Vassili Grigorievitch Perov (en russe : Василий Григорьевич Перов) est un peintre russe né le 21 décembre 1833 à Tobolsk et mort le 29 mai 1882 d'une tuberculose près de Moscou. Il fut membre du groupe dit des Ambulants. 

Vassili Perov est né le 2 janvier 1834 à Tobolsk. Il termine les cours à l'école d'Arzamas et entre à l'école d'Art Alexandre Stoupine (également à Arzamas). En 1853, il est admis à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, où il suivit les cours de Scotta, Mokritsky et Zarianko. En 1856, l'Académie lui décerne une médaille d'argent. Par la suite l'Académie lui attribue d'autres récompenses : en 1858 - une médaille d'argent pour le tableau L'Arrivée du chef de la stanitza pour l'enquête, en 1860 - une médaille d'or pour les tableaux La Scène sur la tombe et Le Fils du sacristain promu au premier grade de la Table des rangs, en 1861 - une médaille d'or pour le tableau Le Sermon dans le village. En 1862, il voyage en Allemagne, puis à Paris. Il était lié à Illarion Prianichnikov dont il a influencé le style.

Le peintre est mort de tuberculose, le 10 juin 1882, au village de Kouzminki. Ses cendres ont été transférées au cimetière du monastère de Donskoï de Moscou, dans les années 1950.

Moscou Galerie Tretiakov

Chasseurs au repos 

Dans cette oeuvre intitulée "Chasseurs, 1816", Vasili Grigorevich Perov nous transporte dans une époque révolue de nature sauvage et d'activités intemporelles. La scène se déroule en pleine nature, où deux chasseurs se tiennent côte à côte, leurs silhouettes se découpant sur l'immense étendue du paysage russe. Avec des fusils fermement tenus dans leurs mains, ces tireurs d’élite habiles dégagent un air de confiance et de détermination. Leurs yeux sont fixés sur une cible invisible, comme s’ils partageaient une compréhension tacite selon laquelle le succès se trouve juste au-delà de l’horizon. Un sentiment de camaraderie imprègne l'atmosphère alors que des volutes de fumée s'échappent du klaxon du fusil d'un chasseur – une pause momentanée au milieu de l'intensité. Perov capture magistralement non seulement le physique mais aussi l'esprit de ces chasseurs. Grâce à son travail méticuleux au pinceau, il transmet leur concentration inébranlable et leur lien profond avec la nature. Chaque coup semble donner vie à chaque brin d'herbe et à chaque ondulation à la surface de l'eau. Exposée à la célèbre galerie Tretiakov de Moscou, cette œuvre de 1871 témoigne de la capacité de Perov à transporter les spectateurs à travers le temps et l'espace. Il nous invite à réfléchir sur notre propre relation avec la nature et nous rappelle qu'il y a de la beauté à la fois dans sa tranquillité et dans sa nature sauvage et indomptée.  

En 1877, l'artiste peint une copie du tableau, qui est conservée au Musée russe , tandis que l'original se trouve à Moscou dans la galerie Tretiakov . La troisième version du tableau se trouve au Musée d'Art. V.V. Vereshchagina à Nikolaev . 

La célèbre œuvre de Vasily Perov, l'un des principaux artistes russes de la seconde moitié du XIXe siècle, est depuis longtemps devenue un exemple classique du genre quotidien de la peinture. Au tournant des années 1860-1870, l'artiste abandonne les thèmes sociaux aigus et recherche la détente dans des sujets agréables consacrés à la nature, à la chasse et à la pêche. Perov aimait la chasse depuis son enfance et se considérait fièrement comme un expert du « monde du chant et de la croissance ». Le repas des hommes simples dans la nature, qu'il connaît bien, est écrit avec une ironie non dissimulée et évoque des associations avec les héros littéraires trompeurs de nombreux récits de chasse. Perov montre le monde des « idéalistes, romantiques, enthousiastes et rêveurs » qui aiment se détendre dans les fourrés de la forêt ou au bord d'une rivière, loin de l'agitation de la ville.

Le vieil homme assis à gauche, entré dans ce rôle, raconte clairement des histoires. Des jumelles d'un ancien modèle accrochées à sa poitrine témoignent d'une solide expérience de chasse. Les trophées obtenus en forme de lièvre et de canard le confirment. L'homme est visiblement content, même s'il a au lieu d'une meute un chien qui a reçu une partie de la proie. Cette image a été peinte par Dmitri Pavlovich Kuvshinnikov (1830 - 1901), médecin de police bien connu à Moscou et amateur de chasse à la carabine. Un jeune chasseur « nouvellement créé » est assis en face de lui. Absorbé par le bruit des histoires, il oublie distraitement d'allumer une cigarette, préparant la mèche fumante et la cigarette avec l'autre bout. En raison de son inexpérience, il s'est habillé de tout ce qui est nouveau, mais pas très à l'aise pour se promener dans les forêts et les marécages. Il n'est pas surprenant que le gibier et le filet à gibier qu'il a capturés pour la chasse soient vides, ce qui ne dérange cependant pas du tout le héros. Le prototype en était Nikolaï Mikhaïlovitch Nagornov (1845-1896), vingt-six ans, futur membre du gouvernement de la ville de Moscou. Au centre de la toile est apparemment représenté un chasseur local qui connaît bien la forêt environnante et sert de guide à ses connaissances. Son apparence révèle qu'il est le chasseur le plus expérimenté. Il sourit incrédule aux paroles du narrateur, confirmant par un geste caractéristique de la main gauche ses doutes sur l’histoire qu’il a entendue. Vassili Vladimirovitch Bezsonov (1826-1887), noble, fonctionnaire religieux et artiste amateur, a posé pour cette image. C'était un ami proche de Perov. En 1869, l'artiste peint un portrait de Bezsonov , conservé dans la collection de la galerie Tretiakov.

Les objets de chasse, qui « parlent » si éloquemment des héros du tableau, sont rassemblés dans des natures mortes séparées et constituent un ajout important au « scénario » de l'œuvre. Le ton jaunâtre chaud qui unit tous les fragments de la toile est associé à la couleur de l'automne profond. Perov montre qu'il faut « aimer la poésie de la chasse » pour se libérer et se sentir impliqué dans la pureté et l'immaculé du monde naturel.

Portrait du Dramaturge Ostrowskij 

Ce portrait présente le célèbre dramaturge russe Aleksandr Ostrovsky, immortalisé par les coups de pinceau habiles de Vasili Grigorevich Perov. Peint en 1871, ce chef-d’œuvre de l’huile sur toile capture l’essence d’Ostrovsky avec une précision et une profondeur remarquables. Le regard perçant d'Ostrovsky attire l'attention alors qu'il regarde directement le spectateur. Sa barbe rousse enflammée encadre son visage, ajoutant une touche de robustesse à ses traits raffinés. La tenue bordée de fourrure qu'il porte fait allusion à la fois à son statut et à sa sensibilité artistique. L'attention méticuleuse de Perov aux détails est évidente dans chaque trait de peinture qui fait ressortir la texture des vêtements et de la pilosité faciale d'Ostrovsky. Le jeu d’ombre et de lumière ajoute un air de mystère à la composition, renforçant son attrait général. Exposée en bonne place dans la prestigieuse galerie Tretiakov de Moscou, cette œuvre témoigne des contributions significatives d'Ostrovsky à la littérature et au théâtre russes. En parcourant ses œuvres, on comprend pourquoi il était considéré comme un géant littéraire à son époque. 

Portrait de Fedor Dostoyevsky 

Cette estampe présente le portrait emblématique de Vasily Perov de Fiodor Dostoïevski, un écrivain russe de renom. Peint en 1872 à l’huile sur toile, ce chef-d’œuvre se trouve dans la prestigieuse galerie Tretiakov à Moscou, en Russie. L'image capture l'intérieur de la galerie, où les visiteurs peuvent admirer la représentation habile de Dostoïevski par Perov. Le portrait lui-même représente une figure masculine distinguée et introspective. Le regard intense de Dostoïevski entraîne le spectateur dans son monde de pensées et d'émotions profondes. Avec des couleurs vibrantes et des coups de pinceau méticuleux, Perov fait ressortir chaque détail du visage de l'écrivain, capturant son essence de génie intellectuel et littéraire. L’observation de cette composition verticale nous rappelle l’importance que Dostoïevski revêt non seulement pour la littérature russe mais aussi pour la culture mondiale. Ses œuvres approfondissent la psychologie humaine et explorent des thèmes tels que la moralité, l'existentialisme et la spiritualité 

Voir les morts

Dans cet oeuvre poignante intitulée « Accompagner les morts, 1865 », nous sommes transportés dans une scène hivernale de la Russie du XIXe siècle. Créé par Vasily Perov, également connu sous le nom de Vasili Grigoryevich Perov, ce tableau capture le sombre voyage d'une famille russe alors qu'elle transporte un cercueil dans la neige sur un traîneau. L'atmosphère est remplie de tristesse et de désespoir, soulignée par le paysage froid et désolé. L'utilisation de la couleur par l'artiste ajoute de la profondeur à la composition, évoquant un sentiment de mélancolie qui résonne chez les spectateurs. Un cheval tire le traîneau tandis qu'un chien fidèle les accompagne dans leur voyage solennel. Le travail de Perov s'inscrit dans le mouvement artistique du réalisme, capturant non seulement les aspects physiques mais transmettant également des émotions profondes et des réalités sociales. Ce tableau constitue un puissant rappel de la pauvreté et des difficultés rencontrées par de nombreuses personnes à cette époque. Exposée à la Galerie nationale Tretiakov de Moscou sous différents noms tels que « Voir les morts » ou « Dernier voyage », cette œuvre constitue un témoignage durable de la résilience humaine en période de chagrin et de perte. Lorsque nous regardons cette oeuvre aujourd'hui, elle nous incite à contempler notre propre mortalité tout en appréciant la fragilité de la vie dans des conditions difficiles. 

Boire du thé à Mytishchi, près de Moscou

Cette estampe capture une scène poignante du chef-d'œuvre de l'huile sur toile de Vasili Grigorevich Perov, « Boire du thé à Mytishchi, près de Moscou ». Peinte en 1862 et aujourd’hui conservée à la galerie Tretiakov à Moscou, cette œuvre offre une fenêtre sur les disparités sociales et les difficultés rencontrées par les Russes ordinaires à cette époque. Dans cette composition évocatrice, nous assistons à un rassemblement autour d’un samovar – symbole emblématique de la culture du thé russe. Cependant, au-delà de l’ambiance chaleureuse créée par les tasses de thé fumantes, se cache un contraste saisissant entre richesse et pauvreté. Les personnages représentés vont des ecclésiastiques bien habillés aux mendiants avec des béquilles ou des jambes en bois. Cette juxtaposition met en évidence l’hypocrisie au sein de la société, car ceux qui devraient faire preuve de compassion et de gentillesse se révèlent égoïstes et cruels. L'attention portée aux détails par Perov est remarquable ; chaque expression raconte sa propre histoire. Le soldat blessé à la jambe infirme représente les sacrifices consentis pour son pays tout en étant abandonné par la société. Pendant ce temps, les mendiants frappés par la pénurie reflètent les dures réalités auxquelles beaucoup de gens étaient confrontés à cette époque. À travers cette image puissante, Perov nous rappelle notre devoir les uns envers les autres : reconnaître les disparités et faire preuve d’empathie au lieu de nous détourner. Il sert à la fois de document historique capturant les luttes passées de la Russie et de rappel durable que la compassion peut exister. 

Procession de Pâques

Cette estampe capture l'essence d'une vibrante procession de Pâques en 1861, peinte par le talentueux artiste Vasili Grigorevich Perov. La scène représente un village de campagne en Russie, où les villageois se rassemblent pour célébrer cette fête religieuse avec une grande ferveur. Le tableau présente un éventail d'émotions et d'activités qui définissent cette occasion festive. Au premier plan, nous voyons un groupe de joyeux paysans qui se sont livrés à la fête à l'auberge ou à la taverne locale. Certains semblent légèrement ivres alors qu’ils s’engagent dans des conversations animées et des rires tandis que d’autres tentent de se dégriser avant de rejoindre le cortège. Leurs visages joyeux reflètent leur véritable bonheur en cette période particulière. Le point central de l’œuvre d’art est sans aucun doute les symboles religieux présents partout. Une icône, une croix et un crucifix sont bien en vue, soulignant la foi orthodoxe profondément enracinée au sein de ces humbles communautés. Une bannière joliment ornée ajoute de la couleur et de la grandeur à cet événement sacré. Perov dépeint magistralement à la fois la pauvreté et le bonheur dans sa représentation des serfs participant à cette célébration. Malgré leurs moyens modestes, ces personnes trouvent réconfort et contentement grâce à leurs croyances communes et à leur esprit communautaire. Exposée à la galerie Tretiakov de Moscou, cette pièce remarquable témoigne des prouesses artistiques de Perov et de sa capacité à capturer la vie quotidienne avec authenticité. Il invite les spectateurs dans un monde rempli de tradition, de spiritualité, de camaraderie et, par-dessus tout, d'espoir pour des jours meilleurs à venir. 

Chasseur

Dans cette œuvre d'art du XIXe siècle intitulée "Bird Catcher". Vasily Perov nous transporte dans un décor forestier tranquille, où la patience et l'habileté d'un chasseur sont pleinement mises en valeur. Le tableau, aujourd'hui conservé à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou, met en valeur la maîtrise du réalisme de Perov et sa capacité à capturer l'essence de la vie quotidienne. Un jeune garçon s'allonge au milieu d'une verdure luxuriante, se fondant parfaitement dans la nature en attendant sa proie à plumes. Le regard fixé sur les arbres environnants, il incarne à la fois l'innocence et la détermination. Ce métier requiert non seulement de l’agilité physique, mais aussi une acuité mentale – une compréhension du comportement des oiseaux et une concentration sans faille. L'utilisation de la couleur par Perov ajoute de la profondeur à la scène ; les teintes vibrantes donnent vie à chaque feuille et branche. L'attention de l'artiste aux détails est évidente dans chaque trait de peinture à l'huile qui fait ressortir la texture et le mouvement dans le paysage boisé. Faisant partie du célèbre mouvement artistique russe connu sous le nom de Peredvizhniki ou réalistes, Vasily Perov cherchait à dépeindre des scènes de la vie quotidienne qui résonnaient profondément auprès des spectateurs. À travers ce chef-d’œuvre, nous entrevoyons une époque révolue où les hommes exerçaient des métiers profondément liés à la nature elle-même. Cette image d’art témoigne à la fois de l’ingéniosité humaine et de notre lien avec le monde naturel, nous rappelant que même à notre époque moderne, il y a encore de la beauté dans la simplicité et l’harmonie entre l’homme et l’environnement. 

Lundi de Carême

Cette estampe intitulée "Lundi de Careme" de Vasili Grigorievich Perov représente un couple portant des plantes pour leur bain de vapeur purifiant et curatif, précédant la semaine de Pâques. Peinte en 1866, cette huile sur bois met en valeur la maîtrise de l'artiste dans la capture des scènes de rue et des traditions de la Russie du XIXe siècle. Le tableau représente une tradition ancienne connue sous le nom de "Lundi Propre", où les gens se préparent spirituellement et physiquement pour les prochaines célébrations de Pâques. Le couple est vêtu de vêtements traditionnels, portant des casquettes et des chapeaux pour se protéger du froid hivernal. Le paysage enneigé ajoute une touche de sérénité à la scène. La religion joue un rôle important dans cette œuvre d’art, car elle représente des éléments du christianisme et des pratiques orthodoxes. Le Carême, période de jeûne et de réflexion précédant Pâques, est symbolisé par les plantes portées par le couple. On pense que ces plantes ont des propriétés nettoyantes qui aident à la purification spirituelle. Les couleurs vibrantes utilisées par Perov donnent vie à ce moment historique capturé sur toile. Les teintes chaudes contrastent magnifiquement avec le fond enneigé, créant une composition visuellement saisissante. Dans l’ensemble, cette estampe offre aux spectateurs un aperçu de la culture russe du XIXe siècle tout en mettant en lumière les coutumes religieuses liées à la vie quotidienne. Il nous rappelle comment l’art peut transcender le temps et nous fournit des informations précieuses sur notre histoire et nos traditions. 

Troika

Cette estampe présente le chef-d'œuvre de Vasili Grigoryevich Perov, "Troika (Traineau). Les apprentis cherchant de l'eau. (Rue en hiver)". Peinte en 1866, cette huile sur toile représente l'essence de l'art russe du XIXe siècle. La scène représentée se déroule dans un contexte hivernal enneigé, où l'on voit des apprentis cherchant de l'eau avec leurs cannes ou leurs cannes. Les couleurs vibrantes et l'attention portée aux détails donnent vie au tableau, capturant l'imagination du spectateur. Perov dépeint habilement divers éléments qui définissent la culture et la société russes de cette époque. Du traîneau traditionnel de la troïka tiré par des chevaux à l'atmosphère froide de l'hiver, chaque aspect ajoute de la profondeur et de l'authenticité à cette pièce. Curieusement, un chien accompagne l'un des apprentis dans ses déplacements dans les rues enneigées. Cette inclusion symbolise la loyauté et la camaraderie dans des moments difficiles. La peinture met également en lumière les thèmes de l’innocence et de la jeunesse de l’enfance juxtaposés au travail acharné et à la responsabilité. Cela évoque un sentiment d’admiration pour ces jeunes qui font preuve d’une sagesse au-delà de leur âge tout en s’engageant dans des tâches laborieuses. Exposée à la Galerie nationale Tretiakov de Moscou, cette œuvre témoigne de la maîtrise de Perov en tant qu'artiste et de sa capacité à capturer des moments importants de la vie quotidienne. Sa présence dans cette galerie assure sa préservation pour les générations à venir, permettant aux spectateurs du monde entier d'apprécier son importance historique et son éclat artistique. 

Perov a imaginé une rue hivernale et blizzard, comme isolée des gens, de l'agitation de la rue par un sombre mur de monastère. Le long du mur, au bout de la rue, trois enfants transportent sur un traîneau un énorme baril d'eau glacée. Deux garçons et une fille sont épuisés, le vent déchire leurs vêtements troués, et ils tirent et tirent toujours leur traîneau, le baril est sur le point de glisser du traîneau glacé, mais un passant au hasard a tenu le baril par derrière et est aider à le porter. Il est impossible de regarder sans compassion ces visages émaciés d’enfants, de voir ces yeux remplis d’amertume, de souffrance et de tourment. Les couleurs dures du paysage hivernal renforcent l’impression sombre de l’image.

Perov a rapidement écrit deux enfants extrêmes, mais pendant longtemps il n'a pas pu trouver le « garçon racine », le garçon au centre de la « Troïka ». Un jour, à Tverskaya Zastava, il aperçut des piétons fatigués - une vieille femme et un garçon. L'artiste a été étonné de voir à quel point le garçon convenait bien à son type pour sa peinture. Perov a eu du mal à persuader la vieille mère de lui permettre de peindre son fils, elle craignait toujours que ce soit un grand péché. Après beaucoup de persuasion, elle a accepté. Le garçon était assis tranquillement ; Perov a écrit avec passion et rapidité, et la vieille femme, qui, après un examen plus approfondi, s'est avérée beaucoup plus jeune, a raconté tranquillement comment elle a enterré son mari et ses enfants et s'est retrouvée avec seulement son fils unique Vasenka, sa seule joie. Le tableau a été peint.

"Troïka" a ensuite été achetée par P.M. Tretiakov. Un jour, une vieille femme est venue dans l’appartement de l’artiste. Il ne l'a pas reconnue, elle lui a rappelé elle-même et n'a pas pu se calmer pendant longtemps - elle n'arrêtait pas de pleurer. Puis elle a dit que son fils était mort, qu'après l'avoir enterré, elle a tout vendu, collecté de l'argent et est ensuite venue acheter un tableau où "son fils a été radié". Perov a expliqué que le tableau ne lui appartenait plus et l'a emmenée à la galerie Tretiakov. Elle regarda autour de la pièce avec son regard doux et s'approcha rapidement de la photo où est représentée sa chère Vasya. "Tu es mon père ! Tu es mon cher, c'est ta dent manquante !" - et avec ces mots, comme coupés court, elle tomba au sol. La mère a passé beaucoup de temps près du tableau de Perov, personne ne l'a dérangée et seul le serviteur la regardait avec des yeux remplis de larmes. "Une mer de mots, mais une rivière de chagrin, une rivière de chagrin sans fond !," Perov était toujours et partout capable de voir cette douleur humaine sans fond et il la voyait avec son cœur grand et généreux. 

Botaniste

Cette estampe intitulée « Botaniste, 1874 » met en valeur le talent remarquable de l'artiste russe Vasili Grigoryevich Perov. Trouvé dans la prestigieuse collection de la Galerie nationale Tretiakov à Moscou, ce chef-d’œuvre capture magnifiquement un moment serein dans la nature. Situé sur fond de champs verdoyants et baigné d’une chaude lumière du soleil, le tableau représente un botaniste absorbé par son travail. Avec une attention méticuleuse aux détails, Perov dépeint le scientifique examinant méticuleusement des spécimens de plantes avec la plus grande concentration. Son fidèle compagnon canin repose fidèlement à ses côtés, ajoutant un élément de camaraderie et de loyauté à la scène. La maîtrise de Perov réside non seulement dans sa capacité à capturer les émotions humaines, mais également dans sa représentation habile des éléments naturels. Le paysage estival respire la tranquillité et invite le spectateur à s’immerger dans ce décor champêtre idyllique. En regardant cette œuvre d’art, il devient évident que le réalisme est au cœur de cette œuvre. Chaque trait sur toile fait ressortir l'authenticité et la profondeur, donnant l'impression que l'on peut entrer directement dans cette scène pittoresque. Grâce à "Botaniste". Perov nous transporte dans la Russie du XIXe siècle, offrant un aperçu de la vie rurale à cette époque. Cette peinture témoigne à la fois de la beauté de la nature et de la curiosité incessante de l'homme pour le monde qui l'entoure – des thèmes qui continuent de résonner aujourd'hui. 

Le peintre Alekei Kondratevich Savrasov  

Cette estampe présente le superbe portrait du célèbre artiste russe Alexei Savrasov, peint par Vasili Grigoryevich Perov au 19e siècle. Le chef-d’œuvre de l’huile sur toile se trouve actuellement à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou, un trésor de l’art russe. Dans cette représentation saisissante, le visage de Savrasov dégage un sentiment de profonde contemplation et d'introspection. Ses yeux regardent au loin, peut-être perdus dans ses pensées alors qu'il réfléchit à sa vision artistique. Les couleurs vives utilisées par Perov font ressortir chaque détail des traits de Savrasov, capturant non seulement son apparence physique mais aussi son essence intérieure. Le tableau témoigne du riche patrimoine artistique de la Russie au XIXe siècle. Il reflète à la fois le talent et la créativité de Perov ainsi que l'influence et l'importance de Savrasov dans les cercles artistiques russes. En admirant cette œuvre remarquable, nous sommes transportés à une époque où des artistes comme Savrasov étaient à leur apogée, repoussant les limites et explorant de nouvelles frontières à travers leur travail. Cette estampe nous permet d'apprécier non seulement le talent derrière sa création, mais nous offre également un aperçu du parcours d'un homme vers l'expression de soi à travers l'art. 

Pêcheur

C'est un tableau captivant de Vasily Perov qui capture magnifiquement l'essence de la vie russe du XIXe siècle. Dans cette œuvre, Perov représente habilement un vieil homme absorbé par son passe-temps favori : la pêche. Avec une grande attention aux détails et une maîtrise du réalisme, il représente le pêcheur debout au bord de la rivière avec sa canne à pêche en attente au-dessus de l'eau. Les couleurs utilisées dans cette pièce évoquent un sentiment de tranquillité et d'harmonie avec la nature. Le mouvement artistique de Perov était profondément enraciné dans la capture de scènes de la vie quotidienne, et « Le Pêcheur » illustre cette approche. Par ses coups de pinceau, il nous transporte dans la Russie rurale du XIXe siècle, où la pêche était à la fois un passe-temps et un moyen de subsistance pour de nombreuses personnes. En regardant cette estampe, nous pouvons presque nous sentir regarder aux côtés de l’artiste alors qu’il immortalise ce moment serein. Cela nous rappelle notre lien avec la nature et comment des plaisirs simples comme la pêche peuvent apporter de la joie malgré les défis de la vie.  

Portrait de l'écrivain Vladimir Ivanovitch Dahl

Ce portrait présente le célèbre écrivain et lexicographe russe Vladimir Dahl, immortalisé par le talentueux artiste Vasili Grigoryevich Perov. Peint en 1872, ce chef-d'œuvre à l'huile sur toile capture l'essence des prouesses intellectuelles et de la profonde contemplation de Dahl. Exposée à la Galerie nationale Tretiakov de Moscou, cette œuvre témoigne de l'habileté du pinceau de Perov et de sa capacité à transmettre la profondeur et l'émotion à travers la couleur. Les teintes vibrantes donnent vie au visage de Dahl alors qu'il est assis dans un fauteuil élégant, entouré de meubles exquis qui respirent la sophistication. Les traits vieillis de Dahl reflètent toute une vie de sagesse acquise grâce à ses activités littéraires. Son expression suggère une profonde réflexion alors qu’il plonge dans les domaines de la littérature et du langage. Cette représentation résume magnifiquement la vieillesse avec sa grâce et sa dignité inhérentes. Le tableau rend non seulement hommage à Dahl mais célèbre également l’art russe du XIXe siècle. Il rappelle le riche héritage culturel de la Russie et sa contribution à la littérature mondiale. En contemplant cette pièce remarquable, nous sommes transportés dans le temps, témoins à la fois de la beauté de l'expression artistique et de l'héritage laissé par de grands esprits comme Vladimir Dahl. 

Le Christ et la Mère de Dieu à la Mer de la Vie

Perov nous offre ici une des plus belle présentation de la Vierge et de l'Enfant de la peinture mondiale et c'est bien dommage qu'elle soit à ce jour si peu connue du grand public. 

Le tableau fait partie des quelques images religieuses créées par Vasily Perov, ainsi que l'icône « Spas » (seconde moitié des années 1860, Galerie Tretiakov). Mais contrairement à elle, la toile est associée à l’iconographie catholique.

L'œuvre « Le Christ et la Mère de Dieu à la mer de la vie » a été achevée pour l'exposition académique d'automne et a été offerte par l'auteur à l'église de Côme et Damien de Moscou à Shubin. Selon le premier biographe de l’artiste, Nikolaï Sobko, cette œuvre a été réalisée « dans un esprit nouveau », par rapport aux scènes de genre familières du peintre. La toile présente une courbe caractéristique en haut, faisant référence à la forme d'une peinture d'autel. Les figures de la Mère de Dieu et de l’Enfant sont représentées en grandeur nature, leurs volumes sont soigneusement modelés au pinceau de l’artiste. Ces techniques, comme le halo de lumière divine autour des têtes, soulignent le sens sacré du tableau. Les robes rouges et bleues sont traditionnellement associées à l'iconographie de la Vierge Marie.

L'intrigue du tableau est liée à un rêve vu par l'artiste. Le contenu du rêve est interprété par Perov comme une allégorie. La Mer de Vie est une image chrétienne associée à l'abîme du péché et aux vicissitudes du destin. Dans le tableau, il est incarné par un serpent dégoûtant rampant hors des vagues. Le garçon s'ouvre joyeusement au monde, inconscient du danger imminent. Il y a de l'anxiété sur le visage de la Mère de Dieu. La pierre sur laquelle Jésus est assis symbolise la force. Un halo lumineux se détache sur fond d’une lueur menaçante au loin.

Le clair-obscur contrasté, ainsi que le type méridional du visage de la Mère de Dieu, rappellent le style des peintures des maîtres espagnols du XVIIe siècle. Le célèbre critique Vladimir Stasov, héraut de l'art réaliste, a jugé inappropriés le sujet archaïque du tableau et les types de visages.

L’œuvre a été exposée en 1867 lors d’une exposition itinérante aux côtés des œuvres de Perov « Lundi propre » et « La femme noyée » (1866 et 1867, Galerie Tretiakov). Leur contenu complétait le thème de la mer de la vie avec des sujets liés à la compréhension de la valeur de la vie humaine et au début du Carême - un temps de repentance et de purification du péché.

La dernière taverne de l'avant-poste

Vasily Perov capture un moment poignant de la vie paysanne russe au XIXe siècle. Dans ce tableau évocateur, nous voyons une scène désolée où une femme fatiguée est assise sur un traîneau, attendant son mari devant une taverne. L'air froid de l'hiver la mord alors qu'elle attend anxieusement qu'il émerge de l'intérieur, sachant que leur maigre salaire est gaspillé en boisson. Alors que le soleil se couche au loin, les silhouettes des aigles tsaristes planent au-dessus, symbolisant à la fois le pouvoir et l'oppression. L'attention portée aux détails par Perov est remarquable ; il représente habilement non seulement l'environnement physique, mais transmet également des émotions profondes grâce à son utilisation de la couleur et de la lumière. Le tableau est également connu sous le nom de « La dernière taverne aux portes de la ville », ce qui ajoute une autre couche de symbolisme. Cela suggère que cette brasserie représente plus qu’un simple établissement ; cela signifie la fin de l’espoir et de la prospérité pour ces paysans pauvres. Exposée à la Galerie nationale Tretiakov de Moscou, cette œuvre témoigne de la maîtrise du réalisme de Perov et de sa capacité à capturer les luttes humaines avec une grande sensibilité. Par ses coups de pinceau, il nous invite dans ce monde sombre où la pauvreté règne en maître et où les individus comme cette femme se retrouvent impuissants face à leur situation. "La brasserie du pont à péage" constitue un rappel important des inégalités sociales à travers l'histoire tout en mettant en valeur l'immense talent de Perov en tant que l'un des peintres les plus célèbres de Russie. 

Savoyard

Lors de son voyage en Europe, Perov a travaillé dur. L'inspiration semblait l'avoir quitté. Chaque coup était difficile. Se retrouvant dans un environnement qui lui est étranger, l'artiste tente d'étudier les mœurs et les coutumes. Il est un habitué des foires et des fêtes. Il est attiré par les personnages des rues et des places : joueurs d'orgues, jongleurs ambulants, acrobates et danseurs. Lors d'une de ces « campagnes parmi le peuple », un petit Savoyard attira son attention. C'était le nom en Europe des musiciens itinérants suisses qui parcouraient les villes et villages des pays riches du continent avec une flûte invariable et une marmotte dressée. 

Devant nous se trouve un très jeune clochard. L'artiste a réussi à transmettre le degré extrême d'épuisement de l'enfant, le sort difficile et la tragédie de la vie elle-même. Pantalons effilochés, chaussures usées. Entre les mains d'une flûte cassée - le résultat d'une collision avec des concurrents du divertissement de rue. La fidèle marmotte, affamée et épuisée tout autant que son propriétaire, s'accrochait au garçon pour se réchauffer tant bien que mal. Le chapeau, destiné davantage à collecter des « taxes », est vide. Ainsi, aujourd’hui, quelques pauvres gars n’ont pas réussi à gagner de l’argent.

Le trottoir puissant et le trottoir haut soulignent la fragilité et l'impuissance du Savoyard. Seule une écharpe délavée nouée autour du cou du petit artiste révèle son appartenance à la corporation des artistes. Des cheveux ébouriffés, une pâleur, un demi-sourire inspiré d'un rêve heureux, font briser le cœur du spectateur de sympathie et de douleur pour le sort du garçon dans un monde cruel. 

Bataille de Malakoff

L'œuvre  captivante intitulée « Bataille de Malakoff » capture un moment important de l'histoire lors de la bataille de Malakoff en 1855. Peint par Vasili Grigoryevich Perov, ce chef-d'œuvre présente des soldats russes surveillant avec diligence leurs ennemis français lors d'une mission de reconnaissance. L'œuvre d'art à l'huile sur toile, créée en 1874, appartient au genre de l'art russe du XIXe siècle connu sous le nom de réalisme et est exposée à Moscou à la Galerie Tretiakov alors qu'une variante est exposée au Musée d'art russe de Kiev, en Ukraine. Cette peinture illustre l'intense confrontation entre deux forces rivales. Les couleurs vibrantes et les détails minutieux donnent vie à l'atmosphère de guerre et mettent en valeur le courage et la détermination de ces soldats. Cette scène historique nous ramène à une époque où l’Europe était plongée dans un conflit pendant la guerre de Crimée. Les soldats représentés ne sont pas seulement des fantassins mais aussi des cosaques qui ont joué un rôle essentiel dans la défense de leur patrie contre les envahisseurs étrangers. Les œuvres de Vasili Grigoryevich Perov racontent une histoire puissante sur le courage et le sacrifice des deux côtés de cette bataille acharnée. Il rappelle notre histoire humaine commune et rend hommage à ceux qui se sont battus pour leur pays avec une loyauté inébranlable. Tout en admirant cette œuvre époustouflante, réfléchissons à son importance dans l'histoire européenne tout en appréciant le talent artistique de Perov qui a immortalisé à jamais ces hommes courageux. 

Scène de rue à Paris

Cette estampe capture une scène de rue animée à Paris au XIXe siècle. Les passants se sont arrêtés pour écouter et admirer un couple talentueux de musiciens de rue, créant une atmosphère enchanteresse. L'homme joue habilement de l'ehru, un instrument à deux cordes frottées par un archet, tandis que sa femme l'accompagne de sa belle voix chantante. Peinte par Vasili Perov, cette œuvre met en valeur sa capacité à capturer la vie quotidienne et les gens ordinaires de manière extraordinaire. Le tableau est conservé à la galerie Tretiakov de Moscou, où il continue de captiver les visiteurs par sa représentation vibrante du commerce de rue et de ses talents musicaux. Dans cette image capturée par Photo Josse, nous sommes transportés dans le temps pour assister aux rues animées de Paris remplies de musique et d'art. Cela nous rappelle que même au milieu du chaos de la vie urbaine, des moments de beauté peuvent être trouvés lorsque l'on prend le temps de les apprécier. Le tableau met non seulement en valeur le génie artistique derrière le travail de Perov, mais célèbre également la joie que la musique apporte aux interprètes et aux spectateurs. Cela nous rappelle que l’art n’a ni frontières ni limites ; il transcende les barrières linguistiques et connecte des personnes de cultures différentes à travers des émotions partagées. A travers cette oeuvre, nous sommes invités dans un monde où la créativité s'épanouit à chaque coin de rue et où même les humbles musiciens de rue peuvent toucher nos âmes avec leurs mélodies. 

Les festivités parisiennes

Les festivités parisiennes peintes par Perov nous présente ici l'intérieur du stand lors d'une représentation. 

Le croquis a été réalisé par Vasily Perov lors de son voyage de retraite. En août 1863, le peintre informa le Conseil de l'Académie qu'après avoir loué un atelier à Paris, il se mit immédiatement au travail et réalisa une esquisse du « Vendeur de recueils de chansons » (Galerie Tretiakov, 1863-1864) avec plus de vingt figures, mais arrêta dans ses études parce qu’il ne pouvait pas terminer ne serait-ce qu’un seul personnage du tableau, « sans connaître ni les gens, ni leur mode de vie, ni leur caractère, sans connaître les types de gens, qui sont la base du genre ». Pendant plusieurs mois, il visite les lieux de rassemblement du peuple parisien, tant en ville qu'en banlieue. Le résultat de ces voyages fut un certain nombre d'œuvres à une seule figure ( "Le broyeur d'orgues" (1863) , "Le broyeur d'orgues" (1864) , "Le Savoyard" (1864) , toutes à la galerie Tretiakov) et à plusieurs figures. compositions ( « Des vacances dans les environs de Paris » (1863-1864, Galerie Tretiakov ), « Fêtes parisiennes. L'intérieur d'un stand lors d'une représentation » ). Le motif de la fête, des festivités folkloriques bruyantes permettait de montrer de nombreuses scènes diverses et assez indépendantes de la vie citadine, de montrer un grand nombre de types parisiens.

Sketch « Fêtes parisiennes. L'intérieur de la cabine pendant la représentation n'a pas été réalisé par l'artiste. De nombreuses figures et détails de la scène sont exécutés uniquement en sous-couche ou seulement esquissés, et le caractère inachevé permet de voir le processus de travail de l'artiste, d'entrer dans son atelier de création et de comprendre pourquoi cette œuvre est particulièrement intéressante. 

Un spectacle a lieu sous la coupole du cirque. Le public était assis autour de la scène sur des bancs et par terre. Le regard de nombreux spectateurs est attiré par la figure d'un jeune acrobate se balançant sur un trapèze. Au premier plan, un zouave portant un pantalon bouffant rouge attire l'attention. Des musiciens jouent en arrière-plan. Le dessin souple, audacieux et dynamique témoigne de l'influence des œuvres des peintres français Auguste Raffet et Honoré Daumier sur Vasily Perov. La palette de couleurs chaudes du croquis unit tous les éléments de l’œuvre. La Galerie Tretiakov abrite une esquisse graphique de cette œuvre (1863-1864) , une esquisse picturale se trouve au Musée national des beaux-arts de la République du Tatarstan.

Le retour des faucheurs du champ dans la province de Riazan

Enfants endormis

Il n’y a pas de tâche plus difficile pour un artiste que de peindre des enfants. L'auteur a choisi la situation la plus appropriée : le sommeil profond. Cela a permis au maître d'achever le travail avec un soin, un scrupule et un amour extraordinaires. 

La lumière du soleil qui filtre à travers les fissures des murs d’une vieille grange éclaire deux enfants endormis sur la paille. Dans cette situation apparemment ordinaire, l'auteur a réussi à trouver de nombreuses nuances et subtilités qui évoquent bon nombre des émotions les plus positives chez le spectateur. Perspective complexe, jeux d'ombre et de lumière, détails remarqués, tout remplit l'œuvre d'une tendresse touchante.

Des pieds d'enfants peu habitués aux chaussures, de simples perles au cou de la fille, des vêtements médiocres, un tapis recouvrant le garçon, ces détails en diront bien plus sur les personnages que des dizaines de pages de texte. Il est impossible de ne pas remarquer la tendresse avec laquelle l'auteur lui-même traite ses héros. Il admire ouvertement les enfants, prêtant une attention particulière aux moindres détails, à la lumière, à la texture. Le tableau a reçu des critiques élogieuses de la part des critiques, a été apprécié par les amateurs d'art russe et est également devenu un ornement pour des expositions étrangères d'art russe. 

Le soir du Samedi Saint

 « Un Samedi soir saint », nous ramène à la fin des années 1860 ou au début des années 1870 en Russie. Créé par le talentueux artiste Vasili Grigoryevich Perov, ce chef-d'œuvre se trouve dans la prestigieuse collection de la Galerie nationale Tretiakov à Moscou. Le tableau capture magnifiquement une scène de soirée pendant la Semaine Sainte, en particulier le dimanche des Rameaux. L'Église orthodoxe est représentée avec un réalisme et une attention aux détails remarquables, mettant en valeur la maîtrise de Perov en tant que peintre de genre. L'influence du mouvement Peredvizhniki, également connu sous le nom de « les Vagabonds » ou « les Itinérants », est évidente dans son œuvre. Utilisant l'huile sur papier comme support de prédilection, Perov donne vie à la fête liturgique qui marque cette fête mobile. L'atmosphère est sereine mais pleine d'attentes pour le dimanche de Pâques. En contemplant cette œuvre, nous sommes transportés dans un monde où tradition et spiritualité s'entremêlent. Le samedi saint revêt notamment une grande importance dans la culture russe, car il précède le dimanche de Pâques et symbolise la descente du Christ aux enfers avant sa résurrection. Cette signification symbolique ajoute de la profondeur et des couches au portrait de Perov. Avec son riche contexte historique et son exécution artistique exceptionnelle, cette estampe témoigne du talent de Vasili Grigoryevich Perov et contribue à notre appréciation de l'art religieux russe de cette époque. 

Sermon au village

Cette estampe présente le célèbre tableau "Sermon dans un village" de Vasili Grigoryevich Perov, créé en 1861. L'œuvre d'art est conservée dans la prestigieuse Galerie nationale Tretiakov située à Moscou, en Russie. Perov, un membre éminent du mouvement Peredvizhniki (également connu sous le nom de Vagabonds ou Itinérants), était célèbre pour ses peintures réalistes et basées sur le genre qui représentaient des scènes de la vie quotidienne. Dans ce chef-d’œuvre particulier, il capture un moment intime au sein d’une église orthodoxe où un sermon est prononcé. Le tableau dégage un sentiment de tranquillité et de dévotion alors que les paroissiens se rassemblent pour écouter attentivement les paroles du prêtre. L'attention méticuleuse de Perov aux détails donne vie à chaque personnage, mettant en valeur leurs expressions et leurs gestes individuels. Grâce à son utilisation magistrale de l'huile sur toile, Perov dépeint non seulement la ferveur religieuse, mais souligne également l'importance de la communauté et de la spiritualité au sein de la culture russe de cette période. Cette œuvre illustre à la fois son talent artistique et sa capacité à capturer de profondes émotions humaines. En admirant cette image artistique, nous sommes transportés dans le temps pour être témoins du pouvoir de la foi et de son impact sur la société. Il constitue un témoignage du talent de Perov ainsi qu'un élément important de l'histoire russe conservé dans les murs de la Galerie nationale Tretiakov. 

Autoportrait en 1870

Cette estampe présente l'autoportrait fascinant de Vasili Grigoryevich Perov, artiste russe de renom du 19e siècle. Créée en 1870, cette huile sur toile est une véritable représentation du talent exceptionnel et de la vision artistique de Perov. Exposé à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou, ce chef-d'œuvre capture la nature introspective de Perov alors qu'il regarde pensivement au loin. Les couleurs vibrantes et les coups de pinceau minutieux donnent vie à son visage, révélant chaque émotion et chaque nuance avec une clarté remarquable. L'autoportrait de Perov reflète non seulement son incroyable talent de peintre, mais nous offre également un aperçu de son monde intérieur. D'origine asiatique, il ajoute de la diversité à la riche tapisserie de l'histoire de l'art russe. En admirant cette œuvre, nous sommes transportés dans le temps pour assister à l'éclat de l'art russe du XIXe siècle. Il témoigne de la contribution de Perov au patrimoine culturel de la Russie et nous rappelle son impact durable sur les générations futures d'artistes.  

Un noyé

Saint Petersbourg Musée d'Etat Russe

Réfectoire du monastère

Un repas au monastère est aussi connu sous le nom de "Repas" où les pauvres mendient par terre, tandis que des prêtres orthodoxes russes bien nourris sont assis à une table, avec du vin ouvert à gauche.  L'estampe intitulée « Un repas au monastère, 1865-1875 » de Vasily Perov capture une scène puissante de réalités contrastées. Dans cette image qui fait réfléchir, nous sommes témoins du profond fossé entre les pauvres et les privilégiés au sein de la société russe au XIXe siècle. Le tableau représente un groupe d’individus démunis mendiant par terre tandis que des prêtres orthodoxes russes bien nourris sont confortablement assis à une table. La disparité est encore accentuée par le fait qu'une plus grande quantité de vin est ouverte sur le côté gauche de la table, symbolisant l'excès et l'indulgence. Vasily Perov, membre fondateur de Peredvizhniki, était connu pour sa représentation réaliste des problèmes sociaux. À travers cette œuvre, il met en lumière des thèmes tels que l’avidité, l’hypocrisie et la gourmandise qui prévalaient dans les institutions religieuses de cette époque. La visite de Perov en Allemagne et à Paris a grandement influencé son style artistique. En tant que professeur à l’École des arts, de sculpture et d’architecture de Moscou, il a joué un rôle déterminant dans la formation des futures générations d’artistes. Ce tableau est conservé au Musée national russe de Saint-Pétersbourg. C’est un rappel poignant des inégalités sociétales qui persistent encore aujourd’hui. En capturant ce moment avec des détails méticuleux et un symbolisme profond, Perov invite les spectateurs à réfléchir sur leurs propres croyances sur la religion, la pauvreté et la compassion. 

Pêche

Le tableau donne une impression un peu d'une « étude ». Il y a un sentiment d'incomplétude. Pêcheur passionné, l'auteur montre son passe-temps favori avec amour et compréhension. La palette de couleurs vives et gaies confère à l’œuvre une certaine sensation « populaire ».

L'atmosphère de paix sereine est créée par la douce lumière du soleil du matin, de l'aube et du ciel sans nuages. Les personnages de cette scène sont encore à moitié endormis. Leur pot est vide, la prise est en avance. Il est clair qu’ils aiment avant tout être là en ce moment. Apparemment, nous avons devant nous un grand-père et un petit-fils. La différence d'âge est soulignée par l'artiste avec la couleur : tons pâles et jaunâtres pour le pêcheur plus âgé et rose tendre (la couleur de la chemise) pour le garçon. Ce ne sont pas des pêcheurs invétérés, mais des amateurs.

Le tableau est riche en émotions et son sujet n'est pas facile pour l'artiste. Ayant vécu la mort de deux de ses enfants, il les regrette.

L’œuvre a été réalisée plusieurs années avant la mort de l’artiste. On peut supposer que dans son œuvre, l'auteur a exprimé son désir d'une vie de famille tranquille, de rires d'enfants et de confort. Par conséquent, l’idéalisation, la simplification et le son triste de l’image deviennent clairs. L'expression détachée et indifférente des visages des personnages est également compréhensible. Soit ils ne s'étaient pas encore réveillés, soit ils s'ennuyaient complètement de leur métier. Cependant, ils continuent à pêcher avec une patience enviable. 

Il apparaît également que l'œuvre est inachevée, que le dessin est flou et quelque peu flou, ce qui n'est pas du tout caractéristique du maître.

L'artiste a également abordé la création de paysages de manière formelle. Il ne marque que la rive de la rivière, les buissons enveloppés dans le brouillard matinal.

Un examen attentif révèle que la figure du pêcheur plus âgé est représentée avec plus de précision ; la figure, en particulier le visage du garçon, porte des traces d’incomplétude. Il était insupportable pour l’auteur de travailler sur le visage de l’enfant ; les souvenirs interféraient et lui déchiraient le cœur.

D'autre part, dans chaque trait, dans chaque ligne du tableau, on sent la main d'un artisan expérimenté et amoureux de son travail. La lumière du soleil, la texture de l’eau, du verre et de la verdure estivale sont parfaitement présentées. Le long plan, avec la cheminée fumante de l'usine à peine lisible, s'est également très bien déroulé.

Comme si la vieillesse et la jeunesse incarnées au bord du fleuve de la vie pensaient au passé et à l'avenir... 

Saint Petersbourg Musée Historique

Un valet arrogant

Cette estampe intitulée « Un valet arrogant (personne arrêtée), 1873 » de Vasili Grigoryevich Perov nous ramène à l'époque tumultueuse de la Russie du XIXe siècle. Le tableau, conservé au Musée historique d’État de Moscou, est une représentation poignante de la lutte entre la liberté et la loi. Dans cette œuvre magistrale et réaliste, Perov capture habilement l'essence de la vie d'un prisonnier dans les limites d'un établissement correctionnel. L'expression désespérée sur le visage de la personne arrêtée en dit long sur sa situation désespérée. Nous sommes transportés dans un monde souterrain où résident des voleurs et des criminels, révélant le côté le plus sombre de la société. L'utilisation par l'artiste de l'huile sur toile apporte de la profondeur et de la texture à chaque coup de pinceau, renforçant ainsi notre lien avec cette scène sombre. En contemplant cette image artistique, nous pouvons presque sentir le poids de la justice rendue ou refusée entre les murs de cette prison. "An Arrant Knave" nous rappelle avec force que même à une époque où l'espoir semble perdu, il y a encore de la beauté dans les expressions artistiques qui éclairent les problèmes de société. Ce tableau nous invite à réfléchir sur des thèmes tels que l'emprisonnement, la contrebande et les procès tout en contemplant nos propres notions de justice. Grâce au talent remarquable et à l'attention portée aux détails de Perov, il a créé une œuvre durable qui continue de résonner auprès des spectateurs d'aujourd'hui. 

Kiev Musée d'Art Russe

Bataille de Malakoff

L'estampe captivante capture un moment important de l'histoire lors de la bataille de Malakoff en 1855. Peint par Vasili Grigoryevich Perov, ce chef-d'œuvre présente des soldats russes surveillant avec diligence leurs ennemis français lors d'une mission de reconnaissance. L'œuvre d'art à l'huile sur toile, créée en 1874, appartient au genre de l'art russe du XIXe siècle connu sous le nom de réalisme. Exposée au Musée d'art russe de Kiev, en Ukraine, cette peinture illustre l'intense confrontation entre deux forces rivales. Les couleurs vibrantes et les détails minutieux donnent vie à l'atmosphère de guerre et mettent en valeur le courage et la détermination de ces soldats. Cette scène historique nous ramène à une époque où l’Europe était plongée dans un conflit pendant la guerre de Crimée. Les soldats représentés ne sont pas seulement des fantassins mais aussi des cosaques qui ont joué un rôle essentiel dans la défense de leur patrie contre les envahisseurs étrangers. Les œuvres de Vasili Grigoryevich Perov racontent une histoire puissante sur le courage et le sacrifice des deux côtés de cette bataille acharnée. Il rappelle notre histoire humaine commune et rend hommage à ceux qui se sont battus pour leur pays avec une loyauté inébranlable. Tout en admirant cette œuvre époustouflante, réfléchissons à son importance dans l'histoire européenne tout en appréciant le talent artistique de Perov qui a immortalisé à jamais ces hommes courageux. 

Autoportrait en 1851

Cet autoportrait, réalisé en 1851 par le talentueux artiste russe Vasili Grigoryevich Perov, offre un aperçu de l'univers introspectif du peintre. Présenté fièrement au Musée d'art russe de Kiev, ce chef-d'œuvre exquis à l'huile sur toile met en valeur le talent exceptionnel de Perov et sa contribution au genre du réalisme. Dans cet autoportrait, Perov se présente avec un air contemplatif et sérieux. Son regard perçant rencontre directement le nôtre, nous invitant à approfondir ses pensées et ses émotions. L’attention méticuleuse portée aux détails est évidente dans chaque trait de peinture qui fait ressortir la texture et la profondeur de ses traits. Le choix de Perov de couleurs sobres ajoute une sensation de sombre à la composition tout en soulignant sa maîtrise de la lumière et de l'ombre. Le jeu entre la lumière illuminant certaines parties de son visage et les zones sombres crée un contraste saisissant qui renforce encore notre lien avec lui en tant qu'artiste. En admirant cette pièce remarquable, nous sommes transportés dans le temps pour observer non seulement l'apparence physique de Perov, mais également avoir un aperçu de son âme artistique. Cela témoigne de son dévouement et de sa passion pour capturer l’essence de la vie à travers l’art. Cet autoportrait de Vasili Grigoryevich Perov constitue un symbole durable de l'expression artistique et nous invite tous à réfléchir sur nos propres parcours en tant que créateurs ou amateurs d'art. 

Novgorod Musée d'Art de Nijni

Pêcheurs... Prêtre, diacre et séminariste

Un autre titre pour le tableau "Pêcheurs" est « Prêtre, diacre et séminariste ». Cette peinture satirique représente deux ouvriers d'église tirant un filet plein ; un séminariste sur le rivage prépare un seau pour y mettre le poisson.

Les visages des participants à la scène sont magistralement représentés ; l'expression tendue mais éclairée du prêtre contraste avec le visage sombre, insatisfait et apparemment effrayé du séminariste. Très probablement, ce gamin a reçu suffisamment de coups de pied au séminaire - à tout moment, il s'attend à un sale tour de la part de ses aînés, et c'est difficile, le travail lui fait clairement peur.

L'arrière-plan est représenté en référence aux maîtres de la peinture de la Renaissance, transformant l'intrigue banale en une catégorie d'intrigues bibliques. Des mouettes sur fond de ciel orageux, des rochers caractéristiques et des buissons rares près de l'eau - un tel fond était typique de l'image des Madones au Moyen Âge.

Vasily Perov est né hors mariage ; et, bien qu'après sa naissance ses parents se soient mariés, il n'avait pas le droit de porter le nom de son père - Kridener. Cette situation a laissé une certaine empreinte sur le caractère de l’artiste. Dans tous les documents, il portait le nom de famille Vasilyev, mais Vasily l'a ensuite remplacé par le surnom de « Perov ».

Les peintures de l’artiste sont réalistes et véridiques, mais elles ont en outre deux qualités distinctives : la sévérité sombre et la satire. L’artiste aime contraster les personnages les uns par rapport aux autres, ce qui renforce généralement l’effet satirique. Fondamentalement, Perov a dépeint les côtés sombres et inesthétiques de la vie, tout en ridiculisant ses personnages. Et ce n’est qu’au cours des dernières années de sa vie que les peintures de l’artiste ont acquis une couleur plus claire et plus claire, et que les scènes représentées sont devenues plus vivantes et quotidiennes.

Tashkent Musée des Arts de l'Ouzbékistan 

Grand-père et petit-fils

Le tableau de Vasily Perov sur un grand-père et un petit-fils est également réaliste, mais en le regardant, le spectateur n'éprouve pas de sentiment de mélancolie et de désespoir, car il est rempli d'amour.

Dans un coin reculé d'une hutte pauvre, tous les ustensiles paysans simples, mais importants et nécessaires, sont rassemblés. Pichets et cruches en argile, tamis, fonte et paniers. Dans la partie inférieure droite de la toile se trouve une meule à main, sans laquelle il est impossible de cultiver.

Des vêtements misérables sont séchés sur des cordes tendues le long du mur. Le berceau d'un bébé est suspendu à un crochet enfoncé dans le plafond. Toute la situation témoigne des besoins des gens qui vivent ici.

Voici le personnage principal, assis sur un banc rugueux. Un vieil homme calme avec une barbe grise épaisse, portant une chemise rapiécée et des chaussures en liber piétinées. Son petit-fils s'appuyait avec confiance contre lui, un petit garçon agile aux yeux malicieux et au bonnet aux boucles brunes ondulées.

Il présenta sa tête bouclée à son grand-père et peigna ses cheveux indisciplinés avec un peigne en bois. Pour une affaire aussi importante, ils ont tous deux mis de côté leurs activités quotidiennes.

Quel calme et quel amour respire toute la composition, comment les deux personnages sont remplis de chaleur familiale et de tranquillité d'esprit. Ils se sentent si bien et à l’aise ensemble, ils sont heureux en ce moment, ici et maintenant. Et peu importe le type de décoration qui existe autour, s'il y a une âme sœur à proximité.

La gamme de couleurs utilisée par le peintre n'est ni large ni saturée. Mais ils sont chaleureux, avec beaucoup de demi-teintes et de transitions qui donnent le plus grand réalisme à la toile.

Cette œuvre de Vasily Perov, comme bien d’autres, a sans aucun doute marqué l’histoire de la peinture russe. Car non seulement il est un génie du pinceau, mais c'est aussi un artiste sensible et sensible aux phénomènes sociaux, qui comprend la psychologie humaine et est capable de le montrer au plus haut niveau esthétique dans ses peintures. 

Ryazan Musée d'Art Régional

Fille

Perov est l'un des artistes des Peredvizhniki qui ressemblaient quelque peu aux décembristes, mais si les décembristes voulaient changer le monde avec un mot gentil et un pistolet, les Peredvizhniki croyaient (et en cela ils étaient peut-être naïfs) qu'ils pourraient atteindre le couches dirigeantes avec le pouvoir de l’art.

Le plus souvent, ils écrivaient sur des gens ordinaires, leurs difficultés et leurs joies. Certains ont inspiré des visages paysans familiers et ont montré leur simple dignité, certains ont montré des scènes racontant la noblesse quotidienne, certains ont écrit des réfutations des déclarations officielles.

Perov, en règle générale, ridiculisait les coutumes stupides et nuisibles, les propriétaires terriens ricanants et les prêtres qui n'apportaient aucun bénéfice. Ainsi, parmi ses tableaux, il y a « Procession » et « Tea Party à Mytishchi », ridiculisant les péchés du clergé, « Funérailles d'un mort », montrant la solitude des paysans, dont personne ne se soucie.

« The Girl » se démarque à sa manière de cette série. Il n'y a pas de moquerie là-dedans, seulement le désir de transmettre calmement et impartialement la beauté qui, comme toute vertu, peut être inhérente aussi bien à une paysanne qu'à une noble dame. Sur la photo, sur une butte dans un champ, une fille est assise. Elle fait face au spectateur à moitié de côté, son visage n'est visible que de profil. Elle est très jeune. Le nez est légèrement relevé, la joue est rebondie, les bras serrent les genoux. Une longue tresse descend sous le dos. La jeune fille regarde au loin, sans sourire et sans attention particulière, se reposant simplement d'une longue journée de travail.

A côté d'elle, un enfant - à peine un fils, trop grand, plutôt un frère - regarde également vers le coucher du soleil. Le champ qui les entoure crée un sentiment de paix et d'unité avec la terre. Il semble que vous puissiez sentir l'odeur de l'herbe tondue et du sol chaud et entendre le chant des oiseaux. la douce lumière du soleil inonde les visages des enfants, et ils semblent saints à leur manière, une partie de la terre, née du coucher du soleil et de l'herbe, et non le monde sale et étouffant des villes grises.

Iaroslav Musée d'Art

Le concierge qui cède un appartement à sa maîtresse

Les personnages de Perov sont très mémorables et brillants. L'artiste a même eu recours au grotesque. Agrandi la tête, agrandi les traits du visage. C’est donc immédiatement clair : le monde spirituel du personnage est maigre. 

Provenance indéterminée ...

La chasse au sanglier

Ce tableau rare de Vasily Perov dénommé en cette occasion « Chasse à l'ours en hiver », oeuvre de 1879, a été vendu aux enchères à Moscou en Décembre 2022 pour un montant record de 76,7 millions de roubles, avec une estimation d'environ 56 millions de roubles. Auparavant, l'œuvre avait été exposée en 2009 chez Christie's, où elle s'était vendue pour 157 250 £ (plus de 12,4 millions de roubles).