Características Generales del  Expresionismo.

 🔴 El Expresionismo.  Nació entonces como un arte de oposición. Los artistas que integraron este movimiento conocían otros grupos y personas solitarias que se  habían hablado desde su interior y sentido otras emociones ( Goya, Van Gogh, los fauves, Munch).  Con este término se denomina una pintura en la que prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad. Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una carga dramática, pesimista y crítica. Este término engloba obras y autores de un amplio período, aunque el país donde esta vanguardia alcanza mayor intensidad es en Alemania. Sus rasgos generales se acentúan en períodos de crisis.

• Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor.

+La realidad se distorsiona, el artista refleja una visión persona de la realidad a través de la estridencia del color o distorsionando, desfigurando o exagerando las figuras. Los  primeros artistas que lo reflejan, antecedentes, son  Goya, Van Gogh, Munch , a través de sus obras dan rienda a su interior y denuncian la situación que les ha tocado vivir.

• El expresionismo como movimiento no desapareció hasta 1933, cuando fue reprimido por el nazismo. Hitler, bajo la consigna de “Arte degenerado” condenó a todo el movimiento expresionista.

• El deseo de subjetividad  constituía la base de la estética expresionista, materializada tanto en las artes plásticas como en la literatura y la música.

• En pintura, el expresionismo surgió como reacción al impresionismo y la visión objetiva de la naturaleza. Los pintores expresionistas propugnaban una visión más subjetiva, una interpretación personal y apasionada de lo que la naturaleza les sugería. “Expresión” se oponía, pues, a “impresión”.

Por otro lado, esta estética suponía también un rechazo de los valores de la sociedad burguesa de la época del káiser alemán Guillermo II y, más tarde, de la de entreguerras, y planteaba el arte como un instrumento de crítica político-social.

• Las culturas primitivas proporcionaron a los expresionistas un modelo para la renovación artística, basada en el poder de la intuición y la creatividad sin trabas. Aquellos recibieron además la influencia de algunos pintores postimpresionistas, como Vincent van Gogh, y de sus contemporáneos fauvistas. Los dibujos infantiles y el arte de los enfermos mentales pasaron, asimismo, a formar parte de las investigaciones de estos artistas, por ser manifestaciones espontáneas, no sujetas a aprendizajes académicos.

• l concepto tradicional de belleza quedó negado por la creación expresionista, que deformó las figuras para extraer de ellas una visión cruda y personal de la realidad en la que se resalta la soledad, el dolor y el horror de la guerra.

• Existieron notables diferencias entre las distintas fases del expresionismo. Sus precursores fueron artistas sin relación alguna entre ellos, pero coincidentes en reflejar la realidad de forma subjetiva y patética. Dichos precursores fueron el noruego Edvard Munch y  el belga James Ensor

+El expresionismo defiende la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos y perturbadores - la enfermedad, la soledad y el amor insatisfecho.

+prioridad a una visión subjetiva del mundo quiere decir que deforma con su emoción la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una expresión  existencialista y la visión trágica del ser humano con una preocupación por la vida y la muerte.

• Le dan más importancia a la visión subjetiva frente a la plasmación objetiva de la realidad.

• Influidos por Vincent Van Gogh cuya subjetividad o mundo interior, son la clave fundamental de sus obras y H. Matisse donde los valores expresivos del color, lejos del naturalismo, muestran una sensación plástica.

• El referente real solo sirve como punto de partida hacia una exploración creativa sin límites.

• Caracterizados por sus colores violentos y su temática obscura de soledad y de miseria, el expresionismo reflejo la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la primera guerra mundial (1914-1918 y el periodo de entreguerras 1918-1939.).

• Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida de buscar nuevos horizontes , a partir de la imaginación , defendiendo la libertad individual subjetiva, el irracionalismo el apasionamiento en temas prohibidos 

• Intento reflejar una deformación emocional de la realidad a través del carácter expresivo de los medios plásticos abriendo los sentidos al mundo interior.

• Carácter existencialista, anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en que la sociedad moderna industrializada aísla la hombre

• El expresionismo trata de impactar al espectador llegar a su lado más emotivo

++Las obras de los  artistas  Expresionistas fueron ridiculizadas por Hitler en la exposición de Arte Degenerado Múnich en 1937. Donde una parte de la obra fue destruida y otra vendida.

El expresionismo en otros campos artísticos

El expresionismo no fue una tendencia únicamente plástica, sino que abarcó otros campos como el literario, gracias a la revista berlinesa Der Sturm (La Tormenta); el cinematográfico, con directores como Robert Wiene, F. W. Murnau y Fritz Lang; el musical, con el compositor Arnold Schoenberg; y el teatral, impulsado por los escritores Friti. Von Uruh, Carl Sternheim o Reinhard Sorge.

El expresionismo fue, de este modo, una intensa búsqueda de la expresión de los propios conflictos y pasiones que, aunque prácticamente desapareció por la persecución nazi, dejó sentir sus influencias en las posteriores manifestaciones artísticas y, sobre todo, se convirtió en el reflejo perfecto de una época difícil y apasionada.

Obra y biografía link

de Wassily Kandinsky

Moscú en 1866 y falleció en Neuilly-sur-Seine, Francia, en 1944.

un precedente del expresionismo abstracto.

Introducción a la figura y 

obra de Wassily Kandinsky

Kandinsky es una de las figuras más importantes en el desarrollo del arte abstracto.

Nació en Moscú en 1866 y falleció en Neully-sur-Seine, Francia, en 1944. Compaginó sus estudios de derecho y economía con el dibujo y la pintura. Al cumplir los treinta años abandonó su carrera como docente para ir a estudiar pintura a Munich. Asistió a las clases de F. Stuck y allí conoció a Paul Klee, con quien mantuvo una gran amistad. También realizó diferentes viajes por Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, entrando en contacto con el postimpresionismo, el Jugendstil (modernismo) alemán, el fauvismo y el cubismo.

►La influencia del color fauve se percibe en una serie de paisajes alpinos que pinta en Murnau entre 1908 y 1909. Es aquí cuando se da cuenta que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria y que la belleza de sus obras reside en la riqueza cromática y en la simplificación formal.

+Casas de Murnau, Calle de Murnau y La montaña azul son pinturas realizadas a base de grandes manchas de color intenso, en las que los elementos naturalistas van desapareciendo progresivamente, influencia del color fauve.

 Este descubrimiento le conduce a una experimentación continuada que culminó con la conquista de la abstracción en una acuarela de 1913

►Kandinsky había fundado la Asociación de Artistas de Múnich (NKVM), al mismo tiempo que empezaba a pensar  el entramado ideológico que desembocará en la abstracción. El despojamiento progresivo de la representación no será bien aceptado en la NKVM(“Asociación de Nuevos Artistas de Múnich”), por lo que Kandinsky y Franz Marc se retiran de la asociación y sientan las bases del grupo Der Blaue Reiter. Organizan diversas exposiciones en Berlín y Munich  

►Kandinsky escribe -De lo espiritual en el arte -y -el Almanaque de Der Blaue Reiter:

 -En De lo espiritual en el arte habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. Dice que el arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y establece las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color.

►Pinta numerosas obras que él mismo agrupará en tres categorías diferentes: impresiones, improvisaciones y composiciones. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos, aunque todavía se advierte en ellos un poco la presencia de la realidad. Los últimos restos del mundo real no desaparecerán de su obra hasta después de 1920.

🔴 Impresiones, al primer grupo pertenecen sus realizaciones datadas hasta 1910

Sus impresiones, inspiradas en la naturaleza, son una mirada atrás, hacia la realidad exterior. Los subtítulos que llevan (Fuente, Parque, Concierto, etc.) son la clave para interpretarlas.

En Impresión VI (Domingo) las formas y los colores tienden a desvincularse de la realidad visual, aunque todavía no se han separado totalmente del objeto.

 🔴 Improvisaciones, al segundo, las abstracciones expresionistas de 1910-1921

Las improvisaciones suponen la expresión de emociones interiores. Son expresiones espontáneas de carácter espiritual, que exigen que no reproduzcan nada material. Anuncian la ruptura definitiva con las formas. Son el antecedente directo del expresionismo abstracto o pintura informal que se desarrolló en todo el mundo a partir de 1945.

En "Improvisación soñada" (1913), sin un orden aparente ni un soporte estructural, Kandinsky concibe la realidad con imágenes parciales y débiles y no con forma de objetos definidos.

🔴 Composiciones, al tercero, las abstracciones constructivas posteriores a 1921.

Finalmente, sus composiciones, aúnan lo intuitivo con el rigor compositivo. Son construcciones enormemente calculadas, sobre la base de apuntes previos, cuyas líneas y colores habían sido trazados instintivamente.

Composición VII, la tela más famosa y más grande pintada por Kandinsky es un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas simples.

►Sus cuadros geométricos tienen la finalidad de establecer un idioma simbólico entre formas y colores que proyecten su interés en lo trascendental.

Si contemplamos el conjunto de su obra, podemos darnos cuenta de que al primer grupo pertenecen sus realizaciones datadas hasta 1910, al segundo, las abstracciones expresionistas de 1910-1921 y al tercero, las abstracciones constructivas posteriores a1921.

►Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky vuelve a Moscú y ocupa importantes cargos en la administración artística y cultural. Su labor se tradujo en la creación de museos por toda Rusia y en programas de enseñanza artística. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, su segunda y definitiva esposa, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania.

🔴👉los pocos meses aceptó la invitación de Walter Gropius para incorporarse a la Bauhaus o escuela de diseño de Weimar. Dirigió el taller de Pintura Decorativa y el curso de iniciación. De sus experiencias como profesor surgió su segundo tratado importante “Punto y línea en el plano” (1925).

Durante estos años su obra se disciplina, al color se añade la geometría y la interacción de la forma, y su pintura se aprovechará de las múltiples tendencias que coinciden en distintos momentos en la Bauhaus. Su obra experimenta una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha denominado el periodo arquitectual de su pintura, al que le siguió otro en que indaga con los trazos circulares y concéntricos. Círculos (1926).

En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, Kandinsky se instala en Neully, cerca de París. Es la última etapa de su vida, en la que continúa con la búsqueda de formas inventadas, que plasma por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos eslavos. Se aleja de la geometría de la Bauhaus y opta por formas orgánicas y biomórficas.

En Círculo y cuadrado (1943) vemos un estilo más elegante y complejo.

►Kandinsky es uno de los artistas más influyentes de su generación. Fue uno de los primeros en explorar los principios de la abstracción no representacional o pura, por lo que podemos considerarle como un precedente del expresionismo abstracto.

🔴 Nueva objetividad (1919–1933). 

Expresionismo alemán durante las dos guerras mundiales.

+Después de la primera guerra mundial, un nuevo movimiento, Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), fue el heredero alemán de la estética expresionista, en un tono agresivo y crítico. 

Nueva Objetividad desarrollado  en Alemania  a comienzos del 1920   El movimiento acabó en el 1933 con la caída de la República de Weimar y la toma de poder por los Nazis.  Fue un movimiento dentro del realismo social satírico. 

Componentes: George Grosz y Otto Dix, fueron el heredero alemán de la estética expresionista, en un tono agresivo y crítico.

Otto Dix y George Grosz, artistas que quieren provocar al público por medio de una figuración distante, fría y con imágenes chocantes. Para ello aprovechan los logros del Fotomontaje dadaísta; utilizan algunos recursos del futurismo, como la combinación simultánea de varias visiones, y toman del cubismo la fragmentación de las formas.

• Otto Dix,    Otto Dix, .  obra  " La guerra , el cual se vio forzado a vivir el horror durante la guerra en primera persona , marcando esto con una huella que marcó toda su obra.

Georg Grosz,  Georg Grosz,  obra. Metrópolis .Con sus mordaces caricaturas y la captación magistral de la vida de las calles Berlinesas, aire apocalíptico que pone en evidencia la alienación del hombre y su camino de auto -destrucción.

Georg Grosz: 1893 1959.     George Grosz obra. link

George Grosz (Berlín 1893 – 1959), pintor estadounidense de origen alemán, después de haber experimentado con el cubismo y el futurismo, publica en 1917 su primera colección de dibujos, los cuales provocan el escándalo y la indignación en los medios burgueses, a causa de la vulgaridad de los temas escogidos: prostitutas, borrachos, asesinos, militares en actitudes indecentes, descritos con rasgos rápidos e incisivos. 

A partir de 1918, Grosz se une al dadaísmo berlinés y lo utiliza como arma para denunciar el militarismo y la burguesía de la Alemania prenazi. Después de haber contribuido con Otto Dix a la constitución del grupo Nueva Objetividad (Neue Sachlichkeit) y haber revelado, por medio de un análisis sin piedad, la avidez por el poder de algunos dirigentes, oculta bajo máscaras de irreprochable respetabilidad, sus obras, como las de Dix, serán confiscadas durante la subida al poder del nazismo y mostradas en la exposición de «Arte degenerado». Grosz también colaboró en 1928 con el «teatro político» de Erwin Piscator creando algunos decorados para sus escenarios. En 1933, Grosz se exila a Estados Unidos y enseña en Nueva York, donde continúa denunciando las dramáticas condiciones del «hombre social», presentando la tragedia de la Segunda guerra mundial que se avecina. El estilo corrosivo de Grosz ejerce una influencia importante en la corriente realista y social de los pintores americanos, en especial sobre Ben Shahn.

George Grosz fue un pintor comprometido ideológicamente, un agitador que usaba el arte como arma en la convulsa Alemania de las primeras décadas del siglo XX.expresó su disgusto por la Alemania de la posguerra. La moderna metrópoli se convirtió en el tema recurrente de su obra. Fue quizá el artista que mejor supo hacer una crónica fidedigna del Berlín de los años veinte. Hoy en día, una de las principales imágenes que tenemos de la Alemania de la República de Weimar es la que nos ha dejado Grosz con sus mordaces caricaturas y la captación magistral de la vida de las calles berlinesas. 

🔴 Cine alemán Expresionista.

La trayectoria de esta corriente aparece dominada principalmente por tres realizadores: Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang y Georg Wilhelm Pabst.

►Características y técnicas:

Escenografía-  En la escenografía, se utilizaban decorados pintados para ambientar la película. Como por ejemplo “El gabinete del doctor Caligari ” (1919).  La escenografía adquiere trascendencia. Calles y perspectivas no tienen profundidad real, sino que se recrea mediante un telón con líneas onduladas. Las curvas provocan el caos, y otras sensaciones distintas no armónicas. Fueron varias las películas que desarrollaban la artificialidad en escenas, como por ejemplo “Genuine”, o “Desde el alba a medianoche”.  La excepción en escenografía es “Nosferatu” y “Metrópolis”, que se filmaron en algunos ambientes naturales.

Iluminación-  Una personalidad destacable en este aspecto es Mac Reinhardt, el cual, utilizó en sus puestas teatrales, experiencias de iluminación que fueron posteriormente asimiladas por directores de cine expresionistas, dándole a las películas un toque particular con el efecto conseguido mediante el claro- oscuro (contraste acentuado de luces y sombras).  Los decorados se iluminan en la base, para acentuar el relieve deformado. Un ejemplo claro de esto se produce en la película “Humunculus”(1916), de Rippert y Neuss en “Metrópolis” y “La muerte cansada”, donde se observan contrastes en blanco y negro.  Referente a las sombras, supo sacar gran partido, hasta el punto que era como un símbolo, como por ejemplo “Espectros”(1916), donde la madre enloquecida proyecta sombras intensas que se deslizan por las paredes evocando al demonio.

Interpretación-  Los personajes realizan movimientos abruptos y duros, que se rompen a mitad de camino. Hay una deformación de gestos, mediante movimientos intensos.

Vestuario-  El vestuario es un factor dramático en el expresionismo. Por ejemplo en el expresionismo alemán, suelen aparecer personajes con capas y sombreros de copa. Respecto al maquillaje, se caracteriza por ser muy pálido, y las manos crispadas.  Los paisajes, los creaban artificialmente para hacer uso de la iluminación para construir personajes y objetos. Por ejemplo “Lang” comprendió que no se puede eliminar la naturaleza, pero que sí se pueden crear abstracciones.

Pintura-  El arte quería representar la experiencia emocional en su forma mas completa, buscaron mostrar sus aspectos más atormentados mediante el uso de colores agresivos, la convulsión de líneas, colores manchados, formas disgregadas, líneas fracturadas, contorsionadas, ondulantes… Proyectaban sobre el mundo exterior su vivencia de angustia.

Literatura-  Significó una renovación de formas, grandes deformaciones por estados anímicos o perturbaciones íntimas. Se tendía a la síntesis, ausencia de elementos de unión lógicos.  Destacaba novela y teatro, con las mismas características que en las artes plásticas. Como por ejemplo: Literatura expresionista—->Franz Kafka.

Teatro-  el teatro expresionista introdujo formas de representación, en dirección y en puesta de escena. El objetivo a conseguir era un cuadro que incrementaba el impacto emocional sobre el público.

Música- La música expresionista destacó en el periodo de entre guerras. Expresaba los terrores ocultos, la ansiedad… La música también deformaba las técnicas convencionales, y reemplazaba armonías tradicionales por otras nuevas de mucho mayor complejidad y belleza.

*La pintura y el teatro expresionistas influyeron en el cine como se puede apreciar en “El gabinete del doctor Caligari”, y en “Nosferatu” 1922, el vampiro” creando perspectivas distorsionadas -

•5--Escuela de Paris: trabajaron en París en el periodo de entreguerras.

Chagal y Modigliani: expresionistas individuales junto con Munch.

Chagal representa un expresionismo más vitalista, más dinámico y colorista. Sintetiza su iconografía rusa con el colorido fauvista y el espacio cubista y con la simbología judeo-cristiana.