Karl Pavlovitch Bryoullov

Saint Petersbourg Musée Russe

Autoportrait en 1833

Karl Bryoullov est né le 12 (23) décembre 1799 à Saint-Pétersbourg, dans la famille de l'académicien, sculpteur sur bois et graveur Pavel Ivanovitch Briullo (Brulleau, 1760-1833) d' origine huguenote . Il s'est senti attiré par l' Italie dès ses premières années. Malgré ses études à l' Académie impériale des arts (1809-1821), Bryullov n'a jamais pleinement adopté le style classique enseigné par ses mentors et promu par son frère, Alexander Bryoullov . Après s'être distingué comme un étudiant prometteur et imaginatif et avoir terminé ses études, il quitte la Russie pour Rome où il a travaillé jusqu'en 1835 comme portraitiste et peintre de genre, bien que sa renommée en tant qu'artiste soit venue quand il a commencé à faire de la peinture historique.

Son œuvre la plus connue, Le Dernier jour de Pompéi (1830-1833), est une vaste composition comparée par Pouchkine et Gogol aux meilleures œuvres de Rubens et Van Dyck . Il a fait sensation en Italie et a établi Bryoullov comme l'un des meilleurs peintres européens de son époque. Après avoir terminé ce travail, il retourna triomphalement dans la capitale russe, où il se fit de nombreux amis parmi l'aristocratie et l'élite intellectuelle et obtint un poste élevé à l' Académie impériale des arts .

Une anecdote concernant Bryoullov est apparue dans l'essai de Léon Tolstoï « Pourquoi les hommes se stupéfient-ils ? » et plus tard dans le livre du même auteur "Qu'est-ce que l'art ?" .

Tout en enseignant à l'académie (1836-1848), il développe un style de portrait qui combine une simplicité néoclassique avec une tendance romantique qui fusionne bien, et son penchant pour le réalisme se contente d'un niveau intrigant de pénétration psychologique. Alors qu'il travaillait au plafond de la cathédrale Saint-Isaac , sa santé s'est soudainement détériorée. Suivant les conseils de ses médecins, Bryullov quitta la Russie pour Madère en 1849 et passa les trois dernières années de sa vie en Italie . Il mourut dans le village de Manziana près de Rome et y est enterré au Cimitero Acattolico .

L'œuvre de Bryoullov est l'apogée du romantisme russe tardif, lorsque le sens de la plénitude harmonique et de la beauté du monde est remplacé par un sentiment de tragédie et de conflit de la vie. Au premier plan du tableau historique, mais son thème principal - pas la lutte des héros, comme dans le classicisme, et le sort des immenses masses humaines. Dans son œuvre centrale "Le dernier jour de Pompéi" , Bryoullov a combiné le drame de l'action, les effets d'éclairage romantiques et la plasticité sculpturale des personnages. La peinture a apporté à l'artiste une grande renommée en Russie et en Europe.

Le dernier jour de Pompéi

Le Dernier Jour de Pompéi (1830-1833) est une peinture monumentale actuellement conservée au Musée Russe de Saint-Pétersbourg, œuvre la plus connue du peintre russe Karl Brioullov. Elle valut à son auteur une notoriété internationale et l'admiration d'Alexandre Pouchkine, qui lui dédia un poème.

La toile est achevée en 1833. Elle est conservée au Musée russe. Le tableau représente les évènements de Pompéi au moment de l'éruption du Vésuve en 79 de notre ère.

Karl Brioullov visite les fouilles de Pompéi durant l'été 1827, lors d'un voyage à Naples, et c'est là que lui vient l'idée de peindre une grande toile consacrée à la destruction de Pompéi. Le commanditaire de cette toile est le prince Anatole Demidoff. 

Regardons un peu les détails de ce tableau : Tout d’abord, le décor qui s’effondre : des éclairs traversent le ciel, de la fumée s’échappe de partout, et très symboliquement, les statues tombent du temple.

Mais la colère des Dieux ne vient pas que du ciel, qui est finalement assez clair, mais du sol, que l’on voit au fond du tableau, flamboyant. Tous les détails sont minutieusement montrés jusqu’à l’arrière-plan. Des gens qui courent, des animaux égarés et des chevaux affolés plus proches. 

Aux plans rapprochés, l’accent est mis principalement sur les personnages, à l’exception de ce cheval blanc qui, effrayé, est en train de faire tomber son cavalier. On peut d’ailleurs remarquer que celui-ci est à peine habillé, comme s’il était parti dans la précipitation.  Au premier plan, on retrouve des groupes : des amants à droite, une femme et son fils au milieu, deux fils qui cherchent à porter leur père âgé à gauche. Les figures sont sombres, la lumière vient clairement d’en haut. Ces trois groupes montrent des réactions de soutien, de personnes qui s’entraident ou cherchent à s’entraider, qui n’acceptent pas la situation encore.

On remarquera que ces personnages ont les tenues les plus complètes du tableau, comme si en cherchant à s’entraider ils gardaient une part d’humanité symbolisée par ce vêtement. Au centre du tableau, une femme morte qu’un bambin essaye vainement d’appeler. Son corps est couvert et près de sa tête des coffres, tissus et objets précieux vers lesquels elle est tournée. Il semble a première vue que sa vanité l’aura tuée dans un moment pareil où elle a cherché à emmener des possessions avant de chercher à sauver sa vie et celle de son enfant. À gauche, encore dans l’ombre, une famille se tient groupée. L’homme semble tenir dans ses mains des objets de cultes et à son cou on peut voir une croix. Peut-être ont-ils accepté leur sort. Ils regardent le ciel, inquiets, mais ne cherchent pas à fuir. À leur droite, une autre famille, celle-ci plus dénudée, est dépeinte dans es couleurs plus claires. Eux cherchent visiblement à avancer. 

Enfin, près des portes du bâtiment tout un groupe s’entremêle dans une frénésie visible. Les corps se mêlent aux objets, plus qu’aux tissus car encore une fois les corps sont assez peu couverts. Tous semblent chercher à sauver leur propre vie et l’on ne remarque plus de cohésion de groupe. 

Ce qu'on peut particulièrement aimé dans cette peinture c’est tout d’abord la qualité de détails, notamment en ce qui concerne les tissus, bien qu’il y ait moins de costumes que dans d’autres tableaux. Et ensuite c’est cette dynamique de couleurs et de lumières qui se ressent dans l’ensemble du tableau, où la lumière est synonyme de mort et les ombres symboles de vie. On peut donc trouvé que l’ensemble est particulièrement saisissant.

Vendanges près de Naples

Fille cueillant des raisins dans les environs de Naples a été peint lorsque l'artiste était en Italie dans le but de former et d'améliorer ses compétences. Bryullov a essayé de trouver la beauté dans les choses de tous les jours et de la transférer sur la toile.

L'image représente une scène de récolte. La jeune fille au centre cueille des raisins dans un panier suspendu à sa main gauche. Pour atteindre la grappe suivante, elle a dû se retourner, se tenir sur ses orteils, saisir le bâton et étendre sa main droite aux raisins, en se penchant légèrement en arrière. La fille a l'air figée dans une danse. Elle est gracieuse et gracieuse. Peut-être que la fille chante même une chanson italienne et bouge au rythme d'un tambourin.

La deuxième fille est allongée dans les escaliers. Tête elle repose sur une grosse citrouille verte. Dans ses mains est un tambourin. La fille le frappe légèrement. Elle a l'air de danser, fatiguée et de se coucher pour se reposer à l'ombre d'une vigne. Le visage de la jeune fille allongée est affectueux et ludique. Les cheveux des héroïnes sont récupérés, mais des boucles légères sont éliminées de la coiffure. Une rougeur brûle sur ses joues.

À l'arrière-plan à droite, un garçon en chemise. Il porte une grande bouteille de vin. Le garçon se concentre sur cette leçon. En bas à droite, un jet d'eau frappe la source, ajoutant du mouvement à l'image. Au fond se dresse un âne attelé, les contours des buissons, des arbres et des montagnes sont visibles.

L'artiste met en valeur le centre de l'image avec des nuances de rouge: ce sont des vêtements de fille, un tambourin, un collier de corail et du fard à joues. La couleur blanche des vêtements donne une lueur, reflète le soleil italien brillant. Les nuances de vert et d'ocre encadrent l'image: vigne, buissons et arbres, citrouille, source d'eau et de terre.

Les vêtements légers des personnages du tableau véhiculent la chaleur de l'été italien. Chez la fille au centre, ses jambes fines brillent à travers le tissu fin. Et le chemisier d'une jeune fille couchée tombe, exposant à peine sa poitrine blanche. Et il n'est pas du tout perceptible que les filles soient occupées à travailler dur.

Portrait de Yu. P. Samoilova avec Amatsilia Pacini 

Bryullov apparaît comme le maître complet de ses images dans les portraits. Même dans les objets sur mesure (comme le portrait de la comtesse Yulia Samoilova, se retirant du bal avec sa fille adoptive Paccini, vers 1842, Musée russe), la splendeur enchanteresse des couleurs et de la mise en scène ressemble avant tout à un triomphe de l'art. 

C'est une femme star, une mondaine et "votre esclave". Une beauté avec un mauvais caractère, capricieuse, aimante et soumise. Une femme incroyable en effet. En 1839, Samoilova est arrivée à Saint-Pétersbourg en raison du fait qu'il était nécessaire de disposer de l'énorme héritage laissé par son grand-père, le comte Litta. C'est à cette époque que Bryullov commence ce portrait. L'artiste a dit qu'il voulait montrer la mascarade de la vie. Là, derrière Samoilova, derrière un rideau rouge, le bal royal gronde et la vie sociale bat comme une fontaine. Et devant nous il n'y a qu'une femme, en tenue royale, mais sans masque. Elle a enlevé le masque, qui est nécessaire pour le monde du mensonge, où chacun s'efforce de s'isoler des gens et de se faire passer pour quelqu'un qui en réalité ne l'est pas. Et le thème principal de l'image est le triomphe et la beauté d'une personnalité forte et indépendante.

Génie de l'art 

Le célèbre tableau de Karl Bryullov, "Le génie de l’art", a été le premier travail sérieux de l’auteur et est devenu un véritable chef-d’œuvre de la peinture russe. La réalisation de ce tableau a pris à l’auteur plus de 3 ans (1817 - 1820), période pendant laquelle Briulov était encore étudiant à l’Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg. C’était l’un de ses projets d’étudiant qui répondait à toutes les exigences académiques. Chaque détail du tableau est porteur du sens profond et de l’émotion que le génial artiste russe voulait transmettre au spectateur, et pourtant il n’avait que 18 ans lorsqu’il a commencé cette œuvre. Comme il sied à un génie, il est entouré d’objets caractéristiques tels qu’un compas, un livre, le chapiteau d’une colonne classique, une lyre, une couronne de laurier et le marteau du sculpteur. 

Portrait de l'architecte et artiste A. P. Bryoullov 

Le frère de l'artiste, l'architecte Alexandre, se rend en Italie en 1822. La Société d'encouragement des artistes récompense ainsi le jeune architecte. Et Karl décide d'aller en Italie avec son frère. Il ne se doutait même pas qu'il ne retournerait en Russie qu'après 14 ans.

L'Italie étonne tout simplement le jeune artiste et fournit un grand nombre de thèmes pour la peinture dont, en 1823, le célèbre et émerveillé "Matin italien" de Saint-Pétersbourg. 

Les soeurs Olga et Alexandra Shishmareva

Karl Bryullov était un remarquable portraitiste russe, célèbre pour son style de peinture particulier. Il a toujours abordé son travail avec une âme, réalisant des portraits non pas pour des clients, mais pour des personnes pour lesquelles il avait une affection particulière. Briullov était un virtuose de la nature, il essayait donc de ne pas prendre de commandes officielles pour des fonctionnaires de haut rang, car elles limitaient l’artiste dans ses impulsions et ses efforts spirituels. En 1839, l’artiste a accepté une commande d’Afanasy Shishmarev, un capitaine d’état-major à la retraite et éleveur de chevaux prospère 

Portrait de V. A. Kornilov  

Toutes les réalisations et les succès de Karl Bryullov dans le domaine du portrait ont été reconnus comme incontestables et les meilleurs. Ces œuvres ont été reconnues même par les critiques les plus sévères comme Vladimir Stasov et Alexandre Benois... Les contemporains de Karl considéraient comme un grand bonheur et une grande joie d'avoir un portrait de Karl Bryullov ou l'une de ses œuvres. Tout au long de sa vie, le maître a réalisé un grand nombre de portraits picturaux et aquarellés. Il a commencé sa carrière créative à Saint-Pétersbourg, avant de partir pour l'Italie. 

Saint Petersbourg Musée de l'Ermitage

Portrait de Sophia Andreevna Bobrinskaya Shivalova 

-La jeune fille romantique a immédiatement attiré )l'attention non seulement par sa beauté et son charme de jeunesse mais a également suscité l'intérêt en raison de son appartenance à l'ancienne famille noble des Chouvalov qui est directement liée à l'histoire de l'Oudmourtie

Dans ce portrait Sofia Andreevna a vingt ans. Le regard admiratif de la jeune comtesse est fixée sur les pétales de corail gorgés de soleil du dahlia. Cette fleur luxueuse a été nommée dahlia en l'honneur de l'éminent naturaliste et ethnographe allemand et russe, membre de l'Académie des Sciences de Saint Petersbourg, Johann Gotlib Georgi (1729-1802) qui a laissé sa marque notable dans l'ethnographie des Oudmourtes. 

La Comtesse Sofia Andreevna Chouvalova est l'arrière arrière petite fille de Piotr Ivanovitch Chouvalov (1711-1762) et l'arrière petite fille d'Andreï Petrovich Chouvalov (1744-1789), les personnalités les plus marquantes des époques Elisabéthaine et Catherinienne, premiers propriétaires des usines sidérurgiques d'Ijevsk et de Votkinsk entre 1759 et 1763.

Son père, le comte Andreï Petrovitch Chouvalov (1802-1873), est ober-kammerherr (grand chambellan) à la Cour et membre du conseil d'État, sa mère, née Thècle Ignatievna Valentinovitch, était l'épouse en premières noces du prince Zoubov. Le couple était une connaissance Pétersbourgeoise d'Alexandre Pouchkine qui connaissait donc bien Sofia. 

Elle a deux frères, Pierre (1827-1889), futur général et représentant de la Russie au congrès de Berlin, et le comte Pavel Andreïevitch Chouvalov, né le 13 novembre 1830 à Leipzig et mort le 7 avril 1908 à Yalta, qui fut un aristocrate russe haut fonctionnaire, général et ambassadeur. et une soeur Olga (1833-1855). 

Elle était l'épouse du comte Alexandre Alexeïevitch Bobrinski (en russe : Александр Алексеевич Бобринский), né en 1823 à Saint-Pétersbourg, décédé en 1903 à Saint-Pétersbourg, qui était un homme politique et généalogiste russe qui fut membre du conseil secret en 1870 et gouverneur civil de Saint-Pétersbourg du 12 janvier 1861 au 13 mars 1864.

C'était l'arrière-petit-fils de Catherine II, le beau-frère du comte Paul Chouvalov et du comte Pierre Chouvalov dont il a épousé la sœur, Sophie (1829-1912), et le père du comte Alexeï Alexandrovitch Bobrinski (1852-1927), archéologue et homme politique russe.

Moscou Galerie Tretiakov

Midi Italien

Bethsabée

Un jour, du vivant du roi David, il se promenait sur le toit de son palais au coucher du soleil, et vit une jeune fille qui se baignait à une source, et qui lui parut très belle. Se sentant passionné par elle, le roi, qui ne savait rien en retour, envoya ses propres serviteurs vers elle et ils l’amenèrent au palais. Malgré le fait qu’elle était mariée, David la prit pour épouse, tant sa beauté était grande, et ordonna de placer son mari, un simple soldat, sur les lieux de la plus terrible des batailles, et de tarder à lui porter secours lorsqu’il serait pris au piège.  

Cavalière

«La cavalière» est une peinture de l'artiste russe Karl Bryoullov, peinte en 1832 à la demande de la comtesse Julia Samoilova. Même sur le collier du chien, l'artiste a représenté le nom des Samoilov. Le tableau a été exposé pour la première fois en 1832 à la galerie Brera de Milan. De plus, la toile était chez la comtesse jusqu'à sa ruine en 1972, lorsque le tableau a été vendu.

En 1896, la «cavalière» est acquise pour la galerie Tretiakov. Au début, on supposait que la comtesse elle-même était représentée sur la toile, mais les historiens de l'art, après avoir étudié les toiles ultérieures de Bryullov, ont pu prouver que ce n'était pas le cas. Le tableau représente Dzhovanina et Amalicia Pacini - élèves de la comtesse Julia Samoilova. L'artiste a appelé sa peinture "Dzhovanin à cheval". En Italie, il y a des gravures de cette photo, qui sont considérées comme un portrait de la chanteuse Malibran, qui est assez célèbre et représente sa sœur Pauline Viardo.

L'image transmet la scène d'une promenade. Le moment du retour à la maison est capturé lorsque Dzhovanin monte jusqu'au porche sur un cheval noir. La composition de Bryullov «La cavalière» est pleine de dynamisme - tout y est en mouvement, figé littéralement pendant une seconde, afin que l'artiste puisse capturer. Un sabot de cheval noir, chauffé après une promenade, et un chien, avec un collier nominal, se jette sous ses sabots, rencontrant joyeusement Dzhovanin. Le tableau représente également la petite demi-sœur de Dzhovanin nommée  Amalicia. Elle est vêtue d'une robe rose et de chaussures vertes. Mais surtout, son regard enthousiaste attire l'attention avec la façon dont elle regarde sa demi-soeur Dzhovanin.

En l'observant, l'esprit se fige et le public semble plonger dans cette atmosphère joyeuse représentée sur la toile de l'artiste russe Karl Bryullov, qui a su transmettre si sincèrement et honnêtement l'atmosphère qui régnait à l'époque dans la succession de la comtesse. Sur la gauche se trouve la jeune Amatia, et sur le cheval se trouve l'aînée Jovanina. L'artiste aimait Samoilova et les filles faisaient partie du monde qui entourait la comtesse. Et Bryullov, aimant la comtesse, ne pouvait s'empêcher d'aimer les filles. 

Selon le concept de l'artiste, La Cavalière est un grand portrait pour décorer la salle de cérémonie du palais de Samoilova. La comtesse commanda le portrait. Elle a dit plus d'une fois qu'elle voulait accrocher tous les murs avec « ses miracles ». L'artiste montre son monde idéal. Et dans ce monde, être est beau. Voici la beauté de l'enfance et la fierté de la jeunesse. On voit tout cela sur les visages des petites héroïnes. L'artiste a mis tellement de sentiments et d'émotions dans cette œuvre qu'une scène de tous les jours est apparue devant le public transformé, pleine de poésie et d'une extravagance de couleurs.

Autoportrait en 1848

Cet Autoportrait qui a été écrit en 1848 année, est l'un des meilleurs autoportraits du maître. "Petit, dodu, avec un visage riant de bonne humeur, Bryullov ressemblait plus à un propriétaire terrien insouciant qu'à un grand artiste, mais quand il parlait d'art, on remarquait maintenant qu'un feu sacré y brûlait". 

Turque

De retour à Pétersbourg morose et pluvieuse, l'artiste se tourne souvent vers les souvenirs de ses voyages en Méditerranée. Souvenirs et fantasmes. L'album de l'artiste contient de nombreux croquis représentant des femmes dans des tenues orientales extravagantes. On peut dire qu'il s'inquiétait du sujet de la "femme turque" - des femmes exotiques et mystérieuses. Les dames du monde dans les peintures de Karl Bryullov sont vêtues de tenues « semi-orientales ». Il y a pas mal d'aquarelles dans les albums de l'artiste, qui montrent les traits des contemporains de l'artiste. Et l'artiste a peint cette femme turque d'après un modèle. Le fait est qu'en plus de "Turchanka", il y a aussi son "Odalisque". Et le personnage principal des deux images est la même dame.

Bryullov a très soigneusement peint le visage de sa femme turque, qui est ornée d'un énorme turban turc brillant. Les experts disent que c'est "Turkish Woman" qui est une œuvre particulièrement féminine et proche de la nature de l'artiste. Je n'ai aucune envie de démonter l'image en atomes. Karl Bryullov est un maître. Et sa « femme turque » est tout simplement adorable. Sans aucune évaluation, si hautement artistique.

L'un des chefs-d'œuvre du maître est, plus tard, on a cru que c'était M.G. Razumovskaïa... Le tableau a été peint en 1837. De manière subtile, dans une technique miniature, le visage d'une fille est épelé. Le turban rouge-blanc-or a été peint assez largement et librement. Le dessin à la main est recouvert de manière transparente dans presque un ton. L'auteur a rendu hommage à l'orientalisme romantique, qui a créé la mode des châles, turbans, etc. orientaux. Ainsi, un certain naturel élégant de la pose a été créé, transformant cet exotique en un phénomène de grand style. Il y a aussi un goût romantique qui apprécie le charme de l'incomplétude. Les épaules, les vêtements et les drapés du châle sont représentés de manière caractéristique ; ils peuvent à peine être lus dans les contours au crayon en apesanteur. Le portrait cérémoniel est le plus sensible au traditionalisme des normes d'étiquette du "vezhestvo" laïc, qui assurent la solennité festive de l'auto-démonstration du modèle au spectateur. 

L'eau déborde déjà (Date interrompue)

Dans les années 1820, lors d'un voyage en Italie, Bryullov s'intéresse à la peinture de genre et choisit souvent la technique de l'aquarelle. Au début de la décennie apparaît la première aquarelle « Date  Interrompue » dont il y en aura une seconde avec ce titre. 

L'œuvre attire immédiatement l'attention, l'artiste va au-delà des scènes divertissantes destinées à décorer les pages de l'album. En plus de la présentation spéciale et de la nouvelle interprétation du genre, le style du maître est également étonnant : la scène lyrique représentant une courte rencontre de deux amants est transpercée par une lumière vive et se caractérise également par la précision du dessin et des poses réalistes. Bryullov fut le premier à attirer l'attention du public sur l'aquarelle comme moyen d'incarner des scènes de chambre, tout en ayant un langage intelligible et compréhensible. 

La deuxième aquarelle intitulée « Date interrompue » paraît à la fin des années 1820. Il convient de noter que cet ouvrage est plus connu. Le deuxième titre de ce second tableau est « L’eau coule déjà par-dessus le bord ».

Dès les premières minutes de visionnage de l'image, vous commencez à être surpris du nombre de détails « parlants » affichés ici. Il ne s’agit pas seulement d’un croquis de genre utilisant la technique de l’aquarelle, mais de toute une histoire.  Deux jeunes Italiens amoureux se sont rencontrés près d’un puits, mais leur tendre rencontre a été interrompue par la mère de la jeune fille, qui est soudainement apparue à la fenêtre. Le gars est gêné et bouleversé, et la fille est tellement abattue qu'elle ne remarque pas que l'eau a depuis longtemps atteint le bord du seau et déborde. 

Portrait de I.A. Krylov en 1841

Parmi les œuvres du maître, il y a un portrait de son ami, le célèbre fabuliste I. Krylov. Le portrait a été peint en 1839. Ivan Krylov a 70 ans dessus. Le portrait a été peint rapidement - en une seule séance. 

Diane, Endymion et Satyre 

Tout au long de sa carrière créative, K.P. Bryullov s'est constamment tourné vers des sujets mythologiques. Mais pendant les années de développement et d'approbation des idées de « l'école naturelle », les peintures de Bryullov « Junon endormie », « Diane et Endymion » ont été censurées, car, selon les critiques, elles « s'éloignaient » des grandes tâches. d'art.

Le tableau « Diane, Endymion, Satyre » de 1849 est basé sur l’intrigue d’une nouvelle érotique du poète italien du XVIIIe siècle Giambattista Casti. Le mythe de la belle Endymion, qui captivait la déesse Diane, était populaire dans l'art russe. A.I. Pleshcheev l'a approché avant même Bryullov. Il lui dédie le poème « Endymion » (1835-36) :

"Tu dormais, oh jeune homme, tu dormais, Quand elle, la déesse des rochers, des forêts et du bonheur silencieux, languissait d'un amour effrayant, pour toi, belle et lumineuse, descendue du sombre Olympe."

Pleshcheev a considérablement adouci l'élément d'érotisme. Brioullov l’a souligné. Le thème a tellement séduit le peintre qu'il en a réalisé une répétition et un groupe sculptural. Le tableau est conservé dans la collection de la galerie Tretiakov. Un exemplaire en a été acquis pour la collection de la Galerie d'art de Perm auprès d'une collection privée de Moscou.

Le critique d'art V. Stasov a évalué très strictement le tableau « Diane, Endymion et Satyre », notant que « le contenu est superficiel, frivole, combiné avec le ridicule et la caricature... et l'obscénité grossière ». Une lithographie a été réalisée à partir du tableau de A. A. Kozlov. Mais même la censure l’a jugé obscène et a exigé qu’il « ne soit pas exposé dans les vitrines des magasins ».

Moscou Musée Pouchkine

Portrait d'A.S. Pouchkine en 1836 

Bryullov et Pouchkine se sont rencontrés à Moscou, à l'automne1836, ils se rencontrent souvent à Saint-Pétersbourg. Leur relation, personnelle et créative, n'a pas duré longtemps, moins d'un an, mais c'était une amitié fructueuse, qui a été interrompue par la mort du poète. Après la mort de Pouchkine, Bryullov fit un croquis de son monument, pensa à l'avenir participer à la publication d'essais et dessina de nombreux croquis du frontispice, et en 1849, un tableau basé sur la «fontaine Bakhchisarai». 

En 1880 à Moscou, à l'exposition Pouchkine, L'attention des visiteurs a, 19 ans plus tard, lors de la même exposition pour la première fois exposé «A. S. Pouchkine », un portrait de O. Kiprensky, précédemment conservé par le fils du poète, dans une petite œuvre il y avait déjà un point d'interrogation à côté du nom de l'auteur. Il y avait un avis que la signature «K. Bryullov »est un faux grossièrement fait et ne copie pas l'autographe de l'artiste, mais la signature sous une certaine lithographie d'une des œuvres du maître.

En outre, sur la base de données documentairesLes érudits de Pouchkine, en particulier N.O. Lerner, qui a publié en 1914 l'article «Portrait de Pseudo-Brullov de A.S. Pouchkine», ont soutenu que Bryullov n'a jamais peint un portrait de Pouchkine, bien qu'il ait l'intention de le faire. Depuis, un nom péjoratif a été attribué à une petite œuvre d'art, et peu à peu il a été complètement oublié. Pendant longtemps, il a été dans une collection privée, puis il a été acquis par le Musée littéraire de Moscou. En 1959, le portrait du «faux Brullovskiy» a été transféré au nouveau musée d'Alexandre Pouchkine de Moscou.

Kiev Musée Shevchenko

Portrait de V.A. Joukovski en 1838 

En 1836, Bryoullov retourne dans son pays natal et obtient le poste de professeur à l'Académie des Arts. La période pétersbourgeoise de l'œuvre de l'artiste est principalement constituée de portraits. Hommes nobles et belles dames. L'artiste s'efforce de montrer non seulement la beauté naturelle d'une personne, mais aussi son monde intérieur, ses expériences et ses joies, ses passions et sa noblesse intérieure, qui est en chacun comme l'artiste le pensait. 

Ici on découvre le portrait de Valentin Alexeïevitch Joukovski (Валенти́н Алексе́евич Жуко́вский), né le 24 avril 1858 à Voronej et mort le 4 avril 1918 à Petrograd, est un orientaliste et iranologue russe. Il était membre-correspondant de l'académie des sciences de Saint-Pétersbourg devenue académie des sciences de Russie en 1917 et professeur à l'université impériale de Saint-Pétersbourg. Joukovski est l'auteur de nombreux travaux dans le domaine de la langue et de la littérature persanes, ainsi que le folklore, l'ethnographie et l'histoire de l'Iran.

Erevan Galerie Nationaled'Art d'Arménie

Portrait de M.A. Bek

Elle a posé pour les meilleurs portraitistes de la première moitié du XIXe siècle, mais son portrait de Karl Bryoullov est devenu le plus célèbre . Tout ce que la plupart de nos contemporains connaissent d'elle, c'est seulement son nom : Maria Arkadyevna Bek, née Stolypina . Et au début du 19ème siècle. elle a fait parler d’elle des personnalités de son époque. Ils admiraient sa beauté et son charme, même si, selon beaucoup, Bryullov lui-même ne partageait pas l’admiration de tous.

Maria avait des liens familiaux avec de nombreuses personnalités de l'époque : elle était la petite-fille de l'amiral Nikolaï Mordvinov, la fille du procureur en chef, le sénateur Arkady Stolypine, et la cousine de Mikhaïl Lermontov. Karamzine, Kuchelbecker, Griboïedov, Ryleev, Speransky ont visité leur maison. Le frère de Maria, Alexey, était connu comme le premier bel homme de Saint-Pétersbourg et était un collègue et ami de Lermontov.

Quand Maria avait 6 ans, son père est décédé subitement et sa mère s'est retrouvée seule avec 7 enfants. Et à l'âge de 14 ans, Maria a perdu sa mère. Les enfants ont emménagé chez leurs grands-parents. Des artistes, poètes et compositeurs célèbres visitaient souvent la maison des Mordvinov. Les enfants ont été inculqués à l’amour de la musique, de la littérature et de la peinture.

De nombreux représentants de la famille Stolypine se distinguaient par leur extraordinaire beauté. Maria Arkadyevna entendait aussi souvent des compliments qui lui étaient adressés. Un de ses contemporains parlait d'elle ainsi : « Je ne me souviendrai pas d'une beauté comme la sienne. C'était la plus belle statue en marbre du plus grand des artistes, animée par un élégant mélange de grâce et de grandeur... Son apparence rappelait celle de deux femmes : la majestueuse reine du Moyen Âge et la femme biblique, soumise et sainte. Son apparition entra dans la pièce comme un rayon de lumière ; elle s'assit, lumineuse et calme, et un temps clair s'installa autour d'elle, la paix d'une belle âme et d'une conscience claire, comme celle d'un bébé, respirait.

Lorsque Maria Arkadyevna a commencé à sortir dans le monde, elle a immédiatement attiré l'attention. Nicolas Ier, connaisseur de la beauté féminine, voulait en faire une demoiselle d'honneur à la cour, mais l'amiral Mordvinov s'est empressé de marier sa petite-fille afin qu'elle évite le sort de nombreuses beautés de la cour. Ce sont ses proches qui ont fait le choix à sa place : Maria ne connaissait pas son futur mari. Elle n’avait que 17 ans et « était confuse, pleurait presque et ne comprenait pas immédiatement ce qui se passait. Le marié a été présenté, aucune objection n’a été autorisée et le mariage a eu lieu. Son mari était un riche propriétaire foncier et diplomate Ivan Bek. C'était une personne douée et polyvalente : il écrivait de la poésie, étudiait la peinture et la musique et était un éminent homme d'État. Cependant, le mariage, conclu contre la volonté de la mariée, ne lui a pas apporté le bonheur et n'a pas duré longtemps. 5 ans après le mariage, Ivan Bek est décédé.

Après la mort de son mari, Maria Arkadyevna a hérité d'une grande fortune, elle a mené une vie sociale et a souvent assisté à des bals. En 1847, elle part à l'étranger et rencontre à Constantinople le prince Pavel Viazemsky, fils du célèbre poète et ami de Pouchkine, Pierre Viazemski. Bientôt, elle l'épousa. Pierre Viazemski approuva le choix de son fils ; il écrivit à propos de Marie : « C'est une beauté, bien élevée de visage et d'âme, pieuse. »

La princesse Viazemskaya avait un grand poids dans le monde, elle était impliquée dans des œuvres caritatives et a reçu les insignes de la Croix-Rouge. On parlait d’elle comme d’une femme juste et directe, sensible et réceptive, et Léon Tolstoï la qualifiait de « charmante représentante de la femme russe ».

Néanmoins, parmi les critiques d’art, il existe une opinion selon laquelle Bryoullov, pour une raison quelconque, ne partageait pas l’admiration de tous pour Maria Arkadyevna. L’artiste peint de nombreux portraits de commande, mais dans ce cas précis « l’intonation officielle et cérémoniale ne laisse aucune place au naturel et même à l’affection de l’artiste pour le modèle ». Selon les contemporains, Bryoullov appelait son modèle « Beksha » et n'éprouvait pas de sentiments chaleureux à son égard. Selon les critiques, « Bryullov a compensé son indifférence envers l'héroïne du portrait par un soin extrême dans l'exécution des détails des toilettes et de l'intérieur. Soulignant la beauté d’une femme du monde, il lui a donné un personnage sans vie, semblable à une poupée.

On ne peut que deviner les véritables raisons de l’attitude de Bryoullov. Cela s'explique peut-être par son rejet de la solennité officielle, c'est pourquoi l'artiste n'a pas voulu devenir portraitiste de cour.

Arkhangelsk Musée des Beaux Arts

Elena Pavlovna de Russie

Hélène Pavlovna de Russie (en russe : Великая Княжна Елена Павловна), grande-duchesse de Russie, née le 24 décembre 1784 à Saint-Pétersbourg et morte le 24 septembre 1803 à Ludwigslust est par mariage la princesse héritière du duché de Mecklembourg-Schwerin. 

Fille de Paul Ier de Russie et de Sophie-Dorothée de Wurtemberg, Hélène de Russie est nommée ainsi par sa grand-mère l'impératrice Catherine la Grande en référence à la belle Hélène de Troie. Ses études sont dirigées par l'impératrice sa grand-mère qui lui donne des professeurs et gouvernantes de choix, dont Esther Monod, une émigrée suisse. Son éducation est axée principalement sur l'art, la littérature et la musique. Elle apprend également la danse, les langues (français et allemand bien sûr, mais aussi italien et anglais), son devoir étant de faire un mariage dans une cour européenne. Elle est très proche de sa sœur Alexandra. 

Florence Galerie d'Art Nouveau

Portrait de A. N. Demidov prince de San Donato

 Le titre de prince de San Donato est spécialement introduit pour Anatoly Nikolaevich Demidov en 1840 par le grand-duc toscan Léopold II afin que le riche éleveur puisse épouser la princesse Mathilde Bonaparte, nièce de Napoléon Ier, sans préjudice de son statut. Le titre est dérivé de la Villa San Donato de Demidov, près de Florence.

Laissons V.V. Stasov critiquer à un moment donné la description trop enthousiaste de Timofeev. Stasov, c'est toujours intéressant à lire, il s'avère qu'il s'agit de la forêt sibérienne représentée dans le portrait de cérémonie de Demidov. « Autrefois, nos écrivains artistiques aimaient se différencier en termes de profondeur et d'éloquence et, en même temps, en termes de patriotisme. Ainsi, par exemple, le célèbre poète des années 30, Timofeev, reconnu par Senkovsky comme un grand génie, écrivait en 1835 dans la meilleure revue de l'époque, « Bibliothèque pour la lecture » (article : « Artistes russes à Rome »). Et je voulais regarder le chien, celui avec l'inscription "Samoylo..." sur le collier, non, un chien complètement différent. Cependant, une telle composition reconnaissable en général. Ces peintures n'auraient pas dû être trouvées même sur les pages d'un livre) 

L'artiste a travaillé sur ce tableau pendant près de vingt ans avec de longues pauses. Demidov lui a commandé cette œuvre en même temps que le tableau « Le dernier jour de Pompéi ».

En 1833, cette commande était déjà achevée et le portrait venait tout juste de commencer. Au début, l'artiste a longtemps cherché l'option la plus avantageuse pour positionner la figure sur la toile, cela ressort des nombreux croquis et croquis de l'œuvre conservés. Ensuite, il a oublié le portrait pendant longtemps. En 1844, Demidov lui-même a rappelé à l'artiste de commander un portrait pour lequel il a posé en costume de boyard.

L'artiste reçut le prochain rappel en 1850, dans lequel Demidov, avec un léger reproche, demande à se souvenir du tableau dans lequel il était censé être représenté au milieu de la forêt, à côté d'un chien lévrier. Demidov rêvait de voir une photo sur laquelle il avait vingt ans de moins qu'au moment de la deuxième demande..."

Le poète Timofeev écrit en 1835 sur le portrait équestre de Demidov par Bryoullov comme une œuvre complètement achevée qui a frappé son imagination (1837 est l'année de publication du livre d'où cette citation est prise). 

Des lettres de Demidov à Bryoullov...

Le 4 mai 1844. Florence. Vous vous souvenez sans doute qu'il y a une dizaine d'années, lors de mon séjour en Italie, vous avez commencé à dessiner mon portrait, dans lequel j'étais représenté à cheval, en costume de boyard ; mon départ qui fut bientôt suivi du vôtre ne m'a pas permis de l'achever. Ayant appris que ce croquis faisait partie des choses que vous aviez confiées à  A. Ivanov pour qu'il les garde à votre départ de Rome, je lui ai récemment écrit et lui ai demandé de m'envoyer ce croquis à Florence, mais il m'a répondu qu'il pouvait me le donner. seulement avec votre permission. Compte tenu de cela, je vous demande, cher Bryoullov, de bien vouloir lui donner cette autorisation dans les plus brefs délais, car ce croquis dans la position où il se trouve actuellement ne peut intéresser que moi. 

16 août 1850. San Donato. Cher Bryoullov ! J'ai appris votre arrivée à Rome, et étant si proche qu'il semble que je n'ai qu'à tendre la main pour rencontrer la vôtre, je voudrais être l'un des premiers à vous saluer comme un vieil ami. Ce droit, le droit d'être appelé un vieil ami, est tout à fait légitime : rappelez-vous simplement l'époque où vous êtes devenu célèbre il y a 22 ans dans le monde des artistes "Le Dernier Jour de Pompéi", un tableau qui était alors une de mes joies et en même temps encore aujourd'hui, un de mes souvenirs douloureux et de mes remords... J'ai très souvent regretté, mon cher Bryullov, que mon patriotisme, aussi peu récompensé qu'apprécié d'ailleurs, m'a inspiré l'idée de me séparer de cette belle œuvre d'art, qui manque pour décorer San Donato. N'ayant aucune possibilité ni de rendre le passé, ni pour exiger de vous une nouvelle grande page de l'histoire, je voulais juste profiter de votre séjour ici à Rome pour vous demander une faveur qui me toucherait beaucoup. Près d'un quart de siècle s'est écoulé depuis que vous avez fait un seul croquis de moi : comme maintenant je me vois à cheval, dans un coin de forêt, accompagné d'un chien lévrier ! Vous ne pouvez imaginer avec quel plaisir j'aurais vu ce portrait complété, bien entendu, à l'aide de vos souvenirs. Après tout, aucun miracle ne peut nous rendre, même pour un quart d'heure, les signes de jeunesse que nous avions il y a 22 ans ! Alors, dis-moi, mon cher Bryoullov, acceptes-tu de terminer ce croquis et de me donner mon portrait de mon passé lointain, qui me représente en costume national ; cette dernière, bien entendu, n’a pas changé. Si une bonne inspiration vous venait, je vous demanderais de la retenir un instant, car je fais déjà tous les préparatifs nécessaires pour mon départ imminent vers mon pays natal, puis vers la Sibérie. Il serait imprudent de refaire un portrait d’une époque d’il y a 20 ans. 

Octobre 1851. San Donato Cher Monsieur, Karl Pavlovitch ! Ayant appris l'autre jour que votre santé vous permet de rentrer enfin à Rome et que vous comptez commencer à terminer mon portrait, je m'empresse de vous demander de ne pas laisser votre intention inassouvie : je suis rempli d'impatience de voir enfin cette œuvre. du vôtre, qui, semble-t-il, prendra une place si importante parmi tout ce que vous avez fait. Dès réception de ce portrait de votre part, il restera quelque temps avec moi à San Donato, puis j'ai l'intention de l'envoyer à l'exposition de Paris, qui ouvrira bientôt, puis à l'exposition permanente de Vienne, après quoi je le ferai invitez Jordan à en faire une grande gravure. Il me semble qu'aucune de vos peintures n'a encore été gravée : il y a quelques lithographies plus ou moins mauvaises, c'est tout, mais il y a longtemps, semble-t-il, il était temps de s'assurer que vos affaires étaient entre les mains de tout le monde . Je me considérerai très heureux si mon exemple est utile aux autres. Il y a presque 20 ans, votre « Pompéi », que vous avez réalisée pour moi lors de votre premier voyage en Italie, était exposée à Paris ; J'ai le plaisir d'envoyer aujourd'hui, de nouveau à Paris, une photo de votre manière actuelle, également écrite pour moi en Italie, presque 20 ans plus tard ; cette pensée me plaît, car, me souvenant du jugement général unanime de l'époque, je ne peux qu'attendre avec un plaisir particulier le verdict actuel de l'Europe, dont j'ai confiance d'avance et qui augmente d'autant plus mon impatience de le savoir. cette photo est terminée. 

Rome Collection Tittoni

Fille dans la forêt 

Le tableau décrit par Stasov comme « La Fille dans la forêt » est charmant. La toile, imprégnée de lumière et d'air, représente une jeune fille en costume albanais d'un habitant de la ville d'Albano près de Rome, dans une jupe en satin écarlate, un corsage en batiste rose, un tablier en dentelle blanche et une légère écharpe transparente jetée par-dessus. ses épaules. Une fille assise sur l’herbe enfile à la hâte sa jupe sur sa jambe nue dans une chaussure. Elle a un visage rouge, légèrement effrayé, avec une bouche entrouverte et de grands yeux marron expressifs. La texture du tissu de la robe, le jeu des tons, le jeu joyeux des couleurs illuminé sur la robe de la jeune fille par un rayon de soleil sont restitués avec une habileté étonnante.