine autorité morale, sans laquelle sa série de tableaux serait inimaginable.

La tempête du cap Aya est capturée sur toile comme s'il s'agissait d'une improvisation d'une catastrophe naturelle elle-même. Et cela fascine à chaque fois que votre regard se pose sur cette photo. Aivazovsky, le grand maître de la peinture marine, transmet à notre imagination le pouvoir de la nature et l'influence de l'homme sur elle. "La Tempête au Cap Aya" devient matière première de romances, de poèmes et de contemplations, et chacun le perçoit à sa manière. 

Dans les années 1870, le thème préféré de l'artiste, le naufrage, s'enrichit d'un motif dramatique représentant un rivage abrupt, évoquant la mort imminente d'un navire s'approchant de manière incontrôlable des rochers et des casse-cou tentant de s'échapper sur des bateaux à rames.

Parmi ces toiles célèbres comme "Arc-en-ciel" (1873, Galerie Tretiakov) ou "Naufrage" (1876, Galerie d'art Feodosia du nom de IK Aivazovsky), l'œuvre du Musée russe se distingue par ses hautes qualités picturales et sa taille, l'ampleur de l'espace représenté. Il s'inspire des réalités de la nature de Crimée, l'apparition du cap Aya à proximité de Balaklava, sur la côte sud de la Crimée. La toile a été l'une des premières expositions du Musée russe et figure dans ses premiers livres d'inventaire au numéro 1. Un tableau du même nom de 1879 est conservé au Musée des Beaux-Arts du Daghestan à Makhatchkala.

Grande rade de Cronstadt

Kronstadt ou Cronstadt (en russe : Кроншта́дт / Kronštádt) est une ville de Russie située sur la mer Baltique, dans la juridiction de Saint-Pétersbourg. Sa population s'élevait à 43 614 habitants en 2013. Port de guerre dès l'époque de la Russie impériale, elle est particulièrement connue par le soulèvement des marins de 1921, durant la guerre civile, et par sa répression par le pouvoir bolchévique. Kronstadt est située sur l'île de Kotline, dans la baie de la Néva, au fond du golfe de Finlande. La ville se trouve à environ 20 km de Saint-Pétersbourg, à laquelle elle est rattachée administrativement. 

L'escadron russe dans la rade de Sébastopol

Le thème de la glorieuse ville de Sébastopol occupe une place particulière dans le travail de l'artiste Aivazovsky. Cette ville a réussi à gagner un amour spécial et une place spéciale au cœur d'un peintre marin exceptionnel.

Aivazovsky a peint des épisodes de la défense de la mer Noire et de la péninsule de Crimée dans la guerre des Tatars de Crimée. À l'automne de 1853, la Turquie a décidé de déclarer la guerre à la Russie. En mars 1854, l'Angleterre et la France se sont battues pour les Turcs. Sébastopol du nord a été assiégé en septembre 1854 par des troupes turques, françaises et britanniques.

A plusieurs reprises, Aivazovsky a dû se rendre à Sébastopol pour organiser une exposition de ses œuvres afin de parler avec les participants aux batailles. Il a dû faire tous les croquis et croquis pour les futures peintures pendant le siège de la ville.

Le tableau "Sébastopol" a tout d'abord été écrit sur papier en utilisant le blanc et le sépia en 1845. La taille de la toile est de 19x30 cm.

Dans l'image, l'artiste essaie de répartir harmonieusement tous les groupes de compositions. Tous les détails sont travaillés dans les moindres détails. Nous voyons au premier plan un petit groupe de personnes, un bateau qui navigue au large des côtes, des navires debout sur une rade dans la baie de Sébastopol. De l'autre côté, nous remarquons à quel point l'artiste a peint en détail la batterie casemée Nikolaev, les maisons de ville, les cathédrales. Grâce à la façon dont l'artiste a représenté le ciel, nous pouvons sentir la taille de la composition, l'espace et l'air qu'elle a.

Le graphisme de «Sébastopol» a constitué la base de sa peinture à plus grande échelle «Escadron russe lors du raid de Sébastopol».

Détroit de mer avec un phare  

Ivan Konstantinovich Aivazovsky a peint le tableau « Détroit de la mer avec un phare » en 1841. Les dimensions de la toile sont de 48,5 centimètres de largeur et 60 centimètres de longueur. Le tableau « Détroit de mer avec un phare » est peint sur toile à l’aide d’huiles.

Quelques mois plus tard, la toile est présentée lors d’une exposition à Feodosia, consacrée à l’activité créatrice de l’artiste. Aujourd'hui, la toile se trouve au Musée d'État de Russie. De nombreuses reproductions de l'œuvre ont également été créées, qui sont conservées soit dans des collections personnelles, soit dans des musées des villes russes.

Dans le tableau « Détroit de mer avec un phare », Aivazovsky a représenté un phare qui ressemble beaucoup à une grande tour. Le phare est situé sur le rivage près d'un énorme rocher et sert de guide sûr à tous les marins. Ils considèrent cette structure comme leur véritable salut lors d'une tempête. Après tout, c'est lui qui montre aux marins le chemin vers le rivage, et donc vers leur domicile. Le phare avertit également d'un danger imminent. Mais maintenant le temps en mer est clair et très calme. Par conséquent, pour le moment, le phare se tient tranquillement sur le côté et la vie semble s'y être arrêtée.

Dans le tableau « Détroit de la mer avec un phare », Ivan Konstantinovich Aivazovsky a représenté le ciel comme particulièrement serein. Il est de couleur gris-bleu et des nuages doux flottent dessus calmement, sans se presser nulle part. On a l'impression qu'ils tournent comme des oiseaux au-dessus d'une eau calme. Les montagnes rocheuses situées à l’arrière-plan de l’image sont enveloppées d’une brume de brouillard blanc-gris.

Toute la surface calme et douce de l'eau n'est perturbée que par de petits voiliers, des bateaux à rames avec des pêcheurs et des mouettes volantes qui s'efforcent d'attraper les poissons capturés par les pêcheurs. Les bateaux flottent sur la mer et ne touchent la surface de l'eau qu'occasionnellement avec leurs rames.

L’image est si légère et si pure qu’elle montre pleinement la tendresse très caractéristique des débuts de l’œuvre d’Ivan Konstantinovich Aivazovsky.

La toile se démarque par ses tons de peinture veloutés. Ivan Konstantinovitch a très habilement représenté les lignes gracieuses des voiles, un phare et des montagnes rocheuses, qui se détachent magnifiquement sur le fond d'un ciel calme. L'image respire la sérénité et la paix.

Aivazovsky a consacré plusieurs de ses peintures à la mer. Mais c'est la toile d'Ivan Konstantinovitch « Détroit de la mer avec un phare » qui est si sensible qu'en la regardant, vous commencez à sentir l'air saturé d'humidité marine.

Inondation mondiale

Vue de Constantinople dans la lumière du soir

Cette peinture à l'huile, un paysage urbain, par Ivan Aivazovsky représente le Bosphore , la Corne d'Or et la Tour de Galata à Istanbul à l' époque ottomane . La tour de Galata est visible avec son ancien toit conique qui a été détruit par une tempête en 1875, le toit conique actuel de la tour de Galata a été construit lors des travaux de restauration entre 1965 et 1967. Les figures humaines dans le tableau nous fournissent des informations sur la traditions et vie quotidienne dans l'Empire ottoman au cours de la première moitié du XIXe siècle, avant que les réformes Tanzimat pour les vêtements de style occidental ne soient largement appliquées au sein de la population civile. 

Odessa au clair de lune

Ayant vécu toute sa vie au bord de la mer, Aivazovsky ne pouvait s'empêcher de chanter la beauté et la force de cet élément. C'était une telle Odessa dont se souvenait un artiste qui n'a jamais peint de la vie. N'ayant rédigé que quelques croquis, quelques mois plus tard, l'image «Vue d'Odessa un soir au clair de lune» est née.

Sur toile, l'intrigue ressemble à un style unique. Le long du bord droit est une chaîne de maisons, qui est mal éclairée par la lumière et se confond avec l'arrière-plan général, se dissolvant dans la mer. La lune d'un jaune inhabituellement lumineux illumine la surface de la mer et vous permet de considérer tout ce qui vous entoure, symbolisant un certain soleil.

La dynamique de l'image semble être en avance, offrant de savoir où le chemin de la lune brûle le plus. Découvrez l'inconnu et découvrez les secrets de la mer, ce qui peut être plus intéressant. Comment un véritable peintre marin Aivazovsky a traité la mer avec inquiétude et révérence.

La photo montre un navire de guerre, qui connaît de rares moments de beauté qu'il ne reverra peut-être jamais. Après tout, les nuages ​​au-dessus du clair de lune se rassemblent et deviennent formidables, parlant de la bataille et des difficultés imminentes.

L'intrigue est interconnectée et non divisée en ses parties constituantes. Chaque figure figée dans sa pose porte une charge sémantique. La palette de couleurs est apaisante, mais la couleur rouge à venir vous fait vous demander à quoi elle sert.

Saint Petersbourg Musée de la Marine de Guerre 

Le Musée central de la Marine de guerre de Saint-Pétersbourg  (en russe: Центральный военно-морской музей)  le plus ancien musée du monde consacré à la marine militaire  fut fondé à l’Amirauté en 1709 sur ordre de Pierre le Grand dans le but de conserver les modèles de navires à partir des collections de Pierre le Grand et de l'Amirauté de Saint-Pétersbourg qui commencèrent à être constituées en 1729., créé dans le but de conserver les modèles de navires.

Après la révolution de 1917, le musée s'agrandit en recevant les collections des musées de la Flotte de garde et du Corps des cadets de la Marine. Dans les années 1920 et 1930, un grand nombre de ses pièces liées à la famille impériale ont été détruites mais des éléments de qualité ont cependant été sauvegardés.

Il est l'un des plus importants dans le monde et l'un des plus anciens musées de Russie. Il est aussi actuellement l'un des plus grands musées de marine. Depuis 1940, il était sur la pointe de l'île Vassilievski, dans l'ancienne bourse des valeurs qui a été construite entre 1805 et 1810 d'après le projet de l'architecte français Jean-François Thomas de Thomon  jusqu'à Juillet 2013. Depuis le 28 Juillet 2013, le nouveau siège est situé à Truda Ploshad, dans les bâtiments qui abritaient la caserne Kryukov de la Marine russe. 

Ses collections retraçent notamment l’histoire de la Marine de Guerre russe. Plus de 1850 modèles réduits de navires de guerre, 1000 armes, peintures, pavillons de guerre, médailles y sont exposés. Le «grand-père de la marine russe», le bateau sur lequel Pierre Ier apprit l’art de la navigation, y est également présenté. 

La Frégate sous voiles

Le tableau "Frégate sous voiles" a été peint en 1838, lorsque le jeune Aivazovsky, étudiant à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, fut envoyé plus tôt que prévu pour un stage dans sa Crimée natale deux ans avant l'obtention de son diplôme, afin qu'il puisse ensuite partir 6 ans aux frais de l'État pour étudier en Italie. 

L’œuvre d’Ivan Konstantinovich Aivazovsky constitue véritablement un héritage précieux de l’art et de la culture russes. Toute la vie du plus grand peintre de marine est comme une chaîne de connaissances et d'événements merveilleux qui ont permis au talentueux garçon arménien Hovhannes Ayvazyan de développer rapidement et avec succès son don inestimable de sa jeunesse. La mer, sur les rives de laquelle le futur génie est né dans le confortable port de Feodosia en Crimée, est devenue une partie d'Aivazovsky et tout au long de sa longue vie créatrice, l'énergie des vagues mousseuses et de la beauté s'est répandue sur ses toiles. 

Rade de Cronstadt

Le tableau, peint par Ivan Konstantinovich Aivazovsky en 1836, est actuellement conservé au Musée national russe de Saint-Pétersbourg. La marina pittoresque de l’artiste représente le port maritime de Cronstadt. Le ciel orageux qui se profile de manière menaçante sur le golfe de Finlande en arrière-plan de l'image suscite un sentiment d'anxiété, mais le ciel bleu au-dessus du grand navire de guerre à l'embarcadère équilibre l'intrigue de l'image. Les eaux agitées de la baie s'élèvent en crêtes au-dessus du littoral. Les citadins, bravant les rafales de vent, sortirent jusqu'au remblai pour voir de vos propres yeux le raid de la flotte. On sait que pendant de nombreuses années, Cronstadt était inaccessible aux citoyens ordinaires, étant la principale base de la marine de l'Empire russe. Bien sûr, il y avait des voyages en ville pour des excursions et des promenades, mais dans la plupart des cas, il n'était possible de se rendre à Cronstadt qu'en profitant de l'invitation de l'un des citadins.

L’île de Kotin, sur laquelle se trouve cette ville balnéaire, semble être emportée comme une île dans l’étendue infinie du golfe de Finlande ; le silence et la désolation de la ville sont également perceptibles dans la toile pittoresque d’Aivazovsky. Pour l'artiste, peindre Marina à Cronstadt était un véritable plaisir - dans le calme et la tranquillité, en profitant uniquement de sa vue préférée. C'est sous l'impression de visiter le bâtiment d'entraînement d'été de la marine qu'Ivan Konstantinovitch a peint le tableau « Le Grand Raid à Cronstadt ».

Le tableau est l’une des premières œuvres de l’artiste à être très appréciée par la communauté artistique. Après avoir peint ses premiers marines, Aivazovsky s’est finalement imposé dans ce genre de peinture, améliorant à chaque fois de plus en plus ses compétences d’artiste. Le "Grand Raid à Cronstadt" de Marina a été présenté comme œuvre de démonstration à l'Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg.

En effet, le Royaume-Uni et la France soutenaient l'Empire ottoman contre l'Empire russe mais ne voulaient pas la guerre ; quand il devint probable qu'elle allait néanmoins éclater, ils firent tout ce qui était en leur pouvoir pour que la Russie soit à l'origine du casus belli.

La flotte de la mer Noire russe, commandée par l'amiral Pavel Nakhimov, pénétra dans le port de Sinop, en deux lignes, composée de 3 navires de ligne chacune, et mouilla en face de la ligne ottomane. La bataille dura une heure. Les Russes utilisèrent des obus explosifs Paixhans pour détruire les navires ottomans, et seule la Taif échappa au désastre et réussit à rejoindre Constantinople le 2 décembre, poursuivie par les vapeurs russes.

La bataille conduisit la France et le Royaume-Uni à déclarer la guerre à la Russie, au début de l'année 1854, afin de soutenir l'Empire ottoman.

Naufragés près du Mont Athos

Moscou Musée Pouchkine

Le musée des Beaux-Arts Pouchkine ou simplement musée Pouchkine est le plus grand musée d'art européen de Moscou. Il a été édifié entre 1898 et 1912 et se situe face à la cathédrale du Christ-Sauveur. On considère que la date de sa fondation est le 17 août 1898. Il s'appelait alors le musée Alexandre-III. Le musée des Beaux-Arts de Moscou, fondé en 1912 est devenu « musée Pouchkine » en 1937, pour le centième anniversaire de la mort du poète. En 1948, les anciennes collections privées ont été réparties entre différents musées, dotant ainsi le musée Pouchkine de 106 tableaux de la collection Chtchoukine. 

Pouchkine Adieu à la mer

Aivazovsky décrivait très souvent la mer, c'était l'un des thèmes principaux de son œuvre. La mer est pour lui l'une des composantes principales de la vie, soit elle surprend par sa tranquillité, soit elle choque par sa grandeur et sa force. Aivazovsky connaissait personnellement le grand poète russe Alexandre Pouchkine, qui vénérait hautement ses peintures. Ils avaient un grand respect pour la vie créative de chacun. Leur première connaissance eut lieu en 1836 lors d'une exposition d'art à Saint-Pétersbourg.

Plus tard, Aivazovsky avec l'accord de son nouvel ami créateur, il dresse son portrait. Aivazovsky a un cycle créatif « Au bord de la mer » ; il crée également une série de peintures dédiées à l'élément marin. Ils représentent le grand poète dans différentes poses : soit il est allongé au bord de la mer, soit il se tient au bord des rochers. L'artiste a représenté la mer comme déchaînée, sombre, roulant sur les rochers et le bord de mer. De terribles nuages ​​flottent dans le ciel, déferlant avec leur obscurité et leur méchanceté. Au loin de la mer, l'eau étonne aussi par sa colère et sa noirceur, le ciel semble se confondre avec la mer au loin, à l'horizon. Les vagues roulent avec une force énorme sur les rochers et s'écrasent contre eux.

Le poète est tout au bord de la falaise, au pied de la mer, il tient un chapeau à la main, ses cheveux flottent au vent. Pouchkine a l'air calme, il regarde au loin l'immensité de la mer, où les vagues roulent de manière menaçante. De terribles nuages ​​​​se rapprochent de plus en plus, mais il semble que le poète ne s'inquiète pas du tout de ce moment. Il dit au revoir à la mer comme s'il s'agissait d'un vieil ami.

On a l'impression qu'ils ne se reverront plus jamais. Aivazovsky a représenté le poète avec la bouche légèrement ouverte, comme s'il lisait des poèmes qui lui étaient dédiés à la mer, et celle-ci lui répondait par des vagues qui frappaient les rochers. La mer semble répondre à quelque chose à son vieil ami, elle ne veut pas le lâcher, tout en menaçant de briser les vagues contre les rochers avec ses vagues, exprimant son mécontentement

Saint Petersbourg Collège de la Marine 

L’Académie Navale N.G. Kouznetsov de Saint-Pétersbourg (en abrégé VSOK) est l'unique école d'officiers de la Marine russe.

Elle a vu le jour en 1827 comme « École des officiers supérieurs » à l'initiative de l’amiral Ivan Krouzenchtern au sein du Corps des Cadets de la Marine. En 1862 l’École fut réorganisée en un cours universitaire de sciences navales. En 1877, à l'occasion de son cinquantième anniversaire, elle prit le nom d’Académie de Marine Nikolaïev (Nikolayevskaya Morskaya Akademiya) et en 1910 devint entièrement indépendante de l’École des Cadets de la Marine. Elle dispensa ses enseignements jusqu'en 1913, puis suspendit ses activités pendant la Grande Guerre et la Révolution d'Octobre.

Vers la fin de l’ère soviétique, l’Académie s'appelait « Académie Navale A.A. Grechko » puis finalement fut rebaptisée « Académie Navale N.G. Kouznetsov. »

À l'issue des combats, la défaite ottomane est totale. L'œuvre d'art "La Bataille de Navarin" a été peinte par Aivazovsky à l'époque romantique à l'huile sur toile et appartient au genre d'art connu sous le nom de peinture de bataille. Le célèbre artiste a achevé le tableau en 1848, rappelant comment, enfant, il était souvent transporté mentalement dans la Grèce lointaine, qui luttait pour son indépendance. Dans notre Feodosia natale, à cette époque, tout le monde parlait de ce pays héros. Lors de la défense de la Grèce, les Britanniques, les Français et les Russes sont devenus les alliés des Grecs. Au centre de Navarin dans la baie, les navires de la flotte russe ont reçu l'attaque principale des troupes turco-égyptiennes. 

Le tout premier navire à entrer au combat fut l'Azov, qui reçut un coup de représailles avec un barrage de tirs. De courageux marins, s'arrosant d'eau, marchaient à travers le feu et la fumée. Un coup bien ciblé et le navire ennemi s'envola dans les airs, mais l'Azov fut également blessé. Malgré cela, les marins ont réussi à couler un autre navire turc au fond. La bataille n'a duré que quelques heures, mais les Russes ont pu détruire de nombreux navires turcs pendant ce temps. La Grèce héroïque a obtenu son indépendance en 1829 et le navire "Azov" et son commandant Lazarev ont reçu les plus hautes distinctions : le capitaine - le grade de contre-amiral et le navire - le drapeau de Saint-Georges. C'est précisément cette image cruelle de la bataille de Navarin qui a été représentée sur la toile par IK Aivazovsky. Le premier plan dévoile à nos yeux l'image d'un navire turc coulé, où les gens sont en grande panique. Dans la partie centrale de la toile se déroule une bataille entre le navire "Azov" et une frégate ennemie. Il est clair que le navire russe est endommagé, mais l'artiste a si magistralement construit la composition du tableau qu'il ne fait aucun doute que la flotte russe gagnera en avançant. Pour le maître du pinceau Aivazovsky, cette bataille était non seulement la dernière bataille de l'histoire des frégates, qui glorifiait la flotte russe, mais aussi le souvenir d'une famille d'Arméniens expulsés par les Turcs de leur terre natale.

La Bataille de Chesme

La Bataille de Vyborg

Moscou Galerie Tretiakov

La galerie d'État Tretiakov (en russe : Государственная Третьяковская галерея, Gossoudarstvennaïa Tretiakovskaïa galereïa) est un musée de Moscou fondé en 1856 par Pavel Tretiakov (1832-1898), industriel et grand amateur d'art.

Le musée possède l'une des plus importantes collections au monde : plus de 140 000 pièces de collection, dont 15 000 tableaux, la majorité œuvres d'artistes russes, 4 500 icônes et sculptures, et une centaine de milliers de dessins et divers documents graphiques. Les collections sont réparties entre le complexe Lavrouchinski (du xie siècle au début du xxe siècle) et la Nouvelle Galerie Tretiakov (xxe siècle).

Naufrage près de Gurzuf

Le tableau exquis et sophistiqué « Gurzuf » du grand peintre de marine Aivazovsky transporte chacun dans le monde de la beauté et de la perfection. La richesse des couleurs, la vivacité de la composition et la profondeur de la pensée sont ces moments impressionnants qui donnent vie au tableau.

Le ciel bleu et clair, la surface calme de l'eau et les bateaux et navires représentés sur la photo qui se balancent doucement vous enveloppent de calme et de tranquillité. Grâce au magnifique savoir-faire de l’artiste, le tableau vit sa propre vie, donne naissance à des histoires et des images et surprend à nouveau par de nouvelles découvertes. En utilisant de la toile et de l'huile, Aivazovsky a réussi à transmettre le flux tranquille de la vie dans la baie, tout en l'enveloppant de mystère et de sous-estimation.

Quiconque regarde une œuvre d'art d'un génie peut non seulement admirer le réalisme et la vivacité de l'image, mais aussi se sentir comme l'un des gens naviguant sur un bateau ou voyant sur un grand navire quelque chose que d'autres n'ont pas eu le temps de remarquer. . Et qui sait, peut-être que Gurzuf contient non seulement un trésor d'émotions, mais aussi d'autres trésors non moins importants.

Nuit au clair de lune sur le Bosphore

Le tableau “Le Bosphore par une nuit au clair de lune” a été peint par Aivazovsky en 1894.

L’artiste était très sensible au thème marin, aimait les paysages marins, les amarres et toutes les manifestations de l’élément marin. Pendant de nombreuses années, Aivazovsky a travaillé dans différents pays et a étudié leur nature et l’art de la peinture.

L’artiste avait une excellente mémoire visuelle, et donc les détails de ses peintures sont écrits avec une précision incroyable. Les spectateurs admirent ses peintures depuis plusieurs siècles. Certaines peintures excitent, tandis que d’autres apaisent l’âme. Auparavant, personne n’était en mesure de représenter l’élément marin, l’air et la lumière aussi réalistes qu’Ivan Aivazovsky dépeint dans ses œuvres.

L’image est peinte sur toile avec des peintures à l’huile. Il représente le cycle marin des peintures d’Aivazovsky. Avant que le spectateur apparaisse le détroit du Bosphore à la pleine lune, la surface de l’eau est calme et sereine. Le calme apaisant… La photo est écrite de manière si réaliste que si on la regarde, on veut rêver en marchant le long de la jetée et en admirant le chemin éclairé par la lune. Les navires sur la jetée ont déjà baissé leurs voiles pour se reposer et gagner en force pour de nouveaux longs voyages.

Rivage

Peut-être que personne n'a plus avoué son amour pour la mer qu'Ivan Konstantinovitch Aivazovsky. Le peintre est né à Feodosia et a absorbé dès son plus jeune âge le bruit des vagues côtières, le jeu des couleurs et la nature agitée des éléments marins. Dans ses tableaux, la mer est toujours le personnage principal. Il vit, respire, rage, joue ou dort paisiblement. Chaque tableau est un hymne à la mer, reflet d’une autre facette de la grandeur marine. Les gens, les navires, les phares sont de petits détails utilisés uniquement pour souligner la puissance particulière et la globalité de l'espace maritime. 

« Rivage » est l'un des premiers chefs-d'œuvre du grand Maître. Il a été peint en 1840, lorsque le jeune Aivazovsky fut envoyé en Crimée pour travailler de manière indépendante. Le peintre encore inexpérimenté a su transmettre avec un talent extraordinaire non seulement la vue de l'étendue d'eau sans fin, mais aussi toute l'atmosphère d'anxiété qui régnait sur la côte avant la tempête. La mer n'est pas encore formidable, elle ne soulève pas encore de vagues d'eau comme les sommets des montagnes, les ondes lumineuses près du rivage sont encore trompeusement ludiques et remplies de rayons de soleil. Mais les nuages ​​​​pourpres s'approchent déjà de manière trop alarmante, couvrant les nuages ​​​​blancs inoffensifs, les mouettes planent déjà trop bas et près du rivage, se tenant ensemble, la ligne d'horizon est déjà trop noire. Et les navires sont déjà en mer, pour ne pas se briser sur les rochers côtiers. 

Parmi cette angoisse oppressante, la figure du vagabond se détache clairement. Il n'est pas pressé de se cacher de la tempête qui approche, il ne rentre pas chez lui après un ouragan d'eau et il semble qu'il n'ait pas non plus de maison. Il regarde au loin. Qu’est-ce qui l’attire autant là-bas ? Peut-être que sa patrie est là, ce qui n'est pas visible, mais elle est là, et le vagabond le sait avec certitude. Ou peut-être, au contraire, est-il attiré par des terres inconnues, inconnues, où il fait toujours chaud, où les gens sont gentils et accueillants, où il n'y a ni mendiants ni affamés ? La vie d'un vagabond, très probablement, était aussi orageuse, anxieuse et non calme, comme cette mer. C’est probablement pour cela qu’il n’a pas peur des ciels orageux et des étendues d’eau sombres. Elle l'appelle, l'attire, lui fait signe. Vous pouvez le deviner pendant des dizaines et des centaines d’années, comme le font les gens debout devant les chefs-d’œuvre immortels d’Aivazovsky.

Au début, l'artiste a appelé le tableau "Une tempête commence à éclater sur la mer Noire." Sous le même nom, les spectateurs l'ont vu lors de l'exposition d'Aivazovsky à l'Académie des Arts. En vendant le tableau à Pavel Tretiakov, Aivazovsky a rendu le titre plus simple, il est également devenu plus vaste, exprimant la clarté et le sérieux du projet du peintre. Le tableau d'Ivan Aivazovsky "La Mer Noire", qui a été créé en 1881, marque déjà le déclin de la carrière créatrice de l'artiste.

L'intrigue peut être retracée dans cette image. "La Mer Noire" d'Aivazovsky est une création qui montre la "Les deux éléments préférés de l'auteur, la mer et le ciel. Dès le premier coup d'œil, une ligne claire de l'horizon lointain est évidente, divisant la toile entière en deux parties. C'est cette fine bande blanche qui donne à chacun l'espoir d'un avenir meilleur, car la possibilité de se cacher des éléments. C'est là que réside toute la description de la « Mer Noire » d'Aivazovsky. Mais on ne peut pas parler de l’intrigue de l'oeuvre sans clarifier un point. Au loin, près de la ligne d’horizon, on aperçoit la silhouette à peine perceptible d’un navire maritime. Ce n’est pas un hasard si l’auteur l’a rendu à peine visible, d’un simple coup de pinceau.  

Nuit au clair de lune à Capri

Moscou Musée d'État de la littérature 

Les Archives d'État de la littérature et de l'art (en russe : Государственный архив литературы и искусства - acronyme RGALI (en russe : РГАЛИ) est la plus grande institution de conservation d'archives étatiques de Russie, qui préserve des documents nationaux en littérature, musique, théâtre, cinéma, peinture et architecture. Comme une archive centralisée de la documentation dans le domaine culturel, la RGALI a été fondée en 1941 sous le nom de TsGLA, sur la base des fonds de manuscrits recueillis au Musée d'État littéraire (Goslitmuzei - GLM) et fonds désignés par d'autres musées et les archives. 

Portrait de Loris Melikov

Cette peinture illustre la technique variée d'Aivazovsky. Non seulement il était habile à peindre des paysages mélodramatiques et superposés et des scènes côtières, pleins d'émotions et de vigueur, mais il était également doué pour peindre des portraits naturalistes. Ce portrait est celui du comte Mikhaïl Tarielovitch Loris-Melikov, homme d'État et général russo-arménien. Il illustre l'estime à laquelle le comte signalé était tenu, suggérant son honneur et son respect. Il est également très détaillé, des cheveux gris à la barbe du sujet, au chatoiement de ses médailles.Ce portrait illustre également l'extrême habileté du peintre à représenter la lumière dans ses tableaux, à se demander si la lueur dans l'œil de Loris-Melikov est l'œuvre du peintre ou la représentation d'une émotion plus profonde. 

Moscou Musée d'Etat Pouchkine

Le Musée d'État d'Alexandre Sergueïevitch Pouchkine  est un musée moscovite dédié au poète russe Alexandre Pouchkine . L'ouverture a eu lieu en 1961 dans le bâtiment du domaine noble de la ville de Khrouchtchev-Seleznev , érigé au XIXe siècle. 

 En 2018, le fonds du musée se compose de plus de 200 000 articles et comprend des articles ménagers, des effets personnels du poète, une collection d'art et des collections privées. Pour le 200e anniversaire de la naissance de Pouchkine en 1999, le bâtiment principal et les dépendances voisines ont été réunis par un atrium en verre , qui formait l'apparence d'un seul complexe muséal.  

Le Port d'Odessa : la digue

Ayant vécu toute sa vie au bord de la mer, Aivazovsky ne pouvait s'empêcher de glorifier la beauté et la puissance de cet élément. C'est de cet artiste dont se souvient Odessa, qu'il n'avait jamais peint d'après nature. N'ayant dessiné que quelques croquis, quelques mois plus tard, le tableau «Vue d'Odessa par une nuit au clair de lune» est né. Sur toile, l'intrigue a le même style. Sur la droite, un chapelet de maisons, mal éclairé par la lumière, se confond avec l'arrière-plan général, se dissolvant dans la mer. La lune d'un jaune inhabituellement brillant illumine la surface de la mer et vous permet de voir tout ce qui vous entoure, symbolisant un certain soleil. La dynamique de l'image comme appelant en avant, proposant de découvrir celui où le chemin de la lune est le plus éclairé. Voir l'inconnu et apprendre les secrets de la mer, quoi de plus intéressant. En vrai peintre de marine, Aivazovsky a traité la mer avec respect et respect.

Feodosia Galerie Nationale d'Art Aïvazovsky

La galerie nationale d'art d'Aïvazovsky est un musée d'art national à Feodosia, en Crimée. La première exposition a été organisée en privé par Ivan Aïvazovsky dans sa maison en 1845. La collection de base comprenait ses 49 peintures. En 1880, une salle d'exposition supplémentaire est rattachée à la maison. La galerie est devenue le troisième musée de l'Empire russe, après le musée de l'Ermitage et la galerie Tretiakov. Après la mort d'Aïvazovski en 1900, la propriété de la galerie a été transféré à la ville selon son testament. 

Après 1922, la galerie est devenue un musée d'État en URSS. La collection se compose d'environ 12 000 œuvres sur la peinture maritime, dont la plus grande collection au monde d'œuvres d'Ivan Aïvazovski lui-même (417 peintures). 

Autoportrait en pied de 1892

Déjà âgé, Ivan Konstantinovich Aivazovsky a peint deux grands autoportraits : le premier en 1892, le second six ans plus tard.

À cette époque, personne ne remettait en question les mérites d’I.K. Aivazovsky envers l’art russe. Il se situe au premier rang des plus grands maîtres de la peinture russe ; au cours de cette période, ses meilleures œuvres sont créées, parmi lesquelles les tableaux : « La mer Noire » (1881) et « Parmi les vagues » (1892). Presque chaque année, des expositions de ses peintures ont lieu en Russie ; il expose souvent ses œuvres à l'étranger et, en 1890, par exemple, l'artiste ouvre une exposition à Paris, avec le célèbre galeriste et marchand d'art Paul Durand-Ruel. « L'exposition des peintures d'I.K. Aivazovsky à Paris a fortement accru l'importance de la peinture russe aux yeux des Français », écrivaient les journaux de l'époque.

Bien que I.K. Aivazovsky soit devenu célèbre grâce aux marines, il a également travaillé dans d'autres genres, par exemple le portrait. Dans ce domaine, il n’a rien créé d’exceptionnel, cependant, ce genre de travail constitue sans aucun doute une page intéressante dans le travail de l’artiste. Parmi les portraits peints par I.K. Aivazovsky, il faut citer les portraits de : A.I. Kaznacheev, I.A. Krylov, P.S. Kotlyarevsky et, bien sûr, A.S. Pouchkine. En règle générale, il représentait le poète parmi la nature de Crimée (« Pouchkine aux rochers de Gurzuf », « A.S. Pouchkine au sommet d'Ai-Petri », etc.). I.K. Aivazovsky a peint à plusieurs reprises ses propres portraits.

Dans l'autoportrait de 1892, I.K. Aivazovsky s'est représenté dans tous les insignes : il porte un uniforme de marine et sa poitrine est décorée de nombreuses commandes russes et étrangères, qu'il a reçues à différentes périodes de sa vie pour ses réalisations exceptionnelles en peinture. Un ruban bleu est tendu sur l'épaule de l'artiste, le signe de l'Ordre de l'Aigle blanc. L'artiste s'est représenté dans son atelier de Feodosia, sur fond d'un de ses tableaux, à côté d'une photographie de sa seconde épouse Anna Nikitichna. Malgré son âge avancé, Ivan Konstantinovich a l'air joyeux et énergique 

Surfez sur la Côte de Crimée

Baie de Naples

Malaga Paysage marin

Le tableau «Malaga», comme beaucoup d'autres œuvres d'Aivazovsky, a été créé de mémoire et d'imagination à partir de dessins rapportés par l'artiste lors de ses voyages. On sait qu'Ivan Konstantinovich a visité la ville espagnole de Malaga en 1843 lors d'un voyage d'affaires à l'étranger : après une exposition réussie à Paris, l'artiste entreprit un voyage en Angleterre, et de là il arriva en Espagne par bateau à vapeur via le Portugal.  

Malaga, située sur la côte ouest de la mer Méditerranée, au centre d'une baie pittoresque entourée d'une chaîne de montagnes, a bien sûr intéressé l'artiste, comme en témoigne le dessin (vue de la côte de la baie de Malaga) des collections de la galerie d'art Feodosia du nom d'I.K. Aivazovsky.

Comme beaucoup d’autres œuvres des années 1850, le tableau « Malaga » est peint dans des couleurs vives et saturées. Le ciel a été réalisé en une seule étape, en utilisant une large gamme de nuances d'orange, de rose et de turquoise. Les mêmes nuances se répètent à l’image de la mer. L'illusion du mouvement des vagues marines aux crêtes mousseuses, transparentes et comme scintillantes de nacre, est parfaitement restituée. Lumineuse et brillante dans sa facture, cette œuvre démontre les traits les plus caractéristiques de la peinture romantique d'I.K. Aivazovsky. 

La Baie de Naples à la lueur de la lune

Lors de la création d'un nouveau tableau, Ivan Aivazovsky a d'abord peint le ciel. Il s'est toujours efforcé de terminer l'œuvre en une seule séance afin de conserver la sensation d'un seul espace dynamique. L’artiste a dit qu’il peignait « l’air ». Le philanthrope Alexeï Tomilov, qui fut l’un des premiers à croire au talent d’Aivazovsky, était d’accord avec cette interprétation et notait que dans les peintures d’Aivazovsky « l’air et l’eau s’affichent ».

Dans ce tableau, le ciel nocturne et la mer occupent plus de la moitié de la toile. Ce sont les personnages principaux du paysage qui créent la première impression du tableau. 

Aivazovsky a travaillé rapidement, il a créé la plupart de ses peintures en une journée. Mais chacune d’elles a été précédée d’une étape de préparation. L'artiste est venu plus d'une fois à l'endroit où il allait peindre, s'est imprégné d'impressions, a mémorisé les détails, mais de la vie, il n'a fait que de rapides croquis au crayon de contour. Le travail principal n’a pas eu lieu en plein air, mais dans l’atelier de l’artiste. 

L'image est presque monochrome. L'accent de couleur principal est sur la lune et la trajectoire lunaire. Le choix de la palette a été déterminé par la tâche d’Aivazovsky : capturer la nuit dans la tradition des artistes romantiques.

Le clair de lune inondant la baie de Naples dans ce tableau a tellement inspiré l'artiste anglais William Turner qu'il a écrit un poème en italien à Aivazovsky : « Dans ce tableau, je vois la lune avec son or et son argent, se tenant au-dessus de la mer et s'y reflétant. .. La surface de la mer, sur laquelle une légère brise soulève une houle tremblante, semble comme un champ d'étincelles ou une multitude d'étincelles métalliques sur le manteau du grand roi !.. Pardonne-moi, grand artiste, si j'étais je me suis trompé (prenant la photo pour la réalité), mais ton travail m'a enchanté, et le ravissement m'a envahi. Votre art est élevé et puissant, parce que vous êtes inspiré par le génie ! » 

La lumière aide les spectateurs à suivre l'intention de l'auteur. L'artiste pensait que le regard du spectateur devait glisser sur l'image, se déplaçant le long du faisceau depuis la source de lumière vers les zones sombres de l'image.

En même temps, la lumière dans les paysages d’Aivazovsky véhicule l’idée de présence divine. Cette image atteint son absolu dans le tableau « Chaos ». Sur celui-ci, les rayons du soleil se fondent dans la figure de Dieu créant le monde. 

À l'horizon, à droite de Naples endormie, les sommets du Vésuve sont visibles. La fumée du cratère du volcan est le seul élément du paysage qui tient en haleine. Le Vésuve dort, mais qui sait quand il se réveillera ? Le tableau a été peint en 1842, 20 ans après la dernière éruption volcanique significative. La prochaine aura lieu 30 ans plus tard, en 1872. 

Aivazovsky a utilisé la méthode du glaçage, il a appliqué des couches de peinture transparentes avec les coups de pinceau les plus fins. Cette manière picturale donnait à ses paysages marins, peints à l'huile, une ressemblance avec des aquarelles aériennes. L'artiste a créé volume et profondeur avec une combinaison de nuances de bleu, de gris et de vert, et l'écume ajourée des vagues avec des couches de glaçage de peinture blanche. 

Contrairement à la plupart des peintres paysagistes, Aivazovsky a peint ses tableaux non pas en plein air, mais en atelier. Même lors de son voyage de retraite en Italie, l'artiste a mené une expérience : il a peint plusieurs tableaux d'après nature et plusieurs en atelier de mémoire. Lors de l’exposition, l’artiste a remarqué que ses peintures « inventées » suscitaient davantage d’intérêt. Depuis lors, le peintre paysagiste travaille uniquement en atelier, recréant sur toile les états de la nature les plus vivants et les plus beaux. 

Sur une île reliée par une étroite chaussée à Naples, s'élève le château Castel dell'Ovo. L'origine du nom (« château aux œufs ») est associée à sa forme inhabituelle. En 1139, le roi Roger de Sicile fit construire un château à l'emplacement d'une villa détruite. Il existe aujourd'hui un musée consacré à l'histoire de l'île et de Naples. 

Le petit voilier représenté par Aivazovsky au centre de l'image appartient aux voiliers à deux mâts du type « bovo ». Des voiles latines triangulaires sont attachées aux mâts. Ils sont à peine remplis de vent : la mer est calme. Les navires maritimes n'intéressaient pas moins l'artiste que la mer. Il faisait souvent de la voile et visitait l'Europe, la Turquie et l'Amérique. En 1842, alors qu'il voyageait sur un bateau à vapeur dans le golfe de Gascogne, Aivazovsky fut pris dans une violente tempête. L'artiste a décrit sa rencontre avec les éléments marins dans la revue « Antiquité russe » : « La peur n'a pas supprimé ma capacité à percevoir et à retenir dans ma mémoire l'impression faite sur moi par la tempête, comme un merveilleux tableau vivant. 

Aivazovsky a peint la terre selon sa propre méthode : l'artiste a coupé de manière inégale les pinceaux durs, de sorte que les marques profondes en relief des poils restent sur la couche de peinture. Ensuite, en utilisant des couches de peinture glacées transparentes, appliquées en traits fins, Aivazovsky a ajouté des nuances. Cela a créé la texture du sable et des pierres, contrastant efficacement avec la surface de l'eau. 

Les chercheurs de l’œuvre d’Aivazovsky pensent que la chartreuse de la Certosa di San Martino est représentée à droite sur l’image. Il a été construit à Naples sur la colline du Vomero en 1368, près du château Castel Sant'Elmo. La version du monastère est également soutenue par les personnages en manteaux blancs sur les marches du bâtiment. Les frères de l'ordre monastique des Chartreux de l'Église catholique romaine portaient de longs vêtements blancs avec une capuche. Jusqu'en 1866, le monastère fut actif, après quoi un musée y fut créé. Ivan Aivazovsky, qui a peint le tableau en 1842, pouvait voir dans ces endroits des moines chartreux du monastère. 

Les pins italiens et une tour en pierre constituent une sorte de toile de fond et créent une composition paysagère classique, délimitant les plans spatiaux. Les pins du tableau d’Aivazovsky ressemblent étonnamment aux arbres du tableau « Vue de Naples depuis la route de Posilipo », peint par l’artiste Sylvester Shchedrin en 1829. Les chercheurs pensent qu’Aivazovsky, qui connaissait les œuvres de Shchedrin, a ainsi rendu hommage au maître paysagiste. 

Montagnes de Glace en Antarctique

En 1870, lors de la célébration du cinquantième anniversaire de la découverte de l'Antarctique par les navigateurs russes F.F. Bellingausen et M.P. Lazarev, Aivazovsky a peint le premier tableau représentant la glace polaire "Les montagnes de glace de l'Antarctique". Lors de la célébration d'Aivazovsky à l'occasion du cinquantième anniversaire de son œuvre, P.P. Semenov-Tyan-Shansky a déclaré dans son discours : « La Société géographique russe vous reconnaît depuis longtemps, Ivan Konstantinovich, comme une figure géographique exceptionnelle... »

Et en effet, de nombreuses peintures d'Aivazovsky allient qualités artistiques et grande valeur éducative.

La Flotte de la Mer Noire à Feodosia

Dans son célèbre ouvrage « La flotte de la mer Noire à Feodosia », Ivan Aivazovsky a voulu capturer les événements de 1846. Cette année-là, l'artiste a célébré le dixième anniversaire de son œuvre et son peuple respecté est arrivé sur le navire « Douze Apôtres » pour saluer et féliciter le créateur exceptionnel. La flottille navale était dirigée par l'amiral et ami proche de l'artiste V. A. Kornilov.

Sur la célèbre toile, Aivazovsky a peint des voiliers rapides, de l'eau de mer sombre et un ciel bleu clair. Le fond sableux et propre est clairement visible à travers les profondeurs de l’eau claire. Une immense flotte avec de nombreux navires à mi-chemin du rivage. Un léger brouillard enveloppe les jetées de Feodosia. L’ensemble du tableau est rempli de silence calme et solennel, si courant lors d’une chaude journée d’été en mer. Le ciel est clair et libre, il n'y a pas un seul nuage dessus.

Au loin, vous pouvez voir les bâtiments de la ville et les puissantes montagnes de Crimée. Des peuples pacifiques, sujets de l'Empire russe, attendent probablement la flotte à terre. Aivazovsky faisait alors partie du quartier général de la marine, et tous ses collègues et supérieurs exprimaient des mots de gratitude et de fierté d'avoir une personne aussi talentueuse dans leur équipe.

Le calme de la peinture d’Aivazovsky semble exprimer l’ambiance de lutte, de sérénité et de force de la marine russe. La flotte rentre dans la baie, saine et sauve. L'artiste a réussi à capturer sa puissance, sa force et sa puissance. L'indicateur est un nombre incalculable de navires, prêts à tout moment pour le combat et la défense de la patrie.

La mer à Koktebel

Toute sa vie, la mer est restée l'objet d'un amour indéfectible pour Aivazovsky. Ses peintures sont une sorte d'encyclopédie marine, à partir de laquelle vous pouvez apprendre en détail à quoi ressemble l'élément marin et comment il se comporte à tout moment de la journée, à tout moment de l'année et par tous les temps. Ce paysage marin a été créé par Aivazovsky en 1853, pendant une période de croissance rapide de son activité créatrice. L’image reflète bien la spontanéité des sentiments de l’artiste et l’ambiance romantique qui imprégnait son œuvre à cette période de sa vie.

Nous voyons une vue de la baie de Koktebel au coucher du soleil. Presque toute la surface de la toile est occupée par l'image de la mer agitée et du ciel haut couvert de nuages luxuriants. Au loin, on aperçoit la silhouette gracieuse du légendaire Kara-Dag. Le mince croissant du mois est déjà apparu dans le ciel. Tout autour est baigné de la lumière rose dorée du soleil couchant. Les vagues roulent lentement sur le rivage. L'air est frais et clair. Un petit voilier luttant contre le vent qui monte souligne l'ambiance romantique de la toile.

La toile « Mer à Koktebel» se distingue par l'intégralité de sa composition et sa haute qualité d'exécution. Aivazovsky transmet habilement la transparence de la vague verdâtre. Lorsqu'il coule jusqu'au rivage, le sable côtier est bien visible à travers la dentelle de son écume. Le tableau lumineux et artistiquement exécuté « Mer. Koktebel »est l’une des peintures les plus expressives et les plus parfaites de l’artiste.

Le Baptème du peuple arménien 

En 1892, Aivazovsky réalise le tableau « Le Baptême du peuple arménien ». Grégoire l'Illuminateur (IVe siècle) » et en fait don à l'église arménienne de Saint-Sarkis à Feodosia. Aujourd'hui, il se trouve dans la galerie d'art de Feodosia "I.K. Aivazovsky". L'artiste a choisi la vallée de l'Ararat et le mont Ararat comme toile de fond pour sa peinture thématique. Grégoire l'Illuminateur est représenté dans les vêtements traditionnels de l'église des grands prêtres arméniens. 

Parmi les peintures à intrigue historique se trouve le tableau "Le Baptême du peuple arménien", qui ornait autrefois l'une des églises arméniennes de Feodosia et éveillait des sentiments patriotiques chez les paroissiens.

Le sujet de l'oeuvre Le Baptême du peuple arménien a marqué un tournant dans l'histoire de la culture arménienne. Son épanouissement fut facilité par l'adoption du christianisme par les Arméniens. Au tout début du IVe siècle, cette religion fut légalisée en Arménie comme religion d'État. L’Arménie est donc aujourd’hui l’un des États chrétiens les plus anciens. 

Navire "Douze Apotres" 1897

Ivan Konstantinovich Aivazovsky était un artiste de l'état-major principal de la marine et représentait presque toutes les grandes batailles navales auxquelles les navires de la flotte russe ont participé. L'artiste a traité ce genre de travail de manière très responsable et a soigneusement étudié chaque sujet. Au besoin, il consulte les archives de l'Amirauté, et participe parfois à des voyages pratiques sur les navires des flottes de la Baltique et de la mer Noire. De telles expéditions ont enrichi l'imagination de l'artiste, lui ont permis de collecter les matériaux nécessaires au travail et lui ont permis de se rapprocher de nombreux commandants navals exceptionnels. Parmi eux se trouvent : MP Lazarev, PS Nakhimov, VA Kornilov, VI Istomin, FP Litke. Ils ont hautement apprécié l'artiste : "Nous sommes fiers, Ivan Konstantinovitch, de vous compter parmi nos rangs..." IK Aivazovsky entretenait des relations amicales avec certains d'entre eux et ils ont répondu à l'artiste avec une attention et des exceptions peu respectueuses. Ainsi, par exemple, en 1846, pour célébrer le 10e anniversaire de son activité artistique, VA Kornilov a amené plusieurs navires de guerre de Sébastopol à Feodosia (le navire "Douze Apôtres" en faisait partie) et a organisé un feu d'artifice en l'honneur de l'artiste.

Le tableau "Navire «Les Douze Apôtres»" a été peint à la mémoire du glorieux navire et de son commandant légendaire Vladimir Alekseevich Kornilov. IK Aivazovsky représentait un navire de guerre, la fierté de la flotte russe, naviguant paisiblement sous les voiles relevées en pleine mer. La composition du tableau est égayée par un nuage géant, sur lequel se détache encore plus clairement la silhouette majestueuse d'un voilier.

• Le navire "Douze Apôtres" a été lancé en 1841 et faisait partie de la flotte de la mer Noire. Il joua un rôle important dans la guerre de Crimée et fut sabordé avec tous les autres navires de l'escadre de Crimée aux abords de Sébastopol, afin de bloquer l'accès de l'escadre anglo-française à la ville. 

Sur l'île de Crête

Des felouques de pêche goudronnées arrivaient par mer à Feodosia depuis la Grèce et la Turquie, et parfois d'énormes beautés aux ailes blanches - les navires de guerre de la flotte de la mer Noire - jetaient l'ancre dans la rade. Ils ont apporté ici des rumeurs sur la dure lutte de libération que le peuple grec a menée au cours de ces années-là.

 Depuis son enfance, Aivazovsky rêvait des exploits des héros nationaux. Dans ses années de déclin, il écrit : « Les premiers tableaux que j'ai vus, lorsqu'une étincelle d'amour ardent pour la peinture a éclaté en moi, étaient des lithographies représentant les exploits des héros de la fin des années vingt, combattant les Turcs pour la libération de la Grèce. , j'ai appris que la sympathie pour les Grecs qui ont renversé le joug turc, tous les poètes d'Europe l'exprimaient alors : Byron, Pouchkine, Hugo, Lamartine... La pensée de ce grand pays me visitait souvent sous forme de batailles sur terre et à mer."

 La deuxième montée (du vivant d’Aivazovsky) de la lutte de libération du peuple grec s’est produite dans les années 1860. Cette lutte a suscité une large réaction de sympathie parmi les personnes progressistes du monde entier.

 L'année 1867 est associée à un événement majeur d'une grande importance socio-politique : le soulèvement des habitants de l'île de Crète, qui était en possession vassale du sultan. Aivazovsky a répondu à cet événement avec une grande série de peintures. 

Malakhov Kurgan 

 C'est le lieu où Kornilov a été mortellement blessé.

L'épopée de Sébastopol occupe une place particulière dans l'œuvre de I.K. Aivazovsky. En 1854, il visita Sébastopol assiégé pour voir ce qui se passait sur place et décrire de manière fiable les événements liés à la guerre et à la défense de la ville. Il a soutenu les soldats blessés et leurs familles et a organisé une exposition de ses peintures de bataille, qui a été accueillie avec une grande approbation par les participants à la défense. Au fil du temps, I.K. Aivazovsky a peint une série de tableaux consacrés à la guerre de Crimée. Les œuvres du cycle de Sébastopol ont été exposées à plusieurs reprises lors de diverses expositions et les bénéfices en ont été reversés à des fins caritatives. Le tableau «Malakhov Kurgan» (1893) fait partie de ce cycle. Lors de la défense de Sébastopol, le Kourgan de Malakhov revêtait une importance stratégique et constituait l’un des principaux bastions de la ligne défensive de la ville. Les Français et les Britanniques, qui assiégèrent la ville, tirèrent dessus avec une telle fureur que « le sol trembla ». Ici, l'amiral P.S.Nakhimov a été mortellement blessé, le vice-amiral V.A. Kornilov et le contre-amiral V.I.Istomine sont décédés. Le bastion fut presque entièrement détruit et capturé par les Français avec d'énormes pertes. Les envahisseurs ont enterré tous les morts, les leurs et ceux des autres, dans une seule tombe, rendant ainsi hommage aux héros russes. Pour son tableau, I.K. Aivazovsky a imaginé l'intrigue suivante : deux vétérans de la guerre de Crimée sont venus s'incliner devant un lieu cher à leur cœur ; l'artiste les a représentés sur une croix commémorative faite de boulets de canon, sur le site de la blessure mortelle du vice-amiral Vladimir Alekseevich Kornilov. Sébastopol est représenté au coucher du soleil, la baie et la ville sont enveloppées d'un crépuscule bleuâtre, mais les rayons du soleil couchant, se propageant doucement dans le ciel clair, dorent toujours le sommet du Malakhov Kurgan. 

Soir en Crimée à Yalta

La nature exotique et luxuriante de la côte Sud fascine le jeune peintre. Parmi les œuvres célèbres de cette époque, la première s'appelle le tableau « Yalta ». 1838." De petite taille, il attire l'attention par la pureté de la perception de l'image, la sincérité de l'artiste dans la transmission du motif côtier sud... La mer, le ciel et une petite partie de la côte sont illuminés par le soleil couchant. Des reflets dorés scintillent subtilement sur les vagues d’une mer agitée. Le rayon déclinant du coucher de soleil a légèrement touché les nuages ​​​​argentés fondant dans le ciel azur, égayé le fond du rivage, où se détachent les bâtiments de deux et trois étages de la ville et le clocher vertical de l'église Saint-Jean Chrysostome qui les couronne. sur la colline Polikurovsky. La réussite incontestable de l’artiste réside dans le fait qu’il n’a pas délibérément poétisé ce coin romantique de Crimée, mais qu’il a réussi, en choisissant un sujet un peu quotidien, à attirer l’attention sur un lieu précis. Dix ans après ce tableau, Aivazovsky réalisera la magnifique toile « Soirée en Crimée. Yalta. 1848." Et si à « Yalta. 1838" l'or du coucher du soleil capture modestement l'instant du jour qui passe, alors à « Yalta ». 1848" le coucher du soleil, tel un manteau royal, enveloppait la forêt, dorait les eaux calmes de la baie et mettait en valeur les éléments du paysage. Au cours de 60 ans d'activité créatrice, le célèbre peintre de marine s'est tourné plus d'une fois vers le thème de « Yalta », mais le petit et modeste tableau « Yalta », créé l'année où Yalta a reçu le statut de ville, est devenu un point de repère dans l'histoire de l'artiste. travail. La reconnaissance de son talent a commencé avec le tableau « La Nuit de Crimée », exposé pendant ses années d'études à l'Académie de Saint-Pétersbourg. 

Naufrage 1876

Le tableau a été peint à l’huile sur toile en 1876. Aivazovsky a essayé de décrire le plus fidèlement possible la mer déchaînée, sa beauté, sa puissance et sa grandeur. En même temps, il voulait évoquer chez le spectateur non pas la peur des grosses vagues, mais le plaisir de contempler les possibilités illimitées des éléments naturels. Le tableau représente une forte tempête et un petit bateau que les vagues entraînent vers les rochers. Il y a des gens assis dans le bateau qui désignent le rivage salvateur. On ne sait pas s’ils parviendront à atterrir et à s’échapper ou si le bateau s’écrasera sur les rochers. Les gens peuvent voir sur le rivage. Debout au sommet, ils scrutent la tempête, essayant de déterminer ce qui s'y trouve : un navire détruit ou simplement des vagues géantes. 

Le rôle principal dans l'image est joué par les vagues avec des crêtes d'écume blanche comme neige. Ils effraient et fascinent à la fois. Près du rivage, la mer déchaînée prend une teinte bleuâtre et dans les profondeurs elle devient verdâtre. C'est en peignant ce tableau qu'Aivazovsky a utilisé pour la première fois la couleur vert cobalt, qu'il a ensuite commencé à utiliser pour créer d'autres tableaux. 

Le ciel sur la photo est couvert de nuages ​​​​sombres qui, en arrière-plan, se confondent presque avec la mer orageuse gris-vert. C'est depuis le ciel qu'Aivazovsky a commencé à peindre ses tableaux, terminant son portrait en une seule étape. Mais l’artiste pouvait peindre la mer selon plusieurs approches. Une tache de couleur brillante dans la composition est un rocher saillant avec des gens. Il est éclairé par les rayons du soleil qui traversent le ciel orageux. Ces rayons de lumière chauds symbolisent l'espoir de salut, une fin heureuse, typique de la plupart des peintures du grand artiste.

Cap Fiolent Monastère Saint Georges

Le peintre de marine populaire Ivan Konstantinovich Aivazovsky est un leader unique en matière de créateurs sur des thèmes marins. Un grand nombre de tableaux de l'auteur sont consacrés à la mer ; il a compris, comme personne d'autre, la profondeur et la beauté de la mer. La création du tableau "Monastère Saint-Georges" remonte à 1846, lorsque le peintre visita Sébastopol en Crimée. Ivan Konstantinovitch a visité cette ville plus d'une fois. Le chef-d'œuvre exprime la jeune sensualité du paysagiste et son orientation romantique. Le paysage est représenté par un terrain étonnant, qui regorge de charmes. 

Le cap Fiolent apparaît devant le spectateur, qui est l'un des endroits merveilleux de Crimée. La mer déviant la nature principale de l'artiste, c'est la mer qui entoure ces merveilleux rochers. L'ensemble de l'œuvre est baigné de clair de lune et le chemin qui longe la mer habillé par sa majesté. Le fond du ciel sombre est soigneusement éclairé par une lumière argentée et tout autour ressemble à un magnifique conte de fées lunaires. 

Sur la toile "Monastère Saint-Georges", il y a une composition qui reflète l'harmonie des couleurs. L'œuvre d'Aivazovsky est composée de riches nuances et transitions. La luminosité des tons stabilise la position des graphiques, ce qui attire le spectateur. Les images poétiques du paysage marin et du cap prouvent à quel point l'artiste est amoureux de la beauté de la nature. Un voilier solitaire au loin, représenté par de fines lignes de pinceau. Ivan Konstantinovitch semble rêver de faire un voyage nocturne. Le tableau représente une mer calme qui ne sera pas perturbée par la brise. Le peintre poursuit l'objectif d'amener chaque observateur à la réalité de la beauté marine. Aivazovsky pouvait périodiquement être distrait par certains genres de peinture, mais son style préféré restait le paysage marin, dans lequel il investissait son monde intérieur et ses expériences. Ivan Konstantinovich est un artiste dans le travail duquel on peut voir des traces de profondeurs marines fabuleuses et réelles.

Pour les artistes de la génération d’I.K. Aivazovsky, Rome était la terre promise. Sylvester Shchedrin a peint ici ses paysages intimes, Orest Kiprensky a travaillé ici et la renommée de Karl Bryullov a tonné ici. Tous ces artistes ont été extrêmement importants pour le développement créatif du jeune Aivazovsky. À l'automne 1840, I.K. Aivazovsky entreprit son premier voyage d'affaires à l'étranger. Sa renommée européenne commence en Italie. La culture italienne, sa peinture, sa littérature, son histoire, fascinent le jeune artiste et l'inspirent pour créer de belles œuvres poétiques.

Dans cette rangée se trouve le tableau « Dante et l'artiste dans les montagnes » réalisé en 1883. L'image du grand poète italien de la Renaissance, Dante Alighieri, a toujours attiré l'artiste. Le tableau «Dante et l'artiste dans les montagnes» est perçu comme une sorte de fantaisie artistique de I.K. Aivazovsky, qui se représente lui-même et le poète haut dans les montagnes, parmi les nuages, en train d'avoir une conversation philosophique. Aivazovsky a réussi à décrire magistralement la beauté des nuages ​​​​et des nuages, leur mouvement menaçant et rapide, que l'artiste a perçu comme une métaphore du destin.

Au cours de la dernière année de sa vie, l'artiste prévoyait un voyage en Italie. A cette époque, il écrivait : « J'ai fermement décidé d'aller en Italie cette année et maintenant je rêve de ce voyage à Rome et à Naples, où je passerai trois mois en automne et en hiver. Ici, en 1841, a été posé le début de ma gloire européenne, et maintenant, après 58 ans, j'espère y travailler, comme en 1841, au temps de la jeunesse et de l'espérance, seulement pour surprendre les Napolitains, c'est-à-dire ces petits-enfants, juste maintenant comme alors ».  Mais malheureusement, le voyage n’a jamais eu lieu. 

La flotte turque a été découverte en juillet 1770 à l'ancre dans le détroit de Chios, près de Tchesma, une flotte de 73 navires, sous le commandement de Hosameddin, alors que la flotte russe n'avait que 9 navires de ligne et trois frégates. La flotte russe sous le commandement général du comte Orlov avec Greig en tant que capitaine à bord du Trekh Ierarkhov, s'approcha de la flotte turque le 24 juin 1770 (5 juillet 1770), le vaisseau amiral russe Yevstafy avec à bord Spiridov attaqua le vaisseau amiral turc Real Mustafa armé avec 80 pistolets. Le Real Mustafa a éclaté en flammes après que le russe ait abordé sur le navire, mais un mât brûlant de Real Mustafa est tombé sur le Yevstafy et a enflammé son approvisionnement en poudre, elle était perdue. Dans un rugissement formidable, les deux navires ont explosé et ont coulé avec une forte perte de vie. L'amiral Spiridov a pu s'en sortir, et son drapeau a été élevé sur le Trekh Svyatitelya.

La flotte turque a coupé ses câbles d'ancrage et a navigué vers le port étroit de Tchesma, pendant la première étape de la bataille, les deux flottes ont perdu un navire de ligne. La flotte russe a bloqué en toute sécurité l'entrée du port. Le 26 juin, un escadron de la flotte russe a été envoyé dans le port sous le commandement de Greig, la force de quatre navires de ligne, deux frégates et un navire à bombe, le Grom accompagné de feux qui se sont révélés très efficaces. Alors que certains navires ont engagé les batteries au rivage, le Grom a ouvert le feu sur la flotte turque ancrée, un incendie a commencé sur l'un des navires turcs et s'est rapidement répandu dans le reste du navire. Ensuite, Greig a commandé les 4 feux à attaquer, dont un seul a fait des dégâts réels, mais l'effet a provoqué un incendie à bord d'autresnavires, et la flotte turque fut presque incendiée et perdue.

Un navire turc de ligne, le Rhodos a été capturé et quelques galères.

La flotte turque a été vaincue et la perte a été très élevée, elle a perdu 11 000 hommes; Les russe ont perdu 534 hommes principalement à bord du Yevstafy quand il a explosé.

Autoportrait en 1881

La renommée de l'un des meilleurs peintres de marine lui est venue très tôt et elle n'a pas changé avec l'artiste tout au long de ses soixante années d'activité créatrice. Même de son vivant, l’expression « Digne du pinceau d’Aïvazovski » était largement répandue lorsqu’on parlait de quelque chose d’inhabituel. La renommée d'Aivazovsky était bien méritée. L'artiste a subtilement ressenti la beauté de l'élément marin et, comme personne d'autre, a su le transmettre dans ses peintures. Pendant près d’un siècle et demi, ils conservent leur charme et enthousiasment les spectateurs. Le destin, semble-t-il, ne promettait pas un grand succès au futur peintre né le 17 juillet 1817 dans la famille d'un marchand en faillite qui, au moment de la naissance de son troisième fils, Ivan, était à la tête du bazar de Théodose, ancienne ville, fondée au 6ème siècle avant JC par les Grecs milésiens, qui était devenue au début du 19ème siècle une ville de province. 

Entre les vagues

Très souvent, dans les peintures d'Aivazovsky, la mer semble représenter la force incontrôlable de la nature; c'est exactement ce que nous voyons dans sa peinture "Entre les vagues" qui a été peint en 1898, alors que l'artiste avait 81 ans. Dans ce tableau, l'auteur a magistrale représentait les éléments marins en colère.

On voit sur la toile une tempête, une mer déchaînée, un ciel orageux, de fortes vagues, bouillonnantes et bouillantes, prêtes à absorber tous les êtres vivants. Il est à noter que l'auteur ne représente que la mer fusionnée avec un ciel orageux. Il n'y a pas d'épaves, de mâts ou de marins mourants imposent de combattre les éléments, bien que tout cela soit présent dans d'autres tableaux de l'auteur.

Aivazovsky représente un horizon très bas, le ciel orageux et les éléments marins déchaînés ne sont presque pas séparés. Ce tableau évoque en moi une tempête d'émotions, il y a de l'excitation, de l'anxiété, de la peur, mais en même temps de l'admiration pour la grandeur de l'élément marin. Seul un maître brillant pourrait créer une image aussi simple dans sa composition, mais évoquant une palette d'émotions aussi complexe. 

Quand on regarde cette superbe image, il nous semble que l'on entend le rugissement des vagues et les grondements effrayants du tonnerre. La palette de couleurs pittoresques est composée de nombreuses nuances de gris, de vert et de bleu. La gamme est étonnamment colorée, mais extrêmement sobre en couleurs, presque monochrome. Nous voyons également l'écume de dentelle blanche comme neige des vagues, ce qui ajoute une saveur solennelle à l'image.

Du point de vue de la composition et de l'intrigue, l'image est très simple, mais très profonde dans la perception. Ici, nous voyons des nuages ​​​​de plomb, un vent orageux, des vagues en colère, mais en même temps, nous pouvons observer un large faisceau de lumière dans le coin de l'image, comme l'espoir de futurs changements lumineux. La tempête va bientôt s'apaiser et nous reverrons une mer calme.

Le plus étonnant est que la mer dans les peintures de IK Aivazovsky est toujours vivante. Il n'y a ni personnes ni animaux dans cette image; le personnage principal de l'image, comme la plupart des peintures de l'artiste, est la mer.

On  voudrait comparer le tableau « Parmi les vagues » avec une autre création de ce grand maître, appelée « La Vague ». D'une part, ces peintures sont très similaires, sur les deux on voit une tempête, une mer bouillonnante et déchaînée, une ligne d'horizon basse qui unit l'élément marin à un ciel en colère. Les peintures sont également similaires dans leur palette de couleurs. Mais en même temps, le tableau "La Vague" est sombre, il représente un élément destructeur qui absorbe le navire et tous les êtres vivants à bord, entraînant la mort. Et le tableau "Entre les vagues" est étonnamment solennel, il contient de nombreuses couleurs claires, nous voyons ici la grandeur de l'élément marin, et non la mort et la destruction.

Le tableau "Entre les vagues" est à juste titre considéré comme le summum de la créativité de l'artiste et un chef-d'œuvre de la peinture mondiale. Pour l'auteur, il avait également une signification particulière, c'est pourquoi il l'a légué à sa ville natale, Feodosia, où il est toujours conservé.

Le Brick « Mercure » attaqué par deux navires turcs 

Le Brick « Mercure » attaqué par deux navires turcs (en russe : Бриг „Меркурий“ атакованный двумя турецкими кораблями) est une peinture à l'huile d'Ivan Aïvazovsky de 1892, conservée à la galerie nationale d'art d'Aïvazovski de Feodossia en Crimée et virtuellement par le Musée russe de Saint-Pétersbourg en Russie.

Le brick « Mercure » est un navire ayant existé et représenté dans d'autres œuvres. Il a servi dans la neuvième guerre russo-turque de 1828 à 1829. 

Magnifique toile datant de 1892, signée Ivan Aivazovsky, peintre russe du XIXe siècle. Elle représente un célèbre combat de l’histoire de la marine russe, celui du brick Merkourii (Меркурий, Mercure) s’opposant seul, et avec succès, à deux grands vaisseaux de la marine ottomane, dont un trois-ponts, le 14 mai 1829… Le Merkourii était un petit brick, de 29 mètres de long environ, mis en chantier à Sébastopol le 28 janvier 1819 et lancé le 7 mai 1820. Portant 18 caronades de 24 et pourvu d’un équipage de 110 hommes, il était spécialement conçu pour pouvoir patrouiller et garder la côte caucasienne de la Mer Noire, afin de lutter contre la contrebande assez importante dans ce secteur à l’époque. Cette mission particulière expliquait le faible tirant d’eau du navire, qui avait pour conséquence sa faible vitesse, que l’on compensa très partiellement en l’équipant de rames, sept de chaque coté.

Durant les derniers mois de la guerre russo-turque de 1828-1829, le 14 mai 1829, le Merkourii, accompagné de la frégate Shtandart (Штандарт, Étendard, du nom de la frégate du tsar Pierre le Grand, premier navire de la flotte de la Baltique en 1703) et du brick Orfey (Орфей, Orphée), croisent à la sortie du détroit du Bosphore et aperçoivent au loin une escadre turque composée de plusieurs vaisseaux se dirigeant sur eux. De force bien inférieure, les trois navires n’ont d’autre choix que de fuir. Mais, tandis que le Shtandart et l’Orfey forcent de voile pour rallier la flotte russe, le Merkourii, mauvais marcheur, reste en arrière. Deux vaisseaux turcs, un trois-ponts de 120 canons, le Selimiye, et un deux-ponts de 74 canons, le Real Bey, se détachent de l’escadre pour le prendre en chasse. Le Selimiye a été construit par l’ingénieur français Jacques Brun de Sainte-Catherine en 1797. 

Le commandant du brick russe, le capitaine lieutenant Alexandre Ivanovitch Kazarskii (1797-1833), décide en accord avec ses officiers d’accepter le combat et rejette toute idée de réédition. On fait rentrer les avirons, l’affrontement commence. Le vaisseau amiral turc laisse porter, pour passer à tribord du brick et le prendre ainsi entre deux feux. Par une série de manœuvres bien exécutées, Kazarskii réussit toutefois pendant presque une heure à conserver les deux ennemis d’un même bord. Mais il est bientôt entouré et subit de fortes bordées ennemies. Après quatre heures de manœuvres et de lutte, le brick est sur le point de succomber, le capitaine écrit dans son rapport qu’il avait alors décidé à de faire sauter son navire en mettant le feu à la soute aux poudres, quand, par quelques coups heureux, le Merkourii parvint à désemparer ses adversaires et finalement à leur échapper. 

Cette action héroïque fut largement rapportée et commentée en Russie. Le tsar Nicolas Ier accorda à tous les officiers et matelots du navire une double pension jusqu’à la fin de leur vie et les décora tous de Saint-Georges et Saint-Vladimir.  

Une légère brume enveloppe les lointains bleutés, là où les montagnes s'élèvent et où les nuages ​​convergent. Pas moins d'harmonie règne sur le versant céleste, où les cumulus, nuages ​​aériens s'alignent en figures bizarres. Sur leur fond se trouve un ciel azur, par endroits couvert de brouillard translucide.

La fin de journée tant attendue approche pour tout le monde, mais l'équipage du navire marchand, au contraire, est pressé de regagner le navire pour continuer le voyage. Dans leur bateau, il y a une réserve de provisions qui devrait suffire pour qu'ils puissent naviguer confortablement pendant un certain temps. Mais à un moment aussi fascinant, ils ne veulent pas s’inquiéter, alors les voyageurs ont paisiblement pris place et se contentent du silence et de la sérénité qui les entourent.

Une palette de couleurs savamment sélectionnée insuffle également la tranquillité et vous emmène dans le monde enchanteur des rêves. Une minute, vous regardez l'image - et maintenant vous marchez dans les rues étroites de l'Italie et ne pouvez pas passer par le lac large et pittoresque. Il n’est pas surprenant qu’il continue d’inspirer les artistes encore aujourd’hui. Impossible de ne pas succomber à ses charmes fabuleux. Il y a des nuages ​​​​roses de rêve, un brouillard blanc comme neige et des vagues bleuâtres. Et de quelles nuances scintillent les montagnes lointaines !

Cette création a été accueillie avec un grand plaisir en Russie, malgré l'interdiction de l'État. Le talent de l'auteur était au-dessus des conflits politiques et des milliers de spectateurs enthousiastes lui ont, à juste titre, accordé leur attention. Par la suite, le tableau a été acheté dans une collection privée et vous pouvez désormais admirer le « Lac Majeur » à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Napoleon à Sainte Hélène

La toile « Napoléon sur l'île de Sainte-Hélène » a été peinte par Ivan Konstantinovich Aivazovsky pour célébrer l'anniversaire de la victoire sur les envahisseurs français. Le nom sensationnel de l'ancien empereur de France, le roi d'Italie, qui s'est volontairement rendu et a été exilé par la couronne anglaise sur l'île de Sainte-Hélène, a donné naissance à l'image populaire d'un héros romantique même dans l'Empire russe.

Malgré le nom de l'image, le personnage principal est représenté par un petit personnage à peine visible qui se tient seul sur un rocher au milieu des déchaînés.

Napoléon s'est voué à une telle solitude en se rendant aux autorités anglaises, mais prouvant ainsi la force de son caractère, qu'Aivazovsky transmettait dans sa petite silhouette, apparaissant devant nous dans une pose majestueuse.

Il ne dessine pas le visage de l’empereur, mais il fait un seul coup de pinceau, met des points noirs à la place des yeux et de la bouche, mais personne ne doute que c’est Napoléon sur la photo, son uniforme et son chapeau. La partie principale de la toile est occupée par l'élément eau, qui est souligné par toutes les nuances de bleu et de bleu clair.

L'océan agité semble refléter l'humeur du prisonnier lui-même. L'aigle, qui apparaît par mauvais temps, symbolise Napoléon, qui a marqué l'histoire du monde en tant qu'empereur dont l'accession au pouvoir était totalement imprévisible. L'image nous parle d'un grand commandant vaincu, dont le nom ne sera jamais oublié. Ivan Konstantinovich a conçu le tableau à la fois pour un observateur russe et étranger, puisqu'il a beaucoup voyagé à travers l'Europe à une certaine époque. 

Le tableau décrit clairement cette bataille de Tchesmé. Au fond de la baie, des navires turcs en feu coulent, des mâts s'enflamment. Les flammes s'élèvent accompagnées de fumées bleues qui se mêlent aux nuages. La lumière de la lune illumine le mélange infernal d'eau et de feu. À l'avant-plan se dresse la silhouette sombre du vaisseau amiral de la flotte russe Trois Hiérarques (1766). À droite est représentée la destruction d'un navire turc par le navire brulôt Dmitri Iline. Des marins turcs s'accrochent aux épaves des navires pour ne pas se noyer. 

Aivazovsky n'était pas et ne pouvait pas être témoin de l'événement survenu dans la nuit du 26 juin 1770. Mais avec quelle manière convaincante et fiable il a reproduit l'image d'une bataille navale sur sa toile. Les navires explosent et brûlent, des fragments de mâts volent vers le ciel, des flammes montent et une fumée gris écarlate se mélange aux nuages, à travers lesquels la lune regarde calmement ce qui se passe. Sa lumière froide ne fait que souligner le mélange infernal du feu et de l'eau sur la mer. Il semble que l'artiste lui-même, en créant le tableau, ait ressenti le ravissement de la bataille au cours de laquelle les marins russes ont remporté une brillante victoire. Mais, malgré la férocité de la bataille, l'image fait grande impression et ressemble à un feu d'artifice grandiose. 

Tours sur une falaise près du Bosphore

 Les vagues vertes écument, roulent sur le haut rivage rocheux, et dans les vagues le navire bat comme un oiseau blessé, essayant de s'éloigner des terribles rochers pour éviter la mort, mais il n'y parvient pas... Les éléments sont plus forts - il tire, déchire les voiles, elles tombent et se froissent en lambeaux déchirés.

Les marins sont sauvés dans le bateau, tout le monde regarde le navire avec envie, c'était à la fois un foyer et un ami, mais il est déjà en train de couler et ne peut pas être sauvé. Un homme solitaire se tient sur les rochers au bord des vagues, peut-être un marin qui s'est précipité dans les vagues avant les autres et a nagé, peut-être un spectateur qui entendit le terrible fracas d'un arbre heurtant les rochers.

La vieille tour regarde paresseusement le drame qui se déroule à ses pieds. Au loin, sur une colline, la ville brille d'une blancheur éclatante, hautes tours, flèches de cathédrale, maisons confortables. Et le soleil se lève sur la mer, inondant tout autour de rayons dorés, il laisse espérer que la tempête prendra fin. et même ici, près des rochers, la mer sera plus calme.

L'image crée une ambiance très dramatique, mais aussi très lumineuse, cela semble presque cynique, mais le monde est ainsi : tous les navires ne coulent pas dans une tempête, toutes les personnes prises dans une tempête ne meurent pas. Et la mer ne s'en soucie pas lorsqu'elle jette un navire fragile sur les rochers - tôt un matin d'été ou une nuit d'automne.

La mer s'en fiche parce que c'est sa nature. Infiniment sage, détachée et changeante, elle use le rivage, car « Une goutte use une pierre ». Un jour, une autre mer éclaboussera le Bosphore, majestueuse, calme, sans fin, comme elle l’était au début du siècle.

Le bord de mer la nuit au phare 

L'une des premières œuvres de la collection Feodosia de l'artiste remonte à sa période d'étudiant, lorsque Aivazovsky étudiait à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg. Le tableau a été peint en 1837. L'influence évidente de M. N. Vorobyov, professeur et mentor du futur plus grand peintre, est également perceptible : la mer n'est pas aussi naturelle que dans les œuvres ultérieures, le ciel est plus artificiellement effrayant que réaliste, et les détails de l'image en bois flotté et un bateau en arrière-plan à ceux qui se balancent sur différents côtés de voiliers près de l'horizon lointain, conviendraient mieux à une toile réalisée dans le genre de la fantasmagorie.

Mais ce qui est également remarquable, c'est qu'il ne s'agit pas d'une imitation aveugle du professeur, et loin d'être une imitation d'exemples de peinture, fondateurs faisant autorité du genre. Aivazovsky s'est donné pour tâche de transmettre la futilité de l'existence humaine, comme pressée des deux côtés par les éléments eau et air. Malgré le fait que l'intrigue du film se déroule la nuit, la lune ne s'est pas levée si haut au-dessus de l'horizon et le phare n'est toujours pas allumé.

Odessa Musée d'Art

Le Musée d'art d'Odessa (en ukrainien: Одеський художній музей?) est l'une des principales galeries d'art dans la ville de Odessa, en Ukraine.

Fondé en 1899, il est logé à la Potocki Palais, qui est en elle-même un monument au début du XIXe siècle. Le musée possède une collection de plus de 100 000 objets d'art, y compris de nombreuses peintures de célèbres artistes européens de la fin du XIXe et début du XXe siècle.

Le palais qui abrite aujourd'hui la galerie d'art est l'un des plus anciens bâtiments d'Odessa. Il a été commandé par l'ancien membre du Parlement polonais Seweryn Potocki, qui, après partitions de la Pologne a juré allégeance au tsar de la Russie et est devenu un diplomate russe connu et ambassadeur Royaume de Naples. Potocki était aussi un riche propriétaire terrien; une de ses propriétés, le village de Severinovka, est connu pour une carrière calcaire, à partir de laquelle ont été extraites des matériaux de construction est le bâtiment de nombreux bâtiments publics à Odessa. 

Mykolaiv Musée Imeni Vereshchahina 

Le Musée d'Art Vereshchagin de Mykolaïv est le musée d'art qui est situé à Mykolaïv, également connu sous Nikolayev en Ukraine

 Le musée a été créé en 1914 par les membres d'une société locale d'amateurs des beaux-arts, en tant que monument à l'artiste Vasily Vereschagin . La première collection du musée a été placée dans l'ancienne salle de garde d'un département militaire. Il comprenait des œuvres qui ont été données par l' Académie des Arts , le musée russe d' Alexandre III , et des objets qui ont été envoyés par la veuve de VV Vereschagin, Lydia Vasilyevna.

A la veille de la Grande Guerre patriotique , la collection du musée totalisait près de 100 000 œuvres. A l'époque de l' occupation fasciste , le musée a été pillé. La restauration a commencé lorsque Nikolaev a été libéré. En 1945, le musée restaure l'œuvre dans le petit domaine antique.

Le musée comprend des œuvres appartenant à VV Vereschagin et des œuvres d'auteurs tels que IK Ayvazovsky , RG Sudkovsky et MM Antokolsky . D'autres musées ont participé à la constitution d'une collection d'après-guerre dont le musée d'art russe de Kiev, le musée d'art occidental et oriental de Kiev et le musée d'art d'Odessa.

Au cours de la période 1970-1980, la collection du musée a été régulièrement reconstituée aux frais de l' URSS , de l' Union des artistes de l'URSS et d'autres organisations, ainsi que de collections privées.

De 1980 à 1990, une attention particulière a été accordée aux traditions artistiques de la région. L'organisation des artistes Nikolaev a acheté les œuvres les plus anciennes des artistes DK Krainev, RS Sokolov, SM Starcheusa, VI Firsov et d'autres. Aujourd'hui, le musée d'art de Vasily Vereshchagin possède la collection la plus complète d'œuvres de l'artiste contemporain de Nikolaev : M. Ryasnyansky, VI Zolotukhin, DA Antonyuk, AP Zavgorodny, NF Berezhnoy, YA Bulavitskogo, SF Sienkiewicz, NA Mandrikova-Donchik et VS Pokosenko

En 1986, le musée a déménagé dans une nouvelle maison spacieuse. Il ya une exposition d' art national dans les salles des deuxième et troisième étages comprenant des peintures , des sculptures , des arts et métiers et des arts graphiques . Il y a une salle séparée dans le musée où sont exposées des œuvres d'art d'Europe occidentale.

Pouchkine sur la côte de la Mer Noire

Il s'agit du deuxième tableau dédié au poète et à la mer. Une autre toile de renommée mondiale est Adieu à la mer de Pouchkine. Cette peinture frappe l'esprit de quiconque la regarde.

Le chef-d'œuvre de la peinture "Pouchkine au bord de la mer" a été offert par le musée Aivazovsky de l'Académie des Arts. Elle est maintenant au musée du nom de Vereshchagin. Là, il est conservé jusqu'à ce jour. Pendant les années de guerre, la toile était gravement endommagée. Lorsqu'il a été découvert par l'artiste Stepanenko, il était en très mauvais état. Après cela, le restaurateur a travaillé dessus.

Kharkov Musée d'Art

Le musée d'art de Kharkiv (en russe : Харьковский художественный музей ; en ukrainien : Харківський художній музей) est un musée d'État ukrainien, l'un des plus importants du pays. Il a été fondé en 1905 à Kharkiv. 

Le musée est fondé en 1905 sous le nom de musée « d'art et d'industrie de la ville de Kharkov » (Городской художественно-промышленный музей). L'historien Dmitri Bagaleï est alors à la tête de la commission des nouvelles acquisitions. En 1907, le peintre Ilia Répine fait don à la demande de ce dernier d'un portrait peint par lui du général Dragomirov.

Le musée est rebaptisé en 1920 « musée d'histoire religieuse » (Церковно-Исторический музей), car ses œuvres sont principalement des icônes et objets de culte confisqués par les autorités bolchéviques, ainsi que des objets religieux provenant des éparchies de Kharkiv et de Volhynie et des collections de l'université de Kharkiv.

En 1922, le musée perd le qualificatif religieux et prend le nom « musée d'art ukrainien ». Il est alors divisé en trois départements: peinture, sculpture et architecture. Le premier réunit également des gravures et des livres anciens, ainsi qu'une collection d'icônes du xvie au xixe siècle. La plupart des tableaux sont des portraits, des paysages ou des scènes de genre datant du xviiie au xixe siècle, la majorité issue de confiscations.

Dans les années 1930, le musée est fermé au public. Il n'ouvre qu'après la libération de l'occupation allemande en 1944, à nouveau sous le nom de « musée d'art ukrainien ». Entre 1949 et 1965, il porte le nom de « musée d'État des beaux-arts », et depuis 1965, de « musée d'art de Kharkov ».

Le musée expose dans vingt-cinq salles des œuvres russes et ukrainiennes d'avant la révolution, des œuvres de la période soviétique et des œuvres d'art d'Europe de l'Ouest, ainsi que des pièces d'art décoratif du xvie siècle au xxe siècle.

Parmi les peintres russes ou ukrainiens de la période impériale, on remarque des œuvres d'Anton Lossenko (Abel, 1768), Brioullov, Aïvazovski, Chichkine, Sourikov, Borovikovski, Levitski,, Borissov-Moussatov, Vassili Sokolov, Arkhip Kouïndji (Printemps précoce, 1890-1895), etc. Le musée abrite la collection la plus importante d'Ukraine de tableaux de Répine (onze tableaux, dont le fameux Cosaques zaporogues écrivant une lettre au sultan de Turquie, variante de 1889-1893 donnée au musée de Kharkov par la galerie Tretiakov en 1932 ; Portrait de Tatiana Chtchepkina-Koupernik, 1914 ; ainsi que huit feuilles de croquis).

Des représentants de l'art dont le rayonnement s'est effectué surtout localement dans diverses provinces de l'actuelle Ukraine sont aussi présents, comme Taras Chevtchenko (Autoportrait qui peignit aussi), Vassilkovski (1854-1917), Martynovitch, Tkatchenko (1860-1916), Levtchenko, Grigoriev (1910-1988). On peut ajouter Nikolaï Samokich ; Mykola Bouratchek, Fédir Krytchevsky, Oleksandr Mourachko, Gueorgui Narbout, Tatiana Iablonskaïa, Henryk Siemiradzki (Les Pirates isauriens vendant leur butin, 1880), Lev Lagorio (Dans les montagnes du Caucase), 1879 ; Nikolaï Pimonenko (La Réunion, 1908 ; Victime du fanatisme ; 1898; Sinnokis, début 1912 ; Au marché, 1898) ; Nikolaï Iarochenko, Funérailles, 1893 ; Grigori Laptchenko, Printemps précoce, 1830 ; Alexandre Litovtchenko, L'Ambassadeur italien Calvucci fait dessiner les faucons favoris du tsar Alexis Mikhaïlovitch (1889), Mykhaylo Berkos, Opanas Slastion ; Filipp Maliavine, Pavel Kharitonenko avec son fils, 1911...

Parmi les artistes d'Europe occidentale figurent : Bertel Thorvaldsen, Pieter de Molyn, Parmigianino, Albrecht Dürer, Marcantonio Raimondi, Frans Floris (Suzanne et les vieillards), Pietro da Cortona (Martyre de Saint Laurent), Andrea Sacchi, Giuseppe Maria Crespi, Giovanni Benedetto Castiglione, Jan van Scorel (L'Apôtre Philippe), Simon de Vlieger (marine), Joos van Cleve, (Madone), Guido Reni, Ludovico Mazzolino, Francesco Furini, Bartolomeo Manfredi, Livio Mehus, Giovanni Francesco Caroto, Alexandre Adriaenssen, Jan van Goyen, Esaias van de Velde l'Ancien, (Paysage, autrefois attribué à Pieter Bruegel le Jeune), Gillis van Tilborch, Nicolas de Largillierre, Klaes Molenaer; etc…

Gurzuf

Le tableau exquis et sophistiqué « Gurzuf » du grand peintre de marine Aivazovsky transporte chacun dans le monde de la beauté et de la perfection. La richesse des couleurs, la vivacité de la composition et la profondeur de la pensée sont ces moments impressionnants qui donnent vie au tableau.

Le ciel bleu et clair, la surface calme de l'eau et les bateaux et navires représentés sur la toile qui se balancent doucement vous envahissent de calme et de tranquillité. Grâce au magnifique savoir-faire de l’artiste, le tableau vit sa propre vie, donne naissance à des histoires et des images et surprend à nouveau par de nouvelles découvertes. En créant sa toile à la peinture à l'huile, Aivazovsky a réussi à transmettre le flux tranquille de la vie dans la baie, tout en l'enveloppant de mystère et de sous-estimation.

Quiconque regarde une œuvre d'art d'un génie peut non seulement admirer le réalisme et la vivacité de l'image, mais aussi se sentir comme l'un des gens naviguant sur un bateau ou voyant sur un grand navire quelque chose que d'autres n'ont pas eu le temps de remarquer. Et qui sait, peut-être que Gurzuf contient non seulement un trésor d'émotions, mais aussi d'autres trésors non moins importants.

Pskov Musée d'Art

Ce musée est situé dans l’ancien palais Pogankin, datant du XVIIe siècle. Les pièces les plus intéressantes sont, sans nul doute, les icônes, provenant des nombreuses églises de la région détruites par les bolchéviques. On peut remarquer le style particulier de l’école de Pskov, qui connut son heure de gloire au début du XVe siècle. Elle est marquée par un réalisme assez loin des canons habituels de l’iconographie orthodoxe. La ville a sans doute subi l’influence de la renaissance italienne transmise à travers les Polonais catholiques. Même si le musée possède une belle collection, les plus belles icônes de l’école de Pskov, sont conservées à la galerie Tretiakov de Moscou ou au musée russe de Saint-Pétersbourg. 

Donetsk Musée régional d'Art

Le musée d'art régional de Donetsk  est l'un des plus grands musées d' art d' Ukraine , le centre culturel de Donetsk et de la région, lauréat du concours régional, lauréat du Golden Scythian 1999 . 

Le musée a été fondé le 23 septembre 1939 l'année du Musée des beaux-arts ; à partir de 1941 il a cessé d'exister en raison du début de la Grande Guerre patriotique 1941 - 1945 ; avec 1958, il est devenu le département des beaux-arts du musée Staline des traditions locales ; avec 1960, La Galerie d'art de Staline lui succède ; avec 1965 il devient le Musée d'art de Donetsk.

Le musée possède aujourd'hui dans sa collection plus de 15 000 œuvres de peinture , graphique , sculpture et arts décoratifs et appliqués . Sa collection comprend des œuvres des plus célèbres maîtres ukrainiens, russes et étrangers des XVIe-XXe siècles, ainsi que des œuvres de l' Antiquité .

L'exposition permanente du musée présente des œuvres de : I. Aivazovsky , F. Vasiliev , A. Benois , D. Burliuk , V. Vasnetsov , V. Golubkina , I. Grabar , J. Dow , O. Kiprensky , P. Konchalovsky , A. Korin , V. Polenov , A. Savrasov , V. Serov , V. Surikov , Robert Falk , I. Shishkin , T. Yablonskaya .

Grotte d'Azur à Capri

La grotte bleue (grotta azzurra en italien) est une grotte maritime située sur la côte nord-ouest de l’île de Capri, sur la commune d’Anacapri. Elle est célèbre pour son eau claire et ses reflets bleu lumineux qui proviennent de la lumière externe réfléchie par ses parois et dont la composante rouge est filtrée par l’eau.
C’est cette couleur bleue qui donne sa particularité à cette grotte et qui en a fait l’attraction la plus célèbre de Capri. Elle se visite en petite barque à rame, en s’allongeant pour passer l’entrée. 

Sous les romains de l’antiquité, c’était un nymphaeum, un sanctuaire dédié aux nymphes aquatiques de la mythologie. Par la suite, la grotte bleue a longtemps été évitée, considérée comme un lieu maudit. C’est en 1826 qu’elle fut redécouverte, par le pêcheur Angelo Ferraro qui accompagna le peintre allemand August Kopisch (1799-1853) et l’artiste suisse Ernest Fries (1801-1833). C'est 15 ans plus tard que Ivan Aivazovsky l'a peint à son tour avec tout son art.

Peterhof  Le Palais

Le palais de Peterhof (en russe : Петергоф) est situé à Peterhof à environ 25 km du centre de Saint-Pétersbourg, sur la rive sud du golfe de Finlande, bras de la mer Baltique. L'emplacement, à mi-chemin entre Pétersbourg et Kronstadt, fut choisi comme site de résidence par Pierre le Grand. Après un voyage en France, il ordonna de faire élever un palais grandiose qui dépasserait en beauté le château de Versailles. Si Versailles célèbre Apollon, Peterhof se veut une évocation de Neptune.  

Grand Palais de Peterhof

"Le Grand Palais de Peterhof" date de 1844) et l'œuvre est empreinte d' une ambiance romantique , créée par l'auteur pour glorifier l'art russe en général.
Le monument architectural le plus remarquable de l'ensemble du palais et du parc de Peterhof est l'immense bâtiment baroque du Grand Palais de Peterhof, également connu sous le nom de Petrodvorets.

A l'origine, il s'agissait d'un palais royal assez modeste, construit dans le style « baroque pétrinien » en 1714-1725 selon le projet Zh-B. Leblond, puis N. Michetti, ont été reconstruits par Elizabeth selon le modèle de Versailles (architecte F.-B. Rastrelli) - dans le style baroque dit mature. La longueur de la façade face à la mer est de 268 m. La vue sur la façade depuis les parcs supérieur ou inférieur est impressionnante, mais il s'agit plutôt d'une illusion d'optique - le palais lui-même est assez étroit et pas aussi grand qu'il y paraît. Il compte une trentaine de pièces, dont des salles d'apparat richement décorées, plâtrées pour ressembler à du marbre, avec des plafonds peints, du parquet marqueté et des murs dorés.

L'artiste transmet non seulement les caractéristiques architecturales du lieu, mais aussi les nuances de la vie orientale. Des éléments décoratifs sont visibles en arrière-plan, notamment des tapis, des oreillers et des décorations, qui confèrent au tableau une saveur et une authenticité orientales. Aivazovsky a habilement utilisé la lumière et l'ombre pour créer du volume et de la profondeur, ainsi que pour obtenir l'effet de réalisme dans les moindres détails.

La composition du tableau mérite également d'être notée. Le récit de l'artiste est structuré de telle manière que l'œil du spectateur mène du premier plan avec un groupe de personnes dans un café, en passant par des éléments décoratifs, jusqu'à l'arrière-plan avec une mosquée. Cela crée une impression de profondeur dans l'espace et ajoute du dynamisme à l'œuvre.

"Scène orientale. Café près de la mosquée d'Ortakoy à Constantinople" est un exemple frappant du savoir-faire d'Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Il transmet habilement l'atmosphère de la ville orientale et les divertissements de ses habitants, créant une image qui captive le spectateur et le plonge dans l'atmosphère unique de Constantinople.

Baie de Naples

 Après avoir obtenu son diplôme de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, Ivan Konstantinovich Aivazovsky a effectué un stage en Italie. La nature magnifique et la beauté de la côte ont tellement captivé le peintre qu'il peindra des paysages italiens tout au long de sa vie.

Possédant une excellente mémoire visuelle, il saura transmettre toutes ses impressions dans ses peintures, décrivant ce qu'il a vu dans les moindres détails, véhiculant toutes les plus belles nuances de couleurs, les jeux d'ombres et de lumière.

C'est ici l'un des tableaux qu'il a peints lors de son premier voyage en Italie : une vue de la baie de Naples.

C'est par une soirée chaude du sud, la couleur azur du ciel élevé s’assombrit et devient bleue. Le soleil couchant brille à travers les éclaircies des nuages bas et denses qui se rassemblent à l’horizon. Ses rayons peignent le ciel de délicates nuances jaune citron, qui se reflètent sur la surface calme de la mer. Et ce n'est qu'à l'horizon que de légères ombres lilas sont visibles, rendant invisible la transition de la surface de l'eau à l'air. Les contours violet pâle des îles se dissolvent dans la brume et les voiles blanches sont à peine visibles dans le brouillard.

De petites ondulations sont visibles sur la mer, le sentier ensoleillé tremble, chatoyant de chaudes couleurs dorées-ambrées.

Un navire à deux mâts est à l'ancre et se balance légèrement sur les vagues. Presque toutes les voiles sont déjà affalées, l'équipage attend une nuit de repos. Des ombres bleues s'étendent sur un grand auvent qui protège le pont du soleil brûlant. Le dernier bateau s'apprête à prendre le large. Un vent faible fait à peine bouger le drapeau rouge sur le haut mât. Un petit bateau s'approche du rivage, les rameurs travaillent harmonieusement. Des pêcheurs fatigués sont assis détendus à proximité. Sérénité, paix. Le bruit de la ville du soir peut être entendu depuis le rivage, l'air chauffé est rempli de l'odeur fraîche de la mer. Vous pouvez entendre les cris des mouettes blanches comme neige volant bas au-dessus des vagues presque imperceptibles. Les ombres du soir tombent sur l'eau, et seuls les rayons du soleil jouent encore joyeusement sur les ondulations de la mer et scintillent sur les gouttes d'eau tombant des pales des rames.

Un trait caractéristique du travail de l’artiste est un minimum de couleurs : bleu, jaune et marron. Cependant, grâce à son talent et à son talent pictural, il parvient à créer une telle variété de nuances, à rendre les transitions entre elles si imperceptibles, c'est pourquoi le paysage est rempli de lumière chaude du soleil, une mer si réelle et vivante respire en rythme, le ciel brille de délicates couleurs opales.

Le tableau fascine par son charme tranquille, sa douce sincérité et son romantisme, ravit par son naturel, l'harmonie de l'homme et de la mer.

Vue de la lagune de Venise 

La toile a été peinte à l'huile sur toile en 1841 dans le style romantisme, dans le genre du paysage. L’enfance de l’artiste s’est déroulée près de la mer, ce qui a façonné son amour sans limites pour les paysages marins, les bateaux et les randonnées. Par conséquent, comme personne d'autre, il pouvait écrire tous les détails et transmettre avec précision les événements historiques. 

Aivazovsky se rend à Rome en 1849 pour poursuivre ses études d'art. Il s'y rend avec d'autres artistes célèbres. Au cours de ces années de sa vie, il a voyagé dans presque tous les pays européens et visité de nombreux endroits. Sa mer, les paysages sont connus dans le monde entier et Aivazovsky, comme personne d'autre, pourrait transmettre toute la puissance d'une tempête ou le silence et le romantisme des baies nocturnes. En Italie, il peint plus de 50 toiles, ce qui provoque une tempête d'émotions lors des expositions et glorifie le jeune peintre. Il a été comparé au Grand Paganini, ils ont dit qu'il n'avait pas de concurrents dans sa capacité à utiliser les tons. 

« Vue de la lagune vénitienne » est l'une des peintures sur le thème marin d'Aivazovsky. L'artiste possède plus d'une toile avec une vue de Venise. Il représente la surface de l’eau calme de la belle Venise. La toile n'a pas de couleurs vives, mais l'artiste, en utilisant une combinaison de plusieurs couleurs, a obtenu une profondeur et une tranquillité d'esprit incroyables. Au loin, vous pouvez voir les contours des bâtiments de la ville. En regardant cette oeuvre, on perçoit toujours le paysage différemment. Parfois, il semble que c'est l'aube et que les filles sont sur le rivage en attendant une balade avec un gondolier expérimenté. Parfois, on pense qu'un autre jour à Venise est passé et que les gens sur le rivage admirent le soleil couchant. Mais on peut certainement dire que l’image calme et fait réfléchir. Cette œuvre confirme une fois de plus son habile utilisation du pinceau. Aivazovsky a noté tous les détails et sélectionné de manière unique les effets de lumière et d'ombre.

« La pensée artistique du maître est décorative ; cela est dû à son enfance, à son sang, à son origine. Le caractère décoratif n'interfère pas du tout, mais contribue à Aivazovsky dans ses caractéristiques émotionnelles précises du représenté. La perfection du résultat est obtenue par la virtuosité des nuances tonales les plus extraordinaires. Ici, il n'a pas d'égal, c'est pourquoi il a été comparé à Paganini. Aivazovsky est un maestro du ton. Les canons de l’école européenne qu’il a acquis se superposent à son flair décoratif naturel et purement national. Cette unité de deux principes permet à l'artiste d'obtenir une saturation si convaincante de l'atmosphère lumière-air et une harmonie mélodieuse des couleurs. C'est peut-être précisément dans le caractère unique d'une telle fusion que réside l'attrait magique de ses peintures » (Sh. Khachatryan). 

La toile est conservée dans la réserve-musée du palais et du parc artistique et architectural d'État "Peterhof".

Promenade en bateau par Kumkapi à Constantinople

Kumkapı est un quartier du district de Fatih à Istanbul. Il est situé le long de la rive nord de la mer de Marmara. Jusqu'à récemment, Kumkapı est le centre de la communauté arménienne de la ville, avec une école et plusieurs églises. C'est également là que se trouve le siège du Patriarcat arménien de Constantinople. 

Crimée

Le lien avec la Crimée se reflète le plus clairement dans l’œuvre d’Aivazovsky. Il aimait par-dessus tout la mer et représentait le plus souvent la mer Noire. Comme personne d'autre, il transmettait la puissance des éléments marins, la grandeur et l'immensité de la mer. La nature de la Crimée, l'ayant conquis dans son enfance, a nourri sa créativité toute sa vie. 

Tempête sur la mer   

Pour illustrer cette oeuvre voici un poême propice à cette évocation. Il est de Heinrich Heine : "Le vent enfile son pantalon".

Le vent remonte son pantalon,
Les trombes blanches !
Il fouette de toutes ses forces les vagues
qui hurlent, rugissent et rugissent.
Des hauteurs sombres, avec une puissance sauvage,
les averses tombent ;
C'est comme si la vieille nuit voulait
noyer la vieille mer.

La mouette s'accroche au mât
avec des cris et des cris rauques ;
Elle s'agite et veut même
prophétiser un malheur avec crainte.

Istra Musée d'Art de la Nouvelle Jérusalem

Le musée national d'histoire et d'art de la Nouvelle Jérusalem (en russe : Государственный историко-художественный музей «Новый Иерусалим est un musée d'histoire et d'art de la ville d'Istra, le plus spacieux de l'oblast de Moscou. 

Sa création en 1920 et son fonctionnement sont étroitement liés au Monastère de la Nouvelle Jérusalem créé au xviie siècle. 

C'est un des plus grands musées de Russie. Le bâtiment dans lequel il est installé a été construit suivant les règles de la construction durable et offre plus de 10 000 m2 d'espace d'exposition. 

Les collections du musée représentent plus de 180 000 unités parmi lesquelles des matériaux archéologiques et ethnographiques, des sources écrites et photographiques de manuscrits et de livres rares, de la numismatique , des armes, des matériaux russes et étrangers de différentes époques (iconographie, couture, peinture, graphisme, arts décoratifs du xvie siècle ay xxie siècle).

Le contenu des collections est un reflet du développement historique et culturel de la région de Moscou. Les collections comprennent également des reliques uniques liées à l'histoire du monastère de la Nouvelle Jérusalem et à la personnalité de son fondateur, le patriarche de Moscou et de toute la Rus' Nikon (1605-1681). En plus des expositions permanentes, le musée accueille aussi des expositions temporaires sur des sujets précis. Son espace moderne est complété par de la technologie multimédiatique.

Les environs de Yalta la nuit

La ville de Yalta, située sur la côte sud de la Crimée, occupait une place importante dans la vie d'Ivan Aivazovsky, qui consacra plusieurs de ses peintures aux paysages de Yalta. « La première connaissance significative d’Aivazovsky avec la côte sud de la Crimée eut lieu en 1838. Ce printemps, un événement important s'est produit dans l'histoire de Yalta : elle a reçu le statut de ville. N'est-ce pas Aivazovsky qui s'est précipité ici pour célébrer cette occasion ? écrit Tatiana Barskaya dans son livre documentaire historique « Yalta Arménie ». Le Musée arménien de Moscou publie un fragment d’un livre sur Yalta d’Aivazovsky. 

Aivazovsky s'est lié à Yalta par des liens de sang. Sa fille aînée Elena a épousé le docteur P.S. Latri et s'installe à Yalta. Devenue veuve, elle épousa le maire de la ville, magistrat honoraire du district de Yalta, V.A. Rybitski. Elle était impliquée dans des œuvres caritatives et était directrice d'un orphelinat. Ivan Konstantinovitch leur a construit une maison à Outka. Aivazovsky est venu à Yalta pendant un demi-siècle. Pendant ce temps, Elena Ivanovna a construit deux hôtels dans la ville, l'une sur la rue Morskaya appelée « Morskaya » et l'autre sur la digue « France » détruite pendant la guerre en 1942.

En octobre 1899, Aivazovsky propose au père du compositeur A.A. Spendiarov, marié à sa petite-nièce Mazirova, a construit dans la maison de Yalta, sur Ekaterininskaya, un « hall d'art et de musique », où il pourrait exposer des peintures sur la musique de Spendiarov.

Luhansk Musée Régional d'Art 

Rybinsk Musée réserve

Tempête en mer

Orenbourg Musée régional des Beaux Arts

Le Musée régional des beaux-arts d'Orenbourg est un musée d'art situé dans Orenbourg, en Russie. Elle a été ouverte au public en 1961. La galerie abrite une collection d'art soviétique, russe et d'Europe occidentale, et était initialement fondée sur une collection de L.V. Popov.

Vue de Kertch

Kertch ( Ukraine Kerch en Crimée) est une ville dans la partie orientale de la Crimée , située sur la rive du détroit de Kertch. Suite aux résultats de la guerre russo-turque de 1768-1774, selon le traité Kuchuk-Kainardzhiyskiy de 1774 , Kertch et la forteresse Yeni-Kale avec un vaste territoire adjacent ont été transférés à l ' Empire russe... En 1775, Kertch a été inclus dans la province d'Azov de la province d'Azov, et en 1784 dans la région de Tauride.

Au printemps de 1818, l'empereur Alexandre Ier visita Kertch, et en 1821, par son décret, l'administration de la ville, le port et la quarantaine établis . Du 13 mai 1855 au 10 juin 1856, pendant la guerre de Crimée, la ville fut occupée et pillée par les troupes anglo-françaises-turques.

Kiev Musée d'Etat d'Art Russe

Le Musée national de peinture de Kiev ou Musée national galerie de peinture de Kiev appelé antérieurement à mars 2017 le Musée national d'art russe est un musée des beaux-arts situé à Kiev en Ukraine. 

Jusqu’en 1931, ce musée s’appelait la Galerie de Kiev. Pendant l’intense campagne de russification de 1936, il a changé de nom et est devenu le musée d’Art russe, bien que les œuvres exposées soient celles d’artistes ukrainiens. Installé dans l’immeuble du fameux mécène ukrainien du XIXe siècle, Terechtchenko, le musée expose des peintures, sculptures, œuvres graphiques, objets d’art appliqué, de l’époque de la Russie de Kiev jusqu’à nos jours. On y trouve des peintures de Repine, Chichkine, Vroubel et Aïvazovski, célèbres peintres russes. 

Tempête

La plupart des gens admirent et admirent la beauté et la puissance de l'élément eau lorsque la surface de la mer est calme et tranquille. Mais lorsque les éléments montrent leur puissance et leur rage, chacun y regarde avec prudence. Le grand peintre de marine aimait la mer dans toutes ses manifestations, et cela est particulièrement clairement exprimé dans le tableau de la tempête d’Aivazovsky. À première vue, l'image est remplie de désespoir et de deuil de la situation, que le grand maître a exprimé de manière si vivante et colorée à l'aide de couleurs et de jeux d'ombres.

Le tableau dramatique de la tempête d'Aivazovsky montre l'insignifiance de l'homme face à la grande puissance des éléments. Pour le confirmer, il suffit de prêter attention au ciel violent, qui prépare déjà une série de tests pour les marins du navire. Les couleurs et les nuances du ciel se fondent doucement dans les silhouettes de montagnes formidables, ce qui n'augure rien de bon pour les courageux qui décident de naviguer par temps aussi orageux. L'ensemble des couleurs de l'image est répressif et symbolise un phénomène sombre échappant au contrôle des gens - une tempête.

La surface de la mer devient le piédestal d’événements tragiques. Plusieurs navires au loin ne peuvent plus résister aux éléments déchaînés, des vagues en colère les poussent vers des rochers pointus, le sort des navires est prédéterminé. Un navire tente désespérément de s’échapper, il sillonne la mer avec fierté et détermination. Les nuages ​​​​au-dessus du ciel gris se dispersent progressivement, des rayons de lumière commencent à s'infiltrer dans les profondeurs sombres, symbolisant la fin d'un terrible phénomène naturel.

Une caractéristique unique de cet artiste talentueux est qu’il n’a pas peint la mer d’après nature. Il pourrait passer beaucoup de temps sur le rivage, étudiant comment la surface de l'eau change sous l'effet de certains vents, des rayons du soleil et de la trajectoire de la lune. Et par la suite, il a créé de grands chefs-d’œuvre en utilisant sa propre mémoire.

Le tableau « La Tempête » a été créé par le grand peintre de marine en 1872 et ajouté à sa célèbre collection d'œuvres époustouflantes. Vous pouvez désormais admirer le tableau en visitant Feodosia, où se trouve le musée Aivazovsky. 

Que peut-on dire de plus? À en juger par l'habileté de la peinture, le tableau a été peint par un artiste talentueux. Puisqu’au XIXe siècle, tout Européen cultivé considérait qu’il était de son devoir de visiter les villes anciennes et de visiter la Grèce et l’Italie, la nationalité de l’artiste peut être n’importe laquelle. Et en passant, cela pourrait être non seulement un Européen, mais aussi un Américain, car à cette époque, la peinture américaine donnait de nombreux exemples d'excellents paysages. Il est assez difficile de déterminer l'artiste en fonction du style de peinture de ce tableau particulier. Cependant, si vous connaissez l'histoire de l'art et les particularités du style des maîtres peintres de différents pays, vous pouvez limiter votre recherche aux Allemands, aux Britanniques, aux Russes et aux Américains. Les Français? À peine...

C'est là que s'arrêteront les recherches d'une personne qui ne connaît pas l'auteur du tableau.

Et on sait juste qui est l'auteur ! Ce tableau a été peint par Ivan Aivazovsky. 

C'est tout. Assez inattendu, n'est-ce pas ?

 Scène de la Vie au Caire    

Le 17 novembre 1869, le canal de Suez a été ouvert, un canal de navigation sans écluses reliant la Méditerranée et la mer Rouge. Sa découverte a permis de raccourcir considérablement la route des navires : désormais, pour se rendre en Inde et plus à l'est, il n'était plus nécessaire de contourner toute l'Afrique, comme c'était le cas auparavant. C'est donc le sens économique de cet événement, et les Français sont apparus ici parce que l'entrepreneur et ancien diplomate français Ferdinand de Lesseps a dirigé ce projet ; d'ailleurs, il a ensuite dirigé la construction du canal de Panama, bien qu'avec beaucoup moins de succès. Des délégations de nombreux pays ont été invitées à l'ouverture officielle, y compris, bien entendu, celle de l'Empire russe. Le peintre de marine russe le plus célèbre, également membre de la Société géographique russe, y est entré. Il est arrivé avec l'écrivain Vladimir Sollogub sur le navire Général Kotzebue. Sur ce navire, les membres de la délégation russe ont été parmi les premiers à emprunter le canal nouvellement ouvert. Ensuite, il y a eu de magnifiques festivités qui ont duré toute une semaine. Sur la base des notes d’Aivazovsky, c’est alors qu’il commença à écrire ses premières œuvres consacrées à l’Égypte. 

Riazan Musée d'Art Pozhalostin

Trébizonde depuis la mer en 1875

Odessa Musée d'Art

Le musée d'art occidental et oriental (en ukrainien : Музей західного і східного мистецтва; en russe : Одесский музей западного и восточного искусства) d'Odessa abrite une des plus importantes collections artistiques d'Ukraine.

Le musée est fondé en 1924 et situé dans un hôtel particulier construit en 1856 selon les plans de l'architecte Ludwig Otton pour la famille du comte Alexandre Abaza. la section d'art oriental est inaugurée quant à elle en 1951, grâce à des pièces de musées en provenance de musées de Moscou, de Léningrad et de Kiev.

La collection du musée comporte trois sections : la galerie d'art pictural (xvie-xxe siècle) ; la galerie d'arts graphiques (avec notamment une section dédiée aux arts graphiques japonais) ; la galerie d'art décoratif (porcelaines, meubles, tapisseries, etc.).

Les palmiers projetteront le navire vers le soleil levant. Il n'est pas visible sur la photo, mais la toile entière est déjà chargée de son énergie et de sa force, le navire affronte sans crainte la tempête qui s'apaise et les poses calmes des gens à l'arrière soulignent leur unité confiante avec le navire fiable et la nature. 

Aivazovsky a peint la plupart de ses œuvres à l'huile, mais l'artiste a apporté la technique de représentation des profondeurs de la mer et des nuages ​​​​​​​​à une telle perfection, légèreté et transparence qu'à première vue, elles semblaient être des aquarelles. Le maître travaillait toujours facilement et rapidement : en une seule séance, il pouvait terminer l'ensemble du tableau. Même à l'âge de 80 ans, travaillant sur l'immense toile "Parmi les vagues", dont la surface était de plus de 12 mètres carrés, Aivazovsy l'a achevée en dix jours. 

Le réalisme et la précision de la transmission de toutes les nuances des éléments orageux, de la houle lumineuse sur la trajectoire lunaire et de la dentelle mousseuse de la vague tombante ont étonné même les peintres les plus éminents qui ont eu la chance de se rapprocher avec son œuvre du vivant d'Aivazovsky. Le célèbre aquarelliste britannique William Turner, après avoir vu plusieurs tableaux, lui écrivit un poème enthousiaste et touchant dans lequel il louait sincèrement le talent du peintre de marine russe et, à la fin, s'excusait d'avoir confondu le tableau avec la réalité, il en était tellement fasciné et le pouvoir de l'artiste de génie inspirant.

Taganrog Musée d'Art

Le musée d'art de Taganrog se trouve dans la ville de Taganrog en Russie. Il a été fondé en 1898, année du bicentenaire de la ville, et rassemble plus de six mille pièces. 

L'idée de sa fondation appartient à Anton Tchekhov qui naquit et étudia dans cette ville. Ilia Répine, à la demande de l'écrivain, s'adressa au conseil de l'Académie impériale des beaux-arts, afin de recueillir pour le musée de la ville des collections de peintres russes. L'Académie fit don en 1902 de huit tableaux, parmi lesquels Pins sur une pente et La Rivière Louga de Julius Fedders, où Le Zaporogue en reconnaissance de Sergueï Vassilkovski.

Le musée d'art prend officiellement naissance en 1968, lorsque le musée de la ville de 1898, donne son indépendance à la collection du musée actuel, intitulée alors Galerie de tableaux de Taganrog. Celle-ci s'installe en 1977 dans un ancien hôtel particulier, celui du marchand de la deuxième guilde de Taganrog, Anton Khandrine, construit en 1870, au n° 100 de la rue Alexandrovskaïa. Le musée reçoit sa dénomination actuelle en 2003.

Nuit lunaire Bain à Feodosia

Le silence de la nuit enveloppe la mer, le ciel et le rivage, plongeant le monde dans une obscurité impénétrable, éternelle et absolue. Mais la lune apparaît dans le ciel et le monde est illuminé par la lumière fantomatique d'une étoile nocturne. Les couleurs nocturnes fantastiques vous font regarder le paysage familier d'une nouvelle manière. La palette verdâtre-dorée du ciel illuminé et le chemin éclairé par la lune sur fond d'obscurité nocturne environnante rendent ce paysage mystérieux et enchanteur. La beauté mystérieuse du tableau d’Aivazovsky « Nuit lunaire. Les bains publics de Feodosia" attire par sa combinaison de couleurs inhabituelles et la sensation de calme merveilleux suspendu dans l'air immobile. La mer est comme un miroir liquide, reflétant la lueur fantomatique d’une luciole venue de la lune. Cela semble surnaturel, contrairement à la lumière chaude des habitations humaines. Quelque part au loin, dans une brume brumeuse, une ville dort et des navires aux voiles baissées somnolent. Le monde est immobile. C'est comme si nous entendions le silence retentissant sur la mer nocturne de Feodosia.

Stavropol Musée régional des Beaux Arts

Si le bâtiment ne manque pas de charme, les pièces exposées sont malheureusement assez pauvres à part notamment une marine d’Aïvazovsky. 

Vue de Tiflis

Ici, Aivazovsky a créé le paysage urbain. Les contours des maisons sont visibles au loin. On peut imaginer à quoi rappelle Tiflis pour l'artiste aujourd'hui. Nature caractéristique, verdure luxuriante, montagnes majestueuses - tout cela vit sa propre vie particulière. L'homme est complètement fusionné avec la nature. On ressent une harmonie particulière entre eux. 

Chaque détail est important dans cette création. L'artiste a réussi à remarquer quelque chose de grandiose dans une image de tous les jours. Il a non seulement décrit ce qu'il a vu, mais a également exprimé son attitude face à ce qui se passait. L'ensemble du tableau semble briller de l'intérieur. On ressent la joie particulière que l'artiste a éprouvée en représentant la ville du sud. 

Comme vous le savez, Aivazovsky est un maître des paysages. Chacune de ses toilettes est une création grandiose, qui renferme un sens profond. Le peintre ne se contente pas de représenter ce qu'il voit. Il a habilement transmis son attitude, son humeur particulière et ses pensées les plus intimes. C'est pourquoi, à première vue, les complots ordinaires acquièrent un pouvoir violent. Le spectateur estime qu'Aivazovsky n'aimait pas seulement la nature. Il ressentait sa propre unité avec elle et une incroyable harmonie. 

L'utilisation habile de la palette et le jeu magistral des couleurs donnent à la création de chaque artiste un son nouveau. Nous ressentons le véritable pouvoir de la nature, impossible à voir pour une personne ordinaire. Seuls les vrais maîtres possèdent cette capacité.

Toula Musée régional d'Art

Cette galerie exceptionnelle retrace un parcours depuis les icônes dorées et les peintures européennes de la fin du XVe siècle jusqu'aux pièces fascinantes du réalisme socialiste du XXe siècle, y compris les figurines animées en porcelaine d'ouvriers et d'explorateurs héroïques. La collection exquise comprend des œuvres d'artistes russes tels que Ivanov, Shishkin et Repin, ainsi que des meubles et des statues de marbre classiques. 

Signal d'Orage

Le tableau a été créé à Feodosia en 1851. L’artiste incarnait son thème favori : la puissance et la puissance de la mer. À l’aide d’une palette froide et tendue, l’auteur montre le ciel et les vagues entrant en conflit près de la côte enneigée. Aivazovsky commençait toujours par peindre le ciel sur toile et essayait de le terminer en une seule séance, même si la toile était grande. Ici le ciel se rapproche des navires avec des nuages ​​bas et plombés, se confondant avec la mer et formant une formidable unité. Les figurines statiques des observateurs soulignent la dynamique du ciel et de la mer. L'artiste a utilisé une technique de contraste de poids dans sa composition pour montrer la vulnérabilité des navires dans une tempête déchaînée : une puissante forteresse statique avec une jetée est comparée à des navires instables et à leurs mâts cages. Il semble que sous la pression croissante des vagues, les navires sont sur le point de briser l'ancre et d'être emmenés au large, comme cela s'est produit à plusieurs reprises.

La particularité de cette toile est la côte maritime enneigée, assez rare dans les paysages d'Aivazovsky. Les vagues côtières et un point lumineux de la plage créent un contraste tonal qui améliore l'expressivité et le son dramatique de l'image. L'œuvre se distingue par la richesse des nuances de couleurs créées par l'artiste pour produire les vagues et le ciel. 

Krasnoyarsk Musée Manoir Sourikov

Paysage avec vue sur le Vésuve

Oulan-Oudé Musée d'Art d'Etat de Bouriatie

Le Musée national de la république de Bouriatie a été fondé par la fusion de trois musées : le musée d'histoire, le musée d'art et le musée de la nature. Les fonds importants du musée ont plus de 75 mille unités de stockage, sur l'histoire et la culture de la région.

Navire 

Nizhniy Novgorod Musée d'Art d'Etat

Le musée d’art de Nijny Novgorod est le plus important en dehors de ceux dans les capitales. C’est donc le 4e du pays après l’Ermitage, la galerie Tretyakov et le musée Pouchkine. Ici vous retrouverez tous les plus grands peintres et artistes russes. C’est un « must-see » lors de votre visite de la ville. 

L’initiative de créer le musée revient à deux artistes – Nikolai Koshelev (1840-1918), professeur de l’Académie des Arts, et Andrei Karelin (1866-1928), célèbre peintre. La décision officielle a été prise lors de la réunion du conseil municipal du 14 juillet 1894. Au cours de son organisation, les autorités de la ville ont décidé de réunir le musée d’art nouvellement créé avec le musée historique déjà existant, la Maison Petrovsky.

Pour le lieu de l’exposition, ils ont choisi la tour Dmitriyevskaya du Kremlin de Nijny Novgorod. L’architecte et archéologue N.V. Sultanov avec l’aide de l’ingénieur P.P. Malinovskiy ont restauré et adapté la tour pour qu’elle soit un musée. La reconstruction et l’organisation du musée ont été partiellement financées par le conseil municipal. Mais la plupart des travaux ont été réalisés grâce à des dons privés de citoyens, car les habitants de Nijny Novgorod étaient très désireux d’avoir un musée d’art dans leur ville.

L’inauguration du nouveau musée, qui coïncide avec l’exposition artistique et industrielle russe de Nijny Novgorod, a eu lieu le 25 juin (7 juillet) 1896. Le musée était alors appelé Musée d’art et d’histoire de la ville de Nijny Novgorod.

Le musée a changé d’adresse plusieurs fois. Lorsqu’il a quitté la tour Dmitriyevskaya, le musée était situé dans le bâtiment de la Noble Assemblée, rue Bolchaya Pokrovskaya, puis dans le manoir du marchand Rukavishnikov. En 1924, le département artistique du musée d’art et d’histoire de la ville de Nijny Novgorod a été installé dans le manoir nationalisé du marchand Dimitri Sirotkin.

En 1934, les départements d’histoire et d’art ont été officiellement séparés. À cette époque, le système de description scientifique, d’enregistrement et de stockage des œuvres avait commencé à se développer. Depuis 1992, la majeure partie de la collection du musée a été placée dans le bâtiment de la Maison du Gouverneur militaire sur le territoire du Kremlin.

Aujourd’hui, le musée occupe deux bâtiments. Une exposition d’art russe est présentée dans la maison du gouverneur militaire au Kremlin tandis qu’une exposition d’art d’Europe occidentale se trouve dans la maison de Dmitry Sirotkin sur la digue Verkhnevolzhskaya.

La Corne d'Or

Aivazovsky fut extrêmement impressionné par Constantinople représentée dans le tableau lors de sa première visite en 1845. Dans une lettre à ses amis, il écrira : « Il n’y a probablement rien de plus majestueux au monde que cette ville ; Naples et Venise y sont oubliées. » Après son premier voyage, Aivazovsky visita la ville 7 fois de plus et fut chaleureusement accueilli par la diaspora arménienne de la ville et par les sultans turcs, sur les ordres desquels il écrivit un certain nombre d'ouvrages. Le tableau de la collection du Musée d’art d’État de Nijni Novgorod a été peint entre le deuxième et le troisième voyage à Constantinople et remonte à l’apogée de l’œuvre de l’artiste.

Le chemin lunaire magistralement rendu, les silhouettes spectaculaires des palmiers et l’architecture orientale de cette image créent une image captivante et exotique de l’Orient. Il n'est pas surprenant que ce soit précisément cet « Aivazovsky » exotique que Mitrofan Rukavishnikov ait choisi pour sa collection - lui-même est une personnalité « brillante, originale et ambiguë ».

La forme de la Crimée

Soumy Musée d'Art

Forteresse au bord de la mer

Erevan Galerie nationale d'Arménie

La Galerie nationale d’Arménie a débuté comme une annexe du Musée national, consacrée aux productions artistiques. Son organisation fut confiée à Martiros Sarian qui venait de Rostov. La collection initiale du Musée était constituée par les oeuvres des peintres arméniens exposant à Erevan. Peu après, le Musée reçut une importante collection de peintures, conservée jusque-là au Collège Lazarian de Moscou.En 1925, on invita de Léningrad Rouben Drambian, critique d’art, spécialiste réputé de la muséologie. C’est sous sa direction, pendant plus d’un quart de siècle, que la Galerie a acquis peu à peu son visage actuel. En 1935, l’annexe artistique fut transformée en un Musée des arts plastiques; en 1947, celui-ci fut baptisé Galerie arménienne d’Etat; son nom actuel, Galerie nationale d’Arménie, lui a été conféré en 1991.La collection de la Galerie a été complétée à intervalles réguliers par les acquisitions judicieuses du conservateur R.Drambian. Dans les années 30, en échange d’oeuvres d’art de l’époque ourartéenne, découvertes durant les campagnes de fouilles, la Galerie a reçu des oeuvres importantes en provenance du Monde de l’Ermitage. Il faut également rappeler les donateurs qui ont beaucoup fait pour la Galerie.

Coucher de Soleil à Feodosia

Byron visite les Mekhitaristes sur l'île de San Lazzaro  

 En Italie, le jeune artiste visite l'île de Saint-Lazare, où son frère Gabriel vivait dans un monastère arménien . Ivan reçut alors une cellule dans laquelle séjourna autrefois le grand Byron.
Les frères ont longuement parlé, notamment de leurs ancêtres et de leurs racines arméniennes.

Plus tard, le tableau fut transféré du Vatican à l’île de Saint-Lazare, au musée de la congrégation arménienne mékhitariste du monastère même où vécut le frère de l’artiste jusqu’en 1847. Là, elle se trouve toujours.

Noé descend du Mont Ararat 

La Descente de Noé du mont Ararat ou Noé descend du mont Ararat (en russe : Cошествие Ноя с горы Арарат) est un tableau du peintre russe d'origine arménienne Ivan Aïvazovski réalisé à l'huile en 1889. Le tableau représente l'un des épisodes de l'Ancien Testament : Noé revient sur la terre ferme après le Déluge. Avec lui descendent du mont Ararat ses enfants, sa femme, les épouses des fils et de nombreux animaux sauvés du déluge grâce à l'arche de Noé.

La première exposition du tableau a lieu à Paris. Plus tard, Aïvazovski en fait don à l'école de Nakhitchevan-sur-le-Don près de Rostov-sur-le-Don. Durant la Guerre civile russe, qui a suivi la révolution d'Octobre, le tableau est pris en charge à Erevan par le peintre arménien Martiros Sarian en 1921 pour le préserver. Aujourd'hui, le tableau est exposé à la galerie nationale d'Arménie à Erevan.

Vue de Saint Petersbourg

La principale direction stylistique de l’œuvre d’Ivan Aivazovsky est celle des paysages marins ; c’est dans ce genre que l’artiste a atteint des sommets extraordinaires. Cependant, Aivazovsky possède également d'autres peintures. Par exemple, dans le tableau "Vue de Saint-Pétersbourg", il n'y a pas de mer, mais il y a une surface d'eau de la rivière - les eaux de la Neva semblent occuper tout l'espace de la toile, les maisons tentent en vain de tenez-les.

Le ciel sans fin couvert de nuages, imperceptiblement pour le spectateur, se jette dans la vaste étendue d'eau. Le soleil couchant scintille à peine sur l’eau ; sa lumière ne suffit plus à déterminer où finit l’eau et où commence le ciel. L'artiste a peint le ciel et la rivière presque de la même couleur, gris clair, gris-turquoise.

Sur cette toile, comme sur toutes les autres d'Ivan Aivazovsky, le personnage principal est l'eau dans différentes images : rivières ou mers. La cathédrale Pierre et Paul, la Bourse et le Palais d'Hiver dans cette représentation grandiose ne sont que des décors pour démontrer la grandeur du fleuve.

La photo montre presque tous les sites touristiques de Saint-Pétersbourg, ainsi que la vie active de la ville et du fleuve à cette époque.

Saint-Pétersbourg est toujours resté un lieu privilégié pour Aivazovsky - c'est ici que s'est déroulé son développement complet en tant qu'artiste. Avec son tableau «Vue de Saint-Pétersbourg», comme avec beaucoup de ses autres œuvres, il montre la grandeur et la grandeur de l'élément eau, en l'occurrence la rivière Neva.

Cette toile est beaucoup moins familière aux spectateurs que les œuvres représentant des vues de Saint-Pétersbourg peintes plus tôt.

Tempête sur la mer

Coucher de soleil à Feodosia 

Le tableau représente un coucher de soleil sur le petit port d’une petite ville de Crimée. Plusieurs petites goélettes sont amarrées au rivage, mais on aperçoit au loin les bateaux des pêcheurs locaux qui s'approchent. Les gens se tiennent sur le rivage et agitent la main pour appeler un pêcheur solitaire sur un bateau.

Il restituait avec précision l'atmosphère d'une soirée féodosienne, la fin d'une dure journée de travail. Vous pouvez ressentir la simplicité de la vie de la population locale, les vêtements simples et les bras accueillants. De telles images parlent de l’ouverture des gens. La ville est représentée comme un port vers lequel ils retournent chaque soir, une atmosphère de foyer et de confort s'y fait sentir.

Aivazovsky, comme un navire de Crimée, revenait sans cesse vers ce port, ici, vers cette petite ville balnéaire. La toile de fond des événements est constituée des montagnes majestueuses qui s'élèvent au loin. Cette petite ville perdue parmi les chaînes de montagnes est confortablement située au bord de la mer Noire.

Le peintre a rendu la diversité des couleurs des derniers rayons du soleil illuminant le littoral. Les reflets sur l'eau, les ombres et les reflets créent l'effet d'une photographie. Le coucher du soleil symbolise la fin de la journée et la préparation à quelque chose de nouveau, à l'aube, qui apportera un changement et un début dans tout.

L'artiste a passé beaucoup de temps en Crimée et a représenté un grand nombre de paysages de cette région étonnante. Pour Aivazovsky, Feodosia était une ville particulière ; l'image traduit la beauté et l'individualité de cette petite ville perdue parmi les sommets des montagnes. C’est ici que s’est terminée la vie du peintre ; ce lieu l’a guéri et lui a donné de la vitalité pendant de nombreuses années. Le maître a peint ici sa dernière œuvre 

Pêcheurs sur le littoral

Pavlovsk Musée Réserve 

Pavlovsk se trouve à 25 km au sud Saint-Pétersbourg et distante uniquement de 3 km de la ville de Pouchkine. Le musée-réserve se compose d'un palais impérial et du parc attenant. De tous les palais impériaux d’été qui se trouvent à quelques kilomètres de Saint-Pétersbourg, celui de Pavlovsk est l’un des plus séduisants. Moins pompeux que Tsarskoïe Selo, moins impérial que Peterhoff, il allie les charmes complémentaires d’une résidence à caractère intime et d’un parc délicieusement bucolique. Ce parc, l’un des plus grands de Russie, est traversé par la rivière Slavianka, qui se plaît à y musarder entre collines et vallons. Construit en 1777, la construction du palais fut initiée par Catherine II et mettant en vedette les œuvres d'architectes comme Charles Cameron, Vincenzo Brenna, Pietro Gonzaga, Jacomo Quarengi et Carlo Rossi, l'imposant palais de Pavlovsk est un don de l'impératrice à son fils, le futur empereur Paul Ier, à l'occasion de la naissance de son premier petit-fils. L'anglais Charles Cameron, son architecte personnel, supervisera la construction. La première pierre sera posée en 1782 et il fut achevé en 1786. Dix ans plus tard, devenu résidence impérial au couronnement de l'empereur, il sera reconstruit et agrandi sous la direction de l'architecte italien Vincenzo Brenna. Le palais, sous sa forme actuelle, possède une forme en demi-cercle et revêt un style paladin. Le parc du palais occupe une surface de 543 ha ce qui le classe parmi les plus grands de Russie et d'Europe. Il reflète l'art paysager de la fin du XIXème-début XXème siècle. Il est également le fruit de l'attention que lui porta près de cinquante années durant Maria Fedorovna, l'épouse de Paul Ier. Le parc est divisé en sept espaces paysagers qui chacun possède son style unique. 

De tous les palais impériaux d’été qui se trouvent à quelques kilomètres de Saint-Pétersbourg, celui de Pavlovsk est l’un des plus séduisants. Moins pompeux que Tsarskoïe Selo, moins impérial que Peterhoff, il allie les charmes complémentaires d’une résidence à caractère intime et d’un parc délicieusement bucolique. Ce parc, l’un des plus grands de Russie, est traversé par la rivière Slavianka, qui se plaît à y musarder entre collines et vallons. Ce complexe magnifique de style néoclassique est situé dans un cadre idyllique. Le palais est entouré de parcs paysagers et boisés et a servi de résidence d'été pour l'empereur et son épouse Maria Feodorovna, jusqu'à sa mort prématurée en 1801. L'architecture intérieure mêle diverses influences néo-classiques : égyptiennes, grecques, italiennes. Le vestibule égyptien met dans l'ambiance. Au premier étage, la salle italienne - ou rotonde - et la salle de bal - ou salle de dans - sont richement ornées. Une autre partie de la visite s'effectue dans les appartements de Maria Fiodorovna : bibliothèque, chambre d'apparat, boudoir. La Grande Salle du Trône est la pièce la plus impressionnante. Outre ses 400 m², on remarque le ciel, les colonnes et les balcons peints au plafond qui donnent l'illusion d'élever la pièce. Au deuxième étage, différentes pièces contribuent à donner un aperçu des intérieurs du XIXe siècle.

Mer agitée la nuit

Vagharshapat Musée Etchmiadzine 

Ancienne capitale de l’Arménie et aujourd’hui centre de pèlerinage, Etchmiadzin, de son vrai nom Vagharchapat reste l’une des villes les plus attrayantes du pays. 

Construite en 303, la cathédrale Saint-Etchmiadzin signifiant « le Fils Unique est descendu » est le plus ancien édifice chrétien situé en Arménie. Détruite par les Perses, elle a été repensée entièrement au XVII ème dans des pierres couleur ocre. Composée d’une coupole reposant sur quatre piliers ornée de motifs floraux réalisés dans un style persan, elle abrite un vaste campanile et des tombes de catholicos.

Une aile de la cathédrale convertie en musée renferme quant à elle un immense trésor conservant de précieuses reliques : la Lance de la Passion, la main de Grégoire l’Illuminateur ou encore un morceau de crâne de la sainte martyre Hripsimée.

Au large de Yalta 

Pour son travail graphique, Aivazovsky a utilisé une variété de matériaux et de techniques. Un certain nombre d'aquarelles finement peintes, réalisées en une seule couleur sépia, appartiennent aux années soixante. Les années soixante et soixante-dix sont considérées comme l'apogée du talent créatif d'Aivazovsky. Au cours de ces années, il réalise un certain nombre de toiles remarquables. 

Venise San Lazzaro degli Armeni

San Lazzaro degli Armeni est une île de la lagune de Venise. Elle est située à une centaine de mètres à l'ouest de l'île du Lido. Elle est entièrement occupée par un monastère arménien, siège de la congrégation des pères mékhitaristes. 

Chaos Création du Monde

L'un des plus grands tableaux d'Ivan Aivazovsky « Chaos. La Création du Monde », c'est avec ce tableau que commence sa renommée. Image mystérieuse et mystique avec la mer et Dieu.

L'intrigue de l'image se reflète dans son titre. Œuvre « Chaos. La Création du Monde » raconte l'origine de la vie et fait écho au début du chapitre 1 de la Bible - Genèse : « Au commencement, Dieu créa les cieux et la terre. La terre était informe et vide, et les ténèbres recouvraient l'abîme ; et l’Esprit de Dieu se déplaçait sur les eaux.

Ce sujet n’est pas nouveau en peinture, mais des artistes auparavant célèbres l’ont révélé différemment. Aivazovsky utilise des images de Dieu, de la mer et du ciel pour incarner l'histoire biblique. Au moment de la création du tableau, le peintre n'avait que 24 ans. "Chaos. La création du monde", a écrit Aivazovsky sur papier à l'huile . La taille de l'œuvre est de 106×75 cm.

Dans la partie inférieure de l'image, la mer éclabousse, dans la partie supérieure le créateur est représenté, repoussant les ténèbres avec ses mains et illuminant l'abîme. L'artiste a utilisé une petite palette de couleurs : le chaos s'exprime dans des tons brun-noir et marécageux, la lumière de Dieu s'exprime dans des couleurs laiteuses, jaunes floues et vert clair sale. La première chose qui attire l’attention en regardant la photo, ce sont les vagues basses. La vue de l’eau sombre est à couper le souffle. Elle est l’incarnation d’un principe étrange et terrible. C'est le talent de l'artiste qu'il est impossible de comprendre par quel moyen il obtient l'effet souhaité, mais le sentiment d'abîme est pleinement transmis au spectateur.

La partie supérieure de l'image : le Créateur, éclairant, excite l'esprit, la partie inférieure : ondule, frappe le cœur même. Il y avait une opinion selon laquelle dans le tableau Ivan Konstantinovitch montrait voilée la domination du pouvoir diabolique sur le divin, alors Grégoire XVI a réuni une commission de prélats et de cardinaux, qui a examiné l'œuvre d'art et n'a trouvé aucun défaut ni aucune pensée séditieuse dans le travail. Au-dessus de la mer, qui recèle un sombre secret, est représenté le ciel, qui semble peint de couleurs estompées par l'eau. Contrairement à l’élément marin, le ciel n’a pas une coloration émotionnelle aussi intense. Il occupe les deux tiers de l’image et constitue le fond de l’image du Créateur et du nuage noir.

Dans la partie centrale du ciel se trouve une fragile figurine du Créateur . C'est l'endroit le plus lumineux de la photo. Les bras écartés, Dieu vole, se précipitant au-dessus de la mer, de la terre et des nuages. Il est représenté de manière figurative, sans détails dessinés, comme s'il faisait partie des nuages. Ses mains sont les plus clairement représentées. À la tête du Seigneur, on devine un halo d'où s'étendent de fins fils de lumière à peine perceptibles dans différentes directions. Les nuages entourent Dieu comme un halo et plus ils sont proches de lui, plus le ciel devient lumineux.

Un nuage noir se dessine sous la silhouette du Créateur, qui reprend les contours de Dieu. Mais si l'image du Créateur a la forme d'une croix , alors les formes floues d'un nuage noir ressemblent à un cerf-volant penché sur une eau sombre. Malgré le fait qu'elle soit beaucoup plus grande que la figurine lumineuse du père céleste, le spectateur comprend de quel côté est le pouvoir. Le pouvoir des ténèbres prend fin . La couleur du nuage noir s'affaiblit progressivement et une teinte gris sale devient perceptible sur les bords. La lumière de Dieu percera les ténèbres et bientôt l’abîme sera renversé. Un chemin de lumière est représenté comme par magie, qui semble couper la mer avec une fine lame et la diviser en deux. Il semble que le Seigneur descendra du ciel et le longera, donnant aux gens un miracle. La lumière calme les vagues sombres, la mer s'apaise dans le silence, l'obscurité recule. La vague devient un berceau pour la lumière du soleil. L'intrigue dans le ciel et sur la mer se répète. Dans les airs, le Créateur domine le nuage noir ; sur la mer, un mince cordon de lumière subjugue le brouhaha des vagues menaçantes.

Aivazovsky a déclaré à propos de son travail : « Le mouvement des éléments vivants est insaisissable au pinceau : peindre un éclair, une rafale de vent... est impensable dans la vie. L’intrigue du tableau se forme dans ma mémoire, comme l’intrigue d’un poème d’un poète. 

La création du monde

L’intrigue est basée sur des paroles de la Bible : « La terre était informe et vide, et les ténèbres étaient au-dessus de l’abîme ; et l’Esprit de Dieu planait sur les eaux » (Genèse 1 : 2). Le tableau a été peint en 9 heures. Lors de l'exposition de l'Académie impériale des arts (1864), elle fut exposée sous le titre « Moment de la création du monde » ; en 1865, elle fut acquise par l'empereur Alexandre II pour l'Ermitage impérial. Dans la littérature, il est connu sous les noms : « Le moment de la création du monde » (Galerie de photos du Musée russe de l'empereur Alexandre III. Saint-Pétersbourg, 1904. P. 1), « Création du monde » (N. P. Sobko. Dictionnaire des artistes russes, vol. 1, numéro 1, Saint-Pétersbourg, 1893. P. 305, 306, ill. 56) et « L'Univers » (Ibid., P. 302, 324). Options : « Chaos (Création du monde). » 1841, Musée de la Congrégation arménienne mékhitariste, Venise ; "Création du monde". 1889, Galerie d'art Feodosia nommée d'après. I.K. Aivazovsky ; « L'Univers (Univers) », lieu inconnu, était présent lors d'une exposition personnelle en 1894. 

Phare Napolitain

Londres Christies Collections privées

Christie's est une société de vente aux enchères internationale dont le siège est à Londres, au Royaume-Uni, et qui est contrôlée par la holding Artémis.

Fondée le 5 décembre 1766 par James Christie, elle organise à travers 85 salles près de 450 ventes par an dans plus de 80 catégories différentes d'objets d'art, par exemple des tableaux, du mobilier, de la joaillerie, de la photographie, des automobiles et des vins. En 2017, elle a vendu le tableau à ce jour le plus cher du monde, le Salvator Mundi de Léonard de Vinci, adjugé pour la somme de 450,3 millions de dollars.

Vue de Constantinople et du Bosphore

Tour de force de l'évocation de la lumière et de l'atmosphère d'Aivazovsky, cette vue panoramique de Constantinople est l'un de ses paysages les plus spectaculaires. Achevée en 1856, l'œuvre a été peinte à l'apogée de la carrière de l'artiste. 

Aivazovsky a visité Constantinople pour la première fois en 1845 dans le cadre de ses fonctions de peintre officiel de l'Amirauté russe, rôle auquel il avait été nommé huit ans auparavant par le tsar Nicolas I. Aivazovsky a beaucoup voyagé au cours de sa carrière, affirmant que "voyager... peut ne font qu'améliorer l'amour de l'art. Il devait visiter des villes à travers l'Europe avec l'Amirauté, mais ressentait une affinité particulière pour Constantinople, notant qu'« il n'y a probablement aucun endroit au monde aussi majestueux que cette ville, quand vous y êtes, vous oubliez Naples et Venise.

Sa première visite dans la ville a eu lieu dans le cadre d'une expédition le long de la côte anatolienne. Au cours de ce voyage, Aivazovsky a réalisé de nombreux croquis, qu'il a transformés en peintures dans son atelier de sa ville natale, Theodosia, située à seulement trois cents kilomètres de Constantinople de l'autre côté de la mer Noire. Ayant grandi dans une ville portuaire animée, Aivazovsky ressentait une affinité particulière avec Constantinople. Les villes étaient liées à la fois culturellement et économiquement et abritaient toutes deux de grandes communautés arméniennes, ce qui a conduit les Ottomans à désigner Theodosia comme Küçük Stambul, ou la petite Istanbul.

Encouragé par son tuteur à l'Académie de Saint-Pétersbourg, Maxim Vorobiev (1787-1855), Aivazovsky préféra travailler à partir de croquis au crayon plutôt qu'en plein air . Cela signifiait qu'il était capable de peindre une vue différente de Constantinople presque chaque année de sa vie, représentant des vues différentes et des conditions d'éclairage variables. Son père a rendu hommage à son talent dans une lettre au critique Stasov, écrivant : « Je n'ai même jamais su qu'il peignait si bien des figures humaines ; il y a tellement de vie partout, tellement d'éclat... Il a peint cinq immenses paysages entre le 15 janvier et le 19 mai, ne passant que vingt et un jours à Constantinople... Je ne pense pas qu'il y ait un autre artiste en Europe qui surpasse Aivazovsky dans ce type de peinture.'

Londres Collection privée Vitaly Machitski 

Matin calme au large de Naples à Vico

Paris Galerie Garig Basmajyan 

Ayu-Dag un jour de brouillard

Collections privées Russes

Bataille de Bomarzund 1858

New York Collection privée Shaginana

Naufragés contre un rocher

Coucher de soleil

Collections privées

 Saint Isaac par une journée glaciale en 1891

Contrairement aux vagues

Navires lors du raid de Feodosia en 1897