Rome était le centre d’attraction pour les peintres russes. Le romantisme russe allait reléguer la peinture italienne. Le vrai tempérament russe trouve l’expression dans la peinture de genre. Alexis Venetsianov (1780-1847) était le meilleur représentant de ce style avec le calme et la douceur de ses tableaux peuplés de paysans dignes, dans un mélange de naturalisme, et de romantisme

Venetsianov Aleksei né à Moscou dans une famille de modeste marchand descendant d’immigrés grecques, commence sa vie comme fonctionnaire. Il apprend seul la peinture puis se forme auprès du portraitiste Borovikovski. En 1807 il sert comme officier à St Petersbourg.

Il est admis en 1812 à l’académie des Arts. En 1820, l’artiste se retire avec sa famille, dans sa propriété de Safonkovo, près de Tver, et se consacre sa peinture d’après nature, à la vie paysanne. Désormais, son activité picturale, doublée d’un enseignement dans l’école qu’il fonde en 1822 est orientée vers l’identité nationale russe et la peinture de paysage. Sous l’influence de poète Vassili Joukovski (1753-1852), il devient un des peintres du romantisme russe.

La Grange (1823, Saint-Pétersbourg, Musée russe), premier de ses travaux, suivront la série des saisons (au labour, le printemps ; À la moisson, l’été, v. 1830, Moscou, galerie Tretiakov).

Il forme plus de 70 artistes sur 20 ans. Les œuvres de l’école Venetsianov sont marquées par la poésie de la vie quotidienne. La créativité des artistes de l’école représente une étape importante dans le développement du réalisme dans la peinture russe de la première moitié du XIXe siècle.

Les travaux des élèves sont exposés en même temps que les siens lors des expositions.

À son initiative et sous l’impulsion des intellectuels de l’époque, la peinture russe prendra son essor reléguant la peinture d’inspiration et de style italien au second plan.

Le poète et musicien A. Oulybychev, exhortait les artistes de l’époque : « Il n’y a rien de plus gracieux que la femme russe ; les chansons russes sont les plus touchantes et les plus expressives ».

Venetsianov meurt en 1847, son école de peinture laisse sa famille ruinée. Il est enterré dans le cimetière du village de Doubrovskoïe (aujourd’hui Venetsianova) du district d’Oudomeski. 

Sa peinture, deux siècles plus tard, est toujours admirée par sa fraîcheur et sa grande spontanéité.

« Berger assis » (entre 1823 et 1826), « Aire de battage » (1821), « labour », « Été. Récolte » (début 1820), « Moissonneurs » (deuxième moitié de 1820). Il y crée une image poétique et idéalisée de la vie rurale. Les œuvres d’art Venetsianov séduisent les spectateurs par une perception innovante pour l’époque.

Travaillant en plein air, l’artiste a subtilement reproduit les effets de la lumière du jour. Sa palette est riche des teintes jaune-brun, vertes, bleuâtres, jouant rôle important dans les peintures de paysage et dans le jeu d’intérieur. 

Moscou Galerie Tretiakov

Autoportrait 1811

Alexeï Venetsianov (en russe : Алексей Венецианов) est un peintre russe de scènes de genre extraites de la vie paysanne, enseignant, membre de l' Académie russe des beaux-arts , fondateur de ce qu'on appelle l'école Venetsianov. Venetsianov est né à Moscou mais provient d'une famille venue de Grèce en Russie, qui s'appelait Mikhapoulo-Proko ou Farmaki-Proko. L'arrière-grand-père du peintre Fédor Proko et son épouse Angela sont arrives en Russie, avec leur fils Georgi, dans les années 1730—1740. C'est là qu'ils reçurent le surnom de Venetsiano qui est devenu ensuite leur nom de famille sous la forme Venetsianov. 

Adieu le déjeuner du petit père ! 

Le thème paysan est devenu central dans l'œuvre de Venetsianov depuis 1820. C'est à cette époque que le peintre russe quitte la capitale pour s'installer dans la province de Tver. Maintenant, il se familiarise personnellement avec les joies et les peines des gens ordinaires. Ici, sur le domaine de Safonkovo, il écrit des scènes de genre avec la participation de paysans.

"Voilà, vous allez déjeuner avec papa!" a été présenté lors de l'exposition à la célèbre Académie des Arts. Le tableau a été créé en 1824. Elle raconte un extrait de la vie quotidienne d'un garçon paysan. En apparence, les peintures du héros n'ont pas plus de 7 ans. Mais il n'y a pas de joie enfantine enthousiaste sur le visage de l'enfant. Garçon blond est assis dans une pose pensive. Une longue chemise blanche est sa seule robe. Il appuya ses pieds nus sur le sol et les pierres. D'une main, il soutient son visage, de l'autre tient le couvercle de la tuezka. À ses pieds est un récipient renversé avec du lait restant.

Le petit garçon s'est vu confier une tâche responsable: apporter le déjeuner à son père, qui travaille toute la journée sur le terrain. Mais il n'a pas rempli sa tâche. Soit surestimé, soit ne pouvait pas supporter le poids du fardeau. Assied maintenant offensé et triste. J'ai pensé à ce qui l'attend maintenant pour faute. Après tout, ce n'était pas par mal de renverser le déjeuner de Père.

La figure d'un petit personnage est bien éclairée. Venetsianov a travaillé en détail sur son portrait. Toutes les émotions sont lues sur le visage du héros. Le public doit involontairement sympathiser avec son malheur. Un chien hirsute regarde le garçon avec un regard dévoué. Un ami fidèle soutient silencieusement le délinquant. Mais cette aide ne console pas un enfant bronzé. Comment est le père maintenant sans nourriture? Est-ce qu'ils grondent chez eux maintenant ou seront-ils privés de dîner pour cela?

Avec des couleurs sombres et un complot éloquent, l'auteur a montré le sort du village. La pauvreté dès le plus jeune âge vous oblige à travailler et à penser à l'essentiel. Ce tableau "Adieu au diner du petit père!" s'intègre parfaitement dans la collection de la célèbre galerie Tretiakov.

Sur des terres arables - Printemps

C'est un tableau romantique et réaliste, et allégorique du renouveau de la nature et des beaux jours, renouveau de la terre russe mère patrie.

La paysanne tire des chevaux, en vêtements de fête comme c’était le cas pour les premiers labours, elle semble voler au-dessus du sol fait d’une terre meuble, fraichement retournée surveillant un bambin qui joue au premier plan, l’action se détache sur un ciel calme et serein qui occupe la moitié du tableau. 

Sur des terres arables - Le printemps est considéré comme faisant partie d'un cycle de peintures de l'artiste liées au travail paysan et peintes au cours de sa vie dans le district de Vyshnevolotsk de la province de Tver . Depuis les années 1840, l'histoire de la toile n'a pas été retracée depuis plusieurs décennies ; on sait seulement qu'il a été acquis par Pavel Tretiakov au plus tard en 1893 .

L'image centrale est la figure majestueuse d'une mère paysanne élégamment vêtue, qui conduit deux chevaux avec une herse et regarde en même temps un enfant assis près de la terre arable. La toile est non seulement réaliste , mais en même temps une œuvre allégorique, puisqu'elle est une image généralisée de la terre russe. Certains écarts par rapport à la réalité peuvent être justifiés par le fait que "ce n'est pas une image-histoire, mais une image-chanson", dont la tâche est de recréer l'humeur joyeuse qui saisit une personne au début du printemps. L'essence poétique de la toile peut être définie comme « la communion de l'homme à l'éternité en fusionnant avec le monde naturel ».

Malgré la taille relativement petite du tableau, il est classé comme un chef-d'œuvre de la collection de la galerie Tretiakov, et il est considéré par les critiques d'art comme faisant partie intégrante de l'héritage classique de la culture nationale russe

Eplucheuse de Betteraves

Unique en son genre par son thème, sa taille et ses qualités artistiques, le pastel « Nettoyer la betterave » occupe une place particulière dans l’œuvre de Venetsianov. Les mérites coloristiques de ce portrait de groupe unique avec sa subtile harmonie de tons fondants vert doré et rosé-fumé sont exceptionnels. 

La liberté confiante avec laquelle cette composition vaste et complexe est exécutée est le fruit des nombreuses années d’expérience de l’artiste dans cette technique. Le concept de l'intrigue de la scène à plusieurs figures est essentiellement lié à de nouvelles tâches créatives qui captiveront bientôt complètement Venetsianov et seront résolues par lui dans les peintures, dans les genres paysans et quotidiens, et non dans le genre du portrait. Certaines caractéristiques du tableau, l’individualité accentuée de chaque personnage, le regroupement de tous les personnages au premier plan, l’incluent dans l’héritage des portraits du maître. 

Dans le même temps, les principes par lesquels l'artiste a cherché à amener l'ensemble de la scène à l'unité et à l'intégrité artistiques sont déterminés par la nature de genre complètement nouvelle de la composition pour l'artiste. Toute la signification de cette œuvre, qui combine des courants artistiques si différents, sera réalisée par son auteur dans le contexte de sa propre biographie créative. Le pastel « Beet Peeling » a été présenté à Alexandre Guy et a été un succès. "Cet événement", comme l'a rappelé plus tard Venetsianov, "m'a relancé et m'a obligé à me consacrer entièrement à la peinture, imitant Garnet, j'ai peint mon aire d'après nature." Ainsi, non seulement le tableau « L'étable à battre » (entre 1821 et 1823, exposé au Musée d'État russe), mais aussi le pastel « Nettoyer la betterave » sont devenus une sorte d'expérience qui a permis à l'artiste de trouver un nouveau système de valeurs, sa propre méthode, basée sur l’étude inlassable de la nature.

On peut supposer que le tableau a été peint à l'automne 1822 et qu'en hiver,  Venetsianov l'a apporté à Saint-Pétersbourg. Le 28 mars 1823, comme il ressort des documents, l'artiste a offert à Alexandre Ier un « tableau aux couleurs pastel « Nettoyer la betterave » », pour lequel il a reçu 1 000 roubles. Le tableau a ensuite été inclus dans le catalogue de l'IE et placé dans la salle des diamants .

 Tête d'un vieux paysan

Créateur du genre paysan, Venetsianov a ouvert un nouveau monde pour l'art, a réussi à capturer et à montrer l'originalité du style du laboureur russe, en faisant entièrement confiance à ce qu'il a vu dans la nature. Dans le portrait en buste d'un paysan, l'artiste, utilisant des moyens d'expression sobres, donne l'apparence d'un homme qui n'est pas encore devenu gris, mais qui est déjà fatigué du travail acharné. Il s'agit plutôt d'un croquis dans lequel l'artiste résout un problème spécifique : capturer correctement l'apparence de son modèle. Cependant, le rendu fidèle des caractéristiques extérieures de la nature ne détruit pas l’intégrité du caractère humain, exprimé avec la simplicité monumentale du véritable réalisme. Élève de Venetsianov A.N. Mokritsky a écrit : « Personne mieux que lui n'a représenté les paysans des villages dans toute leur simplicité patriarcale. Il les transmettait typiquement, sans exagération ni idéalisation, parce qu'il ressentait et comprenait pleinement la richesse de la nature russe... il savait y transmettre même cette matité, cette poussière et ce manque d'éclat, qui confèrent au paysan sa présence constante soit dans les champs, ou sur la route, ou dans une « cabane fumante ».

Maître des scènes de genre de la vie paysanne, Venetsianov connaissait très bien ses héros, dont beaucoup étaient ses propres serfs. Il possédait le village de Tronikha, acquis pour la famille en 1815, dans le district de Vyshnevolotsk de la province de Tver avec les villages de Safonkovo, Slivnevo, Maksikha et Mikashikha. Les paysans de ces villages étaient les héros de ses œuvres. Dans leurs images, Venetsianov a révélé à ses contemporains la ténacité de caractère et la dignité du fermier russe. 

Bien que l’art de Venetsianov ait été presque oublié dans la seconde moitié du XIXe siècle, le fondateur de la galerie Tretiakov a cherché à acquérir ses œuvres, appréciant le véritable réalisme et l’humanité des images qu’il créait. Et au moment où le premier « inventaire » de la galerie fut publié en 1893, P.M. Tretiakov possédait sept tableaux de Venetsianov, dont ce portrait.

Portrait de L.A. Stromilova 

Avec le portrait de Lyubov Alekseevna Stromilova née Princesse Putyatina en 1785 et ici peinte en 1820 ou 1821 sur un parchemin, pastel de 28,2 х 23,2 exposé à la Galerie nationale Tretiakov, Venetsianov a réussi à créer un type indépendant de portrait au pastel de chambre. 

Ses pastels ne se distinguent pas par la richesse des moyens de composition : les poses, les positions des modèles, leurs expressions faciales et leurs gestes sont extrêmement sobres ; Il n'y a pas ici d'éclat d'improvisation, comme dans les portraits d'O. A. Kiprensky ou d'A. O. Orlovsky. Exécutées sur des feuilles de papier ou de parchemin de petite taille, les images sans prétention, nonchalamment et en quelque sorte intimement proches du spectateur, sont catégoriquement dépourvues de tout éclat extérieur. 

L'intonation poétique générale, comme si elle unissait toute la série de personnages qu'il représentait, donne un charme et un charme particuliers aux pastels vénitiens. C’est évidemment à cette structure poétique particulière que N. N. Wrangel avait à l’esprit lorsqu’il écrivait que « le véritable visage intime de l’artiste se révélait dans les images des gens de son temps, de ses proches, formant ensemble une sorte de famille proche ». Le maître, en règle générale, peint des gens qu'il connaît et comprend, qui sont ouverts à lui dans leurs sentiments et leurs humeurs. Le portrait de L. A. Stromilova, voisine du domaine de Venetsianov, se distingue par une subtile unité stylistique, organisée selon les lois de la simplicité et du naturel : l'artiste rapproche la figure du premier plan, donne une pose douillette et une aisance au geste du modèle , dirige l'éclairage doucement et uniformément, comme si un halo de lumière l'enveloppait du visage, choisit une palette sobre et raffinée, dépourvue de contrastes de couleurs. L'image de la femme représentée se révèle dans tout l'attrait de la simplicité, le portrait captive par l'harmonie lumineuse de l'existence humaine.

A la récolte - L'été 

Le premier plan est occupé par une terrasse sur laquelle trône une faucille, la mère semi-assise nous tourne le dos tenant serré contre elle un enfant allaitant, le deuxième plan montre le champ en partie fauché parsemé de meules et d’ombres de personnages, ici comme dans d’autres représentations le ciel occupe la moitié du tableau laissant le regard se perdre dans le lointain infini, donnant un sentiment de tranquillité sereine au spectateur. 

La peinture « À la récolte. Eté" fait partie de ces chefs-d'œuvre qui ont une valeur durable et qui procurent encore aujourd'hui au spectateur un véritable plaisir esthétique. Il s’agit d’un véritable paysage russe ; c’est dans ce tableau que la nature apparaît à l’artiste, selon les mots du poète, comme « un havre de tranquillité, de travail et d’inspiration ».

L'intrigue du tableau est tirée de la vie populaire quotidienne. Cependant, A.G. Venetsianov s'est surtout attaché à décrire cette vie dans son aspect quotidien, et cette conclusion est confirmée par l'absence totale d'accessoires ménagers sur la toile. Le tableau porte le sous-titre «Été», qui exprime parfaitement l'ambiance générale de l'ensemble de l'œuvre.

Chaud après-midi de juillet. La nature semblait figée dans sa paix solennelle : l'air chaud était immobile, l'épais seigle doré et foncé ne bougeait pas. Le spectateur semble entendre ce silence retentissant qui règne sur les champs. Le ciel s’est élevé au-dessus de la terre aplatie et « une sorte de jeu tranquille de nuages ​​» s’y déroule.

Au premier coup d'œil sur l'oeuvre, nous ne voyons que la figure d'une paysanne et ce n'est qu'alors que nous remarquons les figures d'autres faucheurs en arrière-plan. Enveloppés d’une brume d’air chaud, ils semblent se dissoudre dans un espace infini. L'impression d'immensité aérienne, de longueur des champs, est créée par l'alternance de plans qui montent jusqu'aux lignes vallonnées de l'horizon, s'élevant les unes après les autres. Ce n'est pas pour rien que de nombreux critiques d'art notent que les peintures d'A.G. Venetsianov sont imprégnées d'un rythme unique, comme les œuvres musicales.

Une femme est assise calmement et à l'aise, redressant son dos tendu et plaçant une faucille à côté d'elle. Sa silhouette majestueuse et majestueuse, enveloppée d'un air dense et sensuel, est éclairée par les rayons chauds du soleil de midi.

Une paysanne, nourrissant un enfant accroché à elle, est assise de profil par rapport au spectateur, sur une plate-forme surélevée, d'où une vue s'ouvre sur des champs sans limites - soit généreusement inondés de soleil, soit légèrement ombragés par des nuages ​​argentés flottant lentement à travers le ciel haut. Malgré le fait que la paysanne est assise sur une haute plate-forme, comme si elle dominait tout autour d'elle, elle est organiquement liée au paysage et à l'action en cours par des liens d'unité inextricable.

L'arrière-plan est parfaitement décrit, un champ avec des gerbes et des figures de faucheurs, et au-dessus d'eux, un ciel élevé avec des nuages ​​​​fondants. Le soleil est dans le dos de la paysanne, et grâce à cela, son visage et la majeure partie de sa silhouette sont ombragés, ce qui permet de généraliser les formes et de révéler des lignes nettes et douces dans sa silhouette.

Jeune Paysanne avec une faucille dans le seigle

Comme beaucoup d’œuvres de Venetsianov, le tableau est un portrait de genre. La tenue inhabituelle de la faucheuse, la tournure dynamique de sa silhouette, donnée à grande échelle, et l'attrait de la jeune paysanne confèrent à l'image un son festif et édifiant émotionnellement, symbolisant l'état spirituel et mental idéal de la paysannerie russe. 

La corrélation entre la nature et l’idéal, l’harmonie du particulier et du général est l’un des principaux problèmes de la quête artistique et théorique de Venetsianov. Ce problème a été réfracté et résolu de manière unique par l'artiste dans de nombreux portraits de paysans. 

À première vue, ce pastel semble être une esquisse d'après nature, mais le désir de généralisation y est évident. L’ovale facilement et librement dessiné du visage de la jeune fille, l’équilibre rythmique de la silhouette de la petite silhouette se rapprochent d’une clarté presque classique. Le paysage n'est délimité que par deux points pastel, à l'intensité atténuée : le ciel bleu et les épis de maïs doré pâle. Les couleurs vives et élégantes des vêtements, une robe d'été bleue, un kokoshnik rouge, semblent festives. 

Cette solution figurative ne conduit pas à une convention purement décorative, mais se combine organiquement avec l'authenticité et la vitalité de ce qui a été vu dans la nature. La figure de la faucheuse s'intègre parfaitement et librement dans le paysage, dans l'espace du tableau qui, pour la paysanne, n'est pas un arrière-plan, mais un lieu de vie et d'activité. Avec un grand naturel, la jeune fille aux grands yeux, comme si elle arrêtait un instant son travail, accrochant habituellement une faucille à son épaule et ramassant adroitement des épis de maïs, regarde timidement le spectateur. L'épisode de la vie paysanne arrêté par l'artiste est interprété par lui avec sérieux et révérence ; le motif quotidien est interprété comme un moment poétique et beau de l'existence.

Saint Petersbourg Musée Russe

Garçon paysan chaussant des laptis

Ce tableau de Venetsianov intitulé "Garçon paysan chaussant des laptis" nous présente ce jeune paysan enfilant ses souliers traditionnels russes en écorce de tilleul ou bouleau. Ce tableau est une combinaison d'une scène de genre et d'un portrait – un mélange typique dans l'œuvre de Venetsianov. L'oeuvre a été réalisée dans les années 1820. L'artiste K.A. Zelentsov a réalisé une oeuvre similaire vers 1826 que l'on peut voir à Moscou à la Galerie Tretiakov et à droite ci-dessus présente. Elle est intitulée "Paysan mettant ses chaussures de bast" et fut exposée par la Société de soutien aux artistes. Après l'exposition, elle fut copiée par un lithographe inconnu. 

Le berger endormi

Calme paisible, couleurs pastel, position du dormeur, ces éléments nous invitent à la contemplation empathique de ce jeune homme à la paume de la main ouverte, repos dans une campagne verdoyante au bord d’une rivière calme sous un ciel clair. 

Le tableau fait partie du romantisme russe, l’individu est au centre du tableau, dans une nature réaliste. Le fond paysager représente la vue sur la rivière Vorozhba depuis les fenêtres de la maison de Venetsianov dans le village de Safonkovo. Le tableau a été exposé pour la première fois en 1826-1827 à la Société pour l'encouragement des artistes. 

L'œuvre a la chaleur de son interprétation du portrait d'un garçon paysan, caractéristique de l'école nationale, qui est loin de la documentation ethnographique, très spécifique et, en même temps, poétiquement élevée. La technique de « séparation » du premier plan du fond du paysage permet de ressentir l'étendue et la profondeur illimitées du paysage. De subtiles transitions de couleurs claires créent une sensation presque tangible du flux de la vie ralenti par la chaleur estivale, mais imparable et infiniment diversifié. Rempli de paix et de tranquillité, le tableau nous introduit dans le monde quotidien et fermé du village avec ses sentiers étroits le long desquels se promènent les villageois et les voisins et où l'apparition d'un étranger semble être un événement.

Moissonneurs

Les Moissonneurs sont un exemple qui confirme l'importance de l'image du paysan russe pour Venetsianov. La grande popularité de Venetsianov lui vient de ses images de paysans. Moissonneurs, Berger endormi , Zakharka continuent d'attirer des spectateurs deux siècles après leur réalisation grâce à leur fraîcheur et leur sincérité.  Venitsianov, dans son travail, a accordé une grande attention à la description de la vie des serfs. Il possède plusieurs toilettes dédiées au travail de terrain. L'un d'eux est "Moissonneurs". L'intrigue de l'image est très poétique. Dans des instants de repos, les paysans, mère et fils, admirent les papillons qui se posent sur la main de la femme. Peut-être qu'Alexeï Gavrilovitch a perçu une telle scène de la vie alors qu'il se promenait dans les champs à proximité de son domaine, et cela a tellement impressionné l'artiste qu'il a décidé de créer une telle œuvre. Les modèles étaient de vraies personnes, des serfs, une mère et un fils (Anna et Zakhar Stepanov). Nous pouvons voir le garçon dans un autre tableau célèbre de Venetsianov,« Zakharka ». "Les Moissonneurs" est une œuvre, remplie de joie tranquille en contemplant la beauté de la nature lumineuse. Sur le plan de la composition, Venetsianov a rencontré en avant les figures de la mère et du fils, elles remplissent presque tout l'espace du tableau, attirant l'attention du public. Des épis de blé sont représentés en arrière-plan. 

Fille avec un fichu

Ce portrait met en scène une jeune fille au regard latéral et interrogateur, sa tête est couverte d’un fichu à carreaux qu’elle retient de la main, apparait d’une grande fraîcheur. Le buste n’est pas détaillé, le fond non plus. Seul le visage aux joues roses et au regard gris-bleu encadré par le tissu joliment coloré retient l’attention, elle va nous parler, nous dire son nom…

Le portrait est dans la peinture russe était réservé à une élite économique et politique. Dans ce portrait, il s’agit d’une jeune personne du peuple, belle, en bonne santé, habillée d’une façon modeste et qui ressemble à tout le monde, tableau fidèle aux principes du romantisme russe, et qui prépare calmement le réalisme à venir. Dans d’autres parties de l’Europe, les peintres dessinaient également l’individu, comme le faisait Ingres en France, en choisissant des gens ordinaires, dans un environnement réaliste. 

Deux garçons paysans avec un cerf-volant

Ce tableau est dau Musée russe dans la collection. V. N. Argutinsky-Dolgorukov. Venetsianov s'est souvent tourné vers des images d'enfants. Leur pureté spirituelle et leur clarté ont particulièrement impressionné l'artiste. Tout comme les garçons qui ont fabriqué un cerf-volant en papier. Ils sont assis tranquillement à l'intérieur de la grange, attendant le bon moment pour lancer le jouet. Seul le regard rêveur d'un des gars, dirigé vers le ciel invisible pour le spectateur, parle d'anticipation du futur vol. La douce lumière distingue ces garçons de paysans assis sur le poêle dans l'espace sombre de la cabane. Ils se préparent à faire voler un cerf-volant. L'artiste Venetsianov, en construisant une composition, exprime magistralement l'impatience et l'anticipation des enfants face à cet événement. L'image semble être remplie d'un rythme particulier du divertissement à venir.

Portrait de la mère de l'artiste  

Alexey Gavrilovich Venetsianov est né à Moscou le 18 février 1780 dans une famille de marchands. Son père se nommait Gavrila Yurievich et sa mère Anna Lukinichna née Kalachnikova, qui était fille d'un marchand moscovite.

La famille de son père était enracinée en Grèce; "Vénitiens" était, de ce fait, leur surnom en Russie, où la famille grecque est arrivée vers les années 30 du XVIIIe siècle. Le nom de famille vient tout simplement du surnom.

Saint Petersbourg Musée de l'Ermitage

Matin du propriétaire foncier

Il est généralement admis que le tableau de Venetsianov contient des références à des images bien connues des deux tableaux. L'apparence et la position de la paysanne avec la scierie rappellent l'image du jeune Francesco Maria della Rovere de la fresque de Raphael Santi « L'École d'Athènes », et la figure du propriétaire terrien fait référence au «Portrait» d'Anton Raphael Mengs.

L'art ancien est représenté ici à la fois par l'exemple lui-même la figurine « Vénus accroupie » debout sur le meuble, et par sa mise en œuvre pittoresque, une paysanne assise dans la même pose. Si vous regardez attentivement les héroïnes du tableau « Matin du propriétaire foncier », vous pouvez trouver dans leurs images la réponse des « trois Vénus grecques » - la Vénus de Médicée, la Vénus tauride et la Vénus accroupie.

Tous les personnages représentés sont liés les uns aux autres par leurs gestes et leurs expressions faciales, et les personnes mineures à cet égard dépendent de la principale et lui sont subordonnées. Dans le tableau de Venetsianov, le personnage principal est le propriétaire foncier, donnant des instructions à ses sujets. Bien que la paysanne debout, qui regarde directement le spectateur, joue en partie le rôle principal dans la composition. En tout cas, la nature de son comportement, intermédiaire entre la soumission inconditionnelle d'une paysanne accroupie et la douce force directrice de la maîtresse, est très importante dans le contexte de l'image dans son ensemble.

Il existe une version selon laquelle Venetsianov a représenté sa femme, Marfa Afanasyevna, à l'image d'un propriétaire foncier. Cependant, il existe une autre opinion selon laquelle le tableau représente Maria Matveevna Filosofova, l'épouse du propriétaire foncier Dmitri Nikolaïevitch le philosophe.

Lors de la création de son œuvre, Venetsianov utilise la méthode académique de technique d'écriture d'une manière nouvelle, montrant au spectateur le monde de la perspective de l'intérieur de la pièce. Il convient également de noter la décision de l’artiste de refléter les images anciennes de statues anciennes en harmonie entre les trois héroïnes du tableau.

Tver Galerie d'Art régionale

Portrait de P. I. Milyukov 

Le Portrait de Piotr I. Milyukov est une œuvre de l'artiste russe Alexei Venetsianov (1780 - 1847). C'est un portrait à l'huile sur toile. Le tableau appartient à la Galerie d'Art de Tver.

La maison Milyukov est issue d'un « étranger » Semyon Melik, qui était un voïvode, qui combattit aux côtés du prince Dmitri Donskoï et mourut à la bataille de Koulikovo . À partir de lui, ses enfants sont devenus Melikoff (« de Melik »), plus tard le nom a subi la « russification » pour devenir Milyukov. Puisque certains premiers Milyukov portaient des noms turcs , tels que Murza et Sabur, et le fait que Malik ( arabe : ملك ) se traduit par roi, permet de déduire que Semyon Melik était issu de la noblesse azerbaïdjanaise  Il existe deux branches de descendance les Starovo-Milyukov  qui étaient des étaient des stolniks et des messieurs de chambre. La deuxième branche des cadets sont les Milyukov qui après l'abolition du servage ont été contraints de se lancer en affaires ou de faire faillite. Ils créèrent une société commerciale et se firent un nom en tant que marchands de fourrures fines, approvisionnant, entre autres, la famille impériale russe et plusieurs maisons ducales allemandes.  Ainsi, l'usine de Pyotr Pavlovich Milyukov  a fonctionné à Moscou de 1877 à 1912 et était située dans la maison du fabricant. Les maîtres qui ont travaillé pour Piotr Pavlovich étaient de véritables artistes, des créateurs qui incarnaient et exprimaient leurs pensées et leurs fantasmes dans des formes d'art décoratif et appliqué. Ce n'est pas sans raison que de nombreux produits de l'usine, qui se distinguent par leur design luxueux, sont présentés dans la Galerie Tretiakov et l'Armurerie (Icônes). Les œuvres de Miliukov se trouvent souvent dans de grandes collections privées réputées, vendues aux enchères internes européennes, russes et américaines, atteignent traditionnellement des prix élevés et bénéficient d'une demande constante et incessante de la part des collectionneurs et des investisseurs.