National Gallery

La National Gallery es un museo de arte en Trafalgar Square, en la ciudad de Westminster, en el centro de Londres. Fundada en 1824, alberga una colección de más de 2,300 pinturas que datan de mediados del siglo XIII a 1900.

La Galería es una organización benéfica exenta y un organismo público no departamental del Departamento de Cultura, Medios y Deporte. Su colección pertenece al gobierno en nombre del público británico, y la entrada a la colección principal es gratuita. Es uno de los museos de arte más visitados del mundo, después del Louvre, el British Museum y el Metropolitan Museum of Art.

A diferencia de los museos comparables en Europa continental, la Galería Nacional no se formó al nacionalizar una colección de arte real o principesco existente. Surgió cuando el gobierno británico compró 38 pinturas a los herederos de John Julius Angerstein en 1824. Después de esa compra inicial, la Galería se formó principalmente por sus primeros directores, en particular Sir Charles Lock Eastlake, y por donaciones privadas, que hoy representan. Dos tercios de la colección. La colección es pequeña en comparación con muchas galerías nacionales europeas, pero de alcance enciclopédico; La mayoría de los desarrollos importantes en la pintura occidental "de Giotto a Cézanne" están representados con obras importantes. Se solía afirmar que esta era una de las pocas galerías nacionales que tenían todas sus obras en exhibición permanente, pero este ya no es el caso.

El edificio actual, el tercero en albergar la Galería Nacional, fue diseñado por William Wilkins de 1832 a 1838. Solo la fachada de Trafalgar Square permanece esencialmente sin cambios desde este momento, ya que el edificio se ha ampliado poco a poco a lo largo de su historia. El edificio de Wilkins a menudo fue criticado por las debilidades percibidas de su diseño y por su falta de espacio; Este último problema llevó al establecimiento de la Tate Gallery para el arte británico en 1897.

El ala de Sainsbury, una extensión al oeste de Robert Venturi y Denise Scott Brown, es un ejemplo notable de la arquitectura posmodernista en Gran Bretaña. El actual Director de la Galería Nacional es Gabriele Finaldi.

La Galería quedó atrapada en una controversia en 2018 por tener algunos de los precios de exhibición más caros jamás vistos en Londres

Historia

Call for a National Gallery

A finales del siglo XVIII se vio la nacionalización de colecciones de arte reales o principescas en la Europa continental. La colección real bávara (ahora en el Alte Pinakothek, Múnich) se abrió al público en 1779, la de los Medici en Florencia alrededor de 1789 (como la Galería de los Uffizi), y el Museo Français en el Louvre se formó a partir de la antigua realeza francesa. Colección en 1793. Gran Bretaña, sin embargo, no emuló el modelo continental, y la Colección Real Británica permanece en la posesión del soberano en la actualidad. En 1777, el gobierno británico tuvo la oportunidad de comprar una colección de arte de talla internacional, cuando los descendientes de Sir Robert Walpole pusieron a la venta su colección. El diputado John Wilkes defendió que el gobierno comprara este "tesoro inestimable" y sugirió que se aloje en "una galería noble ... que se construirá en el espacioso jardín del Museo Británico" Nada resultó del atractivo de Wilkes y 20 años después, la colección fue comprada en su totalidad por Catalina la Grande; ahora se encuentra en el Museo del Hermitage en San Petersburgo.

El plan para adquirir 150 pinturas de la colección de Orléans, que se había traído a Londres para su venta en 1798, también fracasó, a pesar del interés tanto del Rey como del Primer Ministro, Pitt the Younger. Las veinticinco pinturas de esa colección ahora en la Galería, incluyendo "NG1", llegaron más tarde por una variedad de rutas. En 1799, el comerciante Noel Desenfans ofreció una colección nacional lista para el gobierno británico; él y su compañero, Sir Francis Bourgeois, lo habían reunido para el rey de Polonia, antes de que la Tercera Partición en 1795 aboliera la independencia polaca. [8] Esta oferta fue rechazada y Bourgeois legó la colección a su antigua escuela, Dulwich College, a su muerte. La colección se inauguró en 1814 en la primera galería pública de Gran Bretaña, la Galería de Imágenes Dulwich. El comerciante escocés William Buchanan y el coleccionista Joseph Count Truchsess, ambos formaron colecciones de arte expresamente como base para una futura colección nacional, pero sus ofertas respectivas (ambas hechas en 1803) también fueron rechazadas.

Tras la venta de Walpole, muchos artistas, entre ellos James Barry y John Flaxman, hicieron nuevos llamamientos para el establecimiento de una Galería Nacional, argumentando que una escuela británica de pintura solo podría prosperar si tuviera acceso al canon de la pintura europea. La Institución británica, fundada en 1805 por un grupo de conocedores aristocráticos, intentó abordar esta situación. Los miembros prestaron obras para exposiciones que cambiaban anualmente, mientras que una escuela de arte se llevó a cabo en los meses de verano. Sin embargo, como las pinturas que se prestaron a menudo eran mediocres, algunos artistas se resintieron de la Institución y lo vieron como una estafa para que los de la nobleza aumentaran los precios de venta de sus pinturas del Maestro Antiguo. Uno de los miembros fundadores de la Institución, Sir George Beaumont, Bt, eventualmente desempeñaría un papel importante en la fundación de la Galería Nacional al ofrecer un regalo de 16 pinturas.

En 1823 apareció en el mercado otra importante colección de arte, que había sido ensamblada por el recientemente fallecido John Julius Angerstein. Angerstein era un banquero emigrado de origen ruso con sede en Londres; su colección contaba con 38 pinturas, incluidas obras de Rafael y Hogarth's Marriage à-la-mode series. El 1 de julio de 1823, George Agar Ellis, un político whig, propuso a la Cámara de los Comunes que comprara la colección. La oferta recibió un impulso adicional por la oferta de Beaumont, que se produjo con dos condiciones: que el gobierno comprara la colección de Angerstein y que se encontrara un edificio adecuado. El inesperado pago de una deuda de guerra por parte de Austria finalmente llevó al gobierno a comprar la colección de Angerstein, por £ 57,000.

Foundation and early history

La National Gallery se abrió al público el 10 de mayo de 1824, y se encuentra en la antigua casa de Angerstein en el número 100 de Pall Mall. Las pinturas de Angerstein se unieron en 1826 a las de la colección de Beaumont, y en 1831 al legado de 35 pinturas del Reverendo William Holwell Carr. Inicialmente, el Guardián de las Pinturas, William Seguier, asumió la responsabilidad de administrar la Galería, pero en julio de 1824, parte de esta responsabilidad recaía en el recién formado consejo de administración.

La Galería Nacional en Pall Mall estaba frecuentemente abarrotada y caliente, y su tamaño diminuto en comparación con el Louvre en París era una causa de vergüenza nacional. Pero Agar Ellis, por entonces un administrador de la Galería, valoró el sitio por estar "en la pasarela de Londres"; esto se consideró necesario para que la Galería cumpliera su propósito social. La subsidencia en el No. 100 hizo que la Galería se trasladara brevemente al No. 105 Pall Mall, que el novelista Anthony Trollope describió como una "casa sórdida, aburrida y estrecha, mal adaptada para la exhibición de los tesoros que tenía". [15] Esto a su vez tuvo que ser demolido para la apertura de un camino a Carlton House Terrace.

En 1832 comenzó la construcción de un nuevo edificio de William Wilkins en el sitio de King's Mews en Charing Cross, en un área que se había transformado durante la década de 1820 en Trafalgar Square. La ubicación fue significativa, entre el rico West End y las áreas más pobres del este. El argumento de que personas de todas las clases sociales podían acceder a la colección superaba otras preocupaciones, como la contaminación del centro de Londres o las fallas del edificio de Wilkins, cuando se planteó la posibilidad de mudarse a South Kensington en la década de 1850. Según la Comisión Parlamentaria de 1857, "la existencia de los cuadros no es el propósito final de la colección, sino los medios solo para dar a las personas un disfrute ennoblecedor".

Desde 1837 hasta 1868, la Real Academia se encontraba en el ala este del edificio.

Growth under Eastlake and his successors

Las pinturas italianas de los siglos XV y XVI se encontraban en el centro de la Galería Nacional y durante los primeros 30 años de su existencia, las adquisiciones independientes de los Fideicomisarios se limitaron principalmente a las obras de los maestros del Alto Renacimiento. Sus gustos conservadores resultaron en varias oportunidades perdidas y la administración de la Galería más tarde cayó en un completo desorden, sin que se realizaran adquisiciones entre 1847 y 1850. Un informe crítico de la Cámara de los Comunes en 1851 exigía el nombramiento de un director, cuya autoridad superaría la de los fideicomisarios. Muchos pensaron que la posición sería para el historiador de arte alemán Gustav Friedrich Waagen, a quien la Galería había consultado en ocasiones anteriores sobre la iluminación y la exhibición de las colecciones. Sin embargo, el hombre preferido para el trabajo por parte de la reina Victoria, el príncipe Alberto y el primer ministro, Lord Russell, era el encargado de las pinturas en la Galería, Sir Charles Lock Eastlake, quien fue presidente de la Royal Academy, desempeñó un papel esencial en el Fundación de la Sociedad de Arundel, y conocía a la mayoría de los principales expertos en arte de Londres..

El gusto del nuevo director era para los maestros o "primitivos" del Renacimiento del norte y del Italia temprana, que habían sido descuidados por la política de adquisiciones de la Galería pero que poco a poco fueron ganando el reconocimiento de los conocedores. Eastlake realizó viajes anuales al continente y, en particular, a Italia, en busca de pinturas apropiadas para comprar para la Galería. En total, compró 148 imágenes en el extranjero y 46 en Gran Bretaña, entre las antiguas obras seminales como la Batalla de San Romano de Paolo Uccello. Eastlake también acumuló una colección de arte privada durante este período, que consistía en pinturas que sabía que no interesaban a los fideicomisarios. Su objetivo final, sin embargo, era que ingresaran a la Galería Nacional; esto fue debidamente arreglado después de su muerte por su amigo y sucesor como director, William Boxall, y su viuda Lady Eastlake.

La falta de espacio de la Galería se mantuvo aguda en este período. En 1845, Robert Vernon hizo un gran legado de pinturas británicas; no había suficiente espacio en el edificio de Wilkins, por lo que se exhibieron primero en la casa de Vernon en el número 50 de Pall Mall y luego en Marlborough House. La Galería estaba aún menos equipada para su siguiente gran legado, ya que JMW Turner legaría todo el contenido de su estudio, excepto las obras inacabadas, a la nación después de su muerte en 1851. Los primeros 20 de estos se mostraron fuera del sitio en Casa de Marlborough en 1856. Ralph Nicholson Wornum, el encargado y secretario de la galería, trabajó con John Ruskin para reunir el legado. La estipulación en la voluntad de Turner de que dos de sus pinturas se exhiban junto con las obras de Claude aún se respeta en la Sala 15 de la Galería, pero su legado nunca se ha exhibido adecuadamente en su totalidad; Hoy en día, las obras se dividen entre Trafalgar Square y la Galería Clore, una pequeña extensión para el Tate construida en 1985.

El tercer director, Sir Frederick William Burton, sentó las bases de la colección de arte del siglo XVIII e hizo varias compras destacadas de colecciones privadas inglesas. La adquisición en 1885 de dos pinturas del Palacio de Blenheim, Ansidei Madonna de Raphael y Retrato ecuestre de Charles I de Van Dyck, con una subvención de £ 87,500 del Tesoro, puso fin a la "edad de oro de la colección" de la Galería, como su concesión de compra anual fue suspendida por varios años a partir de entonces. Cuando la Galería compró los Embajadores de Holbein al Conde de Radnor en 1890, lo hizo con la ayuda de particulares por primera vez en su historia. En 1897, la formación de la Galería Nacional de Arte Británico, conocida extraoficialmente desde los inicios de su historia como la Galería Tate, permitió el traslado de algunas obras británicas, siguiendo el precedente establecido por la colección Vernon y el Legado Turner. Las obras de artistas nacidos después de 1790 se trasladaron a la nueva galería en Millbank, lo que permitió a Hogarth, Turner y Constable permanecer en Trafalgar Square.

Early 20th century

La crisis agrícola de principios del siglo XX hizo que muchas familias aristocráticas vendieran sus pinturas, pero las colecciones nacionales británicas fueron descontadas del mercado por los plutócratas estadounidenses. [26] Esto llevó a la fundación del National Art Collections Fund, una sociedad de suscriptores dedicada a detener el flujo de obras de arte a los Estados Unidos. Su primera adquisición para la Galería Nacional fue Rokeby Venus de Velázquez en 1906, seguida por el Retrato de Christina de Dinamarca de Holbein en 1909. Sin embargo, a pesar de la crisis de la fortuna aristocrática, la siguiente década fue uno de los muchos grandes legados de coleccionistas privados. En 1909, el industrial Dr. Ludwig Mond entregó 42 pinturas renacentistas italianas, incluyendo la Crucifixión Mond de Rafael, a la Galería. [27] Otros legados notables fueron los de George Salting en 1910, Austen Henry Layard en 1916 y Sir Hugh Lane en 1917; el último de estos fue uno de los legados más polémicos de la galería.

En un raro ejemplo de la protesta política por la cual Trafalgar Square es famosa en la Galería Nacional, el Rokeby Venus fue dañado el 10 de marzo de 1914 por Mary Richardson, activista del sufragio femenino, en protesta por el arresto de Emmeline Pankhurst el día anterior. . Más tarde, ese mismo mes, otra sufragista atacó a cinco Bellinis, lo que provocó el cierre de la Galería hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial, cuando la Unión Política y Social de Mujeres pidió el fin de los actos violentos que llamaban la atención sobre su difícil situación. [28]

La recepción de arte impresionista en la Galería tuvo un comienzo excepcionalmente tormentoso. En 1906, Sir Hugh Lane prometió 39 pinturas, incluyendo los paraguas de Renoir, a la National Gallery a su muerte, a menos que pudiera construirse un edificio adecuado en Dublín. Aunque aceptados con entusiasmo por el director Charles Holroyd, fueron recibidos con extrema hostilidad por los Fideicomisarios; Lord Redesdale escribió que "Espero escuchar un servicio mormón en la Catedral de San Pablo y ver la exposición de las obras de los rebeldes franceses del arte moderno en los recintos sagrados de la Plaza Trafalgar". [29] Tal vez como resultado de tales actitudes, Lane modificó su voluntad con un código de que las obras solo deberían ir a Irlanda, pero de manera crucial esto nunca fue presenciado. [30] Lane murió a bordo del RMS Lusitania en 1915, y comenzó una disputa que no se resolvió hasta 1959. Parte de la colección ahora está en préstamo permanente a la Galería de la Ciudad de Dublín ("The Hugh Lane") y otras obras rotan entre Londres y Dublín cada una. pocos años.

Un fondo para la compra de pinturas modernas establecido por Samuel Courtauld en 1923 compró a los Bañistas de Seurat en Asnières y otras obras modernas notables para la nación; [31] en 1934, estos se transfirieron a la Galería Nacional desde la Tate.

Segunda Guerra Mundial

Poco antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, las pinturas fueron evacuadas a varios lugares de Gales, incluido el Castillo de Penrhyn, los colegios universitarios de Bangor y Aberystwyth. [32] En 1940, durante la batalla de Francia, se buscó un hogar más seguro, y hubo discusiones sobre el traslado de las pinturas a Canadá. Esta idea fue firmemente rechazada por Winston Churchill, quien escribió en un telegrama al director Kenneth Clark, "entiérrelos en cuevas o en bodegas, pero ninguna imagen saldrá de estas islas". [33] En cambio, una cantera de pizarra en Manod, cerca de Blaenau Ffestiniog en el norte de Gales, fue requisada para el uso de la Galería. En la reclusión proporcionada por la nueva ubicación de las pinturas, el Guardián (y futuro director) Martin Davies comenzó a compilar catálogos académicos sobre la colección, ayudado por el hecho de que la biblioteca de la Galería también estaba almacenada en la cantera. El traslado a Manod confirmó la importancia de almacenar pinturas a una temperatura y humedad constantes, algo que los conservadores de la Galería habían sospechado durante mucho tiempo pero que hasta ahora no habían podido demostrar. [34] Esto eventualmente resultó en la apertura de la primera galería con aire acondicionado en 1949. [21]

Durante el curso de la guerra, Myra Hess y otros músicos, como Moura Lympany, dieron recitales diarios en el edificio vacío para elevar la moral pública en un momento en que todas las salas de conciertos de Londres estaban cerradas. [35] Una serie de exposiciones de arte se llevaron a cabo en la Galería como complemento a los recitales. El primero de ellos fue British Painting desde Whistler en 1940, organizado por Lillian Browse, [36] que también montó la principal exposición retrospectiva conjunta de pinturas de Sir William Nicholson y Jack B. Yeats, que se celebró del 1 de enero al 15 de marzo de 1942, visto por 10.518 visitantes. [37] [38] También se llevaron a cabo exposiciones de obras de artistas de guerra, como Paul Nash, Henry Moore y Stanley Spencer; El Comité Asesor de Artistas de Guerra fue creado por Clark para "mantener a los artistas trabajando con cualquier pretexto". [39] En 1941, una solicitud de un artista para ver el Retrato de Margaretha de Geer de Rembrandt (una nueva adquisición) resultó en el esquema "Imagen del mes", en el que se extrajo una pintura de Manod y se expuso al público en general en la Galería Nacional. cada mes. El crítico de arte Herbert Read, quien escribió ese año, llamó a la Galería Nacional "un puesto de avanzada desafiante de la cultura justo en el medio de una metrópolis bombardeada y destrozada". [40] Las pinturas volvieron a la plaza Trafalgar en 1945.

Acontecimientos de la posguerra

La primera sugerencia para una Galería Nacional en Trafalgar Square fue de John Nash, quien la imaginó en el sitio de King's Mews, mientras que un edificio similar al Partenón para la Royal Academy ocuparía el centro de la plaza. [49] La recesión económica impidió que se construyera este esquema, pero en 1831 se llevó a cabo un concurso para el sitio de Mews, para el cual Nash presentó un diseño con C. R. Cockerell como su co-arquitecto. Sin embargo, la popularidad de Nash estaba disminuyendo en este momento, y la comisión fue otorgada a William Wilkins, quien participó en la selección del sitio y presentó algunos sorteos en el último momento. [50] Wilkins había esperado construir un "Templo de las Artes, fomentando el arte contemporáneo a través de un ejemplo histórico", [51] pero la comisión fue arruinada por parsimonia y compromiso, y el edificio resultante se consideró un fracaso en casi todos los aspectos.

El sitio solo permitía que el edificio tuviera una sala de profundidad, ya que una casa de trabajo y un cuartel se encontraban inmediatamente detrás. [B] Para exacerbar las cosas, había un derecho de paso público a través de los edificios, que representa los pórticos de acceso. En los lados este y oeste de la fachada. Estos tenían que incorporar columnas de la demolida casa de Carlton y su relativa escasez resultaba en una elevación que se consideraba excesivamente baja, y muy lejos del punto focal dominante que se deseaba para el extremo norte de la Plaza. También se reciclan las esculturas en la fachada, originalmente destinadas al Arco de Mármol de Nash, pero abandonadas debido a sus problemas financieros. [C] La mitad oriental del edificio albergó la Real Academia hasta 1868, lo que disminuyó aún más el espacio que la Galería ofrece.

El edificio fue objeto de ridiculización pública incluso antes de que se terminara, ya que una versión del diseño se había filtrado a la Gaceta Literaria en 1833. [52] Dos años antes de su finalización, su elevación infame "pepperpot" apareció en el frontispicio de Contrastes (1836), una zona influyente del gótico A. W. N. Pugin, como un ejemplo de la degeneración del estilo clásico. [53] Incluso William IV (en su última declaración grabada) pensó que el edificio era un "pequeño agujero desagradable y pequeño", [54] mientras que William Makepeace Thackeray lo llamó "una pequeña tienda de ginebra de un edificio". [54] El historiador de arquitectura del siglo veinte, Sir John Summerson, hizo eco de estas críticas iniciales cuando comparó la disposición de una cúpula y dos torrecillas diminutas en la línea del techo con "el reloj y los jarrones en una repisa de la chimenea, solo que menos útiles". [50] Los jardines de Sir Charles Barry en Trafalgar Square, desde 1840, incluían una terraza al norte para que el edificio pareciera estar levantado, abordando así uno de los puntos de la queja. [16] La opinión sobre el edificio se había suavizado considerablemente en 1984, cuando el príncipe Carlos dijo que la fachada de Wilkins era un "amigo muy querido y elegante", en contraste con una extensión propuesta. (Vea abajo)

Alteration and expansion (Pennethorne, Barry and Taylor)

La primera alteración significativa hecha al edificio fue la única y larga galería agregada por Sir James Pennethorne en 1860–1. Decorado de forma ornamentada en comparación con las habitaciones de Wilkins, empeoró las condiciones de hacinamiento en el interior del edificio, ya que se construyó sobre el vestíbulo de entrada original. [55] Como era de esperar, se hicieron varios intentos para remodelar completamente la Galería Nacional (como lo sugirió Sir Charles Barry en 1853), o para trasladarla a locales más amplios en Kensington, donde el aire también estaba más limpio. En 1867, el hijo de Barry, Edward Middleton, Barry propuso reemplazar el edificio Wilkins por un edificio clásico masivo con cuatro cúpulas. El esquema fue un fracaso y los críticos contemporáneos denunciaron el exterior como "un fuerte plagio en la catedral de San Pablo". [56]

Sin embargo, con la demolición de la casa de trabajo, Barry pudo construir la primera secuencia de grandes espacios arquitectónicos de la Galería, desde 1872 hasta 1876. Construido con un diseño policromado neorrenacentista, las habitaciones Barry se organizaron en una cruz griega alrededor de un Gran octágono central. A pesar de que compensaba la arquitectura decepcionante del edificio Wilkins, el personal de la galería no le gustaba la nueva ala de Barry, que consideraba que su aspecto monumental estaba en conflicto con su función como espacio de exhibición. Además, el programa decorativo de las habitaciones no tuvo en cuenta sus contenidos previstos; El techo de la galería italiana de los siglos XV y XVI, por ejemplo, estaba inscrito con los nombres de artistas británicos del siglo XIX. [57] Pero a pesar de estos fracasos, los Barry Rooms proporcionaron a la Galería un fuerte plano axial. Esto fue seguido por todas las adiciones posteriores a la Galería durante un siglo, dando como resultado un edificio de clara simetría.

La galería de Pennethorne fue demolida para la siguiente fase de construcción, un esquema de Sir John Taylor que se extiende hacia el norte de la entrada principal. Su vestíbulo de entrada con cúpula de vidrio había pintado decoraciones de techos de la firma de la familia Crace, que también había trabajado en las habitaciones Barry. Nunca se realizó un fresco destinado a la pared sur, y ese espacio ahora está ocupado por Frederic, el cuadro de Lord Leighton de la Celebrada Madonna de Cimabue, que se llevó en procesión por las calles de Florencia (1853–55), prestado por la Colección Real en la década de 1990. . [58]

20th century: modernisation versus restoration

Las adiciones posteriores al oeste llegaron de manera más constante, pero mantuvieron la coherencia del edificio al reflejar el plan de eje transversal de Barry hacia el este. El uso de mármol oscuro para puertas también se continuó, dando a las extensiones un grado de coherencia interna con las habitaciones más antiguas. El estilo clásico todavía estaba en uso en la Galería Nacional en 1929, cuando se construyó una galería de estilo de Bellas Artes, financiada por el vendedor de arte y el Fideicomisario Lord Duveen. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que la reacción del siglo XX contra las actitudes victorianas se manifestara en la Galería. Desde 1928 hasta 1952, las plantas de aterrizaje del vestíbulo de Taylor se volvieron a unir con una nueva serie de mosaicos de Boris Anrep, que era amigo del Grupo Bloomsbury. Estos mosaicos se pueden leer como una sátira en las convenciones del siglo XIX para la decoración de edificios públicos, como se describe en el Friso de Parnaso de Albert Memorial. [59] El mosaico central que representa El despertar de las musas incluye retratos de Virginia Woolf y Greta Garbo, subvirtiendo el alto tono moral de sus antepasados ​​victorianos. En lugar de las siete virtudes del cristianismo, Anrep ofreció su propio conjunto de Virtudes Modernas, incluyendo "Humor" y "Open Mind"; Las figuras alegóricas son nuevamente retratos de sus contemporáneos, incluyendo a Winston Churchill, Bertrand Russell y T. S. Eliot. [60]

En el siglo XX, los interiores victorianos de la Galería pasaron de moda. [61] Las decoraciones del techo de Crace en el vestíbulo de entrada no eran del gusto del director Charles Holmes, y fueron borradas con pintura blanca. [62] Las galerías del Norte, que se abrieron al público en 1975, marcaron la llegada de la arquitectura modernista a la Galería Nacional. En las habitaciones más antiguas, los detalles clásicos originales fueron borrados por tabiques, tarimas y techos suspendidos, con el objetivo de crear ambientes neutros que no distrajeran la contemplación de las pinturas. Pero el compromiso de la Galería con el modernismo duró poco: en la década de 1980 el estilo victoriano ya no se consideraba un anatema, y ​​un programa de restauración comenzó a restaurar los interiores de los siglos XIX y principios del XX a su apariencia original. Esto comenzó con la remodelación de Barry Rooms en 1985–6. De 1996 a 1999, incluso las Galerías del Norte, consideradas en ese entonces como "carecen de un carácter arquitectónico positivo", fueron remodeladas en un estilo clásico, aunque simplificado. [44]

Sainsbury Wing and later additions

La adición más importante al edificio en los últimos años ha sido el Ala Sainsbury, diseñada por los arquitectos posmodernistas Robert Venturi y Denise Scott Brown para albergar la colección de pinturas del Renacimiento, y construida en 1991. El edificio ocupa el "sitio de Hampton" al al oeste del edificio principal, donde había una tienda por departamentos del mismo nombre hasta su destrucción en el Blitz. La Galería había buscado durante mucho tiempo la expansión en este espacio [cita requerida] y en 1982 se llevó a cabo un concurso para encontrar un arquitecto adecuado; la lista corta incluía una propuesta radical de alta tecnología de Richard Rogers, entre otros. El diseño que ganó la mayoría de los votos fue de la firma Ahrends, Burton y Koralek, quienes luego modificaron su propuesta para incluir una torre, similar a la del esquema de Rogers. La propuesta se abandonó después de que el Príncipe de Gales comparara el diseño con un "carbunclo monstruoso en la cara de un amigo muy querido y elegante", [64] El término "carbunclo monstruoso", para un edificio moderno que choca con su entorno, desde entonces se ha convertido en algo común. [65] [66]

Una de las condiciones de la competencia de 1982 fue que la nueva ala tenía que incluir oficinas comerciales, así como espacio público de la galería. Sin embargo, en 1985 fue posible dedicar la extensión por completo a los usos de la Galería, gracias a una donación de casi 50 millones de libras de parte de Lord Sainsbury y sus hermanos Simon y Sir Tim Sainsbury. Se realizó una competencia cerrada y los esquemas producidos fueron notablemente más restringidos que en la competencia anterior.

En contraste con la rica ornamentación del edificio principal, las galerías en el ala de Sainsbury son recortadas e íntimas, para adaptarse a la escala más pequeña de muchas de las pinturas [cita requerida]. Las principales inspiraciones de estas habitaciones son las galerías principales de Sir John Soane para la Galería de imágenes de Dulwich y los interiores de la iglesia de Filippo Brunelleschi (el apósito de piedra está en pietra serena, la piedra gris local de Florencia) [cita requerida]. Las galerías más al norte se alinean con el eje central de Barry, de modo que hay una sola vista a lo largo de toda la Galería. Este eje es exagerado por el uso de una perspectiva falsa, ya que las columnas que flanquean cada abertura disminuyen gradualmente de tamaño hasta que el visitante alcanza el punto focal (a partir de 2009), un retablo de Cima de La Incredulidad de Santo Tomás. El enfoque posmodernista de la arquitectura de Venturi se encuentra en plena evidencia en el ala de Sainsbury, con sus citas estilísticas de edificios tan dispares como los clubes en Pall Mall, la Scala Regia en el Vaticano, los almacenes victorianos y los templos egipcios antiguos.

Después de la peatonalización de Trafalgar Square, la Galería está actualmente comprometida en un plan maestro para convertir el espacio de oficinas desocupado en la planta baja en espacio público. El plan también llenará los patios en desuso y hará uso de los terrenos adquiridos en la Galería Nacional de Retratos contigua en St Martin's Place, que entregó a la Galería Nacional a cambio de terrenos para su extensión de 2000. La primera fase, el Proyecto Ala Este diseñado por Jeremy Dixon y Edward Jones, se abrió al público en 2004. Esto proporcionó

Controversies

La última protesta importante contra el uso de técnicas de conservación radicales en la Galería Nacional fue hace setenta y un años en los años inmediatos de la posguerra, luego de una campaña de restauración del Restaurador Principal Helmut Ruhemann mientras las pinturas estaban en Manod Quarry. Cuando las imágenes que se limpiaron se expusieron al público en 1946, siguió un furor paralelo al de un siglo antes. La principal crítica fue que la eliminación extensiva del barniz, que se utilizó en el siglo XIX para proteger la superficie de las pinturas pero que las oscureció y las descoloró con el tiempo, puede haber resultado en la pérdida de esmaltes "armonizadores" agregados a las pinturas por los los propios artistas. La oposición a las técnicas de Ruhemann fue liderada por Ernst Gombrich, un profesor del Instituto Warburg que en una correspondencia posterior con un restaurador describió que la Galería Nacional lo había tratado con "extravagancia ofensiva" [69]. Una comisión de 1947 concluyó que no se había hecho ningún daño en las limpiezas recientes.

La Galería Nacional también ha sido criticada por atribuir erróneamente pinturas. La decisión de Kenneth Clark en 1939 de volver a etiquetar un grupo de pinturas de artistas anónimos de la escuela veneciana como obras de Giorgione (un artista que atrae a la multitud debido a la rareza de sus pinturas) lo hizo impopular con su personal. Más recientemente, la atribución de una pintura del siglo XVII de Sansón y Dalila (comprada en 1980) a Rubens ha sido cuestionada por un grupo de historiadores del arte, quienes creen que la Galería Nacional no ha admitido el error para evitar avergonzar a los involucrados. en la compra, muchos de los cuales todavía trabajan para la Galería. [70]

En febrero de 2014, la Galería Nacional compró Men of the Docks, del artista estadounidense George Bellows, por $ 25.5 millones (£ 15.6 millones). Fue la primera gran pintura estadounidense comprada por la Galería. El director Nicholas Penny calificó la pintura como una nueva dirección para la Galería: una pintura no europea en un estilo europeo. Su venta fue controvertida en los EE.UU.

Listado de Directores de la Galería Nacional.

Collection highlights

For a more comprehensive list, see Catalogue of paintings in the National Gallery, London.

• • English or French Medieval: The Wilton Diptych

  • Jan van Eyck: The Arnolfini Portrait

  • Pisanello: The Vision of Saint Eustace

  • Paolo Uccello: The Battle of San Romano, Saint George and the Dragon

  • Rogier van der Weyden: The Magdalen Reading

  • Masaccio: Madonna and Child

  • Dieric Bouts: The Entombment

  • Piero della Francesca: The Baptism of Christ

  • Antonello da Messina: Portrait of a Man, St Jerome in his Study

  • Giovanni Bellini: The Agony in the Garden, Madonna del Prato, Portrait of Doge Leonardo Loredan

  • Piero del Pollaiolo: The Martyrdom of Saint Sebastian

  • Sandro Botticelli: Venus and Mars, The Mystical Nativity

  • Hieronymus Bosch: Christ Crowned with Thorns

  • Leonardo da Vinci: The Virgin of the Rocks, The Virgin and Child with St Anne and St John the Baptist

  • Albrecht Dürer, St Jerome in the Wilderness

  • Michelangelo: The Entombment, The Manchester Madonna

  • Jan Gossaert: The Adoration of the Kings

  • Raphael: The Aldobrandini Madonna, The Ansidei Madonna, Portrait of Pope Julius II, The Madonna of the Pinks, The Mond Crucifixion, Vision of a Knight

  • Titian: Allegory of Prudence, Bacchus and Ariadne, Diana and Actaeon, Diana and Callisto, The Death of Actaeon, A Man with a Quilted Sleeve, Portrait of the Vendramin Family

  • Hans Holbein the Younger: The Ambassadors

  • Parmigianino: Portrait of a Collector, The Vision of Saint Jerome

  • Agnolo Bronzino: Venus, Cupid, Folly and Time

  • Tintoretto: The Origin of the Milky Way

  • Pieter Bruegel the Elder: The Adoration of the Kings

  • Paolo Veronese: The Family of Darius before Alexander, The Conversion of Mary Magdalene, Adoration of the Magi

  • El Greco: Christ Driving the Money Changers from the Temple

  • Caravaggio: Boy Bitten by a Lizard, Supper at Emmaus, Salome with the Head of John the Baptist

  • Peter Paul Rubens: The Judgement of Paris

  • Nicolas Poussin: The Adoration of the Golden Calf

  • Diego Velázquez: Christ in the House of Martha and Mary, Philip IV in Brown and Silver, The Rokeby Venus

  • Anthony van Dyck: Equestrian Portrait of Charles I

  • Claude Lorrain: Seaport with the Embarkation of the Queen of Sheba

  • Rembrandt: Self-Portrait at the Age of 34, Belshazzar's Feast, Self-Portrait at the Age of 63

  • Johannes Vermeer: Lady Standing at a Virginal, Lady Seated at a Virginal

  • Meindert Hobbema: The Avenue at Middelharnis

  • Canaletto: The Stonemason's Yard

  • William Hogarth: The Graham Children, Marriage à-la-mode

  • George Stubbs: Whistlejacket

  • Thomas Gainsborough: Mr and Mrs Andrews

  • Joseph Wright of Derby: An Experiment on a Bird in the Air Pump

  • Francisco Goya: Portrait of the Duke of Wellington

  • J. M. W. Turner: The Fighting Temeraire, Rain, Steam and Speed

  • John Constable: The Cornfield, The Hay Wain

  • Jean Auguste Dominique Ingres: Madame Moitessier

  • Eugène Delacroix: Ovid among the Scythians

  • Edgar Degas: Miss La La at the Cirque Fernando, Young Spartans Exercising

  • Paul Cézanne: Les Grandes Baigneuses

  • Claude Monet: Snow at Argenteuil

  • Pierre-Auguste Renoir: The Umbrellas

  • Henri Rousseau: Tiger in a Tropical Storm (Surprised!)

  • Vincent van Gogh: Sunflowers, A Wheatfield with Cypresses

  • Georges Seurat: Bathers at Asnières

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