Valentin Aleksandrovitch Serov, né le 7 janvier 1865 à Saint-Pétersbourg et mort le 23 décembre 1911 à Moscou, est un peintre russe. 

Né dans une famille de musiciens, Valentin Serov rend hommage aux milieux artistiques par ses portraits. Il représente également la famille impériale. Ainsi, il se voit attribuer le Grand Prix à l’Exposition universelle de 1900 à Paris pour le portrait du grand-duc Pavel Alexandrovitch (le frère de l’empereur Alexandre III). Cependant, il devient célèbre grâce à d’autres portraits : ceux de l’actrice Maria Yermolova, de l’actrice et danseuse Ida Rubinstein, des peintres Isaac Levitan et Konstantin Korovine, du ténor Francesco Tamagno, de l’épouse d’un collectionneur, Henriette Ghirshman. Valentin Serov renouvelle le genre du portrait officiel : tout en restant artistiques, ses modèles ne représentent pas solennellement quelqu’un, mais vivent en restant eux-mêmes. Le caractère officiel du portrait ne relègue pas la psychologie au second plan. Toutefois, l’un de ses portraits les plus célèbres reste La Jeune fille aux pêches, avec son jeu de lumières et de couleurs presque impressionniste, mais fidèle à la lettre du réalisme dans la représentation de la fille du mécène Savva Mamontov. 

Peintre fin et dessinateur de talent, Valentin Serov étudie auprès de nombreux maîtres. Toutefois, deux ont particulièrement marqué sa destinée. Dans le domaine du dessin, Valentin Serov, qui part avec sa mère pour Munich après la mort de son père, est formé par Karl Koepping. Quelques années plus tard, quand Serov abandonnera ses études à l’Académie des Beaux-Arts impériale, il lui tiendra compagnie lors d’une tournée en Hollande et en Belgique pour lui apprendre l’art de l’eau-forte. L’autre jalon de la vie de Serov est la rencontre avec Ilia Repine, représentant du mouvement Ambulant. Dans un premier temps, Serov prend des cours chez lui à Paris et continue d’en prendre à Moscou, avant de partir avec lui dans un voyage à Zaporojié et en Crimée. 

Et bien que Valentin Serov soit célèbre comme portraitiste, ceci ne diminue en rien son intérêt ni pour les paysages dans toutes les nuances de la palette de couleurs, ni pour la peinture mythologique (avec le tableau L’Enlèvement d’Europe rappelant la peinture murale, éclatante et laconique au niveau des détails), ni pour le tableau historique qu’il interprète également à sa manière. Les membres du « Monde des arts » s’intéressent à l’histoire, mais le « portrait » de l’histoire de Valentin Serov met l’accent sur le genre. Aussi bien quand il représente Pierre le Grand marchant dans les marécages du futur Pétersbourg que lorsqu’il « suit » Pierre II et Elisabeth Ière à une joyeuse partie de chasse.

Mais son grand talent varié cachait un profond spleen. L’un des grands critiques de l’époque, Abram Efros, évoque « l’ennui de Serov », en se rappelant ses lettres où les joies de la belle vie côtoyaient les tourments de la création chez un homme pourtant tout-puissant dans la peinture. Abram Efros qualifie Valentin Serov de « père secret » des futurs « suprématistes »,  qui « ont fait dans l’art moderne précisément ce qu’il a fait, lui, avec les genres anciens ».

Le grand peintre, qui pouvait travailler tant sur les planches que sur « l’espace » d’une page de livre, est devenu en 1903 membre de l’Académie impériale des Beaux-Arts, puis quitte cette dernière. Le président de l’Académie cumulait son poste avec celui de commandant en chef de la région militaire de Saint-Pétersbourg et, après le Dimanche rouge de 1905, Serov manifeste sa position civique en devenant l’unique académicien de toute l’histoire de l’établissement à quitter ce dernier en signe de protestation. 

Portrait de Valentin Serov par Ilya Repine 

à Moscou Galerie Tretiakov

C’était Ilya Repin qui était le seul maître capable de développer pleinement et de révéler les capacités du jeune Serov. Ainsi, le garçon a commencé les premières leçons de dessin régulières et sérieuses. Repin travaillait alors à Paris sur les peintures "Café" et "Sadko". Il réalisa de nombreux croquis d’après nature, sans oublier de donner constamment des devoirs à l’étudiant. Le jeune Valentin Serov a reçu à cette occasion beaucoup de précieux conseils, astuces et clarifications dont il s’est ensuite souvenu toute sa vie. Repin lui permettait de copier son travail. Il lui demandait parfois d’écrire certains objets de mémoire, mais il accordait une grande importance au dessin de la nature. 

Moscou Galerie Tretiakov

Pavel Chistiakov

Portrait de l'artiste V. I. Sourikov en 1890

Vassili Ivanovitch Sourikov est un peintre réaliste russe appartenant aux peintres ambulants (Передвижники) (mouvement artistique russe, 1870-1923). Il est le plus grand des peintres russes de scènes historiques de grande échelle. Ses chefs-d'œuvre font partie des peintures les plus connues de Russie.  

Vassily Ivanovitch Sourikov est né à Krasnoïarsk, le 25 janvier 1848, dans une famille de cosaques installée depuis longtemps en Sibérie. De 1869 à 1871 il étudie à l’Académie Impériale des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg avec comme professeur Pavel Chistiakov. 

En 1877, il s’installe à Moscou, contribuant aux fresques de la cathédrale du Christ-Sauveur. Il épouse en 1878 Elisabeth Charais petite fille du décabriste Svistounov. Il rejoint en 1881 le mouvement des Peintres Ambulants. Il décède en 1916 à Moscou, il est enterré au cimetière Vagankovo.

Un musée fut ouvert en 1948 dans sa maison natale où l’on peut admirer certaines de ses œuvres. 

Ses arrières-petits-fils Nikita Mikhalkov et Andreï Kontchalovski inaugurèrent en 1954 un monument en son honneur à Krasnoïarsk. 

L’on peut admirer à la Galerie Trétiakov de Moscou ainsi qu’au Musée Russe de Saint-Pétersbourg, quelques une de ses plus belle œuvres, telles que Le matin de l’exécution des Strelsy (1881), Menchikov à Bérésovo (1883), La conquête par Ermak de la Sibérie (1895), La traversée des Alpes de Souvorov (1899) 

Jeune Fille aux pêches

L'été 1887 était très spécial dans la biographie de Valentin Serov. De retour d'Italie, il a tout d'un coup explosé avec "Fille aux pêches", le portrait qui a fait passer l'artiste de la catégorie des peintres «prometteurs» au rang de maître. L'artiste de 22 ans a réussi à trouver quelque chose qui fait que les œuvres de ses anciens professeurs ressemblent à des images sans vie à côté de cette "Fille". C'était un aperçu intuitif, un état d '"intoxication créatrice", que Serov lui-même décrit "Il faut parfois: devenir fou pendant un moment. Et ça ne marchera pas dans l'autre sens". 

Le modèle de Serov était Vera Mamontova, la fille de Savva Mamontov, entrepreneur, collectionneuse et philanthrope. Elle avait 12 ans. Elle aurait préféré s'ébattre avec ses pairs à l'extérieur. Mais au lieu de cela, pendant plus d'un mois, elle posait patiemment. Elle et Anton, c'est ainsi que Valentin Serov a été appelé à Abramtsevo, dans le domaine des Mamontov qui étaient des amis. En outre, l'artiste l'a soudoyée car elle a promis à Vera de monter à cheval ensemble à tout moment qu'elle souhaiterait. C'était sa maman Yelizaveta Mamontova qui a donné la permission de monter, et Serov a réussi à l'accorder. Le portrait était destiné à être un cadeau pour Yelizaveta, et cette surprise a donc été gâchée. Cependant, personne ne l'a regretté.

La petite Vera était un modèle parfait. Elle avait une confiance inconsciente, une beauté et un naturel qui n'est possible que lorsque vous avez 12 ans. Elle était naturelle dans sa façon de s'habiller, dans sa coiffure, son look et sa pose. Ce n'est pas accidentellement que treize ans plus tard, Serov demandait à Nicolas II de s'asseoir dans la même pose, ce qui ajouterait de la vitalité au portrait. 

Les pêches sur la table sont locales, de la serre de Mamontov. Les pêchers ont été achetés au domaine d'Artemovo 16 ans plus tôt. Les Mamontov ont invité le jardinier d'Artemovo qui s'est occupé des arbres. C'était une pratique habituelle pour le domaine d'Abramtsevo, beaucoup de ceux qui ont visité cette maison hospitalière y sont restés longtemps ou y sont revenus encore et encore. 

La fenêtre derrière laquelle on se régalait en août à Abramtsevo avec ses jardins, ses allées, sa rivière, ses bateaux, ses chiens et ses chevaux était un reproche silencieux au peintre, qui tourmentait l'enfant en restant assise toute la journée pendant ces délicieuses journées chaudes et ensoleillées.

Serov a atteint un effet fantastique de légèreté et de fraîcheur en plaçant la source lumineuse derrière le modèle. Brillant à travers les feuilles, les rayons du soleil se reflétant sur les nappes et le chemisier de la fille, il ajoute du rose et de l'or à l'espace autour du sujet. Des couleurs chaudes et délicates, une lumière réfléchie douce, beaucoup d'air étaient inhabituels pour la peinture russe de ces années, tout ce qui était caractéristique des artistes impressionnistes alors que Serov en savait peu sur eux en 1887. Les amis et collègues artistes de Serov ont affirmé à plusieurs reprises que si Serov avait peint sa Fille aux pêches non pas à Abramtsevo, mais à Paris, il se serait réveillé célèbre le lendemain matin. 

Autoportrait en 1885

Le merveilleux artiste russe Valentin Serov a eu la chance de naître dans une famille prospère et douée. Les parents du peintre étaient des gens talentueux et polyvalents. Alexander Nikolaevich Serov, le père du futur artiste, était un compositeur, auteur des opéras Enemy Force, Judith et Rogneda. Il était considéré comme le meilleur critique musical de son temps et était également un grand artiste original. Dans sa jeunesse, il allait se consacrer à la peinture, mais s’intéressait ensuite à la musique et s’y rendait complètement. 

C’est de son père que Valentin a hérité de son don extraordinaire, sa capacité à percevoir avec une précision incroyable la forme et la couleur, ainsi que son grand amour pour les animaux, que Serov Sr. a le plus souvent dépeint sur ses toiles. Alexander Nikolayevich n’était marié qu’à l’âge de quarante-quatre ans, il était déjà un compositeur accompli et un homme mûr. Son choix était un jeune pianiste talentueux Valentina Semenovna Bergman, une ancienne étudiante du musicien.

Le fils unique des Serov est né le 7 janvier 1865. Dès son plus jeune âge, Valentin était entouré de personnalités créatives et extraordinaires issues de divers milieux, qui se réunissaient régulièrement dans la maison du compositeur et de sa jeune épouse. Ils comprenaient tous les gens talentueux de cette époque, musiciens, scientifiques, écrivains, artistes et acteurs. Parmi les amis proches d’Alexandre Nikolaïevitch, qui visitaient souvent sa maison, se trouvaient le sculpteur Mark Antokolsky, l’écrivain Ivan Tourgueniev, avec qui Serov était le plus proche, et l’artiste Nikolai Ge, le premier à inculquer le petit Valentin, qui le suivit à vie, amour pour les chevaux.

La famille Serov organisait souvent des lectures littéraires et des concerts en tant que spectateurs auxquels la servante était souvent invitée. Ces soirées éducatives n’étaient pas leur invention personnelle, mais un hommage à la mode de l’époque.

Le petit Valentin accompagnait souvent ses parents à l’opéra. Et en 1869, ils emmenèrent leur fils pour la première fois à l’étranger. Après ce voyage, Serov se souvint toute sa vie de sa visite à la maison du grand Richard Wagner. Cependant, l’impression indélébile sur le garçon ne fut pas faite par le célèbre compositeur lui-même, mais par une cage avec des faisans et un chien énorme. Avec une vie aussi intéressante en apparence, Valentin depuis son enfance n’était pas gâtée par l’attention des parents qui vivaient chacun dans leur travail.

Eyvdokia Morozova

Evdokiya Serguéïevna Morozova (née Kladovchtchkina, nom de scène Lozenbek) (1885-1951) est inhumée près de Paris. Sérov a fait son portrait en 1908, dont un critique a pu écrire : “C’est un vrai portrait, magnifique, mais, vraiment, aucune caricature n’aurait pu,selon moi, être plus méchante”.

Qui était-elle ? en voici l'histoire selon You. A. Bakhrouchine (Vospominaniya [Mémoires], p. 280-284)

Un jour, alors qu’il était au “Yar”, Morozov qui n’était plus tout jeune fit la connaissance d’une petite choriste du restaurant. La jeune fille, très jolie et résolue, produisit une impression inattendue sur ce célibataire endurci qui en avait vu d’autres. Commença tout d’abord un léger flirt, ensuite la cour et après un roman. Morozov dissimula soigneusement cette liaison, mais chaque jour il sentait de façon de plus en plus aiguë l’importance de cette jeune femme dans sa vie. Il désirait se confier, épancher son âme auprès de quelqu’un. C’est mon père sur qui tomba le choix de Morozov, car il connaissait la liaison de nombreuses années de son ami, et n’est-il pas vrai qu’il n’y a point de feu sans fumée! Mon père fut présenté à la jeune femme, Evdokiya Serguéïevna, alias Dossia, comme on l’appelait chez “Yar”. Des rencontres régulières commencèrent, Dossia plaisait chaque jour davantage à mon père – elle était modeste, ne cherchait pas à participer à des conversations sur des sujets où elle ne comprenait rien, elle était gaie et pleine de joie de vivre, il n’y avait en elle pas la moindre vulgarité.  Mon père en parla à ma mère et ils décidèrent de faire le bonheur  d’Ivan Abramovitch Morozov. Ma mère fit également la connaissance de Dossia; après l’approbation de ma mère, mon père commença à avoir de sérieuses conversations avec son ami et le persuada de formaliser sa relation et de donner son nom à Dossia. Morozov hésitait, non pas parce qu’il jugeait ce pas indigne de sa propre dignité, mais parce qu’il craignait de mettre Dossia dans une position pénible si soudain la société allait refuser de la recevoir dans son milieu et qu’ils deviennent des parias. Mon père n’était pas d’accord et confirma  ses paroles par des preuves, en lui indiquant Ivan Voukoulovitch Morozov, marié à la ballerine  Vorontsova, Mikhaïl Serguéïévitch Karzinkine qui avait choisi comme compagne de sa vie Yatchmiéniova dans ce même ballet, Alexandre Serguéïévitch Karzinkine, mari de la ballerine Adelina Juri – tous, ils ont vécu heureux et n’ont pas été l’objet d’ostracisme. Ivan Abramovitch, en suivant ce même chemin, mit en avant  le  troisième Karzinkine, Sergueï Serguéïévitch, qui avait une liaison de plusieurs années avec la ballerine Nékrassova. Mon père eut un contre-argument raisonnable en faisant remarquer que le cas de Sergueï Serguéïévitch était particulier, car il était le père d’une nombreuse famille et sa liaison avait lieu du vivant de sa propre femme. Ivan Abramovitch mit alors en avant une dernière considération : qu’on le veuille ou non il y a une grande différence entre une artiste du ballet impérial et une choriste du “Yar”; on a l’habitude de considérer avec raison les choristes du “Yar” comme de créatures gentilles, mais perdues. Contre ce dernier argument, mon père employa un dernier moyen – le point de vue de ma mère. Tôt ou tard, mais un beau jour, Ivan Morozov capitula et ses noces eurent lieu sans bruit superflu dans une petite église moscovite, après quoi les jeunes gens partirent pour l’étranger. La moitié de l’affaire était faite, mais seulement la moitié – il restait encore le plus difficile, “lancer” Dossia dans le monde. Cette procédure se passa dans notre maison lors d’un dîner d’invitation spécial. La Moscou marchande mondaine accueillit la jeune Evdokiya Serguéïevna avec retenue, avec une méfiance manifeste, surveillant attentivement la façon dont elle mangeait, parlait et se tenait. Mais la jeune Morozova se tint si simplement, fit tout avec tant d’aisance, comme si toute sa vie elle n’avait eu commerce qu’avec une telle société. À la fin du repas, les coeurs les plus condescendants s’adoucirent et les jeunes gens reçurent plusieurs invitations. La bataille était gagnée. Et au bout de quelques années, Evdokiya Serguéïevna devint membre à part entière du grand monde moscovite et la seule chose qui lui resta attachée toute sa vie, c’est son nom de Dossia”.

Portrait d'Ilya Repine en 1878

Autoportrait en 1887

En 1871, alors que le futur artiste n’avait que six ans, son père est décédé. Le temps des réceptions sereines dans le salon et des lectures littéraires est pour toujours dans le passé. Ils vivaient maintenant avec leur mère à Munich de 1872 à 1873. Ces deux années ont été très fructueuses pour le petit dessinateur. En vivant dans un hôtel, Serov a rencontré le peintre déjà célèbre, Kegshing, intéressé par un garçon talentueux. Kegshing a non seulement commencé à emmener l’enfant aux études, à l’aider avec des conseils professionnels, mais a également influencé Valentina Semenovna, lui recommandant de développer et d’encourager le jeune talent de toutes les manières possibles. 

Croyant que les capacités du fils pouvaient devenir son destin, la mère de Serov commença à les encourager et à les développer consciemment. En 1874, alors âgé de neuf ans, Valentine et sa mère s’installent à Paris, où se trouvait Ilya Repin. La décision de Valentina Semenovna de demander à Repin d’éduquer son fils a été le choix le plus réussi dans la vie d’un futur peintre. 

Mikhaïl Mikhaïlovitch Morozov

Valentin Sérov (1865-1911) sort du réalisme académique avec ce portrait du fils de Mikhaïl et Margarita Morozov, âgé de quatre ans, Mika (hypocoristique de Mikhaïl) qui, adulte, deviendra en URSS un éminent spécialiste de Shakespeare (1897-1952). La pose inhabituelle de l’enfant prêt à bouger, la composition du tableau en diagonale, tout le tableau est fondé sur le contraste entre l’immobilité (la forte présence du fauteuil massif) et l’agilité, la vivacité, suspendues, mais prêtes à se manifester, de l’enfant (le coussin prêt à tomber, la bouche entrouverte). Valentin Sérov a vu à Paris Édouard Manet, ce qui se ressent dans le contraste saisissant entre la masse blanche qui illumine l’enfant et le camaïeu noir « ténébreux » qui l’entoure ainsi que l’éclat du noir des yeux. La mère de Mika, Margarita Kirillovna Morozova, a pu affirmer : « Sérov peignait particulièrement bien les enfants. Le portrait de mon fils était de ce point de vue extrêmement réussi. Quand Sérov le peignait, il était de bonne et bienveillante humeur. »

Isaac Levitan en 1893

Isaac Ilitch Levitan, né le 18 août 1860 à Wirballen et mort le 22 juillet 1900 à Moscou est un peintre paysagiste russe  de renommée mondiale. Levitan a développé son propre style unique, caractérisé par une utilisation habile de la couleur, de la lumière et de l'atmosphère pour créer des paysages expressifs. Ses peintures capturent souvent des scènes de la campagne russe, avec des étendues de champs, des rivières, des forêts et des ciels changeants.

Au fil des années, Levitan est devenu l'un des paysagistes les plus influents de la Russie et a reçu de nombreux éloges pour son travail. Il a participé à plusieurs expositions et a remporté de nombreux prix pour ses peintures. Ses œuvres étaient très appréciées pour leur sensibilité poétique et leur capacité à évoquer des émotions profondes chez les spectateurs. En plus de sa carrière de peintre, Levitan était également un enseignant talentueux et un membre actif de la communauté artistique russe. Il a été professeur à l'école de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou et a influencé de nombreux jeunes artistes. Malheureusement, la vie d'Isaac Levitan a été marquée par des difficultés personnelles. Il a souffert de problèmes de santé mentale tout au long de sa vie et a traversé des périodes de dépression. Malgré ces épreuves, il a continué à peindre et à produire des œuvres d'une grande beauté. Son héritage artistique perdure jusqu'à aujourd'hui, et ses peintures sont exposées dans de nombreux musées à travers le monde. Il est considéré comme l'un des plus grands peintres paysagistes de tous les temps et a laissé une empreinte indélébile dans l'histoire de l'art russe.

Konstantin Korovin

Au moment où Valentin Serov a commencé à peindre le portrait de Konstantin Korovin, ils étaient liés par une amitié à long terme. Ils ont dîné ensemble, bu ensemble, travaillé ensemble - ce portrait a été peint dans leur atelier commun de la rue Dolgorukovskaya à Moscou. Savva Mamontov les appelait en plaisantant Serovin.

Cette amitié en a surpris beaucoup: les artistes étaient aussi inséparables que dissemblables.

Serov était toujours sombre et taciturne, tandis que Korovin était un farceur, un optimiste, un vacancier. Serov était invariablement propre et habillé à neuf. Korovin avait toujours l'air de se réveiller. Serov était de principe, honnête et ferme dans ses convictions. Korovin était changeant et doux. Serov peint lentement, minutieusement, avec précision. Korovin a travaillé comme il vivait - rapidement, négligemment, avec de grands traits joyeux. Serov a suscité le respect et la confiance dans son entourage. Korovin était aimé.

Serov a pardonné à Korovin sa frivolité, la malléabilité de ses vues et le désordre éternel dans le studio. En lui, il voyait ce «gratifiant» auquel il aspirait tant. Korovin savait qu'il avait un homme à ses côtés qui ne le laisserait jamais tomber.

La différence de leurs caractères n'a pas nui à leur relation, au contraire, ces deux se complètent. Il est d'autant plus curieux de trouver des signes de blague dans ce portrait - après tout, c'est le cas rare où Serov a décidé de jouer un tour à son ami.

Des coups de pinceau rugueux, un oreiller nettement décoratif au premier plan, un sentiment général d'incomplétude - Serov a délibérément exagéré la manière des impressionnistes tant aimés de Korovin. C'est une parodie spirituelle, subtile et bienveillante: à première vue, le portrait de Korovin semble avoir été peint par Korovin. Cependant, plaisanterie mise à part, Serov n'a pas réussi à déguiser complètement son essence créatrice. Ici, nous voyons la similitude totale du modèle, ainsi que la pénétration du célèbre Serov dans le personnage et le talent de son conteur.

Korovin a l'air sérieux, mais ses yeux sont souriants - sous le masque de la concentration, il cache une personne légère, joyeuse et insouciante. Il est immobile, mais dans sa position détendue, on peut deviner la disposition à sauter du spot à tout moment, à commencer à danser, à élever l'enfer, à se lancer dans une aventure risquée. Sa main droite est montrée très conditionnellement, mais il ne fait aucun doute, il s'agit d'un artiste qui sait tenir son pinceau. La fluidité des caresses souligne l'impétuosité de la nature - peut-être que même l'idole de Korovin, Anders Zorn, ne pourrait pas faire une meilleure stylisation.

Quant à la composition, elle est dictée par deux raisons. Tout d'abord, en plaçant le modèle sur le canapé, Serov a rendu le portrait plus intime. Et deuxièmement, c'était la seule opportunité d'immobiliser son ami constamment bouillonnant au moins pendant une courte période. Au cours des séances, il pantomimait leurs connaissances mutuelles, chantait et était très inquiet (c'était à la fin de l'automne) qu'il se fige contre le mur avec son dos. 

Paysanne avec un cheval

La Russie rustique est l’un des sujets préférés de Serov dans son travail. Qui mieux que Serov pour reproduire fidèlement la vie quotidienne de la paysannerie, pour montrer la vie professionnelle des paysans. L’artiste n’est pas attiré par la reproduction de la misère stressée du village ou de la nature embellie : il a regardé le village du point de vue d’un réaliste. Mais les peintures rustiques de Serov sont pleines de tendresse et de cordialité, comme son tableau de 1889 représentant Baba et un cheval. Au centre du tableau se trouve une jeune fille russe aux joues rougies par le gel et au sourire éclatant. 

Nicolas II de Russie en tenue d'intérieur

En 1902, en travaillant sur un portrait de Nicolas II, un incident s'est produit qui a mis fin à la relation entre Serov et la dynastie des Romanov. Impératrice Alexandra Fyodorovna, qui souhaitait voir le travail progresser, a osé donner un conseil à Serov car elle a elle-même peint en suivant les leçons de l'artiste allemand von Kaulbach. Serov était une personne indépendante de caractère dur, il l'a invitée à terminer le portrait à sa place. L'impératrice, couverte de taches cramoisies, sortit en courant de la pièce. Le portrait est resté inachevé. Toutes les tentatives de la maison impériale pour rétablir les relations diplomatiques avec Serov ont été répondues par un refus résolu. Lorsque Nicolas a tenté de se rapprocher de Serov via Sergei Diaghilev, Valentin Aleksandrovich a craqué: «Je ne travaille plus dans cette maison» et il a tenu parole.

Ainsi, le portrait de Nicolas II dans la veste d'un officier du régiment Preobrazhensky est devenu le dernier portrait achevé de l'empereur par Serov. Après 1905, l'aversion de Serov pour la famille royale s'est multipliée: l'artiste a blâmé l'empereur pour les événements de Bloody Sunday. Il croyait qu'il prévoyait les épreuves futures associées au règne de Nicolas dans son portrait. Une fois, après avoir vu sa propre photo lors d'une exposition, Serov s'est exclamé: «Dans les coins de ses yeux, il y a 1905!» Et l'ami de l'artiste Konstantin Korovin a écrit à propos de ce portrait: "Serov a été le premier artiste à capturer et capturer la douceur, l'intelligence et en même temps la faiblesse de l'empereur sur la toile.

Cependant, en 1900, Valentin Serov avait définitivement de la sympathie pour son modèle de haut rang.

Au cours de son travail sur ce portrait, Serov a demandé à Nicolas d'aider Mamontov car Savva Ivanovich était sous enquête, et l'empereur a immédiatement ordonné qu'il soit libéré en résidence surveillée. Serov a osé demander à Nicolas un soutien financier pour le magazine Mir Iskusstva, et il n'a pas refusé. Serov était captivé par la capacité du tsar à se comporter simplement et en même temps avec une grande dignité, l'empereur le charmait définitivement. C'est ce qui a dicté la composition de l'image. Destiné à offrir à l'Impératrice, il est totalement dépourvu de toute bravoure ou pathétique des portraits de cérémonie. Nicolas II dans son uniforme militaire de tous les jours, sa pose qui en fait, ravive instantanément la célèbre oeuvre de Serov "Fille aux pêches" n'implique ni narcissisme, ni arrogance, son esprit brille dans ses yeux. Le célèbre critique d'art Abram Efros a déclaré que Serov «Peint un rêveur calme et aux yeux brillants dans les bretelles du colonel avec son pinceau affectueux».

La même année, Serov fit une copie du Portrait en veste. Une fois, il l'a apporté dans la pièce où se réunissait la rédaction du Mir Iskusstva. Ayant «assis» l'empereur peint à la tête de la table, il a habilement illuminé le portrait et a presque apporté Léon Bakst, Alexandr Benois et ses autres collègues du magazine à une crise cardiaque collective. C'est l'exemplaire de cet auteur qui est maintenant conservé à la Galerie Tretiakov. L'Ermitage garde un gravure faite en 1913 après l'original de Serov. 

Quant au premier portrait, accroché l'étude de l'impératrice Alexandra Feodorovna, il a subi un sort pas si joyeux. En 1917, les yeux du «rêveur aux yeux brillants» de l'original ont été arrachés à la baïonnette par les marins qui ont pris d'assaut le palais d'hiver.

1900 a été aussi l'année de la création d'un autre portrait de Serov, Nicolas II, empereur de Russie, colonel en chef du Royal Scot Greys (Nicolas II a été nommé colonel en chef du Royal Scots Greys depuis 1896 et a ordonné un portrait pour en faire don aux services militaires; le tableau est maintenant conservé au musée du régiment à Édimbourg). Ce portrait de cérémonie a été peint en même temps que le «portrait en veste», qui a été préparé en cadeau à l'impératrice. Lorsqu'elle a trouvé son mari et l'artiste en train de peindre le portrait «gris», ils lui ont expliqué que c'était juste un croquis nécessaire pour peindre le portrait cérémoniel écossais.

Fille ensoleillée (Portrait de MY Simonovich)

À l'été 1888, Valentin Serov visitait Domotkanovo, la propriété de son ami et parent Vladimir Derviz (qui a épousé la cousine de Serov, Nadezhda Simonovich). Il avait 23 ans. Il était revenu d'Italie et était plein d'impressions et de force. Serov aspirait à des choses agréables - amour, joie, simples sujets ensoleillés. Une fois dans le parc, il a fait asseoir son autre cousine, Maria Simonovich, sur un banc sous un chêne. Admirant à quel point les rayons du soleil tamisés à travers le feuillage jouaient sur le visage de la fille, il se précipita vers la toile.

Serov, traditionnellement peu pressé, travaillait encore plus lentement que d'habitude. Domotkanovo était l'un de ses endroits les plus préférés de la planète, et s'il le pouvait, il resterait pour toujours dans cette journée ensoleillée insouciante. 

Il peint le portrait depuis trois mois, ne prenant des pauses que par temps nuageux. Maria, qui étudiait pour devenir sculpteur, connaissait les particularités de la profession et ne grognait pas. "Les séances ont eu lieu le matin et l'après-midi», Se souvient-elle plus tard. "Tous les jours, j'ai posé avec bonheur pour le célèbre artiste, que nous considérions pourtant comme pas encore reconnu dans la société, mais depuis longtemps reconnu dans notre famille ... Nous avons travaillé dur, tous deux également emportés, lui par la bonne peinture, Moi par l'importance de ma mission ».  

Après tout, Maria Simonovich a apporté une contribution importante à l'œuvre: elle a déclaré qu'à son avis, le portrait était terminé et prêt à se rendre à Pétersbourg. Peut-être, sans sa décision volontaire, Serov aurait-il «surséché» l'image et perdu ce jeu magique d'ombre et de lumière, qui a fait de lui un digne successeur de «adorateurs du soleil» reconnus comme Aivazovsky et Kuindzhi et a donné lieu à des discussions. Serov en tant qu'artiste qui a inventé son propre impressionnisme.

Reconnaissant de sa patience, Valentin Serov a donné à sa sœur 3 roubles pour le voyage. C'était une somme sérieuse pour eux deux, jeunes et pas encore debout. 

Un demi-siècle plus tard, à Paris, un ingénieur russe rendit visite à Maria Simonovich-Lvova et à son mari. Il remarqua une reproduction de la fille au soleil sur le mur et demanda de qui il s'agissait. Il a avoué que l'héroïne de la photo était son premier amour et il se rendait tous les jours à la galerie Tretiakov pour l'admirer. 

Serov lui-même considérait la Sunlit Girl comme l'un de ses succès les plus importants. Selon les souvenirs d'Igor Grabar, peu de temps avant sa mort, Valentin Alexandrovitch a longtemps regardé son tableau dans la galerie Tretiakov, puis a agité la main et s'est dit comme à lui-même: «J'ai peint cette chose, et je n'ai rien fait plus dans ma vie, peu importe comment j'ai gonflé, j'ai gaspillé ici » 

Fédor Chaliapine en 1904

Fédor Ivanovitch Chaliapine, né le 1ᵉʳ février 1873 à Ometeva et mort le 12 avril 1938 à Paris, est un chanteur d'opéra et acteur russe qui avait également un grand talent pour le dessin. 

Chaliapine était considéré comme la plus grande basse slave de son temps, et ses successeurs les plus illustres (Mark Reizen, Boris Christoff, Nicolaï Ghiaurov) ont tous été jugés, avec sévérité , à son aune. Ses interprétations de Boris Godounov et de Dossiféï (personnages de Modeste Moussorgski) et de Salieri (opéra Mozart et Salieri de Nikolaï Rimski-Korsakov) sont toujours considérées comme immortelles. Il incarna Don Quichotte au cinéma, dans le film de Georg Wilhelm Pabst (1933). Il avait commandé pour ce film des chansons à Jacques Ibert et le Don Quichotte à Dulcinée de Ravel (qui ne fut pas retenu). Chaliapine fut autorisé à quitter l'URSS le 31 mars 1922 pour une tournée à l'étranger en dépit des objections de la Tcheka. Il choisit alors de ne pas retourner en URSS. Son fils Fédor Chaliapine fils (1907-1992) était un acteur de cinéma. Enterré à Paris, Chaliapine reposait au cimetière des Batignolles jusqu'en 1984, année où ses restes furent transférés au cimetière de Novodevitchi de Moscou.

Octobre Domotkanovo

Serov Valentin Alexandrovich était un artiste russe exceptionnel. Il était engagé dans l'écriture de portraits picturaux et graphiques, de paysages, de peintures sur des thèmes historiques, d'illustrations, de dessins pour les fables de Krylovsky. Cet artiste, dont la compétence enchante, possède tous les paysages particuliers.

Utilisant le style de l'impressionnisme dans son travail, l'artiste transmet très précisément l'impression qu'une brillante journée d'octobre avait sur lui dans le tableau «Octobre. Domotkanovo. " "Octobre. Domotkanovo »est l'un des paysages les plus célèbres de Serov. Bien que cette image soit de petite taille, elle transmet avec précision une petite tristesse ressentie par une personne par temps nuageux en octobre. Il représente une journée grise normale, qui se produit généralement à la fin de l'automne.

La performance de la peinture est frappante dans son habileté; elle est peinte comme si d'un seul souffle, rapidement et facilement. Des chevaux de paysans marchent sur un champ d'automne brûlé, le long de l'herbe, qui s'est fanée et s'est flétrie. Un petit berger à la casquette de son père, pieds nus, répare son fouet, usé en été. Des chevaux marchent près de lui et d'autres animaux dispersés dans un large champ. Le mouton noir, que l'un des chevaux effrayait, s'égarait anxieusement dans le coin le plus éloigné du champ. Au loin, il y a des arbres dont le feuillage lumineux n'est pas encore tombé, les hangars dans un état délabré, les terres arables et les clôtures qui ne tiennent pas fermement. Tout cela crée l'atmosphère quand, en octobre froid, la période tumultueuse et colorée de l'automne s'estompe. Un ciel lourd et sans espoir dans des tons gris-bleu se profile au-dessus du champ. Le paysage est complété par des corbeaux coassant qui survolent les arbres. L'artiste a parfaitement sélectionné les couleurs de l'image: du jaune à l'orange avec du rouge au marron, au noir. Et on sent déjà que l'hiver viendra bientôt.

Moscou Musée Gorky

Portrait Of A. M. Gorky

Maxime Gorky est le nom de plume d’Alexis Pechkov, qui est un écrivain russe né le 16 mars 1868 à Nijni Novgorod et mort le 18 juin 1936 à Moscou.  Il est considéré comme un des fondateurs du réalisme socialiste en littérature et fut un homme engagé politiquement et intellectuellement aux côtés des révolutionnaires bolcheviques. Dès ses débuts littéraires, Gorki partage l'idéal des partis progressistes et se lie avec les bolcheviques et avec Lénine. Plusieurs fois emprisonné pour ses prises de position, en particulier lors de la révolution de 1905, il quitte la Russie et voyage aux États-Unis pour collecter des fonds pour le mouvement bolchevique. À son retour en 1906, il doit s'exiler à Capri pour des raisons à la fois médicales et policières. Rentré en Russie à la suite d'une amnistie en 1913, Maxime Gorki est proche de Lénine et des révolutionnaires, mais formule des critiques dès novembre 1917 ce qui lui vaut les menaces du pouvoir. Inquiet et malade de la tuberculose, il quitte la Russie en octobre 1921 et se fixe de nouveau dans le sud de l'Italie en 1924. Encouragé par Staline, il revient plusieurs fois en URSS après 1929 et s'y réinstalle définitivement en 1932 : il devient un membre éminent de la nomenklatura soviétique et participe à la propagande du régime qui l'honore mais le surveille en même temps. Il meurt en juin 1936 dans des circonstances qui ont prêté au soupçon. Le régime lui organise des funérailles nationales et en fera l'écrivain soviétique par excellence.

Moscou Musée agricole Timiriazev 

Volatil, Etalon gris de race au trot Oryol

La race de chevaux de trot Oryol de trait se distingue par une forte constitution avec une région dorsale musclée et des membres solides avec des sabots solide. La couleur des trotteurs peut être variée: les chevaux gris sont les plus communs, en particulier les trotteurs Oryol sont gris pommelés. En raison du fait que la race de trot Oryol est très répandue en Russie, le coût des chevaux Orlov sans pedigree est faible. Trois berceaux principaux dans le monde vont être à l’origine de ces trotteurs de course : la Moscovie pour le trotteur Orlov à robe grise souvent pommelée de Russie, le Kentucky (la Normandie d’Amérique) pour l’American Standardbred (trotteur américain) et bien sûr, la Normandie pour le demi-sang trotteur normand (trotteur français). 

Saint Petersbourg Musée Russe

Sofia Botkina

Serov, Valentin Alexandreievitch  a réalisé “Portrait de Sofia Botkina” en 1899. Sofia, née Maliutina, est l'épouse du collectionneur d’objets d’art Pierre D. Botkine. C'est une huile sur toile, de H. 1,890 et L. 1,395 qui est conservée à Saint-Pétersbourg au Musée National Russe. 

L'apogée du don miraculeux de Valentin Serov pour peindre des portraits fut le tableau de 1899 « Portrait de Botkin ». L'œuvre a reçu la reconnaissance publique de la bohème européenne et des amateurs d'art du portrait profane. L'exposition universelle de la capitale française en 1900 a reconnu le droit de l'auteur de la toile au Grand Prix.

Quel est le portrait surprenant de Sophia Botkina ? L'artiste s'est éloigné de la tradition d'écrire sur des laïcs dans leur arrogance sûre d'eux et leur pompe solennelle. La figure de la jeune épouse du collectionneur Botkin semble fragile, sans défense et modeste.

Il semble que le canapé baroque sur lequel était assise le mannequin et toute sa belle tenue avec un ensemble complet de bijoux en or soient étrangers à la personnalité de cette femme. Le canapé a l'air d'une taille inappropriée et d'un goût prétentieux, avec son faste et ses prix élevés.

Le modèle repose sur un bord, presque sur le bord du meuble.

Détacher ainsi la personnalité représentée du fond environnant est une idée brillante d'un portraitiste. La couleur contribue à incarner pleinement cette idée. Le fond et le sol sont dans des tons sourds de brun, de gris et de bleuâtre. Canapé – bleu foncé. Toute l’attention est automatiquement tournée vers la douce et belle Sofya. Son corps mince et froncé est habillé d'une robe jaunâtre, couverte de boutons roses.

Le petit chien à côté de la dame n'est qu'un hommage à la mode, et peut-être l'ordre du mari d'être une femme mariée. Dans les yeux de l’héroïne, on peut penser à sa solitude spirituelle. Immergé en lui-même, le regard pensif est modestement baissé et dirigé au-delà de l'image.

Le caractère décoratif et la brillance des objets du tableau s'estompent consciencieusement devant l'éclairage par l'auteur du monde spirituel de l'héroïne. L'arrière-plan et tout ce qui se trouve sur la toile passe involontairement au second plan, et la douce tristesse dans les yeux d'une jeune femme fait ressentir au public la participation de Sophia Botkina – les dames des siècles tombées à jamais dans l'oubli.

Alexandre III de Russie, au fond le port de Copenhague

Portrait de Zénaïda Ioussoupova dans son palais Moika

Valentin Serov fait irruption dans le XXe siècle avec une réputation de portraitiste en chef de la cour. Parmi ses clients réguliers se trouvait Nicolas II et ses actions sont devenues encore plus chères après avoir reçu la Grande Médaille d'Honneur à l'Exposition Universelle de Paris pour son portrait du grand-duc Pavel Alexandrovitch. La princesse Zinaida Yusupova était l'une des personnes les plus en vue de la «file d'attente pour Serov». Comme Princesse Orlova elle était mondaine. Elle a également visité les bals de la haute société et en savait beaucoup sur les chapeaux - ce n'est pas pour rien qu'Orlova la considérait comme sa principale rivale dans le domaine de la haute couture. 

Et pourtant, Yusupova était pratiquement le contraire d'Orlova: ses contemporains ont noté sa beauté, son intelligence, son tact exceptionnels, elle se comportait simplement et avec une grande dignité à la fois. Le fait que Zinaida Nikolaevna n'était pas une mondaine banale est attesté par le fait qu'elle a réussi l'impossible: charmer le sombre et insociable Serov. «Une princesse glorieuse», écrit-il à sa femme, «tout le monde la loue beaucoup, et en effet, il y a quelque chose de subtil et de bon en elle. 

Serov avait beaucoup entendu parler du luxe du palais Yusupov Moika, mais ce qu'il a vu a dépassé toutes ses attentes. La princesse lui a fait une visite, à la fin de laquelle il s'est senti étourdi à cause des fresques, du marbre, des statues de Canova, des peintures de Rembrandt et Velázquez. Pour l'intérieur de sa peinture, Serov a choisi un petit salon modeste (par rapport aux autres pièces du palais Yusupov). Après avoir approuvé la robe et le spitz, il s'est mis au travail, ce qui a nécessité 80 séances. «J'ai perdu du poids, j'ai repris du poids et je l'ai encore perdu, pendant que Serov peignait mon portrait, et il ne suffisait pas, il peignait de plus en plus! dit la princesse plus tard. 

Le portrait a été reçu sans beaucoup d'enthousiasme. Les critiques ont blâmé Serov pour la pose délibérée du modèle, pour la simplicité excessive de la composition, discordante avec l'abondance des «lignes courbes alarmantes», pour le fait que le visage perlé de Yusupova ressemblait à un masque de courtoisie formelle, pour le sentiment général de tension. Apparemment, la princesse était en partie d'accord avec cela: selon certaines sources, les Yusupov allaient couper un ovale avec son visage hors du portrait, mais, heureusement, n'ont pas osé. 

Quoi qu'il en soit, le portrait ambigu n'a pas empêché Valentin Serov et Zinaida Yusupova de rester de bons amis. Quand à l'automne 1903, Serov tomba gravement malade et subit une opération complexe, les Yusupov furent parmi les premiers à se montrer préoccupés et disposés à aider. Plus tard, en Europe, Serov a envoyé un modeste souvenir à Zinaida Nikolaevna - un singe en peluche. Et la princesse Yusupova, l'une des aristocrates russes les plus riches, a été touchée par ce signe d'attention. 

À propos, Serov lui-même était satisfait du portrait. Il aimait particulièrement le sourire de la princesse sur sa toile. Ce fait a été fièrement noté dans les mémoires du fils de Yusupova, le comte Felix Sumarokov-Elston. "Serov était particulièrement heureux lorsqu'il a réussi à peindre le sourire de ma mère, qu'il aimait beaucoup ». il a écrit. "Il aimait à la fois la mobilité de son visage et sa beauté ». 

Portrait de Repine en 1901

Croyant que les capacités du fils pouvaient devenir son destin, la mère de Serov commença à les encourager et à les développer consciemment. En 1874, alors âgé de neuf ans, Valentine et sa mère s’installent à Paris, où se trouvait Ilya Repin. La décision de Valentina Semenovna de demander à Repin d’éduquer son fils a été le choix le plus réussi dans la vie d’un futur peintre.

C’était Ilya Repin qui était le seul maître capable de développer pleinement et de révéler les capacités du jeune Serov. Ainsi, le garçon a commencé les premières leçons de dessin régulières et sérieuses. Repin travaillait alors à Paris sur les peintures "Café" et "Sadko". Il réalisa de nombreux croquis d’après nature, sans oublier de donner constamment des devoirs à l’étudiant. Le jeune Valentin Serov a reçu à cette occasion beaucoup de précieux conseils, astuces et clarifications dont il s’est ensuite souvenu toute sa vie. Repin lui permettait de copier son travail. Il lui demandait parfois d’écrire certains objets de mémoire, mais il accordait une grande importance au dessin de la nature.

L’artiste en herbe s’abandonne complètement à son passe-temps, y consacrant tout son temps libre. Dans la journée, il peignait et le soir, il faisait des croquis et des dessins à l’infini. Grâce à l’attitude sérieuse de sa mère, de nombreuses œuvres d’étudiants de Serov ont été parfaitement préservées. Dans ses premiers albums, la plupart des peintures et des croquis consacrés aux chevaux. Bien sûr, Serov a également peint d’autres animaux, mais ce sont les chevaux qui sont devenus son amour pour la vie.

Ce fut sans aucun doute une période fructueuse dans la formation du grand peintre russe. Mais malgré toute la prospérité apparente, la vie d’un garçon de neuf ans à Paris était solitaire et morne. Sa mère, complètement plongée dans son travail, était constamment absente pendant la journée et assistait à l’opéra le soir. Valentine resta longtemps seul, livré à lui-même. Cette retraite forcée a laissé une empreinte sur le personnage de Serov, lui donnant la morosité et l’isolement que l’artiste a conservés tout au long de sa vie.

Portrait d'Ida Rubinstein

L'artiste voulait qu'Ida Rubinstein pose nue. L'humble Valentin Alexandrovitch n'a pas osé exprimer sa demande personnellement, Léon Bakst l'a fait pour lui. Il n'avait pas besoin de beaucoup persuader Ida.

Serov a décidé de peindre le portrait dans l'ancien monastère familial, qui a servi d'atelier à de nombreux artistes parisiens; il a anticipé l'excitation sociale. Tout ce qu'Ida Rubinstein a fait - sur et en dehors de la scène - était saturé d'érotisme. Les critiques ont écrit sur sa «grâce pétrifiée voluptueuse», sur sa «sensualité désastreuse». Peindre son nu, en outre, dans un lieu relativement public, était une entreprise très provocante - comme si, par exemple, Damien Hirst se mettait à peindre Sharon Stone nue quelque part dans Central Park immédiatement après la première nuit de Basic Instinct. Serov a demandé à ses collègues de se taire et de cacher leur présence pendant les séances (bien sûr, chaque arrivée de l'actrice à l'église était accompagnée d'une foule de badauds). Au cours de son travail, il a enfilé une blouse en toile brute spécialement achetée - pour «pacifier la chair» et souligner symboliquement son rôle dans ce qui se passait.

Valentin Serov a travaillé sur le portrait d'Ida Rubinstein d'une manière totalement inhabituelle pour lui. Habituellement opposé à la pose, il a fait asseoir son modèle dans une pose ostensiblement prétentieuse. Il peint d'une manière inhabituellement rapide: la seule pause est due au fait qu'Ida s'est envolée en safari, où, selon elle, elle a tué un lion de sa propre main.

Elle était un maître des canulars et un génie de l'auto-promotion, elle adorait nourrir les journalistes avec des détails incroyables sur sa vie incroyable et aventureuse. Il est fort possible que le seul Lion tué par son sort soit Léon Bakst. Cependant, cela ne s'applique pas au cas, et n'annule même pas le sentiment qu'un autre artiste se tenait au chevalet.

Une palette mortelle contre nature au lieu de la vivacité habituelle des couleurs. Diminution de la géométrie des omoplates au lieu de la ressemblance traditionnelle du portrait. À tous égards, c'était une forme nue au lieu de la signification habituelle, ce n'était absolument pas le Serov, auquel le public était habitué.

Plus tard, les critiques d'art expliqueraient beaucoup, après avoir discerné l'accent mis sur la profession artistique d'Ida Rubinstein dans sa pose contre nature, un soupçon de son image fatale dans les couleurs mortelles, un lien avec les reliefs égyptiens antiques et l'idée que le talent est voué à exister en dehors de l'espace et du temps dans la perspective de l'image pointant vers un mur blanc. "Ni couleur, ni composition, ni perspective - rien ne révèle l'espace dans lequel la figure est placée. Il semble qu'elle est étalée, pressée contre la toile, et avec toute la netteté et l'extravagance du modèle, cette composition crée l'impression de sa faiblesse et de son absence de défense.», A écrit Dmitry Sarabyanov.

Le chemisier en toile explique beaucoup (sinon tout): Serov a essayé de se distancier de la connotation sexuelle qui accompagnait Ida Rubinstein partout, autant que possible. C'est peut-être ici, et non dans les pyramides égyptiennes, qu'il faut chercher les raisons de la stylisation absolue et de l'asexualité accentuée de l'héroïne que la plupart des Européens convoitaient.

Quant aux contemporains, ils ont accepté ce «jeu de la décadence» avec hostilité. «Le charme vénéneux» et «la beauté au bord de la laideur» sont les déclarations les plus sympathiques exprimées à l'exposition Mir Iskusstva et à l'Exposition internationale de Rome, où l'image a été présentée. Repine a qualifié le sujet du portrait du Serov de «cadavre galvanisé». Sourikov a appelé cela «juste une honte».

Comme cela arrive souvent, pour que les critiques d'hier commencent à parler de «recherche de nouvelles formes» et de «talent en avance sur son temps», il a fallu la mort de l'artiste: Serov est mort un an plus tard. Cependant, le portrait d'Ida Rubinstein a longtemps fait l'objet d'interprétations ambiguës. Ainsi, en 1965, le poète Sergueï Petrov a écrit:

La concurrence avec l'espace est terminée sur toile simple d'un mur vide.

Non, artiste, ce n'est pas de ta faute mais la canne sifflante appelle à se rendre la mélodie dure du dos que vous exaltez. 

Erevan Musée d'Art d'Arménie

Lilas dans un vase

Odessa Musée des Beaux Arts

Autoportrait en 1901

Cette oeuvre est un dessin de la période moderne appartenant au style impressionnisme. 

Minsk Musée Belarus des Beaux Arts

Portrait de Anna Grigorievna Gindus

Fenêtre ouverte Lilas

Dans les Collections Privées ...

Autoportrait des années 1880

Provenance indéterminée ...

Le Conte du pêcheur et du petit poisson

Le Conte du pêcheur et du petit poisson (en russe : Сказка о рыбаке и рыбке, Skazka o rybake i rybke) est un célèbre conte en vers d'Alexandre Pouchkine. Écrit le 14 octobre 1833, il a été publié pour la première fois en 1835 dans la revue "Bibliothèque pour la lecture". 

Un vieux pêcheur et sa vieille vivent dans une pauvre cabane au bord de la mer. Un jour, le vieux, après plusieurs tentatives infructueuses, ramène dans son filet un petit poisson d'or, qui s'adresse à lui d'une voix humaine et le prie de le rejeter à la mer, lui promettant en échange d'exaucer tous ses souhaits. Le vieux le libère sans rien exiger. Rentré chez lui, il raconte l'histoire à sa femme, qui le traite d'imbécile et lui dit d'aller demander au poisson un nouveau baquet à lessive, en remplacement du leur qui est brisé.

Le vieux s'exécute et, retourné au bord de la mer, appelle respectueusement le petit poisson, qui apparaît et lui demande ce qu'il veut. Mis au courant de la demande de la vieille, il assure le vieux qu'ils auront un baquet neuf : c'est ce qui se produit. Mais à nouveau la vieille critique violemment son mari et le renvoie vers le petit poisson, pour réclamer cette fois une isba. Le vieux s'exécute. Le petit poisson, surgi d'une mer déjà moins tranquille, exauce le vœu : rentrant chez lui, le vieux découvre une belle isba à la place de la cabane. Mais la vieille, toujours insatisfaite, réclame désormais d'être noble. Le petit poisson leur accorde un riche terem (maison russe), où règne la vieille, entourée de serviteurs, et traitant son mari comme un domestique. (À chaque fois que le vieux, de plus en plus embarrassé, repart à la rencontre du petit poisson, la mer se fait de plus en plus agitée, puis sombre et menaçante).

La vieille obtient ensuite d'être tsarine dans un palais, mais cela ne lui suffit toujours pas : elle veut désormais être souveraine de la mer, et que le petit poisson lui-même soit à ses ordres. Devant une mer déchaînée, le vieux, malheureux, énonce ces exigences exorbitantes : mais cette fois, le petit poisson, sans dire un mot, d'un battement de queue disparaît dans les ondes.

Voyant qu'il n'obtient pas de réponse, le vieux finit par rentrer chez lui : à la place du palais, de la tsarine et des serviteurs, il retrouve leur pauvre cabane, sa vieille assise sur le seuil, et devant elle, le baquet à lessive brisé.

Bateaux de pêche à Arkhangelsk 

« Le Nord est dur et inhospitalier, mais je suis attiré par lui. J'irai à nouveau dans l'océan Arctique, chez ces personnes grandes et fortes », écrivait le peintre Vassili Perepliotchikov au début du XXe siècle.

Le « Nord russe » part de la côte de l'océan Arctique et des forêts impénétrables de la région d'Arkhangelsk et s'étend presque jusqu'à Saint-Pétersbourg. Cette ville, malgré sa position géographique, n'est pas incluse dans cette zone, probablement en raison de sa saveur occidentale prononcée.

Les moines se sont rendus ici pour fuir dans des terres presque désertes les tracas mondains. De plus, pendant longtemps, du bois, de la cire et des fourrures ont été livrés au port nord d'Arkhangelsk de tout le pays en vue de leur expédition ultérieure vers l'Europe. Ce n'est qu'avec la fondation de Saint-Pétersbourg et le rattachement de Riga et Reval (Tallinn) suite à la guerre du Nord contre la Suède dans la première moitié du XVIIIe siècle que les flux commerciaux ont été redirigés vers la Baltique.

Provenance et origine indéterminée ...

Portrait de Valentin Serov