E - Baroque espagnol

Le Baroque espagnol

L'époque baroque représente en Espagne l'apogée aussi bien de l'activité picturale que dans tous les arts : on la connaît ainsi sous l'appellation de siècle d'or espagnol. La peinture baroque en Espagne se caractérise par les natures mortes et les portraits, et par le grand nombre d'artistes actifs et d'intérêt. Le plus grand représentant de ce mouvement est Diego Vélasquez, génie de la lumière et de l'obscurité et principal portraitiste de l'époque ; il est considéré comme l'un des tout meilleurs peintres, aussi bien de son époque que de tous les temps — on le définit parfois comme le « peintre des peintres. »

D'autres peintres de cette époque sont remarquables, tels que Bartolomé Esteban Murillo, spécialisé dans la représentation de ses sujets contemporains avec un grand réalisme.

Les principaux représentants de la peinture religieuse sont Francisco de Zurbarán et José de Ribera, auteurs d'un grand ténébrisme, typique de l'époque.

Parmi les portraitistes, outre Vélasquez, les plus importants sont : Juan Carreño de Miranda, deuxième meilleur portraitiste de l'époque, Claudio Coello, peintre de cour et dernier grand peintre du baroque ; Alonso Cano, peintre de cour de Gaspar de Guzmán, comte d'Olivares et ami de Vélasquez.

Francisco Herrera el Viejo et Francisco Herrera el Mozo sont des peintres renommés au style propre. Le premier est le père du second et maître d'Alonso Cano et Diego Velázquez. Il est l'un des peintres qui ont fait la transition entre le maniérisme et le baroque, mouvement qu'il a contribué à impulser. Le second est parti étudier très tôt en Italie, mais à son retour il est surtout devenu le coprésident de l'Académie de Séville, présidée par Murillo.

Autres peintres à considérer :Francisco Rizi, Juan de Valdés Leal, Juan van der Hamen, Mateo Cerezo

Diego Velázquez

De son vivant comme après sa mort Vélasquez a toujours bénéficié d’un immense prestige. C’est au 19^e siècle que l’on comprendra qu’il est un des précurseurs de l’art moderne. Les grandes œuvres de la fin de sa vie, Les Ménines (1656) et Les Fileuses (1657) dépassent le baroque et témoignent de sa parfaite maîtrise des techniques picturales les plus complexes. Le courant réaliste au 19^e siècle renouera parfois avec cette capacité de jouer avec le réalisme et l’allégorie dans une composition complexe : c’est le cas de Courbet avec L’Atelier du peintre (1854-55). Quant à l’impressionnisme, il trouvera en Vélasquez un lointain précurseur avec ses deux tableaux des jardins de la Villa Médicis. Les débuts de Vélasquez sont marqués par le ténébrisme, qui dominait alors l’art espagnol. Les sujets peuvent être empruntés à la vie courante ou évoquer des épisodes bibliques. Les exemples suivants montrent bien le génie d’un artiste qui a alors une vingtaine d’années et qui parvient cependant à saisir la dignité humaine dans la quotidienneté.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, dit Diego Velázquez, ou Diego Vélasquez en français, né puis baptisé à Séville le 6 juin 1599 et mort à Madrid le 6 août 1660, est un peintre baroque espagnol.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (en français Vélasquez) est né en 1599 à Séville (Andalousie) dans une famille de la petite noblesse. Séville était à cette époque la ville la plus riche d’Espagne car elle bénéficiait du monopole du commerce avec les Amériques. Par suite, l’art s’y développa et de nombreuses écoles y étaient implantées. Vélasquez montra dès l’enfance un don pour la peinture et il fut placé en apprentissage dans l’atelier de Francisco Herrera Le Vieux (1576-1654) puis dans celui de Francisco Pacheco (1564-1644). Il resta très brièvement chez le premier mais demeura six ans chez Pacheco (de 1610 à 1616). Ce peintre, auteur d’un traité intitulé L’Art de la peinture, est considéré comme le maître de Vélasquez.

En 1617, il devient membre de la corporation des peintres de Séville et en 1618 il épouse la fille de Francisco Pacheco prénommée Juana. Deux filles naquirent de cette union, Francisca en 1619 et Ignacia en 1621. Les premières toiles de Vélasquez sont des natures mortes et des scènes de genre dans lesquelles il utilise le clair-obscur sans probablement avoir vu les œuvres de Caravage, l’initiateur de cette technique. Par contre, il n’est pas impossible qu’il ait admiré les œuvres du Gréco (1541-1614) qui utilise souvent le contraste noir-blanc. Vélasquez s’orientera rapidement vers les sujets religieux car les commanditaires sévillans sont principalement des ecclésiastiques.

En 1622, Vélasquez se rend pour la première fois à Madrid où son beau-père dispose de certains appuis. Il peut ainsi visiter les collections de peintures royales (Titien, Tintoret, Véronèse). En 1623, Gaspar de Guzmán, Comte-Duc d’Olivares (1587-1645), Premier ministre du jeune roi Philippe IV (1605-1665), lui demande de peindre le roi. Le portrait, terminé en 1623, suscite l’admiration générale. Vélasquez devient peintre du roi et doit s’installer à Madrid. Outre la rémunération de ses tableaux, il reçoit vingt ducats par mois et se trouve bientôt doté d’un bénéfice ecclésiastique aux Canaries d’une valeur de 300 ducats par an. En 1628, il devient, après la mort du titulaire, peintre chambre, charge la plus élevée pour un peintre de la cour. Cette charge lui impose de réaliser des portraits de la famille royale et des cadres décoratifs pour le palais royal. Mais il conserve la liberté de travailler pour des particuliers. Cette même année, il rencontre Pierre Paul Rubens (1577-1640), qui séjourne à Madrid, et se lie d’amitié avec lui. Rubens réalisera également des portraits de Philippe IV.

C’est sans doute sous l’influence de Rubens que Vélasquez sollicite en 1629 l’autorisation de voyager en Italie pour parfaire ses connaissances. Le roi lui offre un voyage de deux ans et 480 ducats. Ce voyage lui permettra d’admirer et de copier Le Tintoret(1518-1594), Giorgione (1477-1510), Le Guerchin (1591-1666), Michel-Ange (1475-1564), Raphaël (1483-1520). Il visite également la Villa Médicis, dont il peindra les jardins de façon quasi-impressionniste. Sur le chemin du retour, il rencontre à Naples le peintre espagnol José de Ribera (1591-1652) avec lequel il se lie d’amitié.

Son voyage en Italie a doté Vélasquez d’une vaste culture picturale. Cette culture et son exceptionnel talent lui vaudront une aura artistique rare et une ascension à la cour. Après avoir reçu plusieurs titres honorifiques, il est nommé en 1644 surintendant des travaux royaux. Il peint de très nombreux portraits de la famille royale et des tableaux historiques ou mythologiques destinés à la décoration du palais royal : le plus célèbre est, en 1634-35, la Reddition de Breda (ou Les Lances). A partir de 1640, la production de Vélasquez diminue nettement. Les obligations du peintre sont lourdes : il doit diriger les travaux et la décoration des palais royaux et veiller à la conservation des collections. Il doit également accompagner le roi dans ses nombreux déplacements.

De 1649 à 1651, Vélasquez fait un second séjour en Italie. Il a pour mission d’acquérir des tableaux et des statues destinées à enrichir les collections royales. Il acquiert principalement des œuvres de Tintoret, Titien et Véronèse et engage Angelo Michele Colonna (1604-1687) et Agostino Mitelli (1609-1660) pour réaliser les fresques de l’Alcazar. Pendant son séjour à Rome, il peint le célèbre tableau du pape Innocent X.

A son retour d’Italie, où il a été accueilli comme une personnalité de premier plan, le roi Philippe IV nomme Vélasquez aposentador de palacio, maréchal de cour. Cette nouvelle responsabilité est absorbante, mais le grand peintre parvient à réaliser à cette époque Les Ménines (1656-57) et Les Fileuses (1657-58). En 1659, il est anobli par Philippe IV qui lui accorde le titre d’hidalgo (gentilhomme). En 1660 a lieu le mariage de l’infante Marie-Thérèse avec le roi de France Louis XIV. Vélasquez, en tant qu’aposentador, doit participer à l’organisation de la rencontre en préparant la décoration du pavillon où elle doit avoir lieu, près de la frontière française. Ce voyage l’épuise. Il tombe malade et meurt le 6 août 1660.

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Alonso Cano

Alonso ou Alonzo Cano est l’un des grands Sculpteurs baroquesd’Espagne – dont la diversité de talents, en tant que sculpteur, peintre et architecte, lui a valu le surnom de "Michelangelo espagnol". Homme au tempérament explosif, il a été actif successivement à Séville, à Madrid, puis à Grenade. Une figure majeure de Art baroque espagnol , son œuvre la plus célèbre de sculpture est L’Immaculée Conception (1655, Cathédrale de Grenade), tandis que ses peintures les plus connues sont Descente dans les limbes (1640, Musée d’art du comté de Los Angeles, Los Angeles) et Le miracle du puits (1646-1648, Museo del Prado, Madrid). Sa décoration de la façade ouest de la cathédrale de Grenade est également très appréciée. En plus de ses Sculptures baroques , Cano était aussi l’un des plus célèbres architectes baroques en Espagne.

Alonso Cano de Almansa a appris les bases de l'architecture dès son plus jeune âge par son père, Miguel Cano, architecte. À l’âge de 13 ans, Alonzo déménage à Séville pour étudier la peinture et la sculpture. Il a étudié La peinture sous Francisco Pacheco (1564-1644), surtout connu pour sa biographie des artistes espagnols Arte de la Pintura (1649) et pour le fait qu’il a également enseigné le plus célèbre peintre d’Espagne Diego Velazquez . Cano étudia également la sculpture sous la direction de Juan Martinez Montanes (1568-1649), également connu sous le pseudonyme «le dios de la madera» (le dieu du bois), pour ses sculptures en bois peintes, polychromées et dorées.

Aucune sculpture de la période de Séville de Cano ne survit. Cependant, l’une de ses premières peintures de cette période estLa vision de Jérusalem de Saint Jean l’évangéliste (1636-1637), qui fait maintenant partie de la Wallace Collection, à Londres. Ce tableau a été exécuté à l’origine pour l’église du couvent Santa Paula à Séville. Il montre déjà la maîtrise de Cano en matière de technique de peinture, de dessin anatomique, de raccourcissement et d’utilisation de délicates couleurs translucides. Le style sophistiqué suggère que Cano aurait passé un certain temps en Italie, bien que rien n’indique qu’il ait quitté Séville avant 1638. Deux autres peintures importantes de la collection du musée du Louvre datant de cette période (également créées pour le couvent) incluent: Saint Jean l’évangéliste (1636) et St Jacques le Majeur (c.1635).

Connu pour son tempérament explosif, Cano fut contraint de fuir Séville pour Madrid après un duel avec le peintre Sebastian de Llanos Valdes (1605-77). On pensait que Cano avait déjà risqué sa vie en écrasant une statue de saint, lorsque l’acheteur a mis en doute son prix – cela aurait pu être perçu comme un acte d’hérésie punissable par la peine de mort.

À Madrid, le roi Philippe IV nomma Cano architecte royal et peintre du roi. Il a été chargé de restaurer des images dans leCollection d’art royal britannique , et donc entré en contact avec des maîtres du 16ème siècle Renaissance à Venise . Cette influence est visible dans les peintures suivantes de Cano, plus douces que ses images précédentes et fortement éclairées par une source de lumière, à la manière des Zurbaran . Un des tableaux les plus importants de Cano de cette période comprendLe miracle au puits (1646-1648, Musée du Prado , Madrid), qui avait été salué par ses contemporains comme un chef-d’œuvre, mais était resté endommagé et oublié jusqu’à sa soumission au Prado en 1941. À partir de 1640, le style de Cano devint plus pictural, presque baroque. Ceci peut être mieux vu avec Descente dans les limbes (1640, Musée d’art du comté de Los Angeles , Los Angeles) qui est très illustrative, le spectateur se trouve au milieu d’une histoire. Marie (1646-1650, Musée des Beaux-Arts, Budapest); Noli me Tangere (c.1640, Musée des Beaux-Arts, Budapest); et St John the Evangelist sur Pathmos (1646-1650, Musée des Beaux-Arts, Budapest).

Bartolomé Esteban Murillo

Bartolomé Esteban Murillo né à Séville probablement le 31 décembre 1617 et mort dans la même ville le 3 avril 1682 est un peintre baroque espagnol. ... Contrairement à ses prédécesseurs et contemporains andalous, il n'a jamais quitté Séville et n'a reçu aucune commande de la Cour d'Espagne.

Bartolomé Estéban Murillo est né en 1617 à Séville (Andalousie) où son père exerçait la profession de chirurgien-barbier (médecin actuel). Dès l’âge de 10 ans, il devient orphelin de père et mère et il est accueilli chez son beau-frère. En 1633, il entre en apprentissage dans l’atelier de Juan del Castillo (1590-1657) peintre baroque sévillan. Il quitte cet atelier en 1639 pour s’installer à Cadix où il trouve un public local en peignant des tableaux peu coûteux.

Vers 1640, il rencontre Pedro de Moya (1610-1660), peintre baroque qui a été l’élève d’Antoine Van Dyck (1599-1641), le grand peintre flamand. Il découvre alors la peinture flamande. De retour à Séville, les franciscains de la ville lui commandent onze tableaux pour le cloître de leur couvent (dont La Cuisine des Anges, 1646). Il peint également de nombreuses scènes de genre dans lesquelles il excelle (Garçon avec un chien, 1650). En 1645, il se marie avec Beatriz Barera qui lui donnera plusieurs enfants. Sa renommée locale se consolide et il dirige bientôt un atelier employant de nombreux aides et recevant des apprentis.

En 1660, il fonde l’Académie des Beaux-arts de Séville et la préside. Il devient alors le chef de file de l’école de Séville qui rivalise avec celle de Madrid. Il continuera à peindre à Séville des tableaux religieux, des scènes de genre, des portraits et même des paysages. Sa mort survient en 1682 à la suite d’une chute d’un échafaudage alors qu’il peignait un retable au couvent des capucins de Cadix.

Murillo a connu une renommée internationale du début du 18^e siècle au milieu du 20^e siècle et il été quelque peu oublié par la suite. L’artiste fut apprécié de l’élite européenne et particulièrement de l’aristocratie anglaise. S’il reste encore influencé par le ténébrisme à ses débuts, Murillo quitte rapidement la rudesse du début du 17^e siècle espagnol. Ses tableaux, même les scènes de genre, idéalisent le réel et comportent une note intimiste, élément de transition vers le rococo du 18^e siècle. Cette caractéristique est présente dans les scènes bibliques (La Sainte Famille à l’oisillon, 1645-50), dans les portraits de la Vierge (Vierge à l’enfant, 1650) et dans les scènes de genre (Femmes au balcon, 1670).

Francisco de Zurbarán

Zurbarán est, avec Velásquez et Murillo, le peintre espagnol le plus connu du 17^e siècle. Si son œuvre est parfois marqué par le ténébrisme, ce courant n’en est qu’un aspect secondaire. On a qualifié de ténébrisme une variante du baroque proche de Caravage (clair-obscur), mais accentuant les ombres et donnant ainsi un aspect très ténébreux au tableau.

Francisco de Zurbarán (1598–1664) est un peintre du Siècle d'or espagnol. Contemporain et ami de Diego Vélasquez, Zurbarán se distingue dans les peintures religieuses où son art révèle une grande force visuelle et un profond mysticisme et il devient un artiste emblématique de la Contre-Réforme.

Francisco de Zurbarán naît à Fuente de Cantos dans la province de Badajoz en 1598. Il est le fils d’un commerçant modeste. A l’âge de quatorze ans, il entre en apprentissage chez un peintre de Séville, Pedro Diaz de Villanueva. Il se marie en 1617 avec Maria Páez et s’installe à Llerena en Estrémadure. Trois enfants naîtront de cette union. Dès le début des années 1620, il commence à être connu et reçoit des commandes des églises locales. Après le décès de sa femme, il se remarie en 1625 avec Beatriz de Morales.

La suite de la vie artistique de Zurbarán est liée à des contrats conclus avec des ordres religieux pour la décoration de leurs édifices. Ainsi, en 1626, il s’engage à exécuter vingt-et-un tableaux pour la communauté des Frères prêcheurs de l’ordre dominicain de Séville. Son Christ en Croix (1627) est tellement admiré que les édiles municipaux sévillans lui proposent de venir s’installer dans cette ville en 1629. D’autres contrats suivront avec d’autres communautés religieuses.

En 1634, Zurbarán séjourne à Madrid. Il y retrouve le peintre sévillan Diego Vélasquez avec lequel il s’était déjà lié d’amitié. La découverte des peintres italiens travaillant pour la cour d’Espagne, par exemple Angelo Nardi (1584-1664) ou Guido Reni (1575-1642), l’amènera à s’éloigner du ténébrisme de ses débuts. Le titre de Peintre du Roi lui est accordé. Les commandes vont alors affluer, y compris depuis l’Amérique du Sud.

Beatriz de Morales, sa seconde femme, meurt en 1639. Il se remarie en 1641 avec Mariana de Quadros. Mais celle-ci décède peu après. En 1644, Francisco de Zurbarán se marie pour la quatrième fois : il épouse Leonor de Tordora qui a vingt-huit ans et lui donnera six enfants. Sur le plan artistique, il jouit d’une réputation internationale bien établie : ainsi en 1647 un couvent péruvien lui commande trente-huit tableaux.

Dans les années 50 et 60, le peintre se rendra à nouveau à Madrid à plusieurs reprises. C’est dans cette ville qu’il meurt en 1664.

José de Ribera

José de Ribera, né le 12 janvier 1591 à Xàtiva et mort le 2 septembre 1652 à Naples, dit lo Spagnoletto en raison de sa petite taille ou Jusepe Ribera en italien, est un peintre et graveur espagnol de l'ère baroque. Il est l'un des représentants du ténébrisme et de l'école napolitaine.

Représentant du ténébrisme et de l'école napolitaine. et comptant parmi les maîtres de la peinture baroque espagnole, José (Jusepe) de Ribera naît le 12 janvier 1591 à Játiva, dans la province de Valence. Ce protégé du duc d'Osuna, vice-roi espagnol, vient dès 1616 se former en Italie, à Naples. Ses débuts sont empreints du ténébrisme propre à Caravage dont il s'éloigne pourtant.

Chez lui, le clair-obscur sert à donner un certain mystère à l'oeuvre sans diminuer la sérénité et l'équilibre de la scène. Les grandes masses sombres et les couleurs fortes deviennent des caractéristiques de son oeuvre, appliquées à des thèmes souvent dramatiques (Apollon et Marsyas, 1637) ou ascétiques (Saint André, 1630-1632). Au fil des ans sa palette devient plus lumineuse, ses tonalités plus harmonieuses (La Sainte Famille, 1639). C'est l'époque de sa grande production, inspirée de l'école vénitienne. Puis il s'éloigne des compositions compliquées et donne à ses personnages une intensité émotive.

Ses dernières ouvres (Adoration des Bergers, Saint Jérôme Pénitent) mettent en évidence une grande richesse dans le domaine de la composition et de la couleur : Le Miracle de Saint Janvier (1646) est l'un de ses plus importants retables.

José de Ribera, dit lo Spagnoletto (l'Espagnolet) en raison de sa petite taille, décède à Naples en 1652.

Les autres oeuvres principales de Ribera sont : Saint Jérôme et l'Ange (1626), Le Rêve de Jacob (1639), Le martyre de saint Philippe (1639), Le Pied-bot (1642).

Francisco Herrera el Viejo

Francisco Herrera dit Herrera le Vieux ou l’Ancien exerce son art dans une période particulièrement faste en Espagne dans le domaine culturel, que l’on a qualifiée de " Siècle d’Or ". Toutefois cette période extraordinaire correspond aussi au lent déclin politique d’un pays qui, un siècle plus tôt, était parvenu au rang de puissance européenne grâce à l’afflux des richesses du Nouveau Monde.

Francisco de Herrera le Vieux (Séville, 1576 ou 1590 - Madrid, 1656) est un peintre et graveur espagnol. Il est appelé aussi Herrera l'Ancien.

Fils d’un miniaturiste qui le forma au métier de peintre, il fut également le père d’Herrera le Jeune (1627-1685) artiste renommé. Il vécut à Séville jusqu’en 1650 et fut fortement influencé par Juan de Roelas ; il aurait été l’élève de Francisco Pacheco (représenté au musée Goya par Le Christ servi par les anges et Le Jugement dernier) tout comme Diego Velázquez et Alonso Cano. Considéré comme une des plus fortes personnalités des peintres de cette génération, il ouvre à Séville l’ère du Baroque.

Francisco Rizi

Peintre et scénographe, son œuvre tardive marque la pleine entrée du baroque dans la peinture espagnole. Il est nommé peintre du roi en 1656, et obtient d'importantes commandes comme « le Calvaire » (1662), « l'Annonciation » (1663) ou « sainte Léocadie » (1670) pour la chapelle de l'hôtel de ville.

Francisco Ricci (aussi orthographié Rizi, né en 1608 à Madrid et mort en 1685) est un peintre espagnol du Siècle d'Or. Il est d'une famille de peintres, fils d'Antonio Ricci et frère de Juan Andres Ricci.

C'est un proche des peintres italiens Vincenzo Carducci et Federigo Zuccaro.

Francisco Rizi est sans aucun doute l'un des grands maîtres du baroque espagnol.

Fils d'Antonio, il vient à l'Escurial avec Federico Zúcaro et frère de Fray Juan Andrés Vicente Carducho instruit, qui est devenu l'un de ses disciples les plus remarquables.

Collaborant avec Cano Arias, Leonardo ou Polo, ses premières œuvres montrent la dette logique des modèles naturalistes de son professeur, pour aller lentement les éplucher et chercher leur propre langage, pleinement baroque, chargé d'un nouveau mouvement et d'une expression, suivant de près les exemples de Rubens et Tintoret. Sa dernière étape est marquée par sa collaboration fréquente avec Carreño de Miranda. Son « Autodafé sur la Plaza Mayor de Madrid » (1683) est un témoignage commandé par l’Inquisition. Il meurt à l’Escurial en 1685.

Madrid Musée du Prado

L'Annonciation

Il est nommé peintre du roi en 1656, et obtient d’importantes commandes comme « le Calvaire » (1662), « l’Annonciation » (1663) ou « sainte Léocadie » (1670) pour la chapelle de l’hôtel de ville.

Juan de Valdés Leal

Il est considéré comme l'un des grands peintres de l'école andalouse et il a laissé, notamment dans sa villenatale, de nombreuses œuvres, dont de célèbres Vanités.

Né d'un père portugais et d'une mère andalouse, Valdés Leal apprit son métier de peintre à Cordoue dans l'atelier d'Antonio del Castillo. Il travailla dans cette ville jusqu'en 1653. Entre 1653 et 1656, il raconte la vie de sainte Claire pour les clarisses de Carmona.

Juan de Valdés Leal, né Juan de Nisa le 4 mai 1622 à Séville et mort le 15 octobre 1690 dans la même ville, est un peintre baroque espagnol, qui fut aussi sculpteur, doreur, graveur et architecte.

Mateo Cerezo

Mateo Cerezo le jeune ou Cereso, né le 19 avril 1637 à Burgos et mort le 29 juin 1666 à Madrid, est un artiste peintre et dessinateur de sujets religieux espagnol.

Fils du peintre homonyme, il doit avoir fait ses premiers pas artistiques avec son père. Plus tard, il arrive très jeune à Madrid, où il intègre l'atelier de Carreño. C'était un artiste très recherché par une clientèle variée, notamment pour sa peinture religieuse, même s'il abordait également d'autres genres. En ce sens, l'écrivain et biographe Palomino a déclaré la beauté avec laquelle il a fait "la nature morte, avec une telle excellence supérieure, qu'aucune ne l'a surpassé", un jugement pleinement corroboré en contemplant les œuvres du Musée national de San Carlos de México, qui paraissent signés et datés. Sur la base d'eux, Pérez Sánchez a attribué la nature morte de la cuisine achetée par le musée du Prado en 1970, une œuvre d'influence flamenco évidente qui, à l'occasion, nous a fait penser à Pereda. Et c'est que les œuvres de cet artiste de Valladolid ont également été désignées comme ancêtres de Cerezo, notamment dans ses premières créations. On sait qu'en 1659 Cerezo travaillait à Valladolid, où il laissa des œuvres plus grossières que celles de la décennie suivante. Dans ses œuvres, il s'affirme comme un fidèle disciple de Carreño, avec qui il est devenu l'un de ses meilleurs collaborateurs. Le maître lui a montré le chemin qu'il a lui-même exploré plus tard, poursuivant le chemin de Van Dyck et du Titien. Ainsi, Cerezo développe des compositions qui s'ouvrent sur des scénographies larges et complexes, conçues avec un raffinement distingué, qui se manifeste à la fois dans l'ensemble de l'œuvre et dans les moindres détails. Comme le maître anversois, il dote ses personnages d'une riche magnificence dans leurs vêtements, appliquant un coup de pinceau fluide et léger, contrasté par de riches jeux de lumière. Un superbe exemple de tout cela est la toile Le Mariage mystique de sainte Catherine du Prado, signée et datée en 1660. La magnifique scénographie au caractère pleinement baroque, clôturée par un fond architectural majestueux et un paysage de nuages ​​et de ciel entièrement vénitiens, dénote l'élégance des œuvres de Van Dyck. L'influence de ce même artiste peut être attribuée aux vêtements opulents du saint, qui contrastent avec l'étude minutieuse de la réalité avec laquelle la corbeille de fruits représente, un exemple de la qualité de la nature morte du peintre de Burgos.

Juan Carreno de Miranda

Juan Carreño de Miranda est un peintre espagnol, de la cour de Philippe IV et surtout de Charles II dont il fut le plus célèbre portraitiste.

Né à Avilés dans les Asturies le 25 mars 1614, il est le fils d'un peintre du même nom, Juan Carreño de Miranda. Sa famille s'installe à Madrid en 1623, où il se forme à la fin des années 1620 comme apprenti de Pedro de Las Cuevas et Bartolomé Román. Il se fait connaitre de Velázquez pour son travail dans le cloître de Doña María de Aragón et dans l'église d'El Rosario. En 1658, Carreño est embauché comme adjoint d'une commission royale pour peindre des fresques dans l'Alcázar royal de Madrid, qui sera détruit dans un incendie en 1734.

En 1671, après la mort de Sébastien de Herrera, il est nommé peintre de la cour attitré à la reine (pintor de Cámara) et commence à peindre surtout des portraits. Il refuse d'être fait chevalier de l'ordre de Santiago, en disant que sa peinture n'a pas besoin d'honneurs, il peut les donner à tout le monde. Il est principalement resté célèbre comme portraitiste. Ses élèves ont été Mateo Cerezo, Cabezalero, Donoso et Sotomayor Ledesma. Il meurt à Madrid le 3 octobre 1685.

D’origine noble, cet artiste remarquable du plein-Baroque de cour s’est formé à Madrid avec Pedro de Cuevas et Bartolomé Romàn. Au milieu du XVIIème siècle, il entama sa carrière de peintre en traitant des thèmes religieux pour un grand nombre d’églises et de couvents madrilènes. Nombre de ses oeuvres religieuses soulignent sa condition de fresquiste, une spécialité qui n’était alors pas courante parmi les artistes espagnols et qui, dans le cas de Carreño ou de son compagnon Francisco Rizzi (1614-1685), s’explique par la rencontre, dans les deux cas, avec les Italiens Angelo Michele Colonna (1600-1687) et Agostino Mitelli (1609-1660).

En 1669, il fut nommé peintre du roi et exerça surtout son art en tant que portraitiste du roi Charles II et de la reine régente Marie-Anne d’Autriche. Au cours d’une carrière soutenue, qui fut à la fois admirable et originale, il perpétua le formules auliques du portrait de cour, en particulier les règles établies par Velasquez, mais en apportant de subtiles modifications, tant du point de vue iconographique que stylistique.

Concernant ce dernier aspect, Carreño fut un peintre très influencé par la technique vénitienne et les compositions flamandes. Il employait une palette chromatique riche en nuances et de qualité, appliquée avec grâce et légèreté. De plus, le raffinement et la distinction, qui caractérisent l’architecture de certains de ses portraits, établissent un lien certain avec l’oeuvre de Rubens et, surtout, avec celle de Van Dyck 1559-1641). L’exemple le plus notable de son art est le Portrait du duc de Pastrana (Prado, P-650).

Madrid Musée du Prado

Potemkine

Piotr Ivanovitch Potemkine (1617-1700) est arrivé à la cour d'Espagne en tant qu'ambassadeur du grand-duc de Moscou, Feodor II, en 1668 et est revenu en 1681-82. On pense que le portrait de Carreño date de la deuxième visite, compte tenu de sa relation stylistique avec la ressemblance d' Eugenia Martínez Vallejo ( P646 ). En tant que tel, il aurait été peint dans les dernières années de la vie de l'artiste, lorsque son style associait des compositions solides à des couleurs claires et brillantes.

C'est l'un des plus beaux portraits espagnols de son temps, et sa splendide palette révèle la connaissance de Carreño des œuvres de Titien dans les collections royales. Il combine un sens puissant et énergique du physique de Potemkine avec des vêtements somptueux qui transmettent parfaitement la réaction espagnole au Russe .la présence peu commune et éblouissante de la suite. Le peintre obtient les meilleurs résultats d'une formule traditionnelle du portrait espagnol exploitée avec succès par Velázquez : la présentation d'un personnage debout, légèrement tourné, devant un fond monochrome qui fait ressortir les volumes du modèle. Dans de telles œuvres, les personnages étaient généralement vêtus de vêtements sombres, avec un fond gris. Ici, cependant, le rouge intense de la tenue exubérante de l'ambassadeur se projette sur une surface sombre qui accentue sa présence. Dans une cour où les vêtements noirs étaient la norme, cette peinture, avec sa richesse et sa qualité vives, devait être vraiment frappante. Dans son Museo Pictórico y escala óptica (1724), Antonio Palomino fait allusion à l'habileté considérable de Carreño en tant que portraitiste, citant des exemples qui comprenaient l'un des ambassadeurs de Moscou qui était ici en 1682.

Les origines et les détails de cette commission sont inconnus mais ils étaient probablement liés à la fascination de la cour espagnole pour les envoyés de pays lointains et exotiques dont les vêtements, les suites et les manières étaient l'objet d'intérêt et d'admiration. Dans ses intentions testimoniales, ce portrait peut être mis en relation avec l'abondante littérature générée par la présence de ce genre d'entourages, dont ceux des ambassadeurs japonais qui visitèrent l'Espagne au début du XVIIe siècle.

Saint Sébastien

Aujourd'hui, Juan Carreño, nommé peintre de chambre du roi en 1671, est surtout connu pour ses portraits de la cour de Charles II, mais, en fait, la plupart de ses peintures sont de dévotion. De telles œuvres abondaient dans les églises, les couvents et les maisons privées de Madrid et de ses environs, et elles ont contribué à la renommée croissante de l'artiste. Le principal d'entre eux est le Saint Sébastien de l'artiste . Selon des sources contemporaines, le tableau ornait une chapelle du couvent des religieuses bernardines (connu sous le nom de Las Vallecas) à Madrid , y restant jusqu'au désamortissement ecclésiastique de 1835. Dans cette œuvre, Carreño représente Sébastien lié à un arbre dans un vaste paysage. La flèche dans sa cuisse droite indique que c'est le début du martyre de Sébastien, car il semble que ce soit sa seule blessure. Un casque, une cuirasse et d'autres vêtements militaires posés à ses pieds font allusion à sa profession. Il tord son corps et regarde vers le ciel, formule habituelle pour la représentation du martyre, car elle exprime l'acceptation volontaire du sacrifice. Le sujet de la peinture peut être directement lié au nom du propriétaire de la chapelle, Don Sebastián de Agramón, qui a commandé cette œuvre. L'angle aigu du bras droit du saint souligne sa posture tordue, distinguant cette composition des approches plus fréquentes de la représentation de Saint Sébastien dans la peinture espagnole du XVIIe siècle. En même temps, cela ressemble à une peinture sur le même sujet que Pedro de Orrente a réalisée pour la cathédrale de Valence en 1625, ce qui suggère que les deux artistes ont puisé à la même source. En effet, le traitement technique de la forme par Carreño reflète la forte influence de la peinture vénitienne du XVIe siècle à ce moment de sa carrière, en particulier les riches empâtements qui font de la couleur et de la texture des moyens d'expression importants. Le corps du saint est doucement modelé avec une combinaison de roses et d'ivoires qui sont efficacement projetés sur le ciel bleu et gris en arrière-plan. Pour renforcer le potentiel émotif de la scène, Carreño a exposé et tordu le corps, en mettant l'accent sur deux zones de grande valeur expressive : la main gauche au centre de la composition et le visage implorant du martyr, qui est rendu avec un soin et une précision descriptive extraordinaires. . Sébastien était un saint très populaire dans l'Espagne médiévale, car on pensait qu'il offrait une protection contre la peste. A ce titre, il était abondamment représenté tant dans les collections privées que dans les lieux de culte publics. La scène de son martyre, préférée des artistes comme des mécènes, appelle une représentation de sa nudité. En fait, avec les images de la Crucifixion , le martyre de Saint Sébastien est l'un des événements qui a offert aux peintres espagnols la plus grande occasion de montrer leur habileté à représenter des nus. Le nu a constitué la forme d'art par excellence dans l'Europe du XVe au XVIIe siècle. Avec le corps nu, un peintre pouvait manifester sa maîtrise de l'anatomie et des proportions, ainsi que la représentation des émotions. Comme indiqué ci-dessus, le présent travail était destiné à une exposition publique dans un couvent situé au centre de Madrid, et Carreño, qui avait un peu plus de quarante ans à l'époque, voulait montrer ses capacités artistiques. La peinture devait démontrer qu'il n'était pas seulement un coloriste délicat qui avait appris des œuvres vénitiennes et flamandes à Madrid , mais aussi un dessinateur prolifique et confiant. Pour ce faire, il a choisi une composition qui exposerait le plus possible le corps de Saint Sébastien, le tordant et le projetant au premier plan de la scène. Conscient de son succès, l'artiste a placé sa signature dans l'un des endroits les plus exposés de tous - au premier plan en bas à gauche, facilement accessible au spectateur.

Charles II d'Espagne

L'image saisissante de ce personnage à l'allure chétive, écrasé par un décor imposant, frappe à coup sûr l'attention du spectateur. La tonalité même de l'oeuvre, sombre et austère, fait ressortir la pâleur et la fragilité du jeune roi. Il s'agit de Charles II d'Espagne (1661-1700) demeuré sans héritier, fils de Philippe IV et d'Anne d'Autriche, né en 1661, et qui devait plus tard régner sur le trône. La maison des Habsbourg d'Espagne s'est éteinte avec lui. Charles II dit «El Hechizado» a été le dernier Habsbourg à régner en Espagne, né avec plusieurs handicaps physiques et mentaux. Il a donc été sous contrôle d'autres personnes pendant toute sa vie. L'artiste a eu un travail difficile pour présenter au roi un portrait idéalisé comme étant réaliste.

Le Duc de Pastrana

Ce tableau nous présente le Portrait de l'aristocrate espagnol Gregorio de Silva y Mendoza (1649-1693), 5e duc de Pastrana et 9e duc de l'Infantado.

Gregorio de Silva y Mendoza (né en 1649 à Pastrana - décédé en 1693 à Madrid ) était un noble espagnol de la maison de Mendoza . Il était le 5e duc de Pastrana , le 9e duc de l'Infantado , le 7e duc de Lerma , le 6e duc de Francavilla , le 5e duc d'Estremera et le prince d'Eboli et de Melito.

Il était le fils de Rodrigo de Silva Mendoza y Guzmán, 4e duc de Pastrana et de sa femme, Catalina Gómez de Sandoval y Mendoza, la 8e duchesse de l'Infantado. La famille Mendoza a accédé au pouvoir lorsqu'elle a fusionné avec la Maison de Lasso de la Vega par le mariage de Leonor Lasso de la Vega , le dernier membre direct de cette lignée, et de l'amiral Diego Hurtado de Mendoza , l'amiral de Castille.

Il a hérité de ses titres nobles après la mort de sa mère et de son père respectivement. En 1679, il fut envoyé à Paris avec ses frères Gaspar et José pour apporter à la reine Marie Louise d'Orléans nouvellement couronnée ses cadeaux de mariage qui consistaient en un tableau de Juan Carreño de Miranda de Charles II d'Espagne . Le cadre du tableau était incrusté de diamants. Le groupe a quitté Madrid le 30 juillet 1679 et est arrivé dans la Cour française le 14 septembre. Le cadeau ostentatoire a été accueilli avec un grand bonheur comme le raconte un enregistrement espagnol contemporain du jour qui fait référence à la surprise de la reine Elisabeth de France .

" Assi logro el Señor Duque de Pastrana muy cumplidamente el avivar en la corte de Francia la memoria (que siempre vivirá en ella) de su Grande y Generoso Abuelo que fue con el propio carácter, por nuestra inmortal Reyna D.Isabel y se porto con el inimitable lucimiento que ahora su dignissimo Nieto "

Le lendemain, il remit le cadeau à Mari Louise, une occasion qui provoqua des banquets et des fêtes dans tout Paris.

En 1686, à la mort de sa mère, il devient le 9e duc de l'Infantado. Cela réunissait officiellement tous les titres familiaux détenus sous un même nom.

En 1688, il fut nommé Sumiller de Corps de Charles II d'Espagne , qui en 1693, juste avant sa mort, nomma Gregorio comme Chevalier de l' Ordre de la Toison d'Or où après il prit un rôle de premier plan dans la cour royale.

Il était également un passionné d'art, favorisant notamment le peintre Juan Carreño de Miranda qui a peint le tableau de la reine Marie Louise. Miranda a immortalisé Gregorio pour son patronage dans son célèbre tableau qui est accroché au Museo del Prado

En 1666, Gregorio épousa Doña María de Haro y Guzmán (1644 - 1693), fille de Luis Méndez de Haro , premier ministre de Philippe IV d'Espagne et de Catalina Fernández de Córdoba y Aragón.