L’Art soviétique

La révolution d'Octobre voit la naissance d’un mouvement qui consiste à mettre tous les arts au service de la dictature du prolétariat. Son instrument, né quelques jours avant la révolution, se nomme Proletkult, abréviation de "Proletarskie kulturno-prosvetitelnye organizatsii". L’un des principaux théoriciens du mouvement est Alexandre Bogdanov. Au début, le Narkompros (Commissariat du Peuple à l'éducation), chargé des Arts, soutient le Proletkult. Bien que d’obédience marxiste, le Proletkult tombe en disgrâce auprès de beaucoup de dirigeants du Parti, si bien qu’en 1922 son influence a considérablement diminué. Finalement, il est dissous par Staline en 1932. De facto, les restrictions sur ce que pouvaient peindre les artistes sont abandonnées à la fin des années 1980.

Cependant, à la fin de l’ère soviétique, beaucoup d’artistes combinent leurs propres recherches avec le réalisme socialiste soviétique. Parmi eux Ernst Neïzvestny, Ilia Kabakov, Mikhaïl Chemiakine, Erik Vladimirovitch Bulatov et Vera Moukhina. Ils emploient des techniques aussi variées que le primitivisme, l’hyperréalisme, le grotesque et l’abstraction. Dans les années 1940, les artistes soviétiques produisent un art furieusement patriotique et antifasciste. Après la Grande Guerre patriotique, les sculpteurs soviétiques créent de nombreux monuments dédiés aux victimes de la guerre, emprunts d’une grande et sobre solennité.

Igor Grabar 

Igor 'Grabar Ėmmanuilovič', (Russe Игорь Эммануилович Грабарь) (Budapest, 25 mars 1871 - Moscou (Russie), 16 mai 1960), Il a été un peintre, architecte et historien russe. 

Sa famille a déménagé en Russie quand il avait neuf ans, puis dans sa nouvelle patrie, il fait son cours d'études et de formation, en plus de ses diverses activités, ce qui en fait l'une des figures les plus illustres de la culture russe du début XXe siècle.

Au cours de ses études juridique à Saint-Pétersbourg Il a approché divers examiné humoristique, ainsi, il développe ses talents concepteur et écrivain; en 1894 il a terminé un cycle de illustrations en ce qui concerne les écrits de Gogol et il a assisté à la même période 'académie Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg, un étudiant de Ilya Repin.

Plus tard, il est spécialisé dans Monaco de Bavière, de 1896 un 1901, entrer en contact avec le courant impressionniste et innovante grâce à la présence de l'école privée d'Anton Ažbe . Dans la ville allemande, il a collaboré avec le magazine Niva, à travers lequel les artistes défenses D 'avant-garde. 

À son retour en Russie, il a collaboré avec le mouvement Mir Iskusstva (Art du monde) réalisant divers paysages (neige septembre, 1903; rayon de soleil, 1904).

En même temps, il a également noté en tant que critique, une discipline dans laquelle il a travaillé pendant longtemps aussi la promotion et la conduite d'un grand Istorija russkogo iskusstva (Histoire de l'art russe) de 1913 et 1914. Il est devenu membre de nombreux mouvements et sociétés, comme Union des artistes russes et plus fondamentalement, à Paris au Salon d'Automne.

En 1905 effectué un court séjour à Paris, où il a pu apprécier les œuvres de Cézanne, Gauguin, Van Gogh, et surtout Diego Velázquez. Mais ses nombreuses activités riguardarono aussi l'architecture, avec des dessins de différentes structures dans le style Renaissance, comme dans le cas de Zacharino sanatorium près de Moscou, en plus de la direction artistique, avec la prise en charge de collections la peinture et la création d'une impressionnante catalogue de galerie Tretiakov, en 1917. après la Révolution d'Octobre Il a dirigé le département Musées, monuments et antiquités Des études et dirigé la restauration centrale, découvrir de nombreuses œuvres à Novgorod, Vladimir et Pskov.

A partir de 1926 un 1930 Il était surintendant de la première édition du Grande Encyclopédie soviétique.

Après la 1930 Il a adhéré aux principes de réalisme socialiste, aussi se consacrer à portraits personnalité, aux paysages, qui étaient ses œuvres préférées, et monographies, tels que Repin, obtenir plusieurs prix (Prix Staline, 1941).

En 1944 Il a été chargé de recteur Institut d'histoire de l'art à l'Académie des sciences'URSS.

De 1944 à 1960 Il a été activé pour revenir aux institutions religieuses et les églises de leurs biens confisqués par l'art bolcheviks pendant et après la révolution.

Moscou Galerie Tretiakov

Autoportrait à la palette

C’est précisément à Grabar que l’on doit la préservation des monuments d’art de la vieille Rus’ et de l’empire Byzantin après la révolution. En 1918, à son initiative, ont été ouverts les Ateliers centraux de la restauration, la première organisation qui s’est occupée de la conservation de monuments culturels. Dans les années 1920, Grabar a organisé plusieurs expositions d’art russe à l’étranger, notamment aux États-Unis et en Allemagne. À la fin de la décennie, il a quitté tous ses postes et s’est concentré sur la peinture. Durant cette période, il a réalisé toute une série de portraits – il considérait cet exercice comme un art supérieur.

Autoportrait en manteau de fourrure

Le tableau "Autoportrait en manteau de fourrure" d'Igor Emmanuilovich Grabar a été peint en 1947.

En 1942, il avait rassemblé toute une série de peintures sur ce sujet, parmi lesquelles l'autoportrait bien connu de l'artiste avec une palette à la main, peint par lui en 1934. Un peu plus tard, en 1947, il peindra cet autre chef-d'œuvre «Autoportrait en manteau de fourrure». C'est le doyen de ses autoportraits ultérieurs.

Dans une peinture de 1942, l'artiste s'est représenté sur un fond sombre. Le côté gauche de la toile est entièrement peint dans des tons marron et le côté droit de la toile représente une ombre presque noire. 

Moscou Musée de Lénine

Lénine dicte un télégramme à l'aube en 1920

Igor Grabar accepta les changements révolutionnaires et commença à coopérer avec le gouvernement rouge et après, le gouvernement soviétique. Grabar en Union soviétique était en visite, récompensé à plusieurs reprises, occupait des postes à responsabilité. Bien entendu, dans une telle situation, il ne pourrait pas se passer des peintures «idéologiques» et biaisées. 

Grabar a commencé en 1927. Voici comment il en a lui-même parlé: «En distribuant les thèmes du Conseil militaire révolutionnaire aux images du dixième anniversaire de l'Armée rouge, je me suis concentré sur le sujet qui restait libre et qui n'intéressait personne: V.I. Lénine au fil direct. En même temps, j'ai commencé à demander en détail comment se déroulaient ces négociations entre Lénine et les commandants du front à l'époque de la guerre civile. Ayant appris tous les détails, j'ai commencé à composer le croquis ". L'artiste a examiné le couloir près du bureau de Lénine et s'est dit ravi de la couleur réussie (murs rose foncé, porte blanche, tapis rouge), que l'on peut bien représenter. Cependant, il faut absolument laisser son talent de peintre, qui opère si habilement avec la couleur, dans ce cas, Grabar ne pourrait pas. Il a beaucoup travaillé avec le buste et le masque de Lénine, pour impliquer un modèle dans son travail. 

 Irkoutsk Musée régional d'Art  

Gel au Lever du soleil 

Il s'est intéressé à ce sujet au début des années 1900 et elle ne l'a pas abandonné avant la fin de sa vie. "Quelques instants d'une polyphonie de couleurs aussi étonnante et colorée, comme une journée ensoleillée de gelée, où la palette de couleurs, changeant chaque minute, est peinte dans les tons les plus fantastiques pour lesquels il n'y a pas assez de couleurs dans la palette" il a expliqué ainsi sa passion glacée. L'une des difficultés de l'image du gel est la nécessité de combiner des effets graphiques et picturaux. Pour Grabar, la solution à ce problème était extrêmement fascinante. Il écrivait du givre à tout moment de la journée, quelles que soient les conditions et les conditions: givre du matin et du soir, givre par temps ensoleillé et couvert, ...

Il est intéressant de comparer ce "Sunrise" avec une image antérieure du gel au lever du soleil. Le conte de gelée blanche a été écrit à l'époque de l'enthousiasme de l'artiste pour l'impressionnisme et la technique du divisionnisme - la décomposition de la couleur sur une toile. La fugacité du givre comme phénomène naturel s’inscrit parfaitement dans le concept d’impressionnisme ("Gelée blanche" de Pisarro") qui a fait du bruit lors de la première exposition impressionniste. Les premiers travaux démontrent la capacité de l'artiste à gérer parfaitement la palette de couleurs. Les peintures décoratives et colorées attirent immédiatement l'attention. Au cours de ces années, Grabar avait créé une suite de peintures "Day of Frost" et était fasciné et préoccupé par les tentatives d’apporter une sorte de formule universelle pour la vision des couleurs et de la lumière. Plus tard, le travail a été créé selon une technique plus détendue, résultat d'un brossage sûr, d'une gestion habile de la couleur et de la lumière, le "Sunrise" de 1941 crée un sentiment de plénitude, le "Sunrise" de 1908 est davantage une question de recherche. Cependant, dans ce cas, cela n'a aucun sens de mettre les marques «meilleur-pire», mais il est très intéressant de comparer les «levers de soleil» séparés par plus de trente ans. 

Constantin Youon 

Konstantine Fiodorovitch Youon ou Yuon (en russe : Константин Фёдорович Юон), né le 12 octobre 1875 à Moscou (Empire russe) et mort le 11 avril 1958 à Moscou (Union soviétique), est un peintre et théoricien de l'art russe et soviétique. Paysagiste de grand renom, mais pourtant très peu connu en France, il a laissé des œuvres incroyables représentant des paysages de la Russie de son époque et surtout de lieux emblématiques de la Russie. Il mérite d’être découvert, ou redécouvert, en France comme en Russie. Il était le fils d’un assureur suisse qui s’était installé à Moscou et qui avait fait souche. Il fut tenté très tôt par les Arts et fut étudiant à l’école de peinture, de sculpture et d’architecture de Moscou de 1892 à 1898. C’est ici qu’il reçut l’enseignement de professeurs réputés parmi lesquels Abram Arkhipov qui a marqué son époque et dont plusieurs œuvres, surtout des peintures de paysages et de la nature se trouvent actuellement dans la célèbre galerie moscovite Tretiakov consacrée pour une bonne part à l’Art russe. Juon intégra ensuite l’atelier du non moins réputé de Valentin Serov, également paysagiste russe mais qui est surtout connu pour les étonnants portraits qu’il a laissé comme La Jeune fille aux pêches en 1887. C’est à cette école qu’il acquiert ses lettres de noblesses et commence à se faire une réputation. Comme c’est le cas de beaucoup d’artistes russes, Juon voyagea et se rendit bien entendu à Paris le centre culturel mondial le plus important de cette époque. C’est à Paris que les meilleurs artistes du temps pouvaient se rencontrer notamment sur la fameuse butte de Montmartre. Paris était également en 1900, certainement l’une des villes les plus russes du Monde… Ici se bousculait l’aristocratie russe, dans le Paris chic qui fit rêver toute la planète. Mais dans la foule se pressaient aussi des écrivains, des artistes, des aventuriers, des voyageurs et même quelques terroristes et anarchistes que la France s’efforça de maîtriser et d’expulser. La fameuse alliance franco-russe avait aussi éveillé un grand intérêt pour la France vis-à-vis de la Russie, tout ce qui était russe était désormais à la mode. A l’inverse, les intellectuels russes, les artistes, la noblesse de Russie s’intéressaient à la France depuis le siècle des Lumières. Se rendre à Paris était donc une sorte de voyage initiatique, un passage obligé auquel Juon ne dérogea pas. De retour en Russie il fonda son propre atelier dans lequel il donna des cours à partir de 1900. La Révolution vint interrompre son activité en 1917, mais il eut le temps de former des élèves réputés comme Alexandre Kouprine, Vera Moukhina ou les frères Vesnine. Alexandre, Léonid et Viktor Vesnine furent à la tête du mouvement de l’architecture constructiviste, tandis que Kouprine surnommé « le Kipling russe » était un touche à tout, romancier, poète, aviateur, explorateur et aventurier. Vera Moukhina fut l’artiste qui réalisa l’imposante sculpture d’un monument pour l’exposition universelle de 1937 à Paris, L’Ouvrier et la Kolkhozienne. Cette statue orna le pavillon de l’Union soviétique qui faisait face à celui de l’Allemagne nazie, avant d’être rapatriée à Moscou où vous pouvez toujours l’admirer surplombant le musée et palais d’exposition qui porte le nom de l’œuvre.  Avant la Révolution Juon rejoignit en 1903 l’Union des artistes russes et fit partie de la fameuse association « Le Monde de l’Art ». A partir de 1898, ce groupe rassembla des artistes russes qui s’attachèrent à prôner un renouveau pictural russe, moins oriental, plus tourné vers l’Europe inspiratrice, vers l’Art nouveau ou le symbolisme. Cette organisation compta vite de riches mécènes comme Savva Mamontov et la Princesse Tenicheva et se dota en 1899 d’une revue portant le même nom. Mamontov était un mécène immensément riche tirant sa fortune des chemins de fer russes et des puits de pétrole de Bakou. Il avait constitué une incroyable collection qui fut confisquée un temps par le pouvoir tsariste et il fut emprisonné en 1900 pour des malversations financières qu’il n’avait pas commises. Sa collection fut versée pour l’essentiel dans celle de l’actuelle galerie Tretiakov. Quant à la Princesse Tenicheva qui avait fait des études d’arts à Saint-Pétersbourg, elle put se réfugier en Crimée au moment de la Révolution de 1917 et émigrer en France en 1919, où elle est décédée un jour de 1928 à Saint-Cloud. Aristocrate, son désintéressement n’en était pas moins très grand et elle fit don en 1911 de sa collection d’art populaire russe, au Musée d’ethnographie et d’art décoratif après avoir créé un musée d’art antique russe à Smolensk. C’est également dans « Le Monde des Arts » que Serge Diaghilev fut au contact de la princesse russe qui lui apporta son aide financière. Diaghilev devait fonder en 1907 les célèbres Ballets russes pour ne donner que ce célèbre exemple. Juon pendant ce temps poursuivit sa carrière et en 1912 il approcha pour la première fois le monde de la décoration théâtrale pour l’opéra Boris Goudonov du compositeur russe Moussorgski. Il retravailla en 1940 avec Modeste Moussorgski pour un autre opéra du génial musicien russe La Khovanchtchina. La Révolution bien entendu ne va pas épargner Juon. Son frère émigra, les mécènes et la clientèle disparurent, assassinés ou émigrant mais il persista à rester en Russie. Contrairement à la plupart de ses amis il refusa de partir et connut des années très difficiles durant la période de la Guerre civile et peu après. Jusqu’en 1925, il connut une sorte de traversée du désert avant de devenir membre de l’académie des Beaux-Arts. Tout comme son élève Vera Moukhina, il se lança dans la décoration de théâtre, domaine prometteur et y rencontra quelques succès notamment lors d’un spectacle qui eut lieu à Paris au théâtre des Champs-Elysées en 1934, mettant en scène une pièce de Maxime Gorki. Il reçut le prix Staline en 1943 et l’année suivante il s’essaya aussi au cinéma, étant directeur artistique du film Ivan Nikouline, marin russe. En 1950, sa réputation retrouvée et affirmée fit de lui un artiste officiel reconnu par le régime soviétique. Il fit le pas de son inscription au Parti communiste en 1951. En 1952,  il fut nommé directeur de l’académie des Beaux-Arts de Leningrad poste qu’il occupa jusqu’en 1955. Il fut à la fin de sa vie professeur à l’institut Sourikov à Moscou et directeur de recherches à l’académie des Arts de l’Union soviétique. La consécration suprême vînt en 1956, où il fut nommé premier secrétaire de l’Union des artistes soviétiques. Il prit la plume à cette date écrivant deux ouvrages dont le second parut après sa mort en 1959, Moscou dans mon œuvre et A propos de l’Art sorte de testament posthume de l’artiste au crépuscule de sa vie. Il mourut en 1958 laissant une œuvre monumentale non pas par le nombre mais par l’empreinte indélébile de Juon sur l’art russe. 

Moscou Galerie Tretiakov

La nouvelle planete

Avec Konstantin Youon, "Une nouvelle planète", cette peinture était un sous-produit du travail de l'artiste sur un rideau pour le théâtre du Bolchoï. Une telle image semblait inappropriée pour le rideau du théâtre principal du pays, et Youon a fait un tableau de chevalet à partir de ses croquis. L'histoire de l'art soviétique l'a interprété comme une représentation monumentale de la naissance d'un nouveau pays semblable à la création d'une nouvelle planète. Cependant, si vous regardez près de cent ans après, cela peut sembler l'image d'une catastrophe cosmique, pas la glorification de la nouvelle planète. En tout cas, cela ressemble à un cataclysme à l'échelle universelle.

Youon a représenté symboliquement la révolution d'octobre 1917. La planète écarlate et sanglante  semble donner sa chaleur aux téléspectateurs. Et ce que les participants ont! A droite on peut voir les personnages qui regardent la planète rouge ... avec excitation? avec peur? Ou avec horreur ... , certains sont tombés et peut-être morts ! Certains se sont précipités dans la direction opposée alors qu'ils s'enfuient. Le groupe de personnes à gauche semble essayer de se protéger de la boule de feu et d'atteindre le «vieux» monde. Toutes les figures sont montrées nues ou en peaux d'animaux, ce qui donne à la peinture la grandeur d'un mythe, le sens de la création primitive. Sur la gauche, on peut remarquer deux hommes armés, qui éloignent un homme nu. Il est temps de se souvenir d'une autre œuvre étrange de Youon,"Les gens" où il est facile de reconnaître les contours du camp spécial Solovki. Ne le tirent-ils pas juste là?

Vous pouvez interpréter la «Nouvelle planète» de différentes manières. Youon, très probablement, n'était pas tout à fait conscient de la façon dont il traitait la réalité soviétique en général, et en particulier le rôle de la révolution d'octobre. Mais il s'est sûrement rendu compte que c'était la métamorphose à grande échelle. 

Défilé sur la Place Rouge le 7 novembre 1941 

Eh bien, maintenant et pour les lecteurs les plus patients, la « cerise sur le gâteau ». Si je ne me trompe pas, voici le tout premier tableau que Youon a peint pour tout petit écolier de province soviétique, c'était bien là son œuvre, publiée dans des magazines, sur des cartes postales et des timbres ... 

Matin de Moscou industrielle 

Le pinceau de Youon s'est formé sous l'influence de l'artiste russe Konstantin Korovin et Valentin Serov. Youon a participé aux expositions de l'Association des artistes de Moscou (1899, 1902), de l'Association des expositions d'art itinérantes (1900) et du mouvement « Monde de l'art » (1901, 1906). Depuis 1903, il expose régulièrement à l'Union des artistes russes ; et depuis 1904 il était membre de l’Union  du Comité. Konstantin Youon travaillait principalement comme peintre paysagiste et était bien connu du public de Moscou et de Saint-Pétersbourg. À la fin des années 1900 – début des années 1910, il conçut des tableaux pour les opéras des Saisons russes de Diaghilev à Paris. 

Le Jour de l'Annonciation

Fin de l'hiver à Midi à Ligachevo

Selon les documents du recensement de la population de toute l'Union de 1926, 587 habitants vivaient dans le conseil du village de Ligachevo « après la consolidation ». Eh bien, qu'est-ce que l'artiste a écrit non pas « à l'appel de son cœur », mais « pour l'âme » ? Oui, Ligachevo a décrit « la même chose », « comme avant »  

Autoportrait en 1953

Après la Révolution de 1917, il n'émigre pas comme son frère et un grand nombre de ses amis. Après des années difficiles, il devient membre de l'académie des beaux-arts à partir de 1925 et se lance surtout dans la décoration théâtrale. Il est même décorateur d'un spectacle qui a lieu en 1934 au théâtre des Champs-Élysées à Paris, Egor Boulitchov et les autres, pièce de Maxime Gorki. Il est aussi directeur artistique du film Ivan Nikouline, marin russe, sorti en 1944. Il devient au fil des années artiste officiel. Il est directeur de l'académie des beaux-arts de Léningrad et, de 1952 à 1955, professeur à l'institut Sourikov, à Moscou. De 1948 à 1950, il est directeur de recherches à l'académie des arts d'Union soviétique et premier secrétaire de l'Union des artistes soviétiques de 1956 à 1958. Il est donc inscrit au Parti communiste d'Union soviétique à partir de 1951. 

Soleil de Mars

L'hiver en peinture, les artistes russes sont représentés mystérieux et méfiant. En face de l'ambiance est ce tableau de Youon "Le soleil de Mars". Un ciel bleu clair et perçant, une neige étincelante, des taches lumineuses de maisons de village traduisent la fraîcheur d'une journée glaciale. L'artiste capricieux a représenté deux cavaliers qui déplacent leurs chevaux le long d'un chemin étroit. Ils sont dépassés par un beau cheval, à côté duquel le chien court lentement. Les couleurs joyeuses et triomphantes ont donné à la photo la renommée et l'amour du public. 

Dômes et hirondelles

«Dômes et hirondelles. Cathédrale de l'Assomption de la laure de la Trinité-Sergius» est le titre de cette oeuvre. 

"Dômes et hirondelles" est l'’une des œuvres les plus célèbres et les plus touchantes du cycle Sergiyev Posad de Konstantin Youon. "Caractère et beauté", c'est ce qu'il voulait refléter dans ses peintures, selon lui. Il relie la caractéristique, la vie, le cours de la vie, à observer, ce qui était intéressant, mais amer et douloureux, et "La contemplation du ciel et de la nature - a toujours été une sublime bénédiction et glorification". Ces mots caractérisent le mieux la peinture «Dômes et hirondelles» de Konstantin Youon.

Youon aimait beaucoup Sergiev Posad, il est venu plusieurs fois, a vécu longtemps et a écrit de nombreux genres. Selon lui, à Sergiev Posad, il a trouvé «tout ce qu'il cherchait» - il a cherché dans la nature et a aimé dans les peintures Serov, Sourikov et Levitan.

Le ciel occupe la majeure partie de la toile. Il est fasciné par sa pureté et son bleu azur, un ciel spécial, infini, youonovien, dans lequel de nombreuses hirondelles tournent. Et de là, pour une raison quelconque, joyeusement et légèrement dans l'âme, comme si le soleil non visible pour nous, mais clairement présent sur la toile sera toujours, mais il n'y a pas de mort du tout. L'ombre de la croix qui tombe sur le dôme central doré semble très touchante et authentique. Les autres dômes sont blancs avec des étoiles dorées, maintenant les dômes de la cathédrale de l'Assomption sont bleus.

Il semble que sur la peinture, l’artiste ait recouvert le tableau avec grâce - il est tellement vivifiant qu’il est joyeux. C'était comme s'il ne s'était pas contenté d'écrire le ciel avec des dômes et des hirondelles, mais avait ouvert la porte à ce ciel même, à la bénédiction et à la joie jubilatoire d'être. Sa vie heureuse et prospère, son enfance heureuse ou simplement la nature du personnage, qui permet de voir la joie de vivre partout, est une question de vie, mais cette intonation qui affirme la vie est inhérente à la plupart des peintures de Konstantin Youon. En regardant les «dômes et les hirondelles», le spectateur ne pense pas aux réalités terrestres. Par exemple, l'année de la création de la Lavra avait déjà été clôturée, car le gouvernement avait lancé un combat sans merci contre l'église. Divers établissements, dont le musée d'histoire et d'art, étaient situés dans les locaux de Lavra.

Youon écrivait souvent à l'église. Il ne s'agit pas de sa religiosité sincère, et nullement d'une position anti-soviétique. L'artiste était absolument indifférent aux paysages brillants et exotiques, ni la chaude Italie, ni le Caucase menaçant ne l'impressionnaient pas. Sa source d'inspiration est le paysage de la Russie centrale. Et il n’est pas étonnant que nous voyions si souvent des églises sur les toiles de Konstantin Yuon. Région de Moscou, Novgorod, Pskov, Rostov - les lieux préférés de l'artiste. Les églises, les temples, les clochers ne sont pas simplement inscrits dans ces paysages, on peut même dire qu'ils les organisent. Et - vous permet de changer de perception "un ton plus élevé". Si le dôme contre le ciel est, alors les maisons semblent être tout à fait jouet. Esprit et hirondelles règnent, "bénédiction et louange".

Saint Petersbourg Musée Russe

Autoportrait en 1912

Le style de Youon est au début celui d'un artiste impressionniste avec des notes symbolistes, qui produit surtout des paysages empreints de poésie. À l'époque de l'Union soviétique, il évolue vers un style plus académique, dans le goût du réalisme socialiste.

Journée ensoleillée de printemps

Konstantin Youon a dépeint une journée ensoleillée de printemps à Sergueïv Posad. Vrai, contrairement à "Dômes et hirondelles", ici les bâtiments de l’église et le clocher de la laure de la Trinité-Sergius sont un détail de l’arrière-plan, leurs contours se distinguent dans l’arrière-plan à gauche. Le personnage principal de l'image est le printemps. Réveiller la nature, journée ensoleillée de mars, poulettes aux mouchoirs éclatants, enfants alléchants, coqs et poules, tourelles collées aux bouleaux - il semblerait que tout cela s'étouffe dans le buzz printanier, émette des bruits et des cernes, se réveille de l'hibernation et sourit vers le soleil.

La neige n'a pas encore fondu, mais physiquement, le soleil, déjà complètement printanier, réchauffe le monde, de sorte qu'il ne faut pas tarder à s'y allonger. Il semble que les jus de printemps, même les maisons tordues, se remplissent, comme si elles étaient sur le point de germer. Les couleurs vives et la transparence printanière particulière de l'air renforcent l'ambiance fervente et vivifiante de l'image, et le contraste avec des formes architecturales claires confère à l'image une vivacité et une authenticité.

L'une des particularités de l'œuvre de Youon est que les personnages de ses peintures ne sont jamais présentés «pour la beauté», ils sont toujours en activité, et en aucun cas la sensation d'un instant ne s'arrête, spécialement pour ceux qui veulent profiter du spectateur. Peu importe comment mal! Jeune, embrassant, se prélassant au soleil. Au fait, ils ont quelque chose de Surikov. Surikov a vu l’étude de la photo "Printemps ensoleillée" de Konstantin Youon avec l’image de ces filles, et il les a beaucoup aimées. Quelqu'un qui traîneau, quelqu'un glisse sur la colline, quelqu'un qui a collé la clôture, quelqu'un vaquer à ses occupations, quelqu'un qui est parti de chez lui pour accueillir le printemps. La vie continue comme d'habitude, chacun est occupé avec ses propres affaires et n'a rien à voir avec l'artiste ni avec le public. 

Femmes du Komsomol

Et vous dites que Konstantin Fedorovich n'a pas peint de portraits ! Il se peut qu'il ne les ait jamais écrits auparavant. Et maintenant, en 1926, alors qu'à Ligachevo, en plus du club, un conseil de village apparut également, le camarade Youon, « à la demande de son cœur », ne put tout simplement s'empêcher d'écrire aux jeunes près de Moscou d'allez au Musée russe de Saint-Pétersbourg et demandez à voir le tableau « Femmes du Komsomol ». 

Provenance non identifiée ...

Jour de Fête

Il s’intéressait aux conditions météorologiques contrastées, à la vie des villes et villages de province et à l’architecture des églises et des monastères.  

Hiver russe à Lipachevo 

Après la révolution, le style de l’artiste évolua, mais un siècle plus tard, le sujet du village russe figé sur la toile dans les peintures de Constantin Youon a gardé un charme fascinant.  

 Le Kremlin à Moscou

L'épouse du peintre

Le destin a favorisé Youon de toutes les manières possibles. Il a vécu une longue vie. Il a eu un mariage extrêmement heureux. Son entourage l'aimait. Il n’a jamais eu à lutter contre la pauvreté. Le succès lui est venu très tôt et l'a toujours accompagné. Après la révolution, les honneurs, les hautes récompenses, les titres et les postes de direction semblaient le chercher d'eux-mêmes.

Il y a eu moins d'adversités, une querelle de plusieurs années avec son père (un employé de banque) à propos du mariage de Youon avec une paysanne et de la mort prématurée d'un de ses fils. 

Les peuples du futur

Salut à la Victoire Moscovite

Yuon a laissé de nombreuses œuvres de différents niveaux. Il était peintre, graphiste et scénographe de théâtre. Il s'essaye à la peinture thématique, peint des portraits de ses contemporains, mais sa véritable vocation s'avère être la peinture de paysage. Yuon aborde également des thèmes historiques – la révolution et la guerre patriotique – à travers le paysage.

Oeuvres et Provenances non identifiées ...

Piotr Kontchalovski

Piotr Petrovitch Kontchalovski (en ukrainien : Петро Петро́вич Кончало́вський, en russe : Пётр Петро́вич Кончало́вский), né le 9 février 1876 à Sloviansk (Empire russe) et mort le 2 février 1956 à Moscou (Union des républiques socialistes soviétiques), est un peintre russe puis soviétique.

Il est membre du mouvement artistique Valet de Carreau.

 Piotr Kontchalovski est né dans le village de Sloviansk, près de Kharkiv (actuellement en Ukraine), le 21 février 1876. Son père est un éditeur artistique. En 1889, la famille Konchalovski s'installe à Moscou et leur maison devient une partie de la scène artistique moscovite dans les années 1890. Leur maison reçoit souvent la visite de Valentin Serov, Mikhaïl Vroubel et Vassili Sourikov. Quelque temps plus tard, Piotr Kontchalovski épouse une fille de Vassili Sourikov, qui a toujours fait l'éloge de l'art de son gendre. Kontchalovski étudie à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou. Entre 1896 et 1898, il voyage à Paris et étudie à l'Académie Julian. En 1899, il retourne en Russie et entre à l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, où il obtient son diplôme en 1907. À l'Académie, il eut comme professeurs Savinsky, Zaleman et Kovalevsky.

En 1910, il participe à la création du mouvement Valet de Carreau avec Vladimir Boberman, un de ses élèves. À partir de cette année, il expose fréquemment ses œuvres, participant notamment au journal Mir Iskousstva. Dès 1918, il enseigne l'art. En 1922, il obtient sa première exposition personnelle à la galerie Tretiakov. Il est à Paris en 1925 et y retrouve son élève Vladimir Boberman.

Pendant cette période, il dessine principalement des natures mortes et des paysages. Ses peintures, comme celles des autres artistes du Valet de Carreau, sont largement influencées par Paul Cézanne. Plus tard, il commence à peindre des portraits qui s'inscrivent dans le mouvement du réalisme socialiste soviétique.

Piotr Kontchalovski est un peintre prolifique connu pour avoir créé plus de 5 000 œuvres. Le musée de l'impressionnisme russe de Moscou conserve deux de ses toiles.

Beaucoup de ses descendants font partie du milieu de l'art. Son fils Mikhaïl Petrovitch Kontchalovski (né en 1906) est un peintre important. La fille de ce dernier, Natalia Kontchalovski (1903-1988), est une écrivaine pour enfants et son mari Sergueï Mikhalkov est un poète notable, auteur de deux versions de l'Hymne de l'Union soviétique et de l'actuel Hymne national de la Russie. Leurs fils (petit-fils de Piotr) Andreï Kontchalovski et Nikita Mikhalkov sont de célèbres scénaristes et réalisateurs. Egor Kontchalovski, fils d'Andreï et arrière-petit-fils de Piotr, est aussi un réalisateur de longs-métrages. 

Moscou Galerie Tretiakov

Lilas dans un panier

Pourquoi ce lilas dans le panier est appelé « Héroïque » - je ne sais pas. Konchalovsky peut être qualifié de « peintre des lilas ». L’artiste a peint ces fleurs des dizaines de fois (pas du tout exagéré !), dans une variété de « décors et d’intérieurs ». Dans un panier, un vase en cristal, un seau, fleuri et éparpillé sur le sol. Peut-être que les lilas nombreux et variés constituaient la base de son bien-être financier ? 

Autoportrait en chemise jaune de 1943

En 1943 durant la guerre, Konchalovsky continue de peindre des natures mortes, des paysages et des portraits. C'est ce qu'il sait faire, peut-être mieux que d'autres artistes. Il ne se trahit pas, sa vocation. Mais contrairement à de nombreuses œuvres précédentes de Konchalovsky, "Autoportrait" ne nous surprend pas par une abondance de couleurs et une variété de nuances de couleurs. Sa coloration laconique, comme l'image elle-même, séduit par son sang-froid interne, sa généralité et sa profondeur. Sur la figure, l'artiste varie les nuances de jaune et de brun. Le fond est vert et gris. Dans un effort pour adoucir quelque peu le contraste de couleurs entre la figure et l'arrière-plan, Konchalovsky a enfilé un chapeau gris et a placé une table marron et des civières ocres contre le mur. La coloration du portrait est harmonieuse, mais en aucun cas « paisible ». La tension interne et la forte intensité émotionnelle de l’image sont superbement révélées par la juxtaposition sonore de deux gammes de couleurs « choc » : une chemise jaune vif et un mur vert tout aussi lumineux. 

Pêches

« Pêches » attire par sa beauté et sa poésie. La beauté et l'harmonie sont déjà contenues dans la composition de la nature morte elle-même. Au centre de la table ronde se trouve un grand panier en osier rempli à ras bord de grosses pêches mûres. Le vert luxuriant et velouté des feuilles se marie à merveille avec la surface moelleuse rose doré des pêches et le fond brun.  

Nature morte au verre vert

Saint Petersbourg Musée Russe

Le retour de la Foire

Viande, gibier et légumes à une fenêtre

Le travail de Konchalovsky dans le domaine de la nature morte, marqué par des nouveautés, culmine dans la création de grandes toiles. Parmi les œuvres de ce genre, la nature morte «Viande, gibier et légumes à la fenêtre», peinte en 1937, occupe une place de choix. Dans cette grande toile, qui fait partie des meilleures œuvres de la peinture soviétique, apparaissent avec toute la clarté tant les principales caractéristiques du talent remarquable de Konchalovsky que les nouveautés introduites par ce maître dans le genre de la nature morte.

Une longue table étroite, placée près de la fenêtre, s'étend sur tout le premier plan du tableau. Dessus de légumes de toutes sortes, du gibier tué et une carcasse d'agneau. Un cor de chasse et un sac de chasse sont accrochés au cadre de la fenêtre.

Konchalovsky est loin de vouloir recréer l'apparence d'un coin de cuisine ou d'une boutique, comme le faisaient par exemple certains artistes flamands du XVIIe siècle. L'artiste voulait juste peindre toutes sortes de cadeaux de la nature sur fond de fenêtre d'hiver. Il est passionné par la manifestation vivante des qualités des objets représentés ; Ce n'était pas la tâche d'analyser la forme qui le préoccupait ici, mais l'incarnation du sentiment de la vie dans son ensemble. Cela crée un monde joyeux rempli de la fraîcheur du début de l’hiver, d’un sentiment de vigueur, de paix et de force. Le concept de la nature morte est audacieux et original. La juxtaposition même des légumes – herbes fraîches et tomates rouges – avec le paysage hivernal est extraordinaire. La manière picturale avec laquelle est exécutée la nature morte n'est pas moins originale. Tous les objets les plus ordinaires - des têtes de chou, des feuilles de céleri, des tomates, une carcasse d'agneau, un panier en osier, tout en conservant leur forme naturelle, sont dotés d'une expressivité particulière. La nature morte a un rythme linéaire agité. Sa couleur est basée sur des contrastes nets de rouge vif, de vert et de blanc. Tout cela lui confère une certaine tension, qui s'adoucit cependant dans la représentation du paysage visible à l'extérieur de la fenêtre. Le paysage hivernal apporte une note poétique particulière au contenu de la nature morte : avec la plus grande simplicité et la plus grande parcimonie des moyens visuels, l'impression de neige fraîchement tombée, couchée en épaisse couche sur les toits des maisons et accrochée aux branches des les arbres sont donnés. 

Provenance non identifiée ...

Roses près d'une fenêtre

Les natures mortes de Konchalovsky sont variées. Leur diversité ne réside pas seulement dans la sélection des objets, individuels dans chaque cas, mais aussi dans la différence de sentiments et d'humeurs qu'ils évoquent chez le spectateur. Il était particulièrement attiré par les fleurs, car il croyait que toute la nature était concentrée dans les fleurs. L’artiste lui-même l’a rappelé ainsi : « Je les écris comme un musicien joue des gammes ». Dans les natures mortes ultérieures, comme dans cette esquisse, le langage pictural atteint la plus grande concision et puissance d'expression. En quelques mouvements de pinceau, l'artiste peint les objets représentés ; dans la riche sculpture de formes diverses, il obtient une extraordinaire beauté des nuances, une expression pleine de sang de la vie des objets, de leur interaction avec l'environnement et la lumière. Cette capacité à représenter des combinaisons d’objets complexes dans leur structure matérielle et coloristique en utilisant les moyens les plus simples témoigne de la perfection et de l’originalité du savoir-faire de Konchalovsky. 

Alexandre Deïneka 

Alexandre Alexandrovitch Deïneka (en russe : Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка), né le 8 mai 1899 à Koursk (Empire russe) et mort le 12 juin 1969 à Moscou (Union soviétique), est un peintre, affichiste et sculpteur soviétique. 

Alexandre Deïneka (1899-1969) fait partie de ces artistes russes formés au contact de l’avant-garde, mais qui revendiquent leur attachement à la figuration. Inspirées par sa ferveur pour la révolution de 1917, ses œuvres mettent en valeur le travail des mineurs et des ouvrières de l’industrie. À partir de la fin des années 1920, ses toiles exaltent les corps en mouvement. Boxeur amateur, il est lui-même un fervent adepte de la culture physique, fondée non pas tant sur la compétition individuelle que sur l’émulation collective et la solidarité de classe. Deïneka passe beaucoup de temps à réaliser des croquis d’athlètes au complexe sportif du Dynamo de Moscou, où il tombe sous le charme de Liudmilla Vtorova, une championne de natation de 16 ans qui devient son modèle. La pratique du sport est alors considérée comme un gage de santé et d’hygiène. Elle doit permettre de créer un homme nouveau, apte à la construction du socialisme et prêt à défendre sa patrie. Adoptant les codes du réalisme socialiste, Deïneka donne à voir les bienfaits des activités de plein air et la vigueur de la jeunesse. Au risque de heurter les tabous de la société stalinienne, il n’hésite pas à mettre en scène la nudité des corps qui, dans un collectif non-mixte, suggère une forme d’homoérotisme empreinte de sensualité. Les jeunes gens batifolant dans l’eau scintillante de la Pause déjeuner dans le Donbass (1935) évoquent un âge d’or prolétarien et préfigurent un avenir enchanteur. Mais le schématisme des corps et l’inachèvement des visages montrent que pour Deïneka le socialisme relève encore davantage du rêve que de la réalité. 

Né dans une famille de cheminots, Alexandre Deïneka étudie entre 1915 et 1917 au lycée d'art de Kharkov, où il est élève du peintre Alexandre Loubimov. Il soutient la révolution russe, s'engageant dans l'Armée rouge entre 1919 et 1920 au sein du département politique de Koursk. De là, il est envoyé étudier aux Vkhoutemas, les Ateliers supérieurs d’art et de technique fondés par Lénine en 1920. Il y rencontre Vladimir Favorski, qui sera son professeur, et le poète Vladimir Maïakovski, qui auront tous deux une grande influence sur son développement artistique et sa formation à la création. Membre fondateur de groupes comme Ost (« Être ») ou Octobre, il réalise la première grande œuvre historique révolutionnaire en 1928 : La Défense de Pétrograd. Vers 1931, il devient membre de l'Association des artistes prolétariens (AKhRR).

Dans les années 1930, il réalise de nombreuses affiches de propagande colorées et enthousiastes, tandis que le style de ses peintures diffère déjà d'autres peintres par le traitement qu'il leur accorde et les sujets abordés, comme Sur le balcon (1931) ou Jeune fille à la fenêtre. Hivers.

En 1932, La Mère marque le début d'une nouvelle période créative. Deïneka réalise également des peintures à sujet politique comme Les Sans-emplois à Berlin (1933). Au milieu des années 1930, il opère un tournant moderniste, très inspiré par le thème de l'aviation (Futurs pilotes, 1937). Avec le pilote G.F. Baidoukov, il réalise un livre pour enfants sur le sujet, publié en 1938. Les thèmes historiques qu'il aborde sont basés sur sa propre réflexion sur l'histoire pré-révolutionnaire. À cette époque, il commence à réaliser des mosaïques, dont celle de la station de métro Maïakovskaïa à Moscou.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, il réalise des peintures monumentales et dramatiques, dont Banlieue de Moscou. Novembre 1941 constitue la première œuvre. Il parvient à faire pénétrer une grande souffrance dans son travail (Le Village brûlé, 1942), autant que l'enthousiasme héroïque (La Défense de Sébastopol, 1942).

Après la guerre, il continue de peindre et reprend son travail de mosaïque, notamment pour le palais des congrès du Kremlin. Pour Les Joueurs de hockey (1960), il est récompensé du prix Lénine en 1964.

Il meurt le 12 juin 1969 et est enterré au cimetière de Novodevitchi à Moscou.

A la conquête de l'espace

Moscou Galerie Tretiakov

Le bassin de la Don 

De l’apologie du travail avec Construction de nouveaux ateliers ou Le bassin de la Don, à l’allégorie de la jeunesse porteuse d’espoirs avec Le pianiste ou Futurs aviateurs, en passant par les tableaux idylliques d’une société moderne et industrielle avec Midi, le spectateur  des oeuvres de Deineka est en mesure d’observer le reflet glorifié d’une société qui croit en son avenir et veut le voir projeté dans l’art comme dans la vie. 

C’est que l’art soviétique met littéralement à mal toutes les notions que nous avons érigé en dogmes dès que l’on parle d’art contemporain ou moderne. Je veux parler de la sacro-sainte originalité et de la non moins impérieuse personnalité. Pour une société comme la nôtre où le nom de l’artiste importe parfois plus que la toile et où le rejet des modèles préétablis est inculqué avant même leur apprentissage, le réalisme soviétique peut passer pour « anti-moderne », voire « liberticide ».  

Saint Petersbourg Musée Russe

La Défense de Sébastopol

L'artiste n'a pas combattu pendant la Seconde Guerre mondiale. Il n'a voyagé qu'une seule fois au front avec un collègue de Moscou pour avoir des impressions de première main sur les hostilités. Sébastopol, l'une des principales stations thermales d'URSS, lui était chère car il l'associait aux souvenirs d'une jeunesse insouciante. « Quand j'ai vu des photos de la ville en ruines, j'ai su que je devais la peindre », a déclaré Deïneka à l'époque. L'immense toile de quatre mètres de long consacrée à la défense héroïque de Sébastopol pendant six mois est exposée au Musée Russe de Saint-Pétersbourg. 

Tatiana Yablonskaya 

Tatiana Nilovna Yablonskaïa (en russe : Татьяна Ниловна Яблонская ; en ukrainien : Тетяна Яблонська, Tetiana Yablonska) est une artiste peintre ukrainienne née le 24 février 1917 à Smolensk et décédée le 17 juin 2005 à Kiev. 

Née le 24 février 1917, dans la ville de Smolensk (Russie) dans une famille d'enseignants, Tatiana Yablonskaïa déménage avec sa famille à Odessa en 1928, à Kamianets-Podilskyï, puis à Lougansk dans les années 1930. Elle étudie la peinture entre 1935 et 1941 à l'Institut national d'Art de Kiev (Національна академія образотворчого мистецтва і архітектури) auprès du peintre Fiodor Kritchevski. 

Tatiana Iablonskaïa est professeur de dessin, de peinture et de composition de 1944 à 1952 à l'institut d'art de Kiev et occupe de nombreuses positions dans cette institution jusqu'en 1968. Elle est membre de l'Union des artistes de l'Ukraine à partir de 1944. 

Elle est membre du Parlement de la république socialiste soviétique d'Ukraine entre 1951 et 1958, membre du conseil d'administration de l'Union des artistes de l'URSS en 1963 et membre de l'Académie russe des beaux-arts en 1975. Elle reçoit le titre d'artiste du peuple de l'URSS en 1982, et celui d'artiste de l'année (UNESCO) en 1997. Elle est décorée de l'Ordre du Drapeau rouge du Travail en 1951, de l'Ordre de l'Amitié des peuples en 1977 et reçoit le titre d'Héroïne d'Ukraine, plus haute distinction de l'État ukrainien, en 2001.

En 1999, une attaque la prive de l'usage de sa main droite et elle apprend alors à peindre de la main gauche. Elle meurt à Kiev en 2005 où elle est enterrée dans l'allée centrale du cimetière Baikove. En 2006 l'une des rues de Kiev à Solomenskiy est nommée en sa mémoire.

Récolte des grains

 Le Pain ou Récolte des grains est une oeuvre de 1949. Cette huile sur toile de 201 × 370 cm est conservée à la Galerie Tretiakov à Moscou. 

Evgenia Petrovna Antipova 

Evgenia Petrovna Antipova (1917-2009) est une artiste soviétique russe, graphiste, membre de l'Union des artistes de Saint-Pétersbourg (jusqu'en 1992 - organisation de Leningrad de l'Union des artistes de la RSFSR).

Né dans la ville de Toropets, province de Tver, dans la famille d'un employé des chemins de fer. En 1928, elle et ses parents s'installent à Samara. Sa passion pour le dessin la conduit à l’atelier d’art de P. Krasnov en 1934. En 1935, après avoir terminé 10 ans d'études secondaires, Evgenia Antipova vint à Leningrad pour s'inscrire aux cours préparatoires à l'Académie panrusse des arts, mais ne réussit pas le concours. Un an plus tard, elle est admise aux examens de première année de l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture, mais de son propre aveu, s'estimant mal préparée (« pour l'examen, j'ai dû écrire un modèle nu, mais je n'ai jamais écrit »), elle avait peur de passer les examens et se limitait à l'examen des cours préparatoires. Elle a réussi l'examen, mais a été transférée en 5e année de l'école secondaire d'art, où elle a étudié pendant trois ans. En 1939, Antipova est admise en première année du département de peinture de l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture sans examen. La guerre a trouvé Evgenia Antipova lors d'un entraînement d'été en Transcarpatie, d'où elle a dû se rendre à Leningrad avec les derniers échelons. Bientôt, le 28 juillet 1941, Evgenia Antipova épousa Yakov Lukash, étudiant en 4e année au département monumental de l'institut. Enrôlé dans l'Armée rouge, il meurt au front en mai 1942. Evgenia Antipova resta à Leningrad assiégée jusqu'à fin février 1942. Le 20 février 1942, avec l'Académie des Arts, elle fut évacuée le long de la Route de la Vie passant par Ladoga de la ville assiégée vers le continent, puis vers Novossibirsk. En 1944, elle fut acceptée comme membre de la branche de Novossibirsk de l'Union des artistes soviétiques. En 1945, Evgenia Antipova retourne à Leningrad et en 1950 est diplômée de l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad du nom de I. E. Repin dans l'atelier de B. V. Ioganson, son travail de diplôme était le tableau « A. Jdanov au Palais des Pionniers de Leningrad." Dans la même année 1950, elle fut acceptée comme membre candidat de l'Union des artistes soviétiques de Léningrad et, en 1953, elle fut transférée de candidate à membre de l'Union des artistes. Dans les années 1960, Evgenia Antipova s'essaye à une série de portraits. Ils ont révélé de manière unique la culture raffinée de la contemplation inhérente aux meilleures œuvres de l'artiste. Depuis la fin des années 1960, les genres phares de l'œuvre d'Evgenia Antipova sont les natures mortes à l'intérieur et à l'extérieur, ainsi que le paysage. Le style de peinture établi se distingue par un dessin et une composition quelque peu conventionnels, ainsi que par un intérêt pour les problèmes de transmission de la couleur et de l'environnement lumière-air.

Dans les Collections Privées ...

Des Roses

Nature morte 

Sur une nappe imprimée déjà très colorée, une véritable explosion de couleurs matérialisée - dans une composition extrêmement sophistiquée - par plusieurs fruits et légumes exotiques très appréciés par cette artiste russe de l' Ecole de Leningrad. On y trouve notamment des tomates présentées en vedette sur un plat de céramique bleue et blanche ; une botte de betteraves émergeant d'un sceau en métal, véritable centre de la composition ; un melon d'Espagne d'un variété ancienne très colorée, quantités de légumes ronds (oignons, navets, petits cucurbitacés...) et des choux et salades dont ne sait plus trop si les généreux feuillages verts sont  réels ou s'ils appartiennent aux impressions de la nappe.  En contraste : un pot en céramique vernissée noire contenant du lait : effet assuré !   

Amandiers en fleurs 

Joueurs d'échecs 

Fille dans le jardin 

Servante

Peint en 1964, le tableau « Serveuse » est l'une des œuvres les plus célèbres d'E. Antipova. Très probablement, dans l'œuvre, vous ne devriez pas rechercher une ressemblance de portrait avec une personne spécifique qu'E. Antipova aurait pu rencontrer lors d'un de ses voyages avec son mari, l'artiste V. K. Teterin, à Pereslavl ou à Borisoglebsk. Evidemment, nous avons devant nous une certaine image collective, née des observations et des généralisations tirées de ces déplacements et rencontres avec les riverains.

Selon L.V. Mochalov , « La Serveuse » a révélé de manière unique la culture raffinée de la contemplation inhérente aux meilleures œuvres de l'artiste. Ce n'est pas un hasard si dans l'article d'introduction au catalogue de la grande exposition personnelle de 1999 d'E. Antipova et V. Teterin dans la salle d'exposition centrale de Saint-Pétersbourg « Manège », il cite « La Serveuse » comme l'exemple le plus caractéristique. de son travail de portrait.

Fille de Pereslavl 

Le portrait de «La Fille de Pereslavl» est devenu le succès incontestable d'Antipova, le summum de son portrait. Le portrait de « Lida », peint dans la même année 1964, lui est devenu comparable. Malheureusement, ce succès n'a pas été remarqué et à juste titre apprécié par la critique au milieu des années 1960, et à l'avenir Antipova s'est rarement tournée vers ce genre, préférant le paysage et la nature morte.

"La Fille de Pereslavl" a été présentée pour la première fois par Antipova en 1967 lors d'une exposition conjointe avec l'artiste Viktor Teterin (époux d'Evgenia Antipova) et le sculpteur K. Suvorova dans les salles de l'Union des artistes de Leningrad.

Jusqu’au milieu des années 1990, le portrait de « La Fille de Pereslavl » se trouvait dans l’atelier de l’auteur, d’où il entra dans une collection privée.

Livres sur la table près de la fenêtre 

Nature morte aux fraises 

 Sur une table en bois, sous les frondaisons d'un jardin fourni et ombragé : un bouquet de fleurs de prairie et une ode aux fraises déclinée sous quatre formes ou dans quatre états : d'abord  brutes, sur le rebord de la table, juste après la cueillette, sur un lit de feuilles de murier ; dans un bol en fer blanc émaillé à liseré bleu où elles sont mélangées à du yaourt ; dans un mug où elles sont entreposées en désordre ;  dans un verre à sorbet mélangées à une glace à la vanille ou a une sorbet au citron...  le tableau d'un bel été russe sous les pinceaux toujours foisonnants d'Antipova.

Des Garçons dans le jardin

Antipova Evgenia Petrovna (1917-2009) - Artiste russe soviétique. Originaire de la région de Pskov, elle a étudié à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Saint-Pétersbourg auprès de Zaitsev, Osmerkin , Ioganson , Belousov. Elle peignait des natures mortes, des paysages et aimait particulièrement peindre des jardins fleuris.  Ici ce sont deux garçons dans un jardin occupés à jouer aux échecs.

Table de cuisine 

Midi

Créé en 1982, le tableau représente le jardin d'été d'une datcha à Berngardovka, près de Leningrad, où se trouvait l'atelier principal d'Antipova dans les années 1980-2000. Selon l'historien de l'art Leo Mochalov, l'image créée dans le tableau peut être considérée comme un « modèle du monde, perçu par l'artiste comme un cadeau précieux, comme notre propre existence, indissociable de ce monde ». 

Le tableau a été montré pour la première fois en 1988, lors d'une exposition à l'Union des artistes de Leningrad. Il a été montré à nouveau en 1989 lors d'une exposition de 26 artistes de Moscou et de Léningrad. En 1999, le tableau a été montré une troisième fois dans la salle centrale d'exposition du Manège, située à Saint-Pétersbourg, lors de l'exposition commune d'Evgenia Antipova et Victor Teterin . Le tableau a été décrit et reproduit dans le catalogue de l'exposition.

Viktor Kuzmich Teterin  

Viktor Kuzmich Teterin est un peintre mari de l'artiste Antipova dont il a exécuté le portrait en 1956. 

Victor Kuzmich Teterin (25 octobre 1922 - 1er octobre 1991) était un peintre, aquarelliste et professeur d'art russe qui vivait et travaillait à Leningrad . Il est considéré comme l'un des représentants importants de l' école de peinture de Léningrad . 

Portrait de l'artiste E. Antipova 

Photographie portrait du peintre

Eugène Lanceray 

Eugène Lanceray (en russe : Евгений Евгеньевич Лансере, Evgueni Evguenievitch Lansere), né le 23 août 1875 à Pavlovsk (Saint-Pétersbourg) et mort le 13 septembre 1946 à Moscou, est un artiste, graphiste, peintre, sculpteur, mosaïste et illustrateur russe dont le style est associé au mouvement Mir iskousstva. Il fut Lauréat du prix Staline en 1943. 

Il est le fils d'Eugène Lanceray et de Catherine Benois, tous les deux de familles d'origine française. Eugène Lanceray fut élève au deuxième gymnasium de Saint-Pétersbourg.

De 1896 à 1899 il fréquenta les écoles parisiennes de beaux-arts : l'Académie Julian et l'Académie Colarossi.

Avec la famille d'Alexandre Benois, Lanceray effectue plusieurs voyages en France pendant son séjour. En 1897 ils parcourent la Bretagne. Ils y sont rejoints par Serge de Diaghilev.

À l'époque de la Révolution de 1905, apparaissent en Russie des revues de caricatures radicales telles qu'« Adskaïa pochta » (La Poste de l'enfer) et « Joupel » (l'épouvantail). Eugène Lanceray est l'éditeur d'« Adskaïa pochta ». Ces revues peuvent être considérées comme des organes originaux de la cause révolutionnaire. Elles expriment à leur manière une conscience sociale et humanitaire. Les auteurs les utilisent pour aborder des sujets socialement tabous dans un contexte différent. Les images de mort, de monstres, de violence et de sexe qu'y s'y trouvent semblent dictées par la fascination pour des thèmes décadents en cette période révolutionnaire. Les artistes qui s'y expriment ne sont pas du tout indifférents aux évènements de 1905 et à la nécessité de réformes sociales.

Mais leur réaction est loin d'être uniforme. Dans un manifeste (« la Voix des artistes »), Alexandre Benois, Lanceray, Constantin Somov, Mstislav Doboujinski accueillent favorablement, pour leur part, le changement social, mais craignent cependant que la recherche de beauté ne disparaisse tant les problèmes urgents et pratiques s'accumulent. Ils manifestent leurs opinions par des caricatures, des bandes dessinées. Le Banquet de funérailles de Lanceray était une des images les plus fortes, destinée à lancer un message politique fort et une marque d'indignation sociale profonde. Ce dessin est une interprétation d'un épisode réel : des officiers du régiment Séméonovsky avaient participé à un banquet après un massacre d'ouvriers. La caricature de Lanceray est féroce.

Il quitte Saint-Pétersbourg en 1917 et se réfugie au Daghestan pendant 3 ans, puis déménage en 1920 à Tbilissi où il enseignera l'art à l'Académie des Beaux-Arts de Tbilissi jusqu'à 1934. Il compte parmi ses élèves le futur peintre Apollon Kutateladze.

Boris Ioganson

Boris Vladimirovich Ioganson (russe : Борис Владимирович Иогансон), né le 13 juillet 1893 à Moscou et mort le 25 février 1973 à Moscou également, est un peintre russe et soviétique. 

Boris Ioganson naît en 1893 à Moscou. Les ancêtres suédois de son père ont russifié le nom de famille "Johansson" en "Ioganson". Ioganson fréquente l'École d'art de Moscou et étudie sous la direction de Kasatkin et de Malyutin. Il est membre de la Society of Young Artists, où il plaide pour une conversion complète de l'art russe au constructivisme. Il abandonne rapidement cette cause et se lance dans la peinture de chevalet. En 1922 il participe à la fondation de l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire et passe brusquement au réalisme socialiste. L'œuvre d'Ioganson est inspirée de celle de Repin, qui présente certaines caractéristiques de l'impressionnisme, et est souvent de nature narrative.

Son œuvre la plus connue est sans doute Interrogatoire des communistes, une pièce très représentative du réalisme socialiste mais avec des éléments perçants du romantisme, en plus d'une exploitation de certains éléments du futurisme. Un sens de la théâtralité est présent dans ses peintures, probablement en raison de ses études de conception théâtrale sous la direction de Korovin.

Certains diplômés de l'Institut Ilya Repin de Leningrad pour la peinture, la sculpture et l'architecture ont étudié dans l'atelier Boris Ioganson (1930-1950) : Alexey Eriomin, Nikolai Baskakov, Valery Vatenin, Nina Veselova, Maya Kopitseva, Oleg Lomakin, Valentina Monakhova, Nikolai Mukho, Anatoli Nenartov, Mikhail Natarevich, Semion Rotnitsky, Mikhail Trufanov, Yuri Tulin et Felix Lembersky. 

Sergueï Guerassimov

Alexandre Mikhaïlovitch Guerassimov (en russe : Александр Михайлович Герасимов) est un peintre russe né le 12 août 1881 à Mitchourinsk, dans le Gouvernement de Tambov, et mort le 23 juillet 1963 à Moscou. 

Alexandre Guerassimov est le fils d'un marchand de bétail. Entre 1913 et 1915, il est l'élève de Constantin Korovine, d'Abram Arkhipov et de Valentin Serov à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou. Il est mobilisé sur le front de la Première Guerre mondiale en 1917 et effectue son service dans une voiture-ambulance. Démobilisé, il vit et travaille à Kozlov entre 1918 et 1925.

À partir de 1925, il devient membre de l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire. Ses tableaux de cette période représentent les principaux épisodes de la Révolution d'octobre, les plus connus étant Lénine à la tribune (1930) et Après la pluie (1935).

Entre 1947 et 1957, Guerassimov est le chef de l'Union des artistes de l'URSS et de l'Académie des Beaux-Arts d’Union soviétique. Il devient l'un des principaux promoteurs du réalisme socialiste dans l'art. Il se fera surtout remarquer par ses portraits de cet âge plus tardif, ayant peint plusieurs fois Joseph Staline (dont il était le peintre favori) et d'autres dirigeants soviétiques.

« Les tableaux de Guerassimov n'étaient pas destinés à la vente mais à être imprimés dans la tête des gens, jouant le même rôle que la télévision aujourd'hui. Ils avaient une fonction iconique » note Alexei Chichkine, commissaire d'une exposition sur l'artiste en 20161.

Il remporta quatre Prix Staline, parmi eux le Prix Staline du premier degré en 1941 pour Staline et Vorochilov au Kremlin (1938), en 1943 pour Hymne d'octobre (1942) et en 1946 pour Portrait de groupe des artistes les plus âgés (1944). Chaque prix est doté de 100 000 roubles, cent fois le revenu d'un citoyen soviétique.

Vladimir Ilitch Lénine

Vladimir Lénine, leader de la Révolution, était certainement la principale divinité et idole du pays soviétique. Ses images étaient minutieusement travaillées, mythifiant souvent sa biographie. Tantôt il se trouve dans un abri en attendant d’entrer dans le Petrograd révolutionnaire, tantôt il est sur une tribune, tantôt sur un véhicule blindé, tantôt il participe en personne à un soubbotnik. L'un de ses portraits les plus célèbres de l'époque soviétique le représente sur une tribune, où il plane pratiquement au-dessus de la bannière. 

Moscou Galerie Tretiakov

La mère de partisan

Dans son travail créatif, Sergueï Gerassimov avait l'habitude de glorifier les villages, les kolkhozes (fermes collectives) et les paysans. Or, son tableau le plus connu, Mère de partisan, représente justement une simple villageoise regardant sans crainte l'ennemi dans les yeux. 

Alexandre Laktionov

Moscou Galerie Tretiakov

Lettre du front

Son tableau « Lettre du front » (1947 ; Prix Staline, 1948), qui raconte les expériences du peuple soviétique pendant la Grande Guerre patriotique de 1941-1945, est largement connu. Il définit les traits caractéristiques de son travail : traditionalisme, attachement à la mise en scène narrative, caractère concret du quotidien et souci du détail.

La lumière du soleil, forte et pénétrante, est en harmonie avec le sentiment de joie qui enveloppe les personnes représentées sur l'image ; elle rehausse au maximum les couleurs de tous les objets et donne une couleur vive et festive à l'ensemble de l'événement. Le paysage urbain d'été qui s'ouvre derrière une porte ouverte, rempli d'air pur et transparent, correspond également à l'état d'esprit des gens. La clarté et la précision du dessin, qui constitue l'épine dorsale, la base du travail, et la saturation de l'image en lumière rendent l'image entière particulièrement claire, convexe et complète.

Ce contenu simple et vrai, exprimé sous une forme claire, intelligible et convaincante, a promu le tableau « Lettre du front » de Laktionov parmi les meilleures œuvres de la peinture quotidienne soviétique. Cette peinture était si populaire à l'époque soviétique qu'elle a été achetée par la Galerie Tretiakov, et également imprimée dans des manuels scolaires, des affiches et sur des timbres postaux. 

Barnaoul Musée d'art d'État du territoire de l'Altaï 

En été

Les peintures de Laktionov suscitaient constamment des controverses. Les reproches lancés à l'artiste S.V. Gerasimov concernant son travail de diplôme, où « toutes choses vivent séparément » et « tous les objets sont soigneusement peints, l'illusion d'une lumière vive est donnée », ont été répétés plus d'une fois et non sans raison contre ses œuvres de maturité. . Cependant, la prédilection de Laktionov pour le concret accentué et la tridimensionnalité illusoire de lumière et d’ombre de l’image sonnait comme un certain programme artistique, une fidélité à sa compréhension, bien que très externe, de la véracité de l’art. 

Léonid Fedorovitch Golovanov

Moscou Maison d'édition "Iskusstvo" 

Gloire à l'Armée rouge  

Vladimir Ladyagine 

Vladimir Ivanovitch Ladyagine (1910-1998)  est un graphiste, affichiste, illustrateur et designer. Membre de l'Union des Artistes de l'URSS, il a vécu et travaillé à Moscou. Depuis les années 1930, il travaille à la maison d'édition pour enfants "Detizdat", illustre et conçoit des livres de A. A. Fadeev, Y. M. Taits, L. A. Kassil. Pendant la Grande Guerre patriotique, il participe à la production de « Fenêtres TASS » au pochoir (« Paris libéré ! », 1944 ; « Trois drapeaux, brillant de mille feux, que tous les drapeaux flottent plus largement ! », 1945 ; « Nous réaliserons le nouveau stalinien plan quinquennal ! », 1945 ; « Komsomol léniniste - reconstruction des villes », 1946). Après la guerre, Vladimir Ladyagin travaille sur commande de maisons d'édition ; réalisé des affiches (« Nous ouvrirons partout des jardins d'enfants, lumineux et beaux... » 1946), puis il a poursuivi avec succès la coopération avec « Detgiz », avec des livres illustrés des auteurs les plus célèbres : « Octobre Mars » (1947), V.V. Mayakovsky ; « Garçons » (1947), F. M. Dostoïevski ; « L'histoire d'un secret militaire » (1947), A. P. Gaidar ; « Les enfants de notre cour » (1949), S. Ya. Marshak ; « Ville au bord de la mer » (1950), V. P. Belyaev ; « Le Journal de Kolya Sinitsyn » (1950), N. N. Nosov ; « Bip » (1951), N. A. Ostrovsky ; « Vasyok Trubatchev et ses camarades » (1953), V. A. Oseeva ; «Dompteurs» (1969), Yu. V. Sotnik. 

Moscou Maison d'édition "Iskusstvo" 

Je t'attendais, guerrier libérateur !  

Ladyagine est né en Russie. C'était un artiste russe soviétique travaillant pour TASS. Le rôle majeur dans l'art de l'affiche soviétique pendant la guerre a été joué par les fenêtres TASS. Il s'agissait de grandes affiches aux couleurs vives, peintes à la main, au pochoir et produites à des tirages allant jusqu'à 1 000 exemplaires. Ils étaient généralement accompagnés d'un texte didactique ou d'un poème souvent assez long. 

Mikhaïl Gordeïevitch Deregus

Mikhaïl Gordeïevitch Deregus (1904-1997) est un graphiste et peintre soviétique et ukrainien, artiste du peuple de l'URSS (1963).

Né dans le village de Vesyoloye, dans la région de Kharkov, il a étudié à l'Institut d'Art de Kharkov (1923-30).

Il a travaillé dans le domaine de la peinture, du graphisme sur chevalet et du livre. Il est largement connu pour ses peintures sur des thèmes cosaques : la série « Région de Khmelnytsky » et « Pereyaslavska Rada ». 

Pereyaslavl Rada 

Au milieu du 17e siècle, les Cosaques d'Ukraine n'en peuvent plus de leurs maîtres polonais et des juifs que ces derniers ont laissé prospérer sur les terres ukrainiennes. Ils massacrent les juifs par dizaine de milliers, mais peinent à tenir tête aux Polonais. Alors leur chef, Bohdan, demande une simple «protection» au tsar de Russie et signe, en 1654, le traité de Pereïaslav. Une erreur monumentale. Car il soumet ainsi son pays à la domination russe, pour trois siècles. En 2022, l'invasion décidée par Poutine suivra la même conception: l'Ukraine est éternellement appelée à une réunification avec la Russie. 

On voit sur le tableau Bohdan Khmelnytsky, membre du clan Abdank, né le 27 décembre 1595 et mort le 27 juillet 1657, qui est un chef militaire et politique des Cosaques d'Ukraine, alors territoire relevant de la république des Deux Nations (royaume de Pologne et grand-duché de Lituanie). C'est lui qui est à l'origine d'un soulèvement contre la noblesse polonaise en 1648, puis d'un rapprochement entre les Cosaques et la Russie dite « Moscovie » par le traité de Pereïaslav, en 1654.

Bohdan Khmelnytsky devient après sa mort une véritable légende, symbole de la résistance cosaque et héros ukrainien. Mais son hetmanat a aussi été marqué par des massacres de Polonais, d'uniates et surtout de Juifs ; il porte la responsabilité de la mort de plusieurs dizaines de milliers d'entre eux.

Valentin Mikhaïlovitch Sidorov

Valentin Mikhaïlovitch Sidorov est un peintre soviétique, artiste du peuple de l'URSS (1988) et de la RSFSR (1979), depuis 1988 membre titulaire, membre du présidium de l'Académie des arts de l'URSS (depuis 1992 - Académie des arts de Russie), membre titulaire de l'Académie kirghize des Arts (1998), professeur (1996) . En 1972-1985 - Secrétaire du Conseil d'Administration, en 1985-1987 - 1er Secrétaire du Conseil d'Administration de l'Union des Artistes de la RSFSR. De 1987 à nos jours, il est président du conseil d'administration de l'Union des artistes de Russie.

Un artiste au caractère national prononcé, dont l'œuvre s'adresse à la patrie, la Russie et y est liée par tous ses fils profonds.

Dans les années 1970, V.M. Sidorov a pris l'une des places les plus importantes dans le paysage lyrique moderne.

En 1974, pour la série de peintures « Ma patrie » (1972-1973), il reçoit le Prix d'État de la RSFSR du nom d'I.E. Répina. 

Provenance indéterminée ...

Ma tranquille patrie 

"Ma tranquille patrie" réalisé entre 1981 et 1985 a fait parti de la VIIe exposition d'art républicain « Russie soviétique » à Moscou en septembre 1986. 

Nikolaï Mikhaïlovitch Avvakumov

Nikolaï Mikhaïlovitch Avvakumov (1908-1945)  est un graphiste soviétique de renom, membre de la branche ouralienne de l'Académie des artistes et artistes. Un excellent dessinateur de l’époque des premiers plans quinquennaux soviétiques.

Né en 1908 dans la ville d'Asbest, province de Perm, dans la famille du premier enseignant de la ville d'Asbest, F.I. Avvakumova.

En 1925-1928 a étudié à la Perm Art School, a suivi un cours de quatre ans en trois ans.

Pendant la guerre, un crayon à la main, il parcourt les routes de première ligne au sein de la 3e Armée de choc en tant qu'artiste-correspondant du journal "Frontovik" et réalise un grand nombre de dessins de journaux, portraits, dépliants, affiches. , décrivant des événements et des personnes dont les exploits ont laissé une marque brillante sur les pages histoires. Tout au long de sa vie, l'artiste a créé plus de 5 000 dessins, affiches et croquis.

Moscou Musée Pouchkine

Souvorov dans les Alpes 

En Suisse centrale, le nom du général Souvorov est connu aujourd'hui encore. Au XVIIIe siècle, ce grand stratège militaire russe franchit avec ses troupes sept cols alpins pour se rendre en pays glaronais depuis le nord de l'Italie. En dépit des souffrances subies par les soldats et les populations locales, le général Souvorov est resté une figure porteuse d’espoir. Les tableaux de bataille d’Alexander von Kotzebue et de Ker Robert Porter ont largement contribué à entretenir le mythe, notamment les représentations héroïques de l’épisode du pont du Diable réalisées par des artistes sur la base de témoignages oculaires. En Russie également, le généralissime victorieux est encore vénéré à l’heure actuelle, comme l’atteste la couronne déposée en 2009 par le président de l’époque, Dmitri Medvedev, au pied du mémorial de Souvorov, dans les gorges des Schöllenen. Haut de 12 mètres, ce monument en granit commandé par un prince russe a été érigé en 1898. 

Evgeniy Adolfovitch Kibric

Evgeniy Adolfovitch Kibric (1906-1978) est un artiste soviétique, maître de l'illustration de livres, artiste du peuple de l'URSS, lauréat du prix Staline (1948).

Né à Voznessensk (province de Nikolaev) dans la famille d'un directeur d'une entreprise d'exportation de céréales, il a étudié à l'Institut d'art d'Odessa et à l'Institut supérieur d'art et technique de Leningrad (Vkhutein, 1925-1927).

En 1927-1930, il fut l'un des membres les plus actifs de l'association « Maîtres d'art analytique » (MAI) créée par P.N. Filonov.

Pendant la période de persécution, Filonov s'est exprimé dans le journal « Art soviétique » et dans le magazine « Jeune prolétaire » avec de vives critiques à l'égard de son professeur (1932), après quoi d'autres « Filonovites » l'ont considéré comme un renégat.

Il a créé des feuilles de chevalet et des graphiques de magazines, mais est devenu célèbre principalement en tant qu'artiste de livres.

Les cycles graphiques les plus significatifs de Kibrik comprennent une série d'illustrations de Taras Bulba par N.V. Gogol (1943-1945). 

Illustration pour l'histoire Taras Bulba  

C'est une telle fête ! 

Lénine et Staline à Smolny en octobre 1917 

Alexandre Pavlovitch Boubnov

Alexandre Pavlovitch Boubnov (1908-1964) est un peintre soviétique, artiste émérite de la RSFSR (1954), membre correspondant de l'Académie des arts de l'URSS (1954).

Il était en grande partie autodidacte. Ce n'est qu'en 1926, après avoir terminé ses neuf années d'études, que le jeune homme vint à Moscou et entra à l'Institut supérieur d'art et de technologie (Vkhutein). En 1930, A. Bubnov est diplômé de l'université et a travaillé deux ans à Kuznetskstroy, où il a travaillé comme architecte junior. Ce n'est qu'après son retour à Moscou en 1932 qu'A.P. Bubnov se tourne vers la tâche principale de sa vie ultérieure.

Pour l’exposition de 1947, il réalise un grand tableau historique, « Matin sur le champ de Koulikovo », pour lequel il reçoit le prix d’État (Staline).

Moscou Galerie Tretiakov

Matin sur le terrain de Koulikovo 

Dans le tableau, l'artiste ne déroule pas devant nous un large panorama de la bataille et ne parle d'aucun épisode. Il montre l'anticipation du combat, l'anticipation, pleine d'impatience à peine contenue, imprégnée de foi en la victoire. Le mouvement grandit de figure en figure, il est sobre et expressif. Les regards des gens sont dirigés là, vers l'ennemi, et cette aspiration est soulignée et renforcée par le geste de Dmitri Donskoï, pointant son épée vers les hordes tatares. 

Dmitri Donskoï, grand-prince de Moscou et de Vladimir, a annoncé la formation sur ses terres de régiments chargés de combattre la Horde. Les boyards, princes et guerriers qui faisaient partie des régiments de la ville amenaient avec eux des voï (guerriers), qui étaient pour la plupart intégrés à l’infanterie. Ces guerriers  étaient recrutés parmi la population urbaine et rurale. De plus, des volontaires ont rejoint la campagne de Donskoï et de ses alliés.

Ainsi, des gens sans expérience militaire se sont mobilisés pour défendre les terres russes aux côtés de guerriers professionnels. Ceci est confirmé par les chroniques : « De nombreux Moscovites, qui jamais n’avaient combattu auparavant, voyant la multitude de l’armée tatare, furent effrayés et dirent adieu à la vie ».

Le grand-prince Dmitri Donskoï s’est jeté dans la mêlée avec les premiers régiments qui sont passés à l’attaque. Presqu’aussitôt, il a été blessé et est tombé de son cheval. Les guerriers qui le défendaient ont rapidement été tués par l’ennemi, et le prince lui-même a reçu de nombreux coups au ventre et à la poitrine, mais il a été sauvé par son armure et sa cotte de mailles. Le prince a réussi à se sortir du corps à corps. Mais il n’était plus capable de monter à cheval.

La bataille terminée, le prince Vladimir Serpoukhovskoï, cousin de Dmitri, n’a pas retrouvé le prince blessé pendant longtemps. Donskoï a été découvert par deux guerriers de Kostroma : il gisait sous un bouleau cassé.

Au moment de la bataille de Koulikovo, les Russes étaient sous le règne de la Horde depuis 140 ans et de nombreux princes avaient participé aux campagnes militaires de cette dernière. Lorsque les Russes se sont alignés sur le champ de Koulikovo, ils ont adopté un ordre de formation en cinq blocs : un grand régiment, des « bras » droit et gauche, des régiments avant et de garde. L’armée de Mamaï avait une structure similaire en cinq ou trois parties. De leur côté, les Russes profitaient du fait que les régiments de la Horde avançaient entre deux rivières, Nijny Doubniak et Smolka, qui traversaient le champ de Koulikovo. Pour cette raison, l’armée de la Horde n’a pas pu se déployer pleinement sur l’ensemble du front, se gênant elle-même. 

Cependant, l’issue de la bataille a été scellée par l’embuscade du régiment russe du prince Vladimir Serpoukhovskoï, qui s’était caché dans la forêt. Le régiment est entré dans la bataille à un moment décisif et inattendu pour la Horde. Lorsque les Mongolo-Tatars sont arrivés en Russie au XIIIe siècle, ils avaient également vaincu les Russes grâce à leurs tactiques et à leurs formations. 150 ans après l’invasion, après avoir traversé de nombreuses batailles contre la Horde, les Russes ont appris de leurs propres erreurs et utilisé avec succès les techniques des envahisseurs pour venir à bout de ces derniers. 

Youri Mikhaïlovitch Neprintsev

Youri Mikhaïlovitch Neprintsev (1909-1996) est un peintre et graphiste soviétique, artiste du peuple de l'URSS (1965), lauréat du prix Staline (1952).

En 1938, il est diplômé de l'Académie panrusse de Leningrad.

Dans les années d'après-guerre, il peint un certain nombre de tableaux consacrés à la lutte héroïque du peuple soviétique contre l'Allemagne nazie.

Le tableau «Le repos après la bataille» a valu à l'artiste une renommée mondiale et le prix Staline.

Moscou Galerie Tretiakov

Repos après la bataille

"Repos après la bataille" fait écho au poème "Vasily Terkin" de A. T. Tvardovsky. Chaque image de l'image est une biographie entière. Et toute une série d’images lumineuses défilent sous le regard du spectateur. La profonde vitalité de l'idée a déterminé la clarté et l'intégrité de la composition, la simplicité et le naturel de la solution picturale. 

Konstantin Vladimirovitch Filatov

Peintre ukrainien soviétique, auteur de nombreux paysages, portraits, natures mortes et peintures de genre.

Né à Kiev en 1955, il est diplômé de l'OKHU. M. Grekova. Pendant de nombreuses années, il a enseigné à l'atelier des artistes militaires qui porte son nom. M. Grekova, artiste émérite de la RSS d'Ukraine depuis 1974. Lauréate du Prix d'État de la RSS d'Ukraine. T. Chevtchenko (1972). 

Kiev Musée d'État d'Art Ukrainien 

Sur la Place Rouge 

Alexei et Sergei Tkachov 

Alexei Petrovich et Sergei Petrovich Tkachov sont deux frères artistes, peintres russes, maîtres célèbres du thème rustique dans les beaux-arts russes de la seconde moitié du XXe siècle.

Tous deux sont nés dans le village de Chugunovka (aujourd'hui dans la région de Briansk) dans une famille paysanne.

Le frère aîné (né en 1922) a étudié dans les écoles d'art de Vitebsk (1938-1941) et de Sverdlovsk (1945-1946), ainsi qu'à l'Institut d'art de Moscou du nom de V.I. Surikov (1946-1952), le frère cadet (né en 1925)  de l'Institut d'art de Moscou du nom de V.I. Sourikov (1945-1951).

Ils ont été grandement influencés par A.A. Plastov. Depuis 1952, ils travaillent ensemble de manière créative. Ils ont d'abord vécu à Minsk. En 1972, ils s'installent à Moscou.

Dans les années 1950, leur style de peinture caractéristique s'est développé, impressionniste, saturé de couleurs et empâté, avec une peinture qui conserve les caractéristiques vivantes d'une esquisse à grande échelle. En abordant le thème historico-révolutionnaire, ils ont violé le « canon héroïque » en y introduisant des éléments d'une histoire de genre. 

Saint Petersbourg Musée Russe

Mai 45 

Dans leurs œuvres, les artistes du peuple de l'URSS Alexei Petrovich et Sergei Petrovich Tkachev se tournent souvent vers des thèmes historiques. Les événements du début du XXe siècle, la formation de l'État post-révolutionnaire, la vie du village pendant la collectivisation et la formidable période de la Grande Guerre patriotique se reflètent dans les peintures des frères Tkachev. Le thème militaire occupe une place importante dans leur travail, et ce n'est pas un hasard : l'aîné d'entre eux, Sergueï Petrovitch, a traversé toute la Grande Guerre patriotique en tant que simple soldat, a reçu l'Ordre du « Diplôme de la Seconde Guerre patriotique », « Pour Services à la Patrie » III et IV degrés, médailles « Pour le courage », « Pour les mérites militaires », « Pour la victoire sur l'Allemagne » ; le plus jeune, Alexeï Petrovitch, en tant que travailleur du front intérieur, a reçu la médaille « Pour la distinction du travail » et l'Ordre « Pour les services rendus à la patrie », degrés III et IV.

Le tableau « Mai 1945 » est dédié au thème des vainqueurs et des héros de guerre. Il a été écrit 35 ans après la fin de la Grande Guerre patriotique et recrée l’atmosphère de la mémorable Victoire de mai 1945.

Dans le tableau, les artistes révèlent le moment de la rencontre avec un soldat rentré chez lui sans bras. L'action s'est déroulée dans le contexte d'un verger de pommiers en fleurs, baigné par le soleil printanier. Le contraste entre une nature parfumée et un jeune homme fort, mais déjà handicapé, renforce l'impact émotionnel sur le spectateur.

La version originale de ce tableau a été peinte dans la « petite patrie » des artistes. Depuis le milieu des années 70, les frères Tkachev viennent souvent dans la région de Briansk rendre visite à Vladimir Danilovich Gamolin, poète, directeur et fondateur de la Maison-Musée F.I. Tioutchev dans le village d'Ovstug. Dans le placard de sa maison se trouvaient des carnets de croquis, des peintures, des toiles, des cartons, tout ce dont on avait besoin pour travailler. 

Afanasy Nikolaievitch Osipo

Afanasy Nikolaievitch Osipo né en 1928 est un artiste du peuple de l'URSS, lauréat du Prix d'État de la RSFSR du nom. I. E. Repina, membre à part entière de l'Académie russe des arts. Il a étudié à l'Institut d'Art de Moscou. V. I. Surikova (1949≈55).

Il crée principalement des peintures de genre mais avec un portrait très développé dédiées à la vie moderne des peuples de Yakoutie, gravitant vers une manière décorative-planaire. 

Provenance indéterminée ...

Sur les terres Yakoutes de Peter Alekseev 

"Sur les terres Yakoutes de Peter Alekseev" réalisé par Afanasy Nikolaevich Osipov en 1984 participa à la VIIe exposition d'art républicain « Russie soviétique » à Moscou en septembre 1986. 

Léonid Vassilievitch Kabachek 

Léonid Vassilievitch Kabachek est un peintre soviétique, artiste émérite de la RSFSR (1968), né à Makeevka en Ukraine en 1924.

En 1953, il est diplômé de l'IE Repin LIZHSA, atelier de Boris Ioganson. Il est décédé en 2002. Il peint des portraits, des compositions de genre et historiques, des paysages et des natures mortes. 

Dresde Galerie des nouveaux maîtres 

Le Printemps

Alexei Sergeevich Mikhailov

Alexey Sergeevich Mikhailov (1926-1993) était membre de l'Union des artistes de l'URSS depuis 1956 et artiste émérite de la RSFSR.

Né en 1926 à Moscou, il fut un participant à la Grande Guerre patriotique. En 1953, il est diplômé de l'Institut des Arts Appliqués et Décoratifs de Moscou. Il a vécu et travaillé à Moscou puis dans l'Atelier des Artistes Militaires du nom de M. B. Grekov depuis 1965. 

Moscou Musée Central des Forces Armées

Bannières vaincues Défilé de la Victoire

En publiant la célèbre photographie sur laquelle des soldats soviétiques brandissent des bannières nazies vaincues, le juge a constaté une violation de l'art. 20.3 du Code des infractions administratives, qui interdit l'affichage de symboles nazis et extrémistes, et a infligé une amende de mille roubles à un habitant de la ville qui a posté une photo sur sa page de réseau social. Le juge a estimé que la publication de cette photographie « pourrait causer des souffrances aux personnes dont les proches sont morts pendant la Grande Guerre patriotique ». 

Ivan Vladimirov

Wojciech Weiss

Fedir Krychevsky

Mykhailo Boichuk

Karpo Trokhymenko

David Kakabadzé

Ilarion Pleshynskyi

Vassili Kassiane

Leonid Muchnyk

Ervand Kotchar

Veniamin Kremer

Oleksandr Pashenko

Dmitry Nalbandyan

Volodymyr Bondarenko

Sattar Bahlulzadeh

Sergueï Grigoriev

Victor Puzyrkov

Boyukagha Mirzazade

Ivan Valentyn Zadorozhny

Sergey Ryabchenko

Mahmud Taghiyev

Vyacheslav Nazaruk

Mikhail Olennikov

Georgyi Yakutovytch

Tahir Salakhov

Tair Salakhov (1928) est un artiste-peintre soviétique, azerbaïdjanais et russe, vice-président de l'Académie des arts de Russie. Artiste du peuple de l'URSS (1973), héros du travail socialiste (1989). Artiste du peuple de la RSS d'Azerbaïdjan (1963), Fédération de Russie (1996), lauréat des Prix d'État de l'URSS, Azerbaïdjan.

Né à Bakou dans la famille d'un membre du parti. Son père fut arrêté en 1937 et fusillé. En 1956, les charges retenues contre lui furent abandonnées en raison de « l’absence de corpus delicti ».

En 1950, Salakhov est diplômé de l'École d'art d'Azerbaïdjan, mais la phrase « fils d'un ennemi du peuple » dans sa biographie l'a empêché d'entrer à l'Institut Repin. Malgré cela, en 1957, il est diplômé de l'Institut d'État des arts de Moscou. V. I. Surikova.

Entre 1963 et 1974, Tahir Salakhov a enseigné à l'Institut d'État d'Azerbaïdjan du nom de M. Aliyev et, depuis 1975, à l'Institut d'art de Moscou. V. I. Surikova (premier professeur agrégé, depuis 1973 - professeur).

Salakhov est devenu l’un des fondateurs et dirigeants du soi-disant « style sévère » en peinture, qui constituait un défi au réalisme fluide de l’époque de Staline.

La galerie de portraits de Salakhov a connu un grand succès, notamment le portrait de sa fille « Aidan » (1967) représenté sur le timbre, ainsi qu'une galerie d'images de personnalités culturelles, notamment des portraits : « Portrait du compositeur Kara-Garaev », les compositeurs Dmitri Chostakovitch, Kara Karaev, Fikret Amirov, le violoncelliste Mstislav Rostropovitch et d'autres.

Sa fille Aidan Tairovna Salakhova (1964) est également devenue artiste.

Provenance indéterminée ...

Aïdan Salakhova en 1967

Né en 1964 dans la famille de Tahir Salakhov et Vanzetta Khanum, elle devient diplômé de l'Institut d'art Surikov de Moscou, académicienne de l'Académie des arts de la Fédération de Russie, fondatrice de la Première Galerie, l'une des premières galeries privées de Russie, rebaptisée plus tard Galerie Aidan. En 2012, elle ferme la galerie et concentre ses efforts sur ses propres œuvres qui ont toujours joué un rôle majeur dans le monde d'Aidan Salakhova. Ses œuvres graphiques et sculptures s'adressent à ceux qui sont prêts à se rencontrer, à regarder dans le monde de leurs sens et capacités intérieurs, à être réels. Les expositions d'Aidan ont lieu à Londres, Paris, Dubaï, Berlin, Saint-Pétersbourg et Bakou. Ses œuvres sont exposées à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou, au Musée d'art moderne de Moscou, au Fonds culturel Ekaterina, à la Fondation François Pinault, au Musée Teutloff, à la Galerie XL mais aussi dans les collections privées de I. Khalilov, PKBrochet, T. Novikova, V. Nekrasov, V. Bondarenko et autres. Aujourd'hui, Aidan passe la plupart de son temps dans son atelier de Carrare. 

Alla Horska

Dmitri Dmitrievich  Zhilinsky

Dmitry Dmitrievich Zhilinsky (1927-2015) est un artiste du peuple de Russie, membre à part entière de l'Académie des Arts.

L'auteur de nombreuses toiles narratives et de portraits, dans lesquels les traditions de la peinture d'icônes russe ancienne et de la peinture du début de la Renaissance sont repensées avec succès et de manière innovante. Appartient à la génération des artistes du « style sévère », mais se démarque stylistiquement.

Son grand-père a été exécuté en 1929 et son père a été arrêté en 1937 et exécuté, réhabilité en 1956.

En 1944-1946, il étudie à l'Institut des arts appliqués et décoratifs de Moscou. En 1951, il est diplômé de l'Académie des Arts d'État de Moscou, du nom de V. I. Surikov. Il a étudié avec N. M. Chernyshev, S. A. Chuikov, P. D. Korin, A. M. Gritsai et V. N. Yakovlev.

"Pendant de nombreuses années, depuis que les impressionnistes ont commencé à travailler dans le sens d'une peinture multicolore, l'école d'art enseigne que toutes les couleurs interagissent dans un environnement lumineux et aérien. Mais le travail de Zhilinsky est d'une nature différente, ses soldats se baignent dans un bleu rivière, le maillot de bain rouge du mannequin ne se reflète pas dans l'eau , la mer n'est pas pleine de reflets, les costumes blancs comme neige des gymnastes sont blancs comme neige. Dans les

œuvres de Zhilinsky, chaque couleur vit sa propre vie, le rose ne se reflète pas dans le vert et le jaune ne donnent pas de reflet sur le bleu. C'est la position consciente de Zhilinsky, qui devient la propre écriture du maître. Il estime que le style multicolore ne convient que pour les œuvres de petit format. Les œuvres de Zhilinsky sont assez grandes, par exemple , "Sur de nouvelles terres" (1967, Galerie Tretiakov) mesure 3,5 mètres de long. Il s'avère que le classique Zhilinsky réfute les traditions de la peinture ? L'artiste suit non seulement des traditions séculaires, mais forme de nouveaux principes classiques." (N. Tregub).

Saint Petersbourg Musée Russe

Gymnastes de l'URSS

Toutes les figures de l'image sont des portraits de célèbres gymnastes soviétiques. Cette image représente des images de personnes - fortes, sérieuses, intérieurement rassemblées, concentrées, sur la révélation par l'artiste d'une intellectualité volontaire très particulière associée aux « prouesses sportives ». des champions représentés. 

L’image résultante a suscité un grand écho et a été appréciée par pratiquement tout le monde. L'artiste a montré l'équipe masculine en gros plan, l'équipe féminine en arrière-plan. Les gymnastes sont dans la salle d'entraînement. Les hommes sont vêtus de collants blancs, les filles de noirs. Entraîneurs en rouge et bleu. Le revêtement donne un fond clair à l'image. Une palette de couleurs aussi laconique et élégante de la peinture était dans le style des années 60 et remontait en même temps aux traditions de la peinture d'icônes russe et de la peinture à la détrempe d'Europe occidentale sur gesso, comme le travaillaient les maîtres médiévaux.

L'artiste lui-même a déclaré que lorsqu'il avait vu les gymnastes en collants blancs sur fond de tapis rouge, il avait immédiatement décidé de jouer sur le contraste de ces couleurs.

Dans les Collections privées ...

L'Altiste

Les personnages des tableaux des années 70 sont inactifs et désunis. Qu’il s’agisse d’une équipe de travailleurs, d’une équipe sportive, d’un groupe d’amis ou même d’une famille, les personnes réunies en groupe n’interagissent d’aucune façon, ni physiquement ni émotionnellement. En règle générale, ils ne se voient même pas. Rien ne les unit, ni une cause commune, ni un sentiment commun. Ils ne sont liés que par une humeur commune de léthargie mélancolique. La peinture des années 70 niait de manière programmatique et cohérente le collectivisme, c’est-à-dire la base même de l’idéologie soviétique et du système soviétique. En règle générale, il ne s’agissait pas d’un défi conscient et hostile au pouvoir soviétique. Il ne s’agissait même pas d’une dissidence passive. C'était juste l'esprit du temps. L’art l’a capturé et incarné en images, car c’est précisément pour cela qu’il existe. 

"D’autres associations sont associées à l’œuvre « Violiste » de D. Zhilinsky. Car dans les années 60 et 70, pour beaucoup d’entre nous, l’événement n’était pas seulement les premiers vols dans l’espace, mais aussi la sortie de certaines œuvres littéraires, ou celles extraites des chaînes du passé, comme « Le Maître et Marguerite ». » de M. Boulgakov ou de nouveaux. Ces nouveautés incluent notamment le roman fantastique original de Vladimir Orlov « L'altiste Danilov » (J-l « Nouveau Monde », n° 2-4, 1980). Mais le travail de Dm. Je ne peux m'empêcher d'associer « L'Altiste » de Zhilinsky (1972) à ce roman... "

Y a-t-il une place dans la nébuleuse pour une écriture proprement fantastique, sous le signe de l'ambiguïté, de l'insolite, vouée à l'exploration des failles du réel ? Ce n'est en tout cas pas l'objet d'un discours qui prône l'intégration dans une écriture globalement « réaliste » c'est-à-dire sous-tendue par une idéologie juste, de diverses formes ďuslovnosť plus ou moins apparentées au fantastique.

Il existe cependant des œuvres d'inspiration plus ou moins néo-boulgakovienne qui occupent une place à part dans la mesure où leur discussion fait intervenir un facteur, par ailleurs rarement pris en compte : l'engouement suscité chez les lecteurs. Il s'agit avant tout du roman de Vladimir Orlov, L'Altiste Danilov, déjà mentionné, dont le critique Lev Anninskij, grand pourfendeur de mythes, « paraboles et diableries », note avec agacement dans Literatumoe obozrenie : « L'impact sur les lecteurs est tel qu'en fait, je ne rends pas seulement compte du roman, mais réagis aussi à son succès. Puisque c'est un 'nouveau Bulgakov', puisque, à tous les coins de rue, on est pressé de questions: 'Alors ? ! Vous l'avez lu ? Qu'en dites-vous ? !' »  

La famille de l'artiste Les Tchernychev

Soirée. I.A. et E.A. Efimov 

Autoportrait

Dmitry Dmitrievich Zhilinsky (1927-2015) - Peintre et graphiste soviétique et russe, enseignant, professeur. Il peut à juste titre être considéré comme l'une des principales figures de l'art soviétique des années 60. Le style de Zhilinsky ne peut être attribué à aucun mouvement : mais il porte les traits brillants de l’individualisme de l’artiste, de sa sociabilité avec le spectateur et d’une profonde introspection. La particularité de cet artiste est que dans ces courts instants de la vie, il a capturé l'éternité. Toutes ses images sont assez claires et sans ambiguïté. Les œuvres de Zhilinsky sont également reconnaissables à leur palette de couleurs (tons très purs), à la finesse et à la plasticité des lignes, ainsi qu’à l’harmonie. Il est également intéressant de noter que l’artiste écrit principalement à la tempera sur du gesso, ce qui donne un « son » à la couleur. 

Le soir

Comme les maîtres de l’Antiquité, Zhilinsky préférait travailler avec des couleurs pures. Et à tel point qu’il a finalement complètement abandonné le travail avec les demi-teintes, les rehauts et les reflets. Notre héros cherchait à redonner aux objets et aux phénomènes leur aspect « naturel » afin de construire un dialogue avec le spectateur aussi direct et ouvert que possible. 

Blocs et timbres des créations de Zhilinsky

Provenance indéterminée ou Collections privées ...

Petros Malayan

Viktor Shatalin

Valerii Lamakh

Victor Zaretsky

Vaciha Samadova

Polina Vladimirovna Mineeva 

Mineeva P.V. est née en 1982 dans la ville de Zarechny, dans la région de Penza. Elle est diplômée avec mention et distinction de l'Art College du nom. K. A. Savitsky avec un diplôme d'artiste-enseignant. En 2003, elle entre à l'Académie russe de peinture, de sculpture et d'architecture, où en 2009 elle obtient son diplôme avec mention de l'atelier historique et religieux du professeur I. S. Glazunov (thèse « Marthe la Posadnitsa »). Dans l'Atelier des Artistes Militaires du nom. M. B. Grekova travaille depuis 2009. 

Moscou Studio Grekov d'art militaire

Lilas

Rakhim Akhmedov

Rakhim Akhmedovich Akhmedov est un artiste ouzbèque né en 1921 et mort en 2008 

Provenance indéterminée ...

Onalik o'ylari (Considérations maternelles)

Devant le spectateur se trouve un coin d'une cour ouzbèke inondée de soleil. A gauche, sous un arbre ombragé, sur une couverture étendue, est assise une vieille femme ouzbèke. Dans les contours de sa silhouette, sa tête légèrement baissée, ses grandes mains fatiguées calmement repliées sur ses genoux .son visage concentré, son regard approfondi, il y a une profonde réflexion. La richesse du monde intérieur d'une femme simple issue du peuple captive. Il est intéressant de savoir qui elle est, quel a été son chemin de vie, quelles pensées et quels sentiments la remplissent en cette journée d'été ensoleillée.

Vous dites que j'en ai besoin; 

Tu dis mon couple, ma fleur, ma tulipe.

Tu m'appelles mon fils, mon enfant...

Si ton âme te fait mal, tu dis maman !

Il n'attend que de l'amour de votre part.

Un appel m'a réconforté.

Parfois la valeur est mauvaise

Tu dis maman quand tu pleures !

Chantez dans la musique de rue

Poussez votre chariot appelé Rozhgor

Si vous n'y croyez pas, essayez-le

Si ton âme te fait mal, tu dis maman !

Tu es doué pour la chasse,

N'oubliez pas le poète Jawahir.

La fin du monde prendra fin quand elle arrivera.

Si ton âme te fait mal, tu dis mère !"

Oleg Nikolaevich Vishnyakov

Oleg Vishnyakov (11 décembre 1935 – 2012) est peintre et graphiste, diplômé avec distinction de l'Institut d'État des arts de Moscou. Sourikov. Pour sa réussite scolaire, il a reçu le prix Staline. Il est membre de l'Union des artistes de l'URSS, de l'Union des journalistes de Russie et membre du conseil d'administration de l'Union des journalistes de Moscou. Il a été Lauréat du Prix d'État de l'Union des journalistes de l'URSS (1987) pour une série d'ouvrages « L'image du contemporain ». Membre de l'Académie Royale du Cambodge. Pendant deux ans, il a enseigné à l'Institut d'art d'État de Moscou, nommé d'après Sourikov. Oleg Vishnyakov a participé à des expositions depuis 1959. Depuis 1960, il collabore avec les magazines « Femme soviétique », « Krestyanka » et « Rodina ». Il est l'auteur d'une série d'ouvrages graphiques « L'image du contemporain » (croquis de portraits et articles sur les ouvriers des villes et villages). Les principales orientations de son travail sont les portraits et thèmes historiques. Il a parcouru 35 pays en Europe et en Asie. Et a créé une série unique de dessins dans l’Europe des années 1960-70. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreuses expositions en Russie et à l'étranger. Ses œuvres se trouvent au Musée national VI Lénine (Moscou), ainsi que dans les musées de villes comme Bakou, Kazan, Kiev, Lvov et Oulianovsk. 

Provenance indéterminée ...

Émeute à l'Université de Kazan

Le tableau "Révolte à l'Université de Kazan" est l'œuvre de diplôme du jeune artiste.

Voici ce que l’artiste lui-même écrit à propos de ce tableau : Je ne voulais pas représenter un autre Lénine, chauve et avec le traditionnel « loucher ». Mais que se passe-t-il si vous essayez de chercher quelque chose en rapport avec la jeunesse de Lénine ? Et puis je tombe sur la description d'une réunion d'étudiants à l'Université de Kazan. Ce sujet a également permis de montrer Lénine non pas « au-dessus de la foule », le « leader » traditionnel, mais d'en faire l'un des participants aux événements. 

Alexandre Kapitonovitch Sytov

Alexandre Sytov est né à Moscou en 1957. Il a étudié à l'École secondaire d'art de Moscou, à l'Institut d'art d'État de Moscou. DANS ET. Sourikov. et diplômé de l'Institut d'État des Arts de Moscou. V. I. Surikov en 1983 (atelier de peinture du professeur D. K. Mochalsky, travail de diplôme « Mélodie du soir ». En 1983, il a été accepté par concours dans l'Atelier des artistes militaires du nom de M. B. Grekov. Depuis 2012, il est directeur artistique de l'Atelier des artistes militaires nommé d'après M. B. Grekov. Élu membre correspondant de l'Académie des arts de Russie en février 2012. Artiste du peuple de Russie (2001). En 1999 - 2000, il a participé aux travaux de recréation de la décoration intérieure de la cathédrale du Christ-Sauveur à Moscou : création de tableaux à grande échelle "La Descente du Saint-Esprit" et "La Marque de l'Évangéliste". En 2005 - 2006, il participe directement et activement à la création d'une galerie de portraits des ministres de la Défense, où il peint 21 portraits. 

Moscou Studio Grekov d'Art Militaire

Rivière Vorya près de Radonezh

Radonezh est un village historique de l'oblast de Moscou , en Russie , situé à environ 15 kilomètres de Serguiev Possad .

On sait que la vieille ville de Radonezh existe depuis la première moitié du XIVe siècle, lorsqu'elle appartenait à Ivan Kalita (prince de Moscou à partir de 1325). En 1328, Ivan Kalita y installa de nombreux captifs de Rostov , dont le futur saint Sergii Radonezhsky . Environ vingt ans plus tard, Sergii fonda le monastère de la Trinité au nord de Radonezh.

La ville appartenait à Vladimir de Serpoukhov (qui vécut entre 1353 et 1410) et à ses descendants jusqu'en 1426, date à laquelle le dernier prince apanage de Radonezh mourut sans nommer d'héritier. S'ensuivit une âpre lutte pour la possession de la ville, qui se termina par la captivité de Vasily II de Moscou à Radonezh par son cousin Dmitry Shemyaka et plus tard aveuglé en 1446. 

L'essor économique et politique du monastère voisin de la Trinité a nui au développement global de Radonezh. À la fin du XVe et au XVIe siècle, le monastère éclipse la ville, qui deviendra plus tard un village.

Pavel Viktorovitch Ryzhenko

Ryzhenko est né à Kalouga en 1970. Artiste émérite de la Fédération de Russie (2012). En 1982, il entre à l'École secondaire d'art de Moscou de l'Institut. V.I. Surikov, et après avoir obtenu son diplôme en 1990 - à l'Académie russe de peinture, de sculpture et d'architecture. Il a étudié à l'atelier historique et religieux du professeur I. S. Glazunov. En 1996, il défend son diplôme (le tableau « Kalka »). Depuis 1999, il enseigne à l'Académie russe de peinture, de sculpture et d'architecture au Département de composition. Il est décédé en  2014.

Moscou Studio Grekov d'Art Militaire

Victoire de Peresvet

Alexandre Perevest était un célèbre moine soldat de la Laure de la Trinité-Saint-Serge. Avec Rodion Oslybya, il prit part à la bataille de Koulikovo dans laquelle il perdit la vie le 8 septembre 1380. Il fut inhumé en l'église de la Nativité de la Bienheureuse Vierge Marie dans le vieux Vieux-Simonová à Moscou. Canonisé par l'église orthodoxe, il est vénéré le 8 septembre.

Evgeniy Nikolaevich Shirokov

Peintre russe, Artiste du peuple de l'URSS (1986), monumentaliste.

L'un des principaux artistes de l'Oural, un brillant maître de l'art réaliste russe de la seconde moitié. XXe siècle.

Il a étudié à l'École d'art de Sverdlovsk, puis à l'École supérieure d'art et industrielle de Leningrad. V. I. Mukhina.

Shirokov a choisi Perm comme lieu de vie et de travail.

Le concept du portrait de Shirokov s'est formé sous l'influence des idées et du langage artistique du soi-disant « style sévère », l'un des domaines de recherche artistique les plus remarquables au début du « Dégel de Khrouchtchev », qui contrastait activement son travail avec celui des portraits officiels. phénomènes de l'art. 

Provenance indéterminée ...

Portrait de Vladimir Ilitch Lénine 

Perm Galerie d'art d'État  

Portrait de l'acteur E. Kopelyan 

Yefim Kopelyan est né le 12 avril 1912 à Rechytsa, dans le Gomel Oblast, en Belarus. Il était acteur et réalisateur. Il est connu pour Prestuplenie i nakazanie (1970), La mouette (1972) et Neulovimye mstiteli (1967). Il était marié à Lyudmila Makarova. Il est mort le 6 mars 1975 à Saint-Pétersbourg. 

Sergei Nikolaevich Troshin 

Sergei Nikolaevich Troshin (1986) est diplômé de l'école d'art pour enfants A. E. Kulikov de Maloyaroslavets. En 2003, il entre à l'Académie russe de peinture, de sculpture et d'architecture, étudie dans l'atelier de peinture historique de I. S. Glazunov. Participant aux ateliers créatifs du ministère russe de la Culture à Pereslavl-Zalessky et au Festival international « Jeune culture russe en Italie » (2004). Depuis 2008, il travaille au Studio des Artistes Militaires du nom. M.B. Grekova. 

L'Atelier d'artistes militaires du nom de M.B. Grekova a été fondée en 1934. Il s'agit d'une équipe créative unique, où travaillent des représentants d'une profession rare - les artistes militaires. Aujourd'hui au Studio. Trente maîtres de la peinture, du graphisme et de la sculpture travaillent chez M. B. Grekov. Tous sont des créatifs brillants, des professionnels dans leur domaine, acceptés dans le Studio sur une base compétitive. Tous les artistes du Studio sont unis par l'idée de servir la Patrie avec leur art, recréant dans des images artistiques des pages significatives de la valeur et de la gloire des armes russes, de l'histoire de l'armée et du peuple. La méthode créative du réalisme est à la base des activités de toutes les générations de Greks, et la course de relais des traditions de l'art réaliste russe relie les Greks d'aujourd'hui aux meilleurs représentants du réalisme russe, tels que Repin, Sourikov, Vereshchagin, Roubaud. 

Moscou Studio Grekov d'Art Militaire

Murs du Kremlin de Pskov

Le krom de Pskov ou kremlin de Pskov est le centre architectural historique de la ville de Pskov en Russie, le noyau central de la Forteresse de Pskov. Il est situé sur un rocher, qui s'avance entre les rivières Pskova et Velikaïa et occupe une surface de 3 hectares. L'accès au krom passe par le Bourg de Dovmont, devenu un site archéologique important.

Eduard Leonidovich Zelenine

L'artiste russe est un anticonformiste. Eduard Zelenine est né à Novokouznetsk.

Il étudie à l'École des Beaux-Arts de Sverdlovsk (1954 - 1957), puis à l'École des Beaux-Arts de Leningrad (1957 -1958).

Il a participé à d'importantes actions dissidentes, la célèbre «Exposition Bulldozer», une exposition à Izmailovo et d'autres, car il partageait les vues radicales des opposants à l'art officiel. Il vivait à Novokuznetsk, mais était proche des métros de Moscou et de Léningrad.

Dans les années 60 et 70, son travail n’était pas reconnu en Union soviétique. Il a émigré en 1975 et vit et travaille depuis à Paris.

Ses œuvres n'ont commencé à revenir dans leur pays qu'avec l'avènement de la perestroïka de Gorbatchev.

Ayant quitté l'URSS dans les années 70, Eduard Zelenin a vécu en France jusqu'à la fin de ses jours, mais n'a pas accepté la nationalité française. Il aspirait énormément à la Russie, à la Sibérie, à Novokouznetsk, à la taïga. Jusqu’au bout, il n’a jamais abandonné l’espoir d’être compris dans son pays natal. Il rêvait de grandes expositions à Moscou, Leningrad, Vladimir, Sverdlovsk et Novokuznetsk, chères à son cœur. Et il semblerait que sa petite exposition, organisée par la Fondation culturelle russe, serait la première d'une série de projets à grande échelle, mais elle restait la seule exposition de toute une vie de l'artiste dans son pays natal. 

Edouard Zelenine est né « au plus profond des minerais sibériens », notamment à Novokouznetsk. Il y a grandi et a fréquenté une école soviétique ordinaire. Maman, qui élevait seule Edik, travaillait à l'usine métallurgique de Novokuznetsk, conduisant une locomotive à vapeur chargée de métal. Ils vivaient rue Bardina-6, et plus tard rue Kirova-33. Edik a commencé à dessiner à l'âge de 12 ans, étudiant dans l'atelier d'art du Palais des Pionniers. Il a été admis à l'école secondaire d'art de l'Académie des Arts de Leningrad sans examen. Les camarades de classe de Zelenin étaient Oleg Grigoriev et Mikhail Shemyakin, plus tard artistes célèbres. Zelenin n'a étudié à l'Académie que pendant une courte période. Un an plus tard, tous trois ont été expulsés pour « pensées libérales, intérêt non dissimulé pour les valeurs religieuses et liberté de pinceau ». 

Le 15 septembre 1974, Zelenin a participé à la célèbre « exposition de bulldozers » à Izmailovo, où il a présenté le tableau « Machaon ».En Occident, l'artiste plonge dans une atmosphère de liberté et commence à beaucoup écrire. Les quarante tableaux que Zelenin a pris à l'Union ont été vendus avec beaucoup de succès. Cela a permis à l'artiste de vivre confortablement au début. 

Les peintures d'Eduard Zelenin ont commencé à être exposées. Plus de 40 expositions personnelles et collectives avec sa participation ont eu lieu en France, en Allemagne, en Suède, en Italie, aux États-Unis, au Japon et dans d'autres pays. Zelenin considérait la Biennale 77 de Venise, ainsi que l'exposition à l'Academy of Modern Art de Londres (la même année), comme particulièrement importantes pour lui, sur la couverture du catalogue dont les organisateurs ont placé son autoportrait. 

Eduard Zelenin était ami avec presque tous les artistes qui ont participé à « l'exposition au bulldozer » et sont devenus célèbres dans le monde entier. Il a communiqué avec Mstislav Rastropovich et Galina Vishnevskaya, qui ont acquis le tableau de l'artiste «Madonna», l'œuvre centrale de l'époque, pour leur collection privée. Parmi les personnes qui ont personnellement connu Zelenin se trouve Vladimir Vysotsky, qui, avec Marina Vladi, a rendu visite à Zelenin à Paris. L'artiste était également ami avec le réalisateur Eldar Aleksandrovich Ryazanov, qui appréciait grandement le travail du maître  

Après ces événements, il fut contraint d'émigrer de Russie. Zelenin est parti rapidement. Il n'était autorisé à emporter avec lui qu'une quarantaine de tableaux. En mars 1976, il arrive à Paris, où l'attend déjà son ami proche Mikhaïl Shemyakin. 

Il est mort à Paris  en 2002. Les amis se souviennent d'Eduard Zelenine comme d'un artiste talentueux qui, en même temps, n'a pas reçu une large reconnaissance. 

Moscou Fondation culturelle soviétique Collection Lily Bronstein 

Dame au chapeau 

Jusqu'en 1988, à l'invitation de l'académicien Dmitri Sergueïevitch Likhachev, qui présidait la Fondation culturelle soviétique, Eduard Zelenin se rendit à Moscou, Leningrad et dans sa patrie - Novokuznetsk - pour organiser une exposition express.  L'exposition a connu un grand succès. L'Artiste du peuple de l'URSS, le compositeur Nikita Vladimirovitch Bogoslovsky a écrit à ce sujet dans sa lettre adressée à la Fondation : « Je voudrais souligner que l'exposition a été un triomphe, qui a été souligné par la presse locale, la radio et la télévision de la région. De nombreuses rencontres ont eu lieu avec le public et les collègues. Zelenin était ravi. Parmi les œuvres apportées, Zelenin en a laissé onze en Russie - il a fait don de six tableaux au musée d'art de Novokuznetsk et l'auteur a donné cinq œuvres à la collection de la Fondation culturelle russe, où elles sont conservées à ce jour. " ... C'est-à-dire que j'arrive à la conclusion que les meilleurs tableaux que je parviens à conserver, malgré la nécessaire vente à des collections privées, doivent être laissés en héritage aux gens... Sinon, à quoi sert une vie voué à servir l'art s'il ne reste pas la propriété des gens... » (E L. Zelenin) . L'année suivante, après l'exposition de l'une des œuvres offertes par l'artiste, la lithographie «La Dame au chapeau», le ministère des Communications de l'URSS a émis un timbre-poste. Un bloc de ces timbres a été envoyé à Eduard Leonidovich à Paris.

Vitaly Grigorievich Lukyanets

Artiste réaliste russe, graphiste, né dans la région de Tchernigov. Son père est militaire et sa mère est femme au foyer.

À l'Institut polygraphique de Moscou de l'Entreprise unitaire d'État de Moscou, il étudie l'art graphique (1903-1979). Diplômé en 1965, le premier lieu de travail de l'illustrateur fut le journal Pravda. Outre les gravures sur bois et sur lino, il commença ensuite à peindre à l'huile et créa également une série d'aquarelles glorifiant la nature russe et ukrainienne, pour lesquelles il fut surnommé le « chanteur du silence ».

La passion pour le thème de l'espace a conduit à l'apparition de toiles représentant l'Univers. En 1991, le Fonds soviétique pour l'enfance porte son nom. V.I. Lénine a émis deux timbres : « Mirozdanie » et « Une autre planète ».

Le 25 juillet 1994, il s'est rendu à Serebryany Bor pour bronzer et n'est pas revenu. Décédé dans des circonstances mystérieuses.

Collection privée de la Veuve de l'Artiste

Univers

"Dans le monde fantastique de l'espace, dans les centres étincelants de l'ébullition atomique de la matière, dans les étoiles qui vivent et naissent, dans les luminaires géants et nains, dans le monde des comètes enchanteresses, des lunes pensives, des planètes fleuries et glacées, une femme du La Terre s'enfonce dans l'espace sans fond, conduisant son bébé par la main - le véritable maître de tout l'univers vaste et invitant !" 

Une autre planète 

Une autre époque, un autre monde : une femme terrestre et un enfant sur une planète lointaine. 

Andrev Alekseevich Yakovlev

Andrev Yakovlev est un célèbre artiste de Saint-Pétersbourg, C'est un artiste du peuple de Russie (2006), lauréat du Prix d'État de la RSFSR. Répina, auteur de séries pittoresques sur la vie du Nord russe et de l'Arctique, créées dans les années 1960-80 : « Spitzberg », « Tchoukotka », « Taimyr », diplômé de l'Institut d'Art de Moscou. Surikov (1953-1956) et de l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Léningrad (1956-1960).

Depuis 1963, il a beaucoup voyagé dans le nord de la Russie et dans l'Arctique (péninsule de Kola, Tchoukotka, Taimyr).

En 1964 et 1968, ses livres « Sept centimètres du pôle » et « Kakomey » sont publiés.

Provenance indéterminée ...

Être dans les villes de la Taïga 

Être dans les villes de la taïga, oeuvre créée en 1985 a ensuite été exposé à la VIIe exposition d'art républicain « Russie soviétique » à Moscou en  septembre 1986. 

Vladimir Vyacheslavovich Shcherbakov

Vladimir Shcherbakov est un artiste du peuple de Russie, membre correspondant de l'Académie russe des arts.

En 1961, il est diplômé de l'Université d'État de Moscou. artiste Institut nommé d'après DANS ET. Sourikov.

Il a travaillé dans les genres du portrait, du paysage et de la peinture de genre

Provenance indéterminée ...

Mère

Mère est un tableau créé entre 1983 et 1985. Il fut ensuite à la VIIe exposition d'art républicain "Russie soviétique" à Moscou en septembre 1986. 

Ivan Petrovitch Krivshinko

Krivshinko I.P. est né à Tomsk en 1979. En 1996, il entre à l'école d'art de Penza. K. A. Savitsky au département de peinture et pédagogique. L’œuvre de diplôme de l’artiste « Décembristes. Et en Sibérie il y a du soleil » a reçu le Grand Prix du concours annuel des écoles d'art de la ville d'Orel en 2001. Depuis 2007, il travaille au Studio des Artistes Militaires du nom. M.B. Grekova. Actuellement, l'artiste peint non seulement des tableaux, mais travaille également activement à la peinture des temples et à la restauration des mosaïques du temple de Sébastopol. 

Moscou Studio Grekov d'art militaire

Printemps à Kolomenskoïe

Vasily Ivanovich Erofeev

Vasily Ivanovich Erofeev est un artiste du peuple de Russie (1986), originaire du village de Pokrovskoye, région de Koursk.

Diplômé de l'École d'art de Koursk (1956) et de l'Institut d'art de Kharkov (1963), depuis 1964 il est professeur à la faculté d'art et de graphisme de l'Institut pédagogique d'État de Koursk, doyen de la faculté, professeur. En 1984, c'est la première exposition d'art personnelle à Koursk et en 1986, la première exposition d'art personnelle à Moscou. 

Magnitogorsk Galerie d'art 

Retour d'Ivan 

En 1983, l'oeuvre "Retour d'Ivan" a été réalisée puis c'est à la VIIe exposition d'art républicain « Russie soviétique » à Moscou qu'en septembre 1986 elle a été exposée. C'est ensuite à Moscou, au Musée du ministère de la Culture de l'URSS qu'il a été exposé. Depuis 1988 on peut l'admirer à  Magnitogorsk à la Galerie d'art. 

Sergey Nikolaevich Prisekin

Sergey Prisekin, ce nom est devenu une découverte dans la peinture russe des années 1980. Avec son premier tableau monumental, il fait parler de lui. Ses toiles décorent le palais du Kremlin et la cathédrale du Christ-Sauveur. 

Né dans une famille d'artistes, Sergey Prisekin est un artiste du peuple de Russie, académicien de l'Académie des arts de Russie, professeur, chef de l'atelier du nom. M.B. Grekova et maître de la peinture de bataille.

En 1983, il est diplômé de l'Institut d'État des arts de Moscou, du nom de V.I. Sourikov.

Moscou Musée central des forces armées

Maréchal Joukov 

Les maréchaux de l'Union soviétique G.K. Joukov et K.K. Rokossovsky sur la Place Rouge le 24 juin 1945.

Moscou. Musée central des forces armées. Bonne victoire ! 1980. Moscou. Studio nommé d'après. Grekova. Celui qui vient à nous avec une épée mourra par l'épée ! 1983. Moscou, Grand Palais du Kremlin. Et ils ont tenu le serment d'allégeance... Smolensk 1812, 1991. Smolensk.Société philharmonique d'État de Smolensk. 

Moscou Studio Grekova  

Bonne victoire ! 

Moscou Grand Palais du Kremlin 

Quiconque vient à nous avec une épée mourra par l'épée !  

Smolensk Société philharmonique d'État 

Et ils ont tenu le serment d'allégeance Smolensk 1812 

Alexey Adamov

Alexey Vladimirovich Adamov (1971) est un peintre de marine et paysagiste né à Taganrog. En 1992, il est diplômé du Collège d'art de Rostov-sur-le-Don. M.B. Grekova. Participant à des expositions depuis 1996. Membre de l'Union créative des artistes de Russie depuis 2004, du Fonds international d'art, de l'Association des artistes de Moscou depuis 2005. Membre correspondant de l'Académie internationale de la culture et des arts depuis 2007.

Alexey Adamov, dont toute l'œuvre est consacrée au paysage, sait voir la beauté partout, dans les motifs les plus apparemment familiers et sans prétention, qu'il s'agisse d'une cour de village ou un chemin dans la forêt. La nature lyrique de son talent se caractérise par un tremblement et une tendresse particuliers dans la représentation de la nature.

Dans le contexte de diverses tendances de la peinture moderne, souvent porteuses de chaos et de destruction, l'apparition d'un artiste qui suit fermement la tradition réaliste russe est en elle-même gratifiante et significative, surtout si son œuvre est marquée par le cachet du talent, touche sincèrement les cordes les plus profondes de l'âme humaine.

Alexeï Adamov peut à juste titre être appelé le chanteur de la mer d'Azov. Contrairement à la Mer Noire, la mer d'Azov n'est pas d'un bleu ni d'une luminosité aussi éblouissante, elle est moins profonde, les tons doux et ocre nacré y prédominent. La nature elle-même s'avère plus proche du monde intérieur d'une personne, incite à la contemplation et à la réflexion, et puis les peintures se transforment en de merveilleuses nouvelles poétiques sur la mer et l'homme. Alexey Adamov est vraiment un travailleur acharné dans le domaine de l'art. Il a peint des centaines d'œuvres, sa biographie comprend à elle seule plus d'une douzaine d'expositions personnelles, son travail est demandé et attire invariablement à la fois les fans et les acheteurs." 

Provenance indéterminée ...

Paysage marin

Nikolai Borovskoy

Nikolai Ivanovich Borovskoy (1946) est un célèbre peintre russe, maître reconnu du portrait et du paysage.

La biographie de Nikolai Borovsky regorge d'événements intéressants. Sa vie comprenait le service militaire, l'entraînement de boxe et l'éducation d'anciens enfants des rues. Il a également travaillé comme expert du ministère de la Culture de la Fédération de Russie lors de l'acquisition du fonds des musées du pays, au Studio des artistes du ministère de l'Intérieur de l'URSS, puis a dirigé le Studio du Service fédéral des frontières (anciennement le Studio nommé d'après P. P. Sokolov-Skal).

Aujourd'hui, Nikolai Borovskoy est un artiste du peuple russe, un artiste émérite, un membre correspondant de l'Académie russe des arts, lauréat de plusieurs prix et professeur à l'Institut d'art de Moscou. DANS ET. Sourikov. Depuis 1993, lors des congrès de l'Union des artistes de Russie, il a été élu secrétaire. Il est actuellement le premier secrétaire de cette plus grande organisation publique.

Collection privée de K. Moskalenko 

Vue du monastère de Borisoglebsky

La peinture représente le monastère Saint-Boris et Gleb de Rostov (fondé en 1363), situé entre Rostov et Ouglitch , dans la localité urbaine Borisoglebsky , oblast de Iaroslavl. Nikolaï Ivanovitch Borovskoï (né en 1946) est un peintre soviétique et russe, professeur d'art, artiste du peuple de la Fédération de Russie et membre à part entière de l'Académie des arts de Russie . 

Le monastère des-Saints-Boris-et-Gleb (en russe : Борисоглебский монастырь) est un monastère orthodoxe russe situé à Torjok, au bord de la rivière Tvertsa, dans l'oblast de Tver en Russie. 

Le monastère fut fondé en 1038 par le boyard Éphrem, ancien chevalier du prince Vladimir Ier Soleil Clair. Il voulait ainsi réparer le crime de Sviatopolk Ier le Maudit qui fit assassiner Boris et Gleb et se retirer du monde. Ce monastère est considéré comme étant le troisième monastère fondé en Russie.

On construisit une église en pierre en l'honneur des saints Boris et Gleb. Au temps d'Ivan le Terrible on y ajouta des chapelles absidiales pour les cérémonies liturgiques mineures. Le monastère souffrit de l'invasion des Polonais en 1607. Ils brûlèrent des édifices en bois, aussi reconstruisit-on une autre église en pierre. En 1717, on construisit l'église de l'Entrée-du-Sauveur-à-Jérusalem, restaurée dans les années 1980. Néanmoins, le monastère subit un incendie ravageur en 1747.

À partir de la seconde moitié du xviiie siècle, le monastère connaît une seconde vie. Le prince Lvov reconstruit l'église des Saints-Boris-et-Gleb, en 1785-1796 dans un style néo-classique et en 1804 une autre église avec un campanile, avec la collaboration de l'architecte Yakov Aninine. Une charmante tour sur les remparts, à la forme inhabituelle, a été restaurée dans les années 1970-1980.

Les moines furent expulsés à la révolution et le monastère fut transformé en prison en 1925 jusqu'en 1975, puis en centre de désintoxication des alcooliques.

Depuis la liste du 30 août 1960, le monument est classé comme objet patrimonial culturel d'importance fédérale.

En 1993, une partie du monastère fut rendue à l'Église orthodoxe de Russie avec l'arrivée de nouveaux moines, tandis que l'autre était transformée en musée.

Vladimir Yakovlevich Yukin

Provenance indéterminée ...

Le village d'Akinshino 

Les œuvres des fondateurs de l'école, les artistes Kim Britov, Vladimir Yukin, Valery Kokurin, Nikolai Mokrov, qui se sont inspirés de beautés naturelles Région de Vladimir, la sonorité de la miniature en laque de Mstera, fantaisiste broderie folklorique, jouet Gorokhovets, verre artistique de Gus-Khrustalny (à l'exposition d'ouverture de l'œuvre art décoratif« encadrera » des tableaux), sont souvent comparés aux œuvres des fauvistes, membres du groupe Nabis, et d'Igor Grabar. Les jeunes peintres de Vladimir ont commencé leur recherche artistique, sentant le vent frais du changement avant même le dégel. " Il était dans l'air, se manifestait non seulement dans la peinture, mais dans la littérature et la musique. L'ancien style est en train de mourir couleur sobre, vernissage de la réalité. Vladimir Yukin a dit au revoir à la bureaucratie stalinienne. La guerre est finie, les gens ont goûté à une nouvelle vie. Il était impossible de répéter le chemin parcouru». 

Andrei  Konstantinovich  Sokolov

Andrey Konstantinovich Sokolov (1931-2007) est un artiste de science-fiction soviétique et russe (peinture, graphisme, affiches sur des thèmes spatiaux). Il est artiste du peuple de la RSFSR.

Né à Léningrad, le père de l’artiste a été l’un des dirigeants de la construction du cosmodrome de Baïkonour, de la tour de télévision Ostankino et de l’usine automobile VAZ. Après avoir obtenu son diplôme de l'Institut d'architecture de Moscou en 1955, Andrei Sokolov a travaillé au sein de groupes d'architectes concevant des villes spéciales « fermées ». Depuis 1955, participant à des expositions d'art. Après le lancement du premier satellite artificiel de la Terre en 1957, toute l'œuvre de Sokolov était consacrée au thème de l'exploration spatiale. Il fut le premier artiste au monde à commencer à peindre l'espace sans quitter son atelier. Les dessins à la détrempe sur carton et les peintures à l'huile sur toile se distinguent par des descriptions détaillées des détails de conception des vaisseaux spatiaux, des paysages et des phénomènes cosmiques.

Depuis 1965, le cosmonaute Alexei Leonov est devenu le co-auteur d'Andrei Sokolov.

Andrei Sokolov a été le premier et le seul chroniqueur et promoteur des réalisations spatiales soviétiques et russes pendant plus de 40 ans. Presque tous les grands pas de l'URSS et de la Russie dans l'espace se reflètent dans ses toiles et ses peintures. A.K. Sokolov a peint son dernier tableau, « La mort du monde », dédié à la station orbitale soviétique, qui a trouvé sa fin dans l'océan Pacifique, en 2001. L'espace soviétique est devenu une histoire et la mort de Mir y a mis un terme. 

Blocs et timbres des créations de Sokolov

Provenance indéterminée ou Collections privées ...

Sergueï Alexandrovitch Gavrilyachenko

Sergueï Alexandrovitch Gavrilyachenko (1956) est un artiste du peuple de Russie. Professeur MGHI im. DANS ET. Sourikov. Secrétaire de l'Union des artistes de Russie. Le travail de l’artiste a reçu le prix Lénine Komsomol (1989), le prix de la ville de Moscou dans le domaine de la littérature et de l’art (2008), le prix M.A. Cholokhov (2009), Ordre de Saint-Serge de Radonezh, III degré de l'Église orthodoxe russe.

Né à Shakhty, région de Rostov. En 1984, il est diplômé de l’Institut national des arts de Moscou. DANS ET. Surikov, en 1986, un stage d'assistant à l'Institut d'État des arts de Moscou. DANS ET. Sourikov.

Ses œuvres sont conservées dans les musées d'art de Kirov, Rostov le Grand, Sergiev Posad, le musée du champ de Borodino, dans les collections du ministère de la Culture de la Fédération de Russie, de l'Union des artistes de Russie, de la galerie Art prima et des collections privées de Russie. et à l'étranger. 

Provenance indéterminée ...

Adieu cosaque

Georgy Alexandrovich Leman  

Georgy Alexandrovich Leman (1937) est un artiste et peintre russe né à Moscou et diplômé de MGAHI du nom. V. I. Surikova. Depuis 1982, participant à des expositions d'art de Moscou, panrusse et internationales, il est un artiste du peuple de Russie (2005), membre de l'Union des artistes de Moscou et de l'Union des artistes de Russie (1976). Il est secrétaire de l'Union des artistes de Russie depuis 1988.

Leman utilise une gamme spéciale de nuances douces. Aussi trivial que cela puisse paraître, l’œil se pose sur eux. Il n'y a pas de couleurs flashy, d'images aux couleurs vives, de détails nets. Il y a la beauté russe modeste et discrète et le charme unique du paysage russe.

Provenance indéterminée ...

Journée chaude