Frida Kahlo

Magdalena Frida Carmen Kahlo Calderón ou Frida Kahlo, née le 6 juillet 1907 dans une démarcation territoriale de l'actuelle entité fédérative de Mexico, la délégation de Coyoacán, et morte le 13 juillet 1954 au même endroit, est une artiste peintre mexicaine.

Tout au long de sa vie, elle garde une santé fragile, souffrant de poliomyélite depuis l'âge de six ans puis victime d'un grave accident de bus. Elle devra subir de nombreuses interventions chirurgicales. Après son accident, elle se forme elle-même à la peinture.

En 1929, elle épouse l’artiste Diego Rivera, mondialement connu pour ses peintures murales.

Son œuvre comporte 143 tableaux, très souvent de petit format, un certain nombre ayant été peints alors qu'elle était alitée, dont 55 autoportraits, témoignant souvent de sa souffrance physique et morale (Hôpital Henry-Ford, 1932, Sans espoir, 1945), seule ou en compagnie d'animaux (Autoportrait au collier d'épines et colibri (1940), Moi et mes perroquets (1941)…), parfois des portraits de famille. Ses toiles sont empreintes de culture mexicaine : tenue traditionnelle, bijoux locaux, portraits d'indigènes

Autoportraits philatéliques de Frida Kahlo

Beaucoup d’œuvres de Kahlo étaient des autoportraits. Au cours de sa carrière, Kahlo a peint environ 55 autoportraits, la plupart destinés à dépeindre la douleur qu'elle a subie tout au long de sa vie.

Paris Centre Pompidou

Le Cadre

Le Cadre est un autoportrait de l'artiste mexicaine Frida Kahlo. La peinture est célèbre comme étant la première œuvre d'un artiste mexicain du XXᵉ siècle à avoir été achetée par un musée international majeur, quand elle a été acquise par le Louvre en 1939.

Ce petit autoportrait en dit pourtant très long sur l’histoire de Frida Kahlo, du surréalisme et de la scène parisienne des années 1930. Invitée par André Breton en 1939 à Paris, la peintre l’a exposé à la galerie Renou et Colle. C’est suite à cette exposition que le Jeu de paume acquiert The Frame. Le tableau est peint sur une plaque en inox brossé et fixé sur du verre traditionnel mexicain que l’artiste a acheté dans un marché à Oaxaca (Mexique). Dans ce cadre destiné à orner une image pieuse, elle y a inséré son portrait encerclé de fleurs. Avec ces couleurs vives qui entourent le visage de Frida Kahlo, il fait partie de la cinquantaine d’autoportraits qu’elle a réalisés au cours de sa vie. Atteinte de poliomyélite à 7 ans, puis victime d’un grand accident de bus en 1925, Frida Kahlo a été alitée pendant des mois. Grâce à un système ingénieux de miroir et de chevalet intégré, elle a pu peindre depuis son lit.

Paris Collection Daniel Filipacchi

Arbre de l'espérance

Frida a peint cet autoportrait pour son patron, l'ingénieur Eduardo Morillo Safa, après une opération bâclée à New York. Elle lui a écrit sur la peinture et sur les cicatrices "... avec laquelle ces chirurgiens fils de putes m'ont débarqué". Dans le message "arbre d'espoir, rester fort", qui est écrit sur son drapeau, elle semble se donner du courage. La phrase est tirée d'une de ses chansons préférées, "Cielito lindo". dans cette peinture, nous voyons deux Fridas ; celle de gauche est la Frida qui vient d'être sortie de la salle d'opération sur un chariot d'hôpital et l'autre est la vigoureuse figure droite et confiante de Frida. Le tableau est divisé en deux moitiés, un jour et une nuit . Le corps mutilé et saignant est affecté au soleil, qui, dans la mythologie aztèque, le soleil est nourri de sang humain sacrificiel. Les deux blessures béantes dans son dos font écho dans les fissures du paysage aride derrière. L'autre Frida, l'air forte et optimiste, est assignée à la lune, un symbole de la féminité. Dans sa main, elle tient le corset qu'elle avait espéré rejeter pour toujours après la chirurgie. Malheureusement, cette chirurgie a été terriblement bâclée et a entraîné de nombreuses complications. Il a été décrit comme "le début de la fin" pour Frida.

Paris Collection Michel Petitjean

Mémoire (Le Cœur)

En novembre 1938, ce tableau est présenté lors de la première exposition personnelle de Kahlo à la Julien Levy Gallery de New York. Il a été présenté sous le titre : " Le Cœur ". Frida a offert ce tableau à Michel Petitjean, directeur de la galerie Renou et Colle à Paris.

L'artiste est arrivée au Havre le 21 janvier 1939, avec dix heures de retard et un humour de chien. Lamba et Dora Maar, le couple de Picasso, l'attendaient au port. Les trois femmes sont allées à Paris, où Frida a passé deux mois de courses artistiques et une liaison avec un jeune homme nommé Michel Petitjean, dont les biographies ne se sont jamais réalisées, car elle-même a veillé à ce que l'on ne sache rien de lui.

Dans cet autoportrait, Frida découvre comment exprimer l'angoisse qu'elle a subie lors de l'aventure entre son mari Diego Rivera et sa sœur cadette Cristina à travers l'art. Son cœur brisé est à ses pieds ; sa taille énorme symbolise l'intensité de sa douleur. Frida illustre ses sentiments d'impuissance et de désespoir par son manque de mains. Son visage, bien que larmoyant, est inexpressif. Elle s'est coupé les cheveux, pour agacer Diego qui admirait beaucoup ses longs cheveux flottants. Elle porte les vêtements de style européen qu'elle préférait lorsqu'elle s'est séparée de Diego, qui préférait les robes de Tehuana. Le pied sur l'eau porte un appareil qui ressemble à un voilier et fait référence à une opération que Frida a récemment subie au pied. Le trou qui reste après l'extraction de son cœur est percé d'une barre d'acier et il y a un Cupidon à chaque extrémité. Plus Frida veut transmettre de douleur, plus ses peintures sont sanglantes.

New York Collection Reyero

Elle entend également donner à voir le conflit intérieur qui la déchire : une des clés de ce tableau est le drapeau mexicain qui souligne son attachement à son pays d'origine et la cigarette qui traduit son désir d'émancipation.

Frida se trouve donc à la croisée de deux mondes: celui traditionnel du Mexique et la culture moderne américaine, caractérisée par le progrès technique et l’essor des libertés individuelles.

Le Mexique, un pays de traditions : Frida représente ici un monde qui se caractérise par la survivance de traditions ancestrales, où l'homme vit en harmonie avec la nature et les dieux qui la peuplent. Les racines des plantes symbolisent la cohérence et le caractère harmonieux de ce monde. Les nuages « Soleil » et « Lune », en forme de mains qui se touchent en faisant naître la foudre (Zeus), sont un clin d’œil à la fresque du plafond de la chapelle Sixtine, peinte par Michel-Ange: cf. le célèbre détail de la création de l’Homme par Dieu dont l'index joint celui d'Adam sans le toucher.

Les États-Unis, incarnation de la modernité : Ici, Frida représente un monde où le contact avec la nature a été oublié. Un monde où le divin n'a plus sa place. Un monde où les gratte-ciel ont remplacé les temples. C'est donc un regard critique que l'artiste porte sur la civilisation du progrès à l'américaine.

On peut cependant se demander si la jonction des câbles électriques avec les racines ne symbolise pas la complémentarité de la tradition et du progrès. D’autant que cette jonction n’est pas sans rappeler le schéma d’une synapse neuronale, c’est-à-dire l’espace où, sous l’impulsion du courant électrique parcourant l’axone, des médiateurs chimiques sont libérés pour aller se fixer sur le neurone suivant et faire naître de nouveau un courant électrique !

Frida fait un usage original de l'autoportrait en ce qu'elle ne se contente pas de donner une représentation d'elle-même. Elle montre que son histoire personnelle est indissociable de l'Histoire universelle et que le conflit qui l'habite n'est que l'écho du choc des cultures qui bouleverse le monde qui l'entoure.

New York Selma Nehumi Ertegun

Le reve

Le spectacle du douloureux tableau Le Rêve de Frida Kahlo (1910-1954 ) où, selon toute apparence, le peintre se débarrasse d’une sorte de malaise. Elle se présente elle-même, en effet, sous une couverture, plongée dans le sommeil, avec des rameaux de paliure (dite, épine du Christ) plante grimpante sur elle, indice et marque d’un cauchemar en cours: au ciel du baldaquin, le spectre de la mort sous la forme d’un squelette, posé à plat comme sur une paillasse de laboratoire ; les os y sont serrés par des fils où sont accrochés des bâtons de dynamite ; un bouquet de fleurs fait comme office de nid venimeux. Sa position en chair est analogue. Il est admis de voir, dans cette allégorie forcée du silence, une vision hiémale qui n’adviendra, pour Frida, que quinze ans plus tard. Ici, en surréaliste vertueuse, l’artiste s’affiche, simultanément, avec une « doublure » : avant et après. La page macabre détaille l’avers et le revers de la vie, chronique où présent et futur sont inexorablement reliés.

New York Coll. Martin Fine Arts

Diego dans mes pensées

Diego et moi est une œuvre de la peintre mexicaine Frida Kahlo réalisée en 1949. Il s’agit d’un autoportrait qui montre le visage de Frida en pleurs, tandis que sur son front, appuyé sur ses sourcils broussailleux, elle reproduit un portrait de son mari Diego Rivera. Le tableau appartient à une collection privée (Mary Anne Martin Fine Arts. New York) et a été vendu aux enchères chez Sotheby’s en 199.0

Le but de cette œuvre était de montrer le type de relation que Frida Kahlo entretenait avec Diego Rivera, ce qui montre que l’amour entre eux n’était jamais facile. Leur relation a été marquée par des infidélités et des conflits, qui ont déclenché les changements constants d’humeur et de personnalité de Frida. Il montre également les sentiments contradictoires qu’elle éprouvait, ressentant de la haine, de la colère et de la frustration, tout en ressentant de l’amour pour lui. Il s’agit d’une combinaison de tous les sentiments et émotions qui ont été capturés dans le visage de Diego Rivera.

L’œuvre est précieuse sur le plan esthétique, car elle fait partie de la collection de la célèbre artiste mexicaine Frida Kahlo. La façon dont elle parvient à capturer les sentiments liés à sa relation avec Diego Rivera la rend encore plus intéressante. La théorie qui s’applique le mieux au tableau est celle de l’émotivité, car son auteur accorde une grande importance aux émotions qui découlent des infidélités de sa compagne.

Troisième œil : Cet élément symbolique dénote l’admiration de Frida pour l’intelligence et la sagesse de Diego. Elle suggère que Frida était alors convaincue de la supériorité intellectuelle et artistique de Rivera.

Diego sur le front de Frida : Diego est présent dans les pensées de Frida, comme le suggère le portrait de Diego entre les sourcils foncés de Frida. Le même dispositif symbolique avait déjà été utilisé par Frida dans son Autoportrait en Tehuana ou Diego dans Mes pensées de 1943.

Les larmes de Frida : Pendant des années, Frida a fait des blagues et s’est moquée des infidélités et des indiscrétions de Diego. Elle a également maintenu son amitié avec Maria Felix pendant et après cet incident. Mais les larmes de Frida dans ce portrait nous montrent son chagrin et sa douleur à ce moment de sa vie face à la possibilité de le perdre à nouveau.

Les cheveux : Dans la plupart des portraits, à l’exception, d’ailleurs, de l’autoportrait avec une coupe de cheveux de 1940, les cheveux de Frida sont représentés élégamment tirés en arrière dans un chignon. Dans celle-ci, en revanche, ses cheveux sont détachés et emmêlés autour de son cou, ce qui suggère un état de noyade ou de strangulation. Sans Diego, Frida perd le souffle de la vie.

New York Galeria Ramis Barquet

Congreso de los pueblos por la paz

Le 29 juin 2020, Sotheby's a organisé une vente aux enchères comprenant l'un des derniers tableaux jamais peints par Frida Kahlo. Le petit travail, qu'elle a accompli alors qu'elle était confinée dans son lit, était sa contribution au Congrès des peuples pour la paix qui s'est tenu à Vienne en 1952. Sotheby's a estimé que « Congreso de los pueblos por la paz » se vendrait entre 400 000 $ et 600 000 $. Il s'est vendu à plus de deux millions de dollars au-dessus de l'estimation la plus élevée : le marteau est tombé à 2 660 000 $, un prix ahurissant pour une œuvre qui, par consensus, est mineure dans l'œuvre de l'artiste.

Frida était délibérée en faisant de cette peinture une déclaration sur l'héritage africain du Mexique.

Le Mexique a été bouleversé par l'élection de Lázaro Cárdenas en 1934, lorsque la Grande Dépression a frappé le monde. Il a lancé un plan de six ans pour sauver l'économie du pays, en se concentrant sur des programmes sociaux pour répondre aux besoins immédiats du peuple mexicain.

La politique mise à part, ce qui a captivé l'imagination mexicaine, c'est le simple fait que Cárdenas était largement considéré comme d'ascendance africaine. Le Mexique colonial, tout le monde le savait, comptait plus d'Africains que toute autre région de l'Amérique espagnole .

Avec l'élection de Cárdenas, les intellectuels ont pris conscience que l'héritage africain du Mexique devait être exploré, examiné et adopté. Après tout, si l'héritage africain du Mexique était évident face au président bien-aimé, alors qui d'autre pourrait se vanter d'un héritage similaire ?

Considérons, par exemple, le principal fruit introduit dans les Amériques depuis l'Afrique : la pastèque.

La pastèque, Citrullus lanatus , est une plante à fleurs d'abord domestiquée en Afrique de l'Ouest. Il est arrivé dans les Amériques à bord des mêmes navires qui ont amené les Africains réduits en esclavage. Aux États-Unis, après la guerre de Sécession, la pastèque est devenue un trope pour ridiculiser l'Amérique noire. Tout comme des statues d'officiers militaires confédérés vaincus ont été érigées dans des lieux publics dans toute l'ancienne Confédération vaincue pendant la ségrégation pour intimider les Noirs, les traditions culinaires ont été transformées en armes.

Au Mexique, cependant, la pastèque est devenue le symbole de l'héritage culinaire que les premiers Africains ont apporté avec eux, un doux cadeau à savourer.

Au Mexique, les pastèques honorent également les morts. Il n'y a pas de réponse définitive quant à la façon dont cela a commencé, mais c'est le cas. L'explication la plus raisonnable est que lorsqu'un homme africain arrivait au Mexique, vivait avec une femme indigène et élevait une famille métissée, il se résignait à ce que ses descendants ne soient pas entièrement africains. Au fil des décennies et de la mort de ces hommes, la famille s'est réunie et a combiné des rites funéraires catholiques, indigènes et africains. Une tradition d'Oaxaca était d'offrir de la nourriture et des boissons aux morts.

New York Museum of Modern Art

Mes grands-parents, mes parents et moi

Mes grands-parents, mes parents et moi est une peinture de Frida Kahlo réalisée à l'huile et tempera sur métal, en 1936, pour le docteur Allan Ross. C'est le premier des portraits qu'elle a peints de sa famille et où figure son arbre généalogique.

Frida Kahlo a peint ce tableau juste après la loi de Nuremberg (1935) interdisant les mariages mixtes, mettant en avant sa double nationalité allemande et mexicaine. L'artiste a utilisé le passé et l'espace pour créer, le passé de sa famille avec l'arbre généalogique, l'espace avec la terre et la mer pour ses origines.

Le tableau représente l'arbre généalogique de Frida Kahlo. En haut à droite figurent ses grands-parents paternels et en haut à gauche ses grands-parents maternels. Ses parents sont au centre, avec un fœtus accroché au ventre de la mère, soit elle dans le ventre de sa mère. On peut aussi voir un spermatozoïde et un ovule en dessous du fœtus.

Frida Kahlo se trouve en bas du tableau, tenant le ruban rouge. Elle se trouve dans sa maison natale, la « Maison Bleue » (Casa Azul), qu'on reconnait à sa couleur bleue, bien spécifique. Cette maison peut être le symbole d'une enfance heureuse dans un tableau comme celui-ci.

À gauche du tableau, Frida Kahlo a représenté le Mexique, reconnaissable à ses cactus et à ses montagnes, tandis qu'à droite du tableau, elle a représenté l'océan Atlantique. Elle montre ainsi sa double origine : ses grands-parents paternels sont allemands, tandis que ses grands-parents maternels sont mexicains d'origine espagnole.

Un ruban rouge tenu par la petite fille dans sa main droite va jusqu'aux grands-parents. Ce ruban est de la couleur du sang, symbole de la souffrance qu'elle a ressenti à la suite de son accident et de sa maladie, mais aussi de celle de l'amour qu'éprouve Frida Kahlo pour les membres de sa famille.

Autoportrait aux cheveux coupés

Cette femme assise sur cette simple chaise en bois au milieu de cette grande pièce vide s’appelle Frida Kahlo. Elle s’est elle-même représentée en costume masculin, une paire de ciseaux à la main. Elle est entourée de mèches de longs cheveux qu’elle vient de se couper.

En 1940, Frida Kahlo vit des moments difficiles. En plein désespoir, elle vient de divorcer de Diego Rivera, un artiste mexicain célèbre pour ses peintures murales. Leur mariage fut assez explosif, entre violences, tromperies, fausses couches, jalousies et alcoolisme, le divorce était inévitable. C’est ce qu’elle nous raconte dans ce tableau où elle souhaite effacer toute trace de sa féminité : plus de beaux cheveux, plus de bijoux, plus de belles robes colorées.

Pour accompagner ce changement radical d’apparence, elle accompagne son Autoportrait aux cheveux coupés d’une petite chanson, au-dessus de la toile. Une portée musicale (illustrant un air traditionnel mexicain) accompagnée de paroles illustrent ce triste moment : « Tu vois ! Si je t’aimais, c’était pour tes cheveux. Maintenant que tu es chauve, je ne t’aime plus » .

En perdant ses cheveux, elle perd l’amour de l’homme, elle n’est plus femme. Frida était donc aimée grâce à ses attributs féminins (ses cheveux), et non pour elle-même. Une vision très négative de l’amour que l’homme porte à la femme.

Dans les années 1940, les femmes mexicaines n’avaient peu de droits, surtout lorsqu’elles étaient divorcées. Elles étaient rejetées de la société. Apparaître « en homme » était une manière pour elle d’affronter cette situation. C’est aussi une façon de tourner la page de son mariage, une manière d’avancer dans la vie.

Pour autant, elle se remariera avec Diego Rivera quelques mois après. Ils resteront mariés jusqu’à la mort de Frida Kahlo en 1954.

New Orleans Coll Harold Stream

Moi et mes perroquets

L’arrière -plan de l’autoportrait avec Bonito est vivant, mais pas d’une manière qui génère beaucoup de gaieté. Kahlo et son animal de compagnie apparaissent sur le feuillage sombre d’un arbuste tropical dont les feuilles sont marquées par les déprédations des chenilles. L’artiste est liée à cette toile de fond de toile d’araignée qui atteint à partir de la brousse pour s’ancrer dans ses cheveux. Dans cette toile, l’une des chenilles se contorsionne dans l’agonie.

Frida Kahlo se représente avec des perroquets et la nature, faune et flore mexicaines pour montrer son appartenance culturelle. Les oiseaux ne sont pas seulement des accompagnateurs mais un symbole d’identité.

Houston Collection Carolyn Farb

Le cerf blessé

Ce tableau est un autoportrait de Frida Kahlo représentée sous la forme d'un cerf. On reconnaît sa figure grâce à ses épais sourcils, qui la caractérisent. Elle choisit de se représenter en cerf car c'est le symbole du Christ, qui a beaucoup souffert, comme Frida depuis son accident et sa maladie. À gauche du tableau, on aperçoit une forêt d'arbres morts, symbole de stérilité : Frida a essayé d'avoir un enfant mais n'a jamais réussi. On y compte 9 arbres, comme le nombre de flèches plantées dans son corps et comme le nombre de bois du cerf. Ce chiffre peut avoir plusieurs interprétations, l'une d'elles associe ce chiffre à la 9^e heure, celle de la mort du Christ sur la croix. À l'arrière-plan, on aperçoit un orage au-dessus de la mer. Il symbolise son opération chirurgicale qui s'est passée à New York mais qui n'a malheureusement pas fonctionné. Néanmoins, l'ouverture sur la mer laisse penser qu'elle pourra vivre des jours heureux et avoir une vie meilleure, la lumière peut aussi représenter la venue de la peinture dans sa vie.

Austin Harry Ransom Center

Nature morte avec perroquet et fruits

Seattle Collection Mary Shirley

Deux nus dans la forêt

En 1939, Frida Kahlo réalise l’œuvre Deux nus dans les bois, une peinture qui a souvent été considérée comme une expression claire de l’ambiguïté sexuelle de l’artiste. Il s’agit d’une peinture à l’huile de 25 x 30,5 cm dont la propriétaire, Mary Shirley, l’a soufflée à Madonna pour un demi-million de dollars. Mary Shirley, une femme connue pour son grand cœur et son enthousiasme et Jon son mari, l'ancien président de Microsoft sont un couple qui deviennent tranquillement des partisans les plus généreux et les plus actifs des arts visuels de la région.

En fait, depuis quelque temps, Frida Kahlo avait manifesté sa bisexualité et cette œuvre, qui avait plus de titres (La Terre elle-même et Mon infirmière et moi), n’était certainement pas nécessaire pour qu’elle exprime ses inclinations ou, comme on dit maintenant, pour qu’elle sorte. En fait, dans plusieurs autres tableaux, Frida a raconté son ambivalence d’une manière plus explicite et plus ironique.

Le tableau Deux nus dans la forêt raconte la rencontre entre deux femmes dans une forêt. L’un s’appuie sur le ventre de l’autre et les deux sont épiés par un singe, symbole du péché, de la transgression et du diable, qui manifeste la sexualité par l’instinct animal.

Cependant, l’aspect sexuel de ce tableau n’est, à mon avis, qu’une provocation, que beaucoup ont saisie en spéculant sur l’aspect d’ambiguïté sexuelle. Je crois plutôt qu’il s’agit d’une autre version de la dualité de Frida, qui dans d’autres œuvres a essayé de montrer la division de sa personnalité dans différents contextes.

Dans ce cas, les deux femmes pourraient représenter l’influence européenne et mexicaine. Ou deux personnalités, dont la plus fragile est la plus détendue et la plus forte et la plus sûre est celle à la peau sombre.

En tout cas, c’est une peinture intéressante, même si elle est moins connue, parmi celles de l’artiste mexicain, car elle exprime la féminité sans aucun filtre ni honte mais en cherchant sa véritable origine. L’ambivalence, la sensibilité, la modestie, la sensualité et la joie d’exister sont quelques aspects de la symbolique du tableau, mais comme dans toutes les œuvres représentant un monde, chacun peut y trouver ce qui l’intéresse le plus.

San Francisco Hoover Gallery

Ma robe est suspendue là bas

Frida Kahlo a peint ce qu'elle savait . La plupart de ses œuvres étaient des réflexions sur sa propre vie et ce qu'elle faisait dans sa vie personnelle . Lorsque Frida Kahlo est allée à New York avec son mari à 1933 , pour la deuxième visite , elle a commencé à peindre ma robe pend là . Cette peinture dépeint les sentiments de Frida à la frontière entre le Mexique et les Etats-Unis. Ce passage frontalier est ce que Frida a vécu au cours des trois dernières années alors qu'elle faisait des allers-retours entre le Mexique et les Etats-Unis. Dans le tableau ma robe est suspendue , toutefois , la peinture contient des restes d'elle-même , ou d'une femme , mais la peinture est principalement reprise par les bâtiments et les usines , qui doivent représenter les Etats-Unis . Les quelques indications d'une existence de femme dans cette peinture est montrée à travers l'image d'une robe , qui semble être le style mexicain traditionnel , comme Frida l'aurait porté , accroché à une corde à linge , une photo écaillée de Mae West , une grande actrice New-Yorkaise de l'époque , et la statue de la liberté au loin . Cependant, la robe est vide , et la peinture se décolle , ainsi que la statue de la Liberté étant loin en arrière-plan. Ces trois restes d'une femme , donne l'indication de l'absence de femmes dans le tableau, au lieu d'une présence d'unique. Ce qui domine la peinture, c'est la présence de bâtiments et de machines, le tableau représente l'Amérique , avec la technologie de pointe et les villes en croissance . En accrochant la robe aux couleurs vives entre une cuvette des toilettes sur un pilier et un trophée de golf sur l'autre pilier, Frida se moque de l'obsession américaine pour la technologie et le sport. La cuvette des toilettes suggère grossièrement la technologie avancée de l'époque aux U.S.A . et le trophée de golf indique l'importance des sports nationaux pour la culture américaine. La représentation cynique de l'Amérique par Frida' réunit ici dans un collage d'images et de symboles . Encore, comme dans beaucoup de peintures de Frida autour de cette période, elle contraste l'importance de la terre et la femme nourricière du Mexique , avec l'homme et la machine des Etats-Unis . Ce thème était un grand objectif pour Frida pendant et après son voyage aux Etats-Unis. "Ma robe est suspendue" capture vraiment toutes les œuvres que Frida a faites sur ce sujet et aussi ce qu'elle pensait de franchir la frontière elle-même . Non seulement la peinture soulève les problèmes des frontières et de ce qui est de chaque côté, mais elle touche également à ce que ces frontières signifient pour les femmes et ce que l'expérience de Frida aux Etats-Unis était .

San Francisco Musée Art Moderne

Autoportrait au collier d'épines et colibri

Très imprégnée du symbolisme de la culture mexicaine, Frida peint des colibris, signe d’espoir et de bonheur, des singes, signe de séduction, de communication, de créativité mais aussi de désillusion face au côté obscur de l’homme, et des fleurs luxuriantes, que l’on trouve notamment dans l’un de ses autoportraits les plus célèbres : « Autoportrait au collier d’épines et colibri ». Dans cette œuvre, elle souhaitait montrer qu’elle s’était relevée et qu’elle avait commencé une nouvelle vie.

Au cours de sa carrière, Kahlo a peint environ 55 autoportraits, la plupart destinés à dépeindre la douleur qu'elle a subie tout au long de sa vie.

Le collier de Frida Kahlo est un colibri noir, mort. Les ailes déployées font écho aux sourcils de notre artiste.

Le colibri mort, dans la tradition mexicaine, est un porte-bonheur évoquant l’espoir. Le tableau est réalisé peu de temps après le divorce de Frida Kahlo et Rivera, un divorce douloureux qu’apaisera, peut-être, le colibri.

Le colibri est attaché à un collier d’épines évoquant ses souffrances, référence à la couronne d’épines du Christ sur la Croix.

Le singe : assis sur l’épaule de Frida, il fait référence au singe apprivoisé, offert par Diego Rivera. Ainsi, comme un ange sur son épaule, on peut supposer qu’il le représente. Le singe semble joueur, tirant sur son collier, lui infligeant une douleur. Peut-être représente-t-il aussi l’enfant qu’elle ne peut avoir à cause de sa fragilité.

Le chat noir : symbole de sa dépression, de sa malchance, car vous n’êtes pas sans savoir que le chat noir porte malheur et évoque la mort.

Madison Compemtory Art

Pitahayas

La peinture de Frida Kahlo est une nature morte de cinq pitahayas. La pitahaya est un fruit du désert au goût de melon qui pousse sur les rochers ou dans les fourrés. Il est ovoïde avec une peau jaune épaisse qui se gonfle d'excroissances et de renflements. L'intérieur est une masse de chair blanche dense et translucide qui contient de nombreuses petites graines noires comestibles.Kahlo aimait les pitahayas pour leur douceur et leur jutosité.

À bien des égards, la représentation de Kahlo est réaliste, incluant même deux roches dénoyautées et un cactus rond pour suggérer l'habitat du fruit.Mais l'artiste prend des libertés et prend certaines décisions qui donnent à sa nature morte ses significations particulières.

Premièrement, ces pitahayas se décomposent ; la peau jaune saine a sur-mûr jusqu'à un rouge orangé criard. Les peaux se sont ouvertes et la pourriture brune s'est installée. L'une d'elles a été ouverte pour révéler ce à quoi nous nous attendions, la chair blanche et les graines noires. Mais les coupes sont des jantes parfaitement arrondies. Les fruits sectionnés regardent avec d'autres yeux terrestres. Présider les fruits est un petit squelette assis qui tient une faux qui l'identifie comme la faucheuse - la mort elle-même. Ce chiffre est une calavera. Il est associé à El Dia de los Muertos (Le Jour des Morts), la fête la plus populaire du Mexique qui commence pendant deux jours le 1er novembre - la Toussaint dans le calendrier liturgique catholique.

La nature morte de Kahlo est une méditation sur la mort. En raison de sa fraîcheur aqueuse qui peut fournir de la nourriture sur les terrains les plus arides, le pitahaya est connu comme le «fruit du naufragé». Mais même ces fruits les plus vivifiants sont livrés à la pourriture. Si réaliste dans certains détails, cette nature morte est magique.

Mexico Galerie Arvil

Nature morte avec perroquet et drapeau

De la Colección Díaz Ordaz, on peut découvrir cette oeuvre au Museo Dolores Olmedo. en la Galerie Arvil.

Dans les années 1950, Frida Kahlo peint énormément de natures mortes. Après les autoportraits et les portraits, ce'st le troisième genre artistique le plus important de son oeuvre. Entre 1951 et 1954, son image n'est presque plus présente dans ses toiles. La sexualité apparaît de façon plus évidente, moins voilée. Comme on peut le découvrir ici, elle est illustrée par les fruits mûrs coupés en deux qui exposent leur chair délicieuse, telle une invitation franche au plaisir.

Le soleil et la vie

Le sujet de la fécondité revient plusieurs fois dans son oeuvre. Dans cette nature morte assez singulière, l'artiste représente des plantes, des fleurs et des graines, symbolisant la gestation dans l'utérus : les pistils des fleurs évoquent des gouttes de sperme qui fécondent l'ovule. Un foetus pleure, tout comme le troisième oeil du soleil. Une fois de plus, Frida Kahlo a du faire face à la perte d'un enfant.

Mexico Frida Kahlo Museum

Viva la vida

Une tragédie personnelle l'a frappé en 1953, lorsque, en raison de complications, sa jambe droite a été amputée sous le genou. Sa dernière peinture, qu'elle a terminé peu de temps avant sa mort, était une nature morte avec des pastèques. La pastèque dans sa peinture a beaucoup de sens et est un sujet fréquent dans l'art mexicain. C'est un symbole populaire dans les vacances du jour des morts qui dépeint généralement les pastèques mangées par les morts ou montrées en étroite collaboration avec les morts. Huit jours avant sa mort, elle a écrit son nom, la date et le lieu d'exécution sur la pulpe rouge, avec le titre “ Viva la Vida Coyoacán 1954 Mexico”, en grandes lettres majuscules! Frida Kahlo est décédée en 1954, à l'âge de 47 ans. Elle a passé sa vie dans la douleur et a écrit dans son journal quelques jours avant sa mort qu'elle espérait "la sortie est joyeuse et j'espère ne jamais retourner" .

Le fruit de la vie

Frida c'est de la souffrance de la douleur du désespoir tout au long de sa vie mais aussi une formidable énergie un courage et surtout une incroyable envie de vie et de liberté. Malgré ses vingt-et-un ans de plus c'est le coup de foudre et ils se marièrent très vite.

Mexico Coll. Balbina Azcarraga

Elle capture très bien la beauté fraîche et nette du magnolia ou du buisson avec ses grandes fleurs typiquement rose crème et cireuses, et largement cultivées comme plantes ornementales.

La vertu de Magnolias réside en effet principalement dans sa simplicité, augmentée par sa signification symbolique plus profonde pas si évidente..

La fleur de magnolia représente traditionnellement la dignité et la noblesse, deux problèmes majeurs auxquels sont confrontés les peuples autochtones du Mexique dans un cadre politique post-colonial. Dans la Chine ancienne, les magnolias symbolisaient la beauté et la douceur féminines parfaites.Dans les États du sud des États-Unis, les magnolias blancs sont généralement inclus dans les bouquets de mariage car ils soulignent la pureté de la mariée.

Mexico Musée Dolorès Olmedo

Hopital Henry Ford

En 1932, Frida Kahlo, artiste mexicaine, va vivre l’un des moments les plus douloureux de sa vie : la perte de son fils lors d’une fausse couche. Cet événement mettrait fin à son rêve tant espéré de devenir mère.

Pour Frida, le diagnostic était très clair : son corps n’était pas capable de supporter la croissance d’un bébé pour deux raisons, la première, conséquence d’un grave accident subi dans sa jeunesse, et la seconde, une malformation congénitale de son utérus. Frida décrira plus tard ce chagrin comme “un chagrin qui la rendit folle”.

Dans l’intention de refouler ses sentiments, Frida va travailler à une série sans précédent de dessins et de lithographies, travaux qui se matérialiseront dans la production de son œuvre “Henry Ford Hospital” ou “The Flying Bed”.

Le style “naïf” de cette œuvre, ainsi que les matériaux utilisés pour son exécution, la présence de symboles et les caractéristiques formelles de la peinture nous permettent de l’associer aux ex-voto mexicains. Frida Kahlo crée des peintures proches des peintures votives traditionnelles dans l’intention de mettre une distance entre son esprit et ses peines.

Les ex-voto sont des peintures traditionnelles réalisées à la demande de croyants pieux pour solliciter un miracle ou en guise d’action de grâce pour l’accomplissement d’un miracle, le plus souvent à l’intention de saints ou de la vierge. L’ex-voto est une expression populaire de la culture traditionnelle mexicaine, dans laquelle deux plans sont représentés : il y a d’abord le plan réel, où un fait concret est présenté, et ensuite le plan providentiel, où se manifeste l’intervention miraculeuse de la divinité. Les deux plans représentés simultanément constituent une énigme en raison de leur dualité exprimée par la présence du possible et de l’impossible dans le même espace (voir les exemples présentés ci-dessous). La différence avec la peinture de Frida réside dans un fait simple : Frida ne représente qu’un seul plan, et celui-ci constitue la circonstance qu’elle veut communiquer.

Quelques petites piqures

Quelques petites coupures illustre ce fait divers : Une femme assassinée, criblée de coups de couteau par un ivrogne qui, face à ses juges, se défend par cette phrase « Mais je ne lui ai fait que quelques petites coupures ». Le cadre lui-même est couvert de tâches écarlates grandeur nature, impactant le spectateur et assurant une transition entre réalité et fiction. Dans ce tableau,Frida projette sa propre douleur, sa propre expérience sur une femme frappée de blessures physiques en substitut de ses blessures morales. La poétique du sang imprègne bon nombre d’éléments de la culture latino-américaine.

Lucha Maria fille de Tehuacan

Un des chefs d'oeuvre du musée Dolores Olmedo à Mexico et exhibée à Budapest Hongrie pendant l'automne de 2018. Frida redécouvre dans cette oeuvre ses origines mexicaines et indigènes à travers les fondations précolombiennes avec ici à l'arrière-plan de la toile les pyramides de la lune et du soleil du site Tehotihuacan. C'est ici,selon la légende que les dieux auraient créé ces deux astres.

La pyramide à degrés, symbole du passé national était fort présente dans la vie du couple qu'elle formait avec Diego Rivera, le célèbre peintre muraliste. Dans leur maison de la Casa azul, en effet, ils avaient aménagé une petite pyramide sur laquelle ils exposaient leurs objets de collection d'art précolombien. En premier plan, la niña est vêtue d'un costume traditionnel tehuacana, elle est assise sur un rocher. Dans ses mains, un avion militaire, un jouet de guerre qui rappelle que Frida accordait beaucoup d'importance à l'engagement des femmes en politique. Dans le ciel, la lune et le soleil , dualité complémentaire du jour et de la nuit se partagent le ciel tout comme le rebozo (châle) de la niña, qui tel le yin et le yang voit s'alterner les triangles noirs en opposition aux triangles blancs.

Autoportrait avec un petit singe

Dans beaucoup de ses autoportraits, Frida Kahlo est accompagnée de ses animaux favoris, qui remplacent les enfants qu'elle n'a jamais eus. Ce sont tantot des singes araignées, tantot des perroquets ou des chiens. Tel est le cas de l'oeuvre "Autoportrait avec un petit singe" (1945) qui représente l'artiste avec le visage de trois quarts. Elle arbore la tenue et la coiffure des femmes indigènes du sud-est du Mexique. Un ruban la relie à Senor Xolotl (nom donné à son chien nu du Mexique). Derrière elle, sur sa droite, un singe araignée fixe le spectateur. De l'autre coté, on peut voir une idole préhispanique. Une extrémité du ruban qui relie tous les personnages entoure la signature de Frida Kahlo, tandis que l'autre est enroulée autour d'un clou transperçant les nuages beiges qui constituent la toile de fond du tableau.

Sans espoir

Le tableau "Sans espoir" (1945) n'a pas été peint sur une feuille de métal, mais il présente les caractéristiques du petit format employé dans les autres œuvres. Il fait référence aux régimes auxquels l'artiste devait s'astreindre pour prendre du poids, car elle avait beaucoup maigri en raison de son manque d'appétit.

Il représente un banquet de la mort, où l’on voit l’artiste se reposer sur le lit en tenant un énorme entonnoir, appuyé sur sa bouche, d’où déborde un mélange putréfié de viande et de poisson, couronnant toute cette masse de nourriture par un crâne en sucre. Il nous montre ainsi la mort représentée par la putréfaction des aliments, avec en point d’orgue le crâne – également typique du folklore mexicain – symbole direct de la fin de la vie.

Ma nourrice et moi

Mathilde, la mère de Frida a dû recourir à l’aide d’une nourrice semble t-il pour deux raisons.

Selon la première, Frida a été conçue peu de temps après la mort du seul fils de ses parents. La mère éplorée tomba enceinte de suite pour remplacer inconsciemment cet enfant perdu, par un autre, mais ce fut une fille ! Peu de temps après la naissance de Frida, sa mère fit une grave dépression et des crises épileptiformes, comme celles qui, régulièrement frappaient Guillermo le père. Mathilde se trouva alors dans l’incapacité d’allaiter et de s’occuper de sa fille qu’elle confia à une nourrice indienne.

Pour la seconde c’est de suite après la naissance de Frida, que sa mère tomba enceinte, d’où une interruption de la montée de lait. Elle dut en conséquence avoir recours à une nourrice indienne.

Bien après la période où elle avait donné le sein, un alcoolisme fut reconnu chez cette nourrice. De là à penser que l’allaitement de Frida Kahlo a été plus fragilisant que nourrissant, il n’y a qu’un pas, quand bien même que l'on ne sache pas exactement la durée exacte de cet allaitement.

Cette période de son enfance resta une hantise chez Frida Kahlo. Ce sera d’ailleurs un support fréquemment retrouvé dans son œuvre. Il en est ainsi dans « Ma Nourrice et Moi ou Je Tète », une toile qui exprime un souvenir marquant de son enfance avec un langage pictural qui lui est propre.

Dans » Ma nourrice et moi « Frida est une enfant qui tête le sein, semblable à un végétal de la mère – terre, dans Racines, c’est elle qui nourrit la nature en donnant naissance à une plante grimpante.

Mexico Musée d'Art Moderne

Les deux Fridas

C'est peu de temps après son divorce avec Diego Rivera que Frida Kahlo a accompli cet autoportrait représentant deux personnalités différentes. Le personnage de droite représente la personne qu'aimait Diego Rivera, une "Frida" dans un costume mexicain. Dans sa main elle tient un portrait de Diego Rivera. La "Frida" de gauche est plutôt de type européen dans une robe blanche en dentelle et représente la Frida que Diego n'aimait plus.

Les cœurs des deux femmes se retrouvent exposés, un procédé que Frida Kahlo a souvent employé pour exprimer sa douleur. Le cœur de la Frida « mal aimée » est brisé alors que l'autre est entier. À partir de l'amulette que tient la Frida de droite part une veine qui traverse les cœurs des deux femmes est finalement coupée par une paire de ciseaux que tient la Frida rejetée. En désespoir de cause, elle tente d'arrêter l'écoulement du sang de Diego qui continue pourtant à gouter. Le ciel orageux rempli de nuages peut refléter l'agitation intérieure de Frida Kahlo.

Frida entre dans une dépression profonde quand elle apprend que son mari développe une relation charnelle avec sa jeune sœur qu’il utilise comme modèle. De cette union, naîtra un enfant. Frida vivra cette relation comme une véritable trahison. « Dans sa désespérance, Frida décide de couper sa longue chevelure noire qu’aimait tant son mari; elle adopte aussi l’uniforme gris qui contraste avec ses grandes robes fleuries qu’elle arborait jusqu’alors. Elle envoie ses autoportraits à Diego pour lui signaler que désormais elle sera laide à ses yeux. À la même époque, elle peint les deux Fridas dont l’une tient un médaillon avec le visage de Diego et l’autre des ciseaux en train de couper sa propre artère coronarienne. »

Une reproduction de cette peinture se trouve dans le musée Frida-Kahlo à Coyoacán.

Nature morte avec des pastèques

En 1953, Frida Kahlo peint une nature morte appelée "Naturaleza muerta con sandias",un genre de peinture qui s'était bien établi au XVIIème siècle. Dans cette peinture, la sobre palette baroque est remplacée par les couleurs vibrantes typiques de l'oeuvre de Frida. L'utilisation de coup de peinceaux lourds et uniformesmet en évidence la chair et la fraicheur du fruit coupé par rapport à la simplicité eds oranges. Les morceaux sont disposés en désordre apparent, les différentes tailles, textures et formes créant une impression d'équilibre et de succulence.

Mexico Collection Jacques Gelman

L'étreinte amoureuse de l'univers, la terre

Frida a souvent joué un rôle maternel vis à vis de son mari qu'elle avouait "vouloir toujours le tenir dans ses bras comme un nouveau-né". Le tableau reflète ce rôle joué par Frida par rapport à Diego, mais il contient aussi beaucoup d'éléments de la mythologie de l'ancien Mexique : le jour et la nuit, le soleil et la lune, la déesse Cihuacoatl. Le chien Itzcuintli, Señor Xolotl, est un animal domestique apprécié mais aussi et surtout la représentation de l'être à la forme de chien Xolotl, gardien du royaume des morts.

Nagoya City Art Museum

Fille avec un masque de mort

Ce tableau, daté de 1938, a beau appartenir au courant de l’art naïf il n’a absolument rien de naïf ! En même temps, la peintre mexicaine est coutumière du fait : elle aime dérouter avec sa palette vive et colorée associée à des sujets réjouissants : la mort, la maladie (Frida Kahlo est atteinte de poliomyélite depuis qu’elle a été victime d’un accident de bus à l’âge de 6 ans), l’adultère (son mari l’a trompée avec sa sœur), ses nombreuses fausses couches… Ici, il s’agirait d’un autoportrait de l’artiste elle-même, à 4 ans, affublée d’un masque mortuaire et tenant une fleur jaune habituellement déposée sur les tombes au Mexique, le jour de la Fête des morts. Une allégorie du destin jalonnée de drames et de tragédies de Frida, où l’innocence le dispute à la cruauté et à l’horreur.

Collections privées

Racines

Dans ce tableau Frida affirme sa foi dans le fait que toute vie peut se rejoindre en un seul flux. Elle est représentée alors que son torse s'ouvre comme une fenêtre et donne naissance à une vigne. C'est son rêve d'être un arbre de vie. Le sang de Frida circule dans la vigne et va au-delà des veines des feuilles pour nourrir la terre desséchée.

Tout au long de sa vie, Frida Kahlo à incarné une véritable icône du féminisme, s’opposant à la psychorigidité de la société mexicaine, hermétique à l’émancipation des femmes. Il existe des causes communes aux comportements de domination sexiste et aux comportements de non-respect de la nature.

Le record de ventes d’une œuvre de Kahlo aux enchères est de 8 millions de dollars , établi en 2016 par Two Nudes in the Forest (1939). Pendant ce temps, il y a deux œuvres du peintre mexicain mises aux enchères chez Christie’s en 2019 qui ont rapporté près de 9 millions de dollars: Portrait of a Woman in White (1929) a été vendu à un acheteur privé à New York pour 5,8 millions de dollars, tandis que Canasta con flores (1941) s’est vendue 3,1 millions. Des peintures telles que Racines (1943) vendues 5,6 millions de dollars à la chanteuse Madonna et la peinture de Kahlo, Diego et moi (1944), fut la première œuvre d’un artiste latino-américain à briser la barrière d'1 million de dollars au moment de la vente, avec un prix de 1,4 million de dollars aux enchères.

Quatre habitants de la Ville de Mexico

Dans le tableau » Quatre habitants du Mexique« , une statue précolombienne en terre cuite représente une femme enceinte et nue, symbolisant l’héritage indien du Mexique, ainsi que l’avenir de la fillette qui doit passer par la puberté pour devenir femme. A l’image de Frida, cette statue est brisée : ses pieds ont disparu et sa tête a été recollée sur son buste après en avoir été arrachée. Frida explique qu’elle représente cette idole enceinte car morte, elle porte néanmoins la vie, paradoxe qui résume parfaitement la condition des indiens, et si elle est nue, c’est parce qu’ils ne connaissent pas la honte de la sexualité ni autres idioties de ce genre.

Le grand Judas moustachu en bleu de travail sur lequel s’entrelacent des guirlandes de fusées explosives, est le pendant masculin de la statue porteuse de vie. Il est destiné à l’autodestruction dans le bruit et la fureur, on le brûle, il explose, produisant de la couleur et de la forme.

Le grand squelette grimaçant reproduit quant à lui, les figurines que les petits mexicains aiment bercer et faire sautiller le jour des défunts. Il incarne, toujours selon Frida, la mort : très gaie, une vraie plaisanterie, et comme la statue, il se dresse dans le champ de vision de la fillette, dont il représente lui aussi l’avenir.

En retrait du squelette, se trouve l’homme de paille, monté sur un burro, il porte le chapeau et la ceinture de cartouches des bandits révolutionnaires, tels Pancho Villa, alliance de pauvreté, de fierté et de rêve. À la fois élégant et fragile, il illustre le pathétique et la fragilité de la vie au Mexique.

Frida, la fillette solitaire, assise au milieu d’une place mexicaine vide, observe impassible le monde adulte en se représentant au milieu des habitants du Mexique en papier mâché, en terre cuite, en paille, ou porteur d’une guirlande d’explosifs, comme les éphémères survivants d’une terrifiante histoire.

Le bus

Elle n’a jamais osé représenter l’accident directement dans une œuvre, bien qu’il lui ait inspiré quelques dessins et cette peinture intitulée « Le bus », qui montre un groupe de passagers voyageant dans le même moyen de transport. Le tableau dévoile une femme indigène aux pieds nus, un ouvrier, un bourgeois, et une jeune femme qui pourrait bien être elle-même. Un enfant observe par la fenêtre un paysage empreint de sérénité. On distingue un magasin nommé « La Risa » (Le rire). Ce détail illustre l’humour noir de Frida, qui représentait de cette façon le moment vécu juste avant l’accident.

Moïse ou le noyau de la Création

En haut à gauche sont représentés trois dieux aztèques à commencer par Tlaloc qui est le dieu de la pluie et de l'agriculture, suivi de Coatlique, déesse de la mort et de Quetzalcoatl, dieu de la civilisation et de la connaissance. A côté de ceux-ci est présent un jaguar entouré de sang et de flammes et représentant la guerre, juste au dessus de la déesse Tonantzin, mère des dieux aztèques. A sa gauche sont représentés la lune (lapin dans cercle) et le soleil (représentation d'un des deux serpents du soleil). Un dieu indien est allongé au dessus d'un squelette qui est un autre symbole de la mort (en plus de Coatlique).

Dix personnages historiques sont représentés dont Freud, Karl Marx, Nefertiti, Staline, Lenine, Gandhi,Gengis Khan et Bouddha. En dessous est peinte une foule, représentant l'humanité et l'origine de l'être humain, du singe jusqu'à l'homme. Dans la foule, on peut apercevoir les drapeaux anglais et japonais ainsi qu'une pyramide aztèque sur laquelle un homme prie. En bien plus grand est peint un homme qui travaille. Ces deux personnages représentent eux aussi l'humanité ou plus précisément le rôle, le devoir de l'être humain qui est de prier et de travailler.

Au milieu en haut de l'oeuvre est représenté le soleil, origine du monde qui occupe une place importante dans le tableau. Au centre, un bébé, encore dans le placenta (représentation du sexe de la femme), est entouré de deux schémas d'ovules, seule ou se faisant féconder. En dessous est peint un nouveau-né, Moïse, au milieu d'un décor pluvieux où la pluie, susceptible d'être prise pour des larmes, est un symbole de tristesse. Le nouveau-né ressemble à Diego Rivera et porte sur son front, comme dans d'autres tableaux de Frida, le troisième oeil, symbole de la sagesse et de la connaissance. On peut alors constater que Frida Kahlo voit son mari comme un homme sage et cultivé, ayant alors les qualités fréquentes chez les artistes.

En haut à droite du tableau sont représentés de nombreux dieux de l'antiquité. On peut voir, par exemple, Zeus,Anubis, Isis, Apollon ou encore Vénus. L'oeil d'Horus et la colombe (symbole de la paix et du saint-esprit) sont eux aussi représentés, ainsi que le triangle parfait (symbole de la divinité), sans oublier Jésus, adulte aux trois visages en un (le père, le fils et le saint-esprit) et enfant, dans les bras de la Vierge Marie qui ressemble à Fridapar son unique sourcil. Cette dernière regarde son enfant et pleure. Frida s'implique ici dans son oeuvre, se confondant avec la Vierge Marie, peut-être parce qu'elle aussi connaît des souffrances liées à la mise au monde d'enfant. (La Vierge Marie va voir mourir son fils. Frida, au contraire, est malheureuse parce qu'elle sait qu'elle ne pourra jamais donner la vie).

Au dessous sont peints le diable (qui représente le mal) et dix autres personnages historiques : Akhenaton,Krishnamurti, Jésus, Hammourabi, Alexandre le grand, César, Mahomet, Luther, Napoléon et Hitler. Pour finir, on peut voir une femme qui a quatre couleurs de peau, habillée de feuilles et tenant un enfant au corps de chèvre dans ses bras. Elle et son "enfant-chèvre" représentent alors les différentes races humaines mais aussi les animaux et les végétaux.

Cette oeuvre est un schéma de l'histoire du monde. Elle a été réalisée pour nous faire comprendre que tout vient du soleil : le bien et le mal mais aussi la vie et la mort. Chez les Aztèques, la vie vient de la mort et vice versa. Les hommes font la guerre et donnent leur sang aux dieux pour sauvegarder la vie. Des divinités positives et négatives sont représentées sur ce tableau ainsi que des humains qui ont été au service du bien et d'autres qui ont été au service du mal. Tous sont regroupés comme formant un tout. Au milieu de toute une série de conflits, la vie naît et subsiste à travers bien des souffrances.

Nature vivante

Ce travail antérieur a servi de base au « Congreso de los pueblos por la paz ».

Frida s'est plagiée dans "Congreso de los pueblos por la paz", copiant presque tout de "Naturaleza viva", également peint en 1952. Les deux peintures contrastent la nuit et le jour; les deux ont une colombe blanche; les deux ont des racines formant des mots. A Congreso, cependant, il y a deux explosions, l'une la nuit et l'autre le jour. Il y a aussi un arbre au premier plan, portant des fruits. Il y a des pastèques en tranches, une pour le jour et l'autre pour la nuit, la vie et la mort."Même si elle était affaiblie quand je l'ai vue", je me souviens que ma grand-mère a dit à d'autres dans plusieurs conversations au fil des ans, "elle était très sûre d'inclure des pastèques dans la peinture qu'elle voulait exposer à Vienne."Frida, en effet, a inclus les pastèques pour souligner le point plus important que d'autres artistes faisaient à l'époque : le Mexique moderne n'est pas le Mexique sans son héritage africain.

Et donc, en honorant l'héritage africain du Mexique, Kahlo anticipait, d'une certaine manière, sa propre mort symbolique et esthétique. Lorsqu'elle a terminé ce tableau, il lui restait moins de deux ans à vivre. Après sa mort, Diego, son crapaud bien-aimé, a exaucé son souhait. Il a peint des pastèques.

La jeune mariée effrayée d'avoir la vie devant elle

Nature morte avec drapeau

Oeuvre disparue

La table blessée

La peinture a été exposée pour la première fois en janvier 1940 lors de l'exposition internationale sur le surréalisme à Mexico, et a été vue pour la dernière fois en 1955. Destinée à une tournée dans d'autres pays d'Europe de l’Est, la toile a disparu à Varsovie et n'a pas été revue depuis.

En juin 2020, le marchand Cristian Marquez a affirmé qu'il conservait le tableau à Londres et le montrerait à toute personne qui offrirait 45 millions de dollars au propriétaire. Des experts ont contesté l'authenticité de la peinture en se basant sur l'image fournie par Marquez.

L'histoire du tableau commence il y a environ 80 ans, lorsque Frida Kahlo, tout juste divorcée de Diego Rivera, couche ses sentiments sur la toile. Le couple, qui s'était marié en 1929, entretenait une relation complexe, remplie de colère, de violence, d’infidélité et de passion. Divorcés en 1939, les deux artistes, ne pouvant rester loin l’un de l’autre trop longtemps, se sont remariés dès le mois de décembre 1940. C’est pendant cette courte séparation, au début de 1940, que Kahlo s'est consacrée à La table blessée, une toile à grande échelle symbolisant le deuil, la douleur et son identité mexicaine.

La composition, centrée par un autoportrait de Kahlo, reprend ses éléments caractéristiques et reflète son tourment intérieur. Elle comprend un squelette à l’allure mécanique qui saisit une mèche de ses cheveux noirs dans sa main raide, une représentation de Judas à sa droite passant son bras autour d’elle (référence à une figure similaire que Rivera conservait près de son chevalet), et une silhouette précolombienne Nayarit juste à sa gauche. Ces trois personnages sont également visibles dans Les quatre habitants du Mexique, un tableau de 1938. Sa nièce et son neveu se tiennent à l’une des extrémités de la table, tandis que son faon Granizo apparaît à l'autre bout.

Le dessus de la table en bois est parsemé de plaies béantes desquelles s’écoule du sang, sur le sol et l'ourlet de sa robe. La scène est encadrée par de lourds rideaux retenus par des cordes, donnant une dimension théâtrale au décor, tandis que l'arrière-plan se pare d’un ciel gris sombre et de plantes surdimensionnées. Sa robe traditionnelle et son personnage Nayarit sont un clin d'œil à la Mexicanidad, un mouvement qui a fait revivre la religion, la philosophie et les traditions de l'ancien Mexique parmi le peuple mexicain à la suite de la révolution mexicaine (1910-1920).