PRE CUBISMO---Picasso.'Las señoritas de Avignon' 1907, fue una obra clave para que Picasso continuara investigando nuevas técnicas y modos de hacer pintura, entrando finalmente en los inicios del Cubismo. 👉 "Las señoritas de Aviñón", 1907, Pablo Picasso, (Nueva York, MOMA).
👉El Cubismo link. de 1908 hasta 1914.
👉 👁 CUBISMO : Características. (1907 a 1911-1914) Francia , Vídeo del cubismo
fue la etapa siguiente al Fauvismo del 1905, de las vanguardias históricas Europeas y la más representativa de Pablo Picasso.
Fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.
No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. Marca un punto de quiebre con el esquema pictórico renacentista( centrado en la representación de los objetos en tercera dimensión).
Su principal atributo es la representación de las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, plasmando las distintas partes de los objetos en un único plano.
Ambos artistas Pablo Picasso, Georges Braque, partiendo de las enseñanzas de Cézanne, inventaron un nuevo lenguaje basado en la fragmentación y simultaneidad de la representación de la forma, en la reinterpretación de los objetos, con una gran austeridad en el color (cubismo analítico) que fue haciéndose paulatinamente menos abstracto (cubismo sintético)..
Con el comienzo de la Primera Guerra Mundial en 1914, Picasso sigue en París son años de guerra y el cubismo como movimiento artístico se paraliza, pues muchos artistas fueron llamados a filas para que defendiese su nacionalidad.
Braque sería llamado a filas en la I Guerra Mundial y en 1915 le hirieron de gravedad. Tres años de parón artístico en los que fue abandonando paulatinamente la geometría, pero continuó con sus naturalezas muertas, acompañadas de algún que otro paisaje.
Picasso lo que hizo, fue buscar nuevas salidas durante el periodo bélico, refugiándose en la decoración de puestas en escenas de ballet, teatro... colaborando para músicos importantes como para Erik Satie.
En la posguerra, Picasso, tras un viaje a Italia, regresó a la figuración y desarrolló un tipo de pintura con figuras monumentales, que se denominó «clásico» y que se correspondía con una tendencia generalizada de vuelta al orden que se manifestó en Europa tras los años de ebullición vanguardista.
🔴 EL CUBISMO 1907-14/20. Vanguardias, 1: Fauvismo, Cubismo. Vídeo pedagógico. Min 35:46
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A- CUBISMO: definición , características y contexto
B- ETAPAS o FASES DEL CUBISMO: El cubismo analítico y sintético marcaron no sólo una nueva manera de plasmar conceptos sobre lienzo: mostraron el camino para una nueva concepción del arte que, junto a otras vanguardias, marcarían la evolución de los movimientos artísticos durante el siglo XX.
1-FASE ANALÍTICA (1907-1911).
Se caracteriza principalmente por descomponer los objetos para recrearlos siguiendo un equilibrio estructural que permite observarlos desde múltiples perspectivas. Lo primordial es la estructura de la forma fragmentada, facetadas, para la que se emplea una paleta de colores austeros, apagados y oscuros que oscilan entre grises, verdes, azules y ocres.
comienza con Picasso y Braque , intentas representar figuras y objetos en planos en facetas, analizando sus planos y volúmenes, dándoles una apariencia poliédrica, que buscaba reflejar los múltiples ángulos desde los que sería posible verlos
Componentes: PABLO PICASSO y GEORGE BRAQUE. o FASE HERMÉTICA: es la última parte de la fase analítica su objetivo es paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras.
EL RETRATO DE VOLLARD. 1910. Picasso
El viaducto de L'Estaque (Le Viaduc de l’Estaque). 1908 BRAQUE.
2-TRANSICIÓN DE LA FASE ANALÍTICA A LA FASE SINTÉTICA.CUBISMO SINTÉTICO, es una continuación de ese proceso analítico que busca poder representar en un plano, una síntesis de todas las formas geométricas de las que se compone un objeto. En el cubismo sintético con la colaboración de Braque se van a sustituir trazos de pintura por objetos de la realidad, como un trozo de rejilla o un trozo de cuerda o un trozo de periódico, formando así diferentes tipos de Collage, como vemos en este cuadro de a continuación que sería una transición del cubismo anaítico al sintético.
*Naturaleza muerta con cuerda de rejilla (1912) Picasso .Incorpora además una cuerda como marco y el formato oval para romper con las dimensiones geométricas puras Los cuadros realizados según este procedimiento adquirían un carácter material y de objeto que creaba una nueva realidad. Estaba abierto un nuevo camino expresivo.
3- FASE SINTÉTICA (1911-1914) y el Collage.
El cubismo sintético opta directamente por aplanar los elementos para romper con toda alusión a la tridimensionalidad. Valora principalmente la ordenación intelectual de las obras, donde predomina el equilibrio compositivo y la estructuración formal de las mismas. El periodo sintético utiliza una paleta más viva y variada. se introdujeron nuevas texturas y patrones en los cuadros haciendo uso del collage con elementos cotidianos como periódicos, partituras o carteles.
Componentes: PABLO PICASSO. -GEORGE BRAQUE. - Pintor que se incorpora en esta fase: JUAN GRIS.
Braque integra los conocimientos adquiridos y evoluciona el Cubismo hacia una forma más legible, calificada como “sintética”. La cuadrícula ortogonal de planos sigue presente, pero presenta colores uniformes, densos o trabajados, en algunos casos imitando madera, que evocan los papeles pegados. Picasso y Braque introducen materiales periódicos, puntos, curvas y detalles figurativos en esta etapa.
Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque.
Luego se conectará con el ORFISMO (cubismo y movimiento) punto donde se relacionará con el arte abstracto. "Desnudo bajando la escalera" de Duchamp
PABLO PICASSO. GEORGES BRAQUE, JUAN GRIS, JEAN METZINGER, ROBER DELAUNAY.
su retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907 determinó la evolución ulterior de Picasso.
1-FASE ANALÍTICA (1907-1911).▼
TRANSICIÓN DE LA FASE ANALÍTICA A LA FASE SINTÉTICA.
*Naturaleza muerta con rejilla de silla ( Pablo Ruiz Picasso) 1912.
-CUBISMO: definición y contexto
Contexto histórico del cubismo
Las características del cubismo parten, como toda transformación, de un proceso histórico con implicaciones políticas, económicas, culturales y artísticas. Muchas cosas estaban cambiando a finales del siglo XIX y principios del siglo XX.
El desarrollo tecnológico había llegado a un punto verdaderamente transformador. La invención del automóvil en 1885 y del aeroplano en 1903 había cambiado la percepción de la distancia y del tiempo. Las primeras transmisiones inalámbricas por radio en 1895 cambiaron radicalmente los parámetros de comunicación. La creación de cinematógrafo en 1896 permitió una nueva concepción de la imagen a la que se incorporaba el movimiento, con no pocas consecuencias para las artes visuales.
CUBISMO
Fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. Marca un punto de quiebre con el esquema pictórico renacentista ( centrado en la representación de los objetos en tercera dimensión).
Su principal atributo es la representación de las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, plasmando las distintas partes de los objetos en un único plano.
Principales características cubistas:
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras), en el caso de Braque y sus pinturas de L’Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo» refiriéndose al arte de Pablo Picasso y Georges Braque, en forma despectiva.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages (periodo sintético).
El cubismo inicial propone una abstracción progresiva de la realidad, tendiendo a que la obra equivalga a esta realidad, y no sea simplemente una imagen sustitutiva de la misma.
Asimismo incorpora las técnicas del punto de vista alto, también estableciendo múltiples puntos de fuga divergentes, no orientados al interior del cuadro, a sugerir, simular la realidad dentro del cuadro, sino fuera de él, hacia el espectador, se sugiere ahora una estructura cambiante, trasladando la imagen desde el plano pictórico al mundo físico relativo. Esto se conoce como perspectiva inversa.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la “crítica”, llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.
Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris son los fundadores y máximos exponentes de este movimiento.
El cubismo, aunque partió de una base fundamentalmente pictórica, influyó en otras manifestaciones de vanguardia
-Ruptura del principio de imitación de la naturaleza en el arte
A diferencia de los movimientos predecesores, el cubismo se distancia abiertamente de la representación naturalista, es decir, del principio de imitación de la naturaleza como objetivo final del arte.
Supresión de la perspectiva y el claroscuro
Toda vez que no interesa la imitación de la naturaleza o de los modos de percepción óptica, el cubismo no se interesa en el claroscuro y en la perspectiva, elementos plásticos al servicio del principio de verosimilitud.
-Superposición de planos. Síntesis y geometrización
El cubismo yuxtapone diferentes planos en uno solo. La síntesis se hace total: al tiempo que sintetiza las figuras a su mínima expresión geométrica, sintetiza también en un solo plano los diferentes puntos de vista del objeto.
-Incorporación de técnicas no pictóricas: Además de usar la pintura al óleo y otras técnicas habituales, los cubistas fueron los primeros en incorporar técnicas no pictóricas al introducir el collage, es decir, el uso de materiales diversos adosados sobre la superficie del lienzo.
GEORGES BRAQUE: VIOLÍN Y PIPA, ‘LE QUOTIDIEN’. 1913. COLLAGE CON TIZA, CARBÓN, PAPEL. CENTRO GEORGES POMPIDOU, PARÍS
-Preferencia por el bodegón y la figura humana. De lo anterior se desprende el interés en temas como el bodegón o naturaleza muerta. Son frecuentes los instrumentos musicales, frutas y objetos cotidianos, así como la figura humana despojada de cualquier valoración referencial (mítica, religiosa, histórica o filosófica).
Influencia del postimpresionismo. Paul Cézanne
Los postimpresionistas habían despertado la atención a principios del XX. Los jóvenes artistas residenciados en París se sintieron particularmente conmovidos por una exposición retrospectiva del pintor francés Paul Cézanne, llevada a cabo en 1907.
Los nuevos artistas quedaron prendados de la sentencia del postimpresionista Paul Cézanne, para quien “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro”. Por lo tanto, comenzaron a trabajar en la observación y análisis de la imagen, a fin de hallar sus elementos geométricos esenciales.
PAUL CÉZANNE: CASAS EN L’ESTAQUE. 1880. ÓLEO SOBRE LIENZO.
GEORGES BRAQUE: CASAS EN L’ESTAQUE. 1908.
Influencia de la escultura africana y del arte ibérico
Hacia finales del siglo XIX y principios del XX crecía el imperialismo occidental en África y Asia. Europa manifestaba un interés renovado por las expresiones culturales de aquellos pueblos, así como una fascinación ante nuevos hallazgos arqueológicos. En París se llevaron a cabo diversas exposiciones de arte africano y arte ibérico que Picasso y otros artistas tuvieron la oportunidad de apreciar.
Influencia del desarrollo tecnológico
La imagen bidimensional ya no se limitaba solo a la captación de un instante. La cámara cinematográfica había logrado hacer de la imagen una posibilidad temporal narrativa gracias a la invención de la técnica del montaje, introducida por Edwin S. Porter y desarrollada por Griffith. Si la fotografía liberaba a la pintura de la imitación de la naturaleza, el cine la liberaba de la obligación de contar historias. ¿Qué hacer de allí en adelante?
Influencia del pensamiento científico
Los artistas que desarrollaron el cubismo se vieron influenciados por las teorías de Albert Einstein. Para el conocido científico, era imposible determinar un movimiento; un objeto podía parecer estar quieto o el movimiento según la perspectiva. De allí resultaría, pues, el concepto de las perspectivas superpuestas.
"El Gran desnudo", 1907, Georges Braque▼ (París, Centro Pompidou). El cuerpo desnudo de la mujer, situado delante de una tela que presenta un drapeado rígido y anguloso, parece ostentar una cierta pesadez. Ambos elementos, la tela del plano posterior con la cual la mujer parece envolverse, y el color que bordea el tejido y que va del rojo al amarillo pasando por el ocre, evoca «Las bañistas» de Cezanne y «Las señoritas de Aviñón» de Picasso 1907 ▲
Análisis
* "Las señoritas de Aviñón", 1907, Pablo Picasso, (Nueva York, MOMA).
Las señoritas de Aviñón 1907. Este cuadro marca el comienzo del «pensamiento cubista». Picasso rechaza las reglas que regían la percepción del espacio, el naturalismo de los colores y las proporciones naturales para representar los cuerpos. Las mujeres desnudas son representadas en el espacio donde se mueven se sitúa dentro de un decorado en dos dimensiones donde coexisten al mismo tiempo diferentes puntos de vista. El título del cuadro hace referencia a estas «casas de Aviñón», de la calle de Aviñón de Barcelona. Picasso había vivido en esta ciudad antes de instalarse en París y había retomado recuerdos de esta época en su cuadro. Picasso no expuso este cuadro hasta 1916 .
Reflejaron las respuestas de Picasso a la representación estructurada, casi escultórica de objetos y figuras de Paul Cézanne y su estructura prismática del espacio en sus bodegones y escenas de bañistas. También reflejaron su fascinación por las máscaras y estatuas africanas, ibéricas y oceánicas que pueblan los museos etnográficos de Francia, así como las lujurias y ansiedades envueltas en sus propias y complejas relaciones con las mujeres.
Su título, que se traduce como "Las mujeres jóvenes de Aviñón", se refiere a la calle Avignon en Barcelona. Cinco cuerpos de color rosa melocotón de las mujeres, que parecen más grandes que la escala humana, llenan el espacio de la pintura, que mide ocho pies de alto por poco más de siete pies de ancho. Los hombros, las caderas y las extremidades de las mujeres se representan con líneas angulares y planos planos y geométricos. Formas cúbicas o, en el caso de la mujer parada a la izquierda del centro, semicírculos, forman sus senos. Sus caras también son afiladas y radicalmente simplificadas, especialmente las de las dos mujeres de la derecha, que modeló directamente después de las máscaras africanas.
Las mujeres emergen de las cortinas marrones, blancas y azules que parecen cristales rotos, sus cuerpos empujados hacia el espectador por la falta de profundidad de la escena. Sus ojos, enormes y con forma de almendra, e inspirados en tallas africanas e ibéricas, se fijan atrevidamente en el espectador. Cerca de sus pies se encuentra una pequeña disposición de frutas, con una rodaja de melón en forma de guadaña detrás de un racimo de uvas, una manzana y una pera, y que, como los cuerpos de las mujeres, parece demasiado afilada para tocarla.
Bocetos para Las señoritas de Aviñón 1907
nota de actualidad. Mientras Pablo no me vea — Carmen Chami
1-Cubismo primitivo o período cézannesco (1907-1909).
-2-FASE ANALÍTICA (1907-1911) Componentes: PABLO PICASSO y GEORGE BRAQUE. La última parte de la fase analítica o La FASE HERMÉTICA es una transición para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica. Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras.
3-FASE SINTÉTICA (1911-1914) Componentes: PABLO PICASSO.-GEORGE BRAQUE. - JUAN GRIS se une muy pronto a las inquietudes de Braque y Picasso en la fase Sintética o Cubismo Sintético..
GEORGES BRAQUE: VIADUCTO A L’ESTAQUE. 1908. ÓLEO SOBRE TELA. 72.5 X 59 CM. MUSEO NACIONAL DE ARTE MODERNO CENTRO POMPIDOU, PARÍS.
1-Cubismo primitivo o período cézannesco (1907-1909).
El período primitivo se caracteriza por la austeridad en el color (dominan los tonos neutros como grises y marrones) y la renuncia a la perspectiva tradicional, enfocada en un punto único, a fin de integrar múltiples perspectivas en un solo plano. Como temas, prefiere las escenas interiores, aunque eventualmente acude al paisaje.
2-Cubismo analítico o cubismo hermético (1910-1912).
Caracteristicas
Se caracteriza principalmente por descomponer los objetos para recrearlos siguiendo un equilibrio estructural que permite observarlos desde múltiples perspectivas. Lo primordial es la estructura de la forma fragmentada, facetadas, para la que se emplea una paleta de colores austeros, apagados y oscuros que oscilan entre grises, verdes, azules y ocres.
Componentes: PABLO PICASSO y GEORGE BRAQUE. o FASE HERMÉTICA: es la última parte de la fase analítica su objetivo es paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras.
En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su “destrucción”. Resultaba un conjunto de planos indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista.
Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras.
Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa.
En esta etapa también se hizo habitual la imitación “realista” de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín.
PABLO PICASSO: RETRATO DE DANIEL-HENRY KAHNWEILER. 1910. ÓLEO SOBRE LIENZO. 100.4 CM × 72.4 CM. INSTITUTO DE ARTES DE CHICAGO, CHICAGO.
La Transición de cubismo analitico al sintético: Características
"Naturaleza muerta con silla de rejilla" 1912. ▼primer collage creado por Picasso. Naturaleza muerta con silla de rejilla (1912) . Video
3-Cubismo sintético (1913- 1914). Características
Componentes: PABLO PICASSO. -GEORGE BRAQUE. - Pintor que se incorpora en esta fase: JUAN GRIS( se une muy pronto a las inquietudes de Braque y Picasso en la fase Sintética o Cubismo Sintético)..
El cubismo sintético y el papier collé
El collage como paso previo a la escultura cubista :
En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque .
Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule… en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del Collage.
El cubismo sintético opta directamente por aplanar los elementos para romper con toda alusión a la tridimensionalidad. Valora principalmente la ordenación intelectual de las obras, donde predomina el equilibrio compositivo y la estructuración formal de las mismas. El periodo sintético utiliza una paleta más viva y variada. se introdujeron nuevas texturas y patrones en los cuadros haciendo uso del collage con elementos cotidianos como periódicos, partituras o carteles.
Braque integra los conocimientos adquiridos y evoluciona el Cubismo hacia una forma más legible, calificada como “sintética”. La cuadrícula ortogonal de planos sigue presente, pero presenta colores uniformes, densos o trabajados, en algunos casos imitando madera, que evocan los papeles pegados. Picasso y Braque introducen materiales periódicos, puntos, curvas y detalles figurativos en esta etapa.
JUAN GRIS: HOMBRE EN EL CAFÉ. 1914. TÉCNICA MIXTA. ÓLEO SOBRE LIENZO Y COLLAGE CON PAPEL PERIÓDICO. 99.1 × 71.8 CM. MUSEO DE ARTE METROPOLITANO, NUEVA YORK.
el collage:
En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule… en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del Collage.
el collage (sigue)
La idea es bastante audaz porque antes nunca se había incorporado al arte un fragmento de la vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la “introducción de intrusos”.
Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan una revisión total del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista infinitas posibilidades de variación. Con el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino también de añadir y construir. Esta técnica constructiva, hace que se camine lógicamente hacia la escultura y su tridimensionalidad.
El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y después los clavos y la soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a formar parte de un conjunto estético. Los materiales se descontextualizan, se hacen enigmáticos y adquieren características propias.
Muchas veces se ha relacionado el arranque del collage cubista con el Ready-made de Duchamp. El collage se usó como nueva forma de trabajar tanto técnica como estéticamente, y derivó hacia otras técnicas diferentes como el fotocollage. En el cubismo sintético volveremos de nuevo a ver una vuelta al color, abandonando aquellas paletas cromáticas donde predominaban los grises y ocres, para ver composiciones de colores mucho más vivos y llamativos.
Picasso y Braque añadieron periódicos, cartón y otros elementos a sus obras, y esto evolucionó en lo que es hoy en día el collage.
Juan Gris era vecino del taller de Pablo Picasso. Las obras de sus comienzos atestiguan de manera ejemplar del increíble impacto del cubismo sobre los jóvenes artistas de aquella época; son sus creaciones las que darán un nuevo impulso al cubismo del último periodo. Desde 1912, Gris adopta los procedimientos cubistas («Guitarra y flores», MOMA, Nueva York), pero introduce colores definidos y una construcción rigurosa. Las capacidades intelectuales de Gris proporcionan al cubismo una base teórica que hasta entonces nunca había sido formulada. En 1914 utiliza la técnica del collage («Naturaleza muerta», Otterlo, Museo Kröller-Müller) y adhiere al cubismo sintético.
"La guitarra," 1913, Juan Gris, (París, Centro Pompidou). Gris será considerado, después de Picasso y de Braque, como uno de los principales representantes del cubismo. Este cuadro dentro del cuadro sigue la colocación de las rayas verticales y se encuentra cortado o recubierto allí donde se encontraban al origen los bordes derecho e izquierdo del cuadro. Como si fuera un telón abierto, la banda izquierda que delimita el cuadro está cubierta por un triángulo que se abre sobre un espectáculo bucólico donde aparecen una madre y su hijo.
El fin del cubismo y su importancia
El cubismo tuvo una muy corta duración como movimiento, pues desapareció en el año 1914 con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Aún así, la propuesta estética del cubismo penetró el imaginario artístico y se convirtió en fuente de inspiración para artistas y comunicadores visuales.
Influencia del cubismo en el arte contemporáneo.
Lo primero que hay que decir es que el cubismo logró un cambio fundamental en el arte occidental: que se consolida la valoración del arte como una realidad autónoma de todo contenido o tema al que estuviera consagrada.
Si bien el impresionismo había abierto este camino cuando hizo girar la atención del tema hacia los modos de representación, aún la imitación de la naturaleza estaba presente. Los postimpresionistas se acercaban en la medida en que daban curso a su mundo interior, a su particular modo de ver o de sentir.
Los cubistas, en cambio, fueron más lejos al romper totalmente con la dependencia del referente y dieron otra perspectiva a la valoración del concepto. Ese principio de máxima autonomía y máxima libertad, abrió la compuerta de la creatividad y la originalidad en el arte occidental
La difusión del cubismo inspiró la creación de nuevos grupos como:
• Cubismo órfico u orfismo, del francés Robert Delaunay, centrado en la importancia al color y el uso de elementos compositivos creados por el artista.
1- KAZIMIR MALÉVICH: EL MOLINILLO DE CUCHILLO (PRINCIPIO DE GLITTERING). 1913. ÓLEO SOBRE LIENZO. 79.5 X 79.5 CM. GALERÍA DE ARTE UNIVERSITARIO, YALE.
2- MARCEL DUCHAMP: DESNUDO BAJANDO UNA ESCALERA Nº 2. 1912. ÓLEO SOBRE LIENZO. 1,47 M X 90 CM. MUSEO DE ARTE DE FILADELFIA, FILADELFIA.
3-ROBERT DELAUNAY: LA VILLE DE PARIS. 1911. CUBISMO. ÓLEO SOBRE LIENZO. 1722 X 1195 CM. MUSEO DE ARTE TOLEDO, TOLEDO, EE.UU.
4-ROBERT DELAUNAY: HOMENAJE A BLÉRIOT. 1914. ORFISMO. TEMPLE SOBRE LIENZO. 250 × 251 CM. MUSEO DE ARTE DE BASILEA, BASILEA
Actividad Análisis
*Naturaleza muerta con rejilla de silla ( Pablo Ruiz Picasso) 1912.
Naturaleza muerta con silla de rejilla (1912) . Video
Ante el hermetismo que amenazaba el cubismo analítico, Picasso y Braque ven la necesidad de buscar vínculos entre arte y realidad. se comienza a introducir objetos en el cuadro, periódicos, pedazos de metal, telas, papel , cuerdas y otros materiales que pasan a formar parte de la composición, originándose así el "collage". en 1912 formularon el cubismo sintético, que en lugar de descomponer, buscaban sintetizar las formas esenciales del objeto. En dicha evolución fue muy importante la aparición del collage, al integrarse en la pintura fragmentos objetivos de la realidad.
Fue Braque quien ideó la técnica del papier Collé, pero este bodegón de Picasso se considera el primer collage de la historia.
Esta técnica al añadir diferentes materiales al lienzo representa un paso revolucionario y rompe con la tradición a través del collage Picasso recupera el vínculo con la realidad que se había perdido en el cubismo analítico.
En esta época Picasso vuelve al color y a las superficies que dan una sensación de profundidad. La textura es importante ahora para crear diferentes planos y perspectivas. Este cuadro, del cual Picasso no quiso desprenderse nunca, supone una auténtica revolución: en él se pasea de la metáfora de lo real ( la imitación de los materiales con el pincel ) a la introducción del objeto mismo pegado. El lienzo contiene un trozo de tela encerada que imita la rejilla de una silla, pegada al lienzo, mientras que paradójicamente, la propia tela encerada se convierte en una imitación.
PINTORES CUBISTAS
: 📍-PABLO PICASSO. -📍GEORGE BRAQUE , -📍 JUAN GRIS. y ROBERT DELAUNAY......
Pablo Picasso (Málaga, 1881-Mougins, 1973)
Vida, trayectoria
El artista español Pablo Picasso no sólo protagonizó junto con Georges Braque la invención del cubismo, uno de los primeros movimientos de vanguardia, sino que además fue el iniciador de la imagen del artista moderno. Su nombre quedará escrito en los libros de historia como la personalidad artística más relevante del siglo XX.
De 1895 a 1900 residió en Barcelona, estudió en la Llotja y se relacionó con el grupo Els Quatre Gats. Tras un primer viaje a París, se trasladó a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y en 1904 se estableció definitivamente en la capital francesa. A partir de esa fecha, y a pesar de que nunca perdió sus señas de identidad españolas, el país vecino fue su lugar de residencia habitual. Instalado en el mítico Bateau-Lavoir, en pleno barrio de Montmartre, conoció a Guillaume Apollinaire. Sus inicios figurativos de las épocas azul y rosa evolucionaron por influencia de la escultura ibérica presente en el Musée du Louvre y del arte africano del Musée d’Ethnographie du Trocadéro. En 1907, su obra Les Demoiselles d’Avignon (Nueva York, The Museum of Modern Art) abrió el camino a los movimientos de vanguardia.
De su estrecha colaboración con Georges Braque surgió el cubismo, un estilo revolucionario que acabó con el sistema tradicional de representación ilusionista del espacio, cuyas consecuencias han llegado hasta nuestros días. Ambos artistas, partiendo de las enseñanzas de Cézanne, inventaron un nuevo lenguaje basado en la fragmentación y simultaneidad de la representación de la forma, en la reinterpretación de los objetos, con una gran austeridad en el color (cubismo analítico) que fue haciéndose paulatinamente más abstracto (cubismo sintético)..
Con el comienzo de la Primera Guerra Mundial en 1914, Picasso sigue en París en cambio son años de guerra y el cubismo como movimiento artístico se paraliza, pues muchos artistas fueron llamados para que defendiese su nacionalidad y Picasso lo que hizo fue buscar nuevas salidas durante el periodo bélico refugiándose en la decoración de puestas en escenas de ballet, teatro... colaborando para músicos importantes como lo fue Erik Satie.
En la posguerra, Picasso, tras un viaje a Italia, regresó a la figuración y desarrolló un tipo de pintura con figuras monumentales, que se denominó «clásico» y que se correspondía con una tendencia generalizada de vuelta al orden que se manifestó en Europa tras los años de ebullición vanguardista.
Características y aportaciones . Su obra
Artículo de apoyo : Las mujeres de Picasso
(Mujer -Fernande Olivier)
Etapa del-PROTOCUBISMO- (1906 a 1907): esencial para el posterior desarrollo del Cubismo. En este periodo comienzan a aparecer influencias africanas, además de una desvinculación por parte de Picasso de lo establecido en el arte. De esta forma, hay una ruptura con el Realismo y se utilizan planos angulares sin fondo ni perspectiva. En esta etapa encontramos, por ejemplo,
Etapa del EL CUBISMO: (1908 A 1916).
El Cubismo. Ruptura de una visión única
El Cubismo fue la etapa siguiente y la más representativa de Pablo Picasso, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.
El Cubismo fue la etapa siguiente y la más representativa de Pablo Picasso. Abarca desde 1908 hasta 1916. El Cubismo se caracteriza por una ruptura definitiva con la pintura tradicional. Trata formas de la naturaleza a través de diversas formas geométricas. Picasso buscaba una pintura pura, inspirándose en los objetos de su taller des- de una perspectiva intelectual.
Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.
A) CUBISMO ANALíTiCO :*EL RETRATO DE VOLLARD. 1910. Picasso
B) CUBISMO SINTÉTICO * "Naturaleza muerta con silla de rejilla", 1912. Anuncia el final del estilo que conocemos como cubismo analítico y los primeros pasos en la etapa sintética. Además es la primera exploración en serio del artista en el collage.
Época cubista su mujer -Eva Gouel.
Mirar enlace ▲ Trayectoria
Braque fue, junto a Juan Gris y Picasso, uno de los representantes clásicos del cubismo. Antes fue Braque había trabajado como decorador de interiores (pintor de murales) como su padre y abuelo y tenía algún cuadro de estilo impresionsita. Pero, en dicha fecha, llegó a París y entró en contacto con el ambiente pictórico postimpresionista y las vanguardias de comienzo de siglo. y miembro del fauvismo, que lo fascinó por su modernidad, pero fue conocer la pintura de Cezanne, y sobre todo la carismática figura de Pablo Picasso lo que hizo cambiar definitivamente su estilo.
Entre Picasso y Braque consiguieron que el cubismo se asentara como una de las vanguardias más sólidas y evolucionara hacia otros caminos.
A diferencia de Picasso, al que le gustaba representar la figura humana, Braque prefirió las naturalezas muertas para sus pinturas. Pasó por las dos etapas del cubismo, que hoy en día son ya como la biblia para la historia del arte: el cubismo analítico, con la realidad descompuesta en facetas hasta el punto de ser irreconocible e ignorando el cromatismo pues lo interesante era captar los diferentes puntos de vista y la geometrización; y el cubismo sintético, donde introdujo novedades revolucionarias como el empleo del collage o la incorporación de caligrafías y números.
El Collage cubista de Braque incluía recortes de periódicos y revistas, etiquetas de licores, paquetes de cigarrillos, papeles coloreados y todo tipo de objetos encontrados que el pintor fue incorporando al lienzo como un pigmento más. Su amigo Picasso, fascinado por el hallazgo, se permitió imitar y mejorar esta técnica, hasta el punto que muchos lo consideran a él el inventor del collage.
George Braque tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano de 1907 pinta en L’Estaque, lugar donde pintó Cézanne, una serie de paisajes “lineales” que son ya precubistas.
Existen tres fases en su cubismo.
1-En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos.
2-Después pasó por una fase de “cubismo analítico” (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles.
Castillo en la Roche- Gouyon (1909) Vídeo
"El viaducto de L'Estaque (Le Viaduc de l’Estaque)," principios de 1908 Óleo sobre lienzo 72,5 x 59 cm, Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, París.
El rigor geométrico en el análisis de la naturaleza les lleva a anular todo elemento subjetivo en el cuadro.
Por ello, hay momentos en que es casi imposible distinguir un lienzo de Picasso de otro de Braque. Veamos por ejemplo estos dos paisajes que se comparan a continuación. Sólo la pincelada y una evolución hacia un sentido aún más cúbico y plano del segundo grupo de casas, por ser pintado sólo un año más tarde, nos sirve para distinguir las etapas, más que a los artistas.
En el invierno de 1908-1909, los dos amigos siguieron con sus indagaciones pictóricas y desarrollaron el motivo de la naturaleza muerta, retomando una vez más un tema básico de Paul Cezanne. No debe olvidarse que hasta entonces Braque se había ocupado preferentemente de la representación de paisajes y que Picasso se había sentido vinculado a la figura humana.
Pero, es que, como en seguida comprendieron, el método cubista encuentra su expresión más pura en la naturaleza muerta. Braque observó una vez, al describir las diferencias en la pintura de diversos temas, que: "En la naturaleza muerta, el espacio es táctil, incluso manual, mientras que el espacio del paisaje es un espacio visual".
1) El cubismo analítico 1909-1912.
Pablo Picasso y Georges Braque trabajaron a partir de 1909 y hasta 1914, en que se movilizó como soldado a Braque para la Primera Guerra Mundial, en un diálogo creativo, que rompía y reformulaba la representación de los objetos y sus estructuras. Estaban creando y evolucionando a la vez en el cubismo.
A partir de 1909 podemos comprobar que los pintores pasan de los grandes planos geométricos, con los que configuran sus objetos, a descomponerlos en pequeñas facetas o planos cortados vistos desde distintos puntos: por delante, por detrás, por encima, por debajo... Esto es lo que se denomina Cubismo hermético o analítico, una evolución hacia la abstracción sin llegar definitivamente a ella.
Georges Braque. "Piano y mandolina", invierno de 1909–1910. Óleo sobre lienzo, 91,7 x 42,8 cm. Solomon R Guggenheim Museum, Nueva York.
Georges Braque. "Hombre con guitarra". Óleo sobre lienzo, 116.2 x 80.9 cm. Verano de 1911. MOMA, Nueva York. Aquí, Braque empareja una representación realista de un clavo y una cuerda (esquina superior izquierda), con una representación casi indescifrable de un hombre tocando una guitarra en multitud de facetas cristalinas.
Un cuadro parecido de ese mismo año, Le Portugais, marca otro hito interesante en el desarrollo de las pinturas de Braque porque en la esquina superior derecha, aparecen las letras como estarcidas "D BAL" y números. De momento son sólo una adición puramente compositiva. La intención de Braque con la adición de las letras es que el espectador sea consciente de que el lienzo también puede contener elementos externos.
Georges Braque. "Le Portugais," 1911. Óleo sobre lienzo, 116,8 x 81 cm. Kunstmuseum Basel, Basilea, Suiza.
En cuadros posteriores los elementos tipográficos con la técnica del estarcido enriquecerán el sentido y comprensión de las obras.
Georges Braque. "Clarinete y botella" de Ron sobre una repisa de una chimenea, 1911. Óleo sobre lienzo, 93,5 x 72,3 cms. Tate Gallery, Londres. Un clarinete se encuentra en una repisa de la chimenea, junto a él se encuentra una botella que es descifrada al leer las letras "RHU", las tres primeras de la palabra francesa para el ron. La palabra "VALSE" introduce la idea de bailar, lo que refuerza el tema de la música que evoca el clarinete. La voluta de la esquina inferior derecha descubre el soporte de la repisa de la chimenea.
El cubismo sintético y el papier collé, 1912-1914. Dentro de la corriente cubista es Braque el autor que muestra mayor interés en enlazar sus pinturas con la realidad y, por eso, dará un siguiente paso que superará el abismo hacia la abstracción en la que había derivado la aventura analítica y vuelva a realizar cuadros legibles.
2 ) El cubismo sintético y el papier collé, 1912-1914.
Dentro de la corriente cubista es Braque el autor que muestra mayor interés en enlazar sus pinturas con la realidad y, por eso, dará un siguiente paso que superará el abismo hacia la abstracción en la que había derivado la aventura analítica y vuelva a realizar cuadros legibles.
En septiembre de 1912, después de haber pasado el verano pintando con Picasso en la localidad francesa meridional de Sorgues, Braque estaba trabajando en un bodegón con frutero y vaso sobre una mesa, cuando en un paseo por Aviñón descubrió casualmente en el escaparate de un comercio de papeles pintados una muestra que imitaba la madera de roble. En seguida pensó como incorporarlo a su proceso creativo y con ello crear el primer papier collé, literalmente papel pegado. Al que siguieron otros.
Georges Braque. "Frutero y jarrón", septiembre de 1912. Papel y lápiz sobre lienzo. Colección privada.
-el “cubismo sintético”, es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso en esta tendencia del cubismo sintético.
Braque sería llamado a filas en la I Guerra Mundial y en 1915 le hirieron de gravedad. Tres años de parón artístico en los que fue abandonando paulatinamente la geometría, pero continuó con sus naturalezas muertas, acompañadas de algún que otro paisaje. Por mucho que Picasso influyera en él, Cezanne nunca dejó de ser su obsesión y modelo absoluto.
A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar.
El paso de incorporar a los cuadros nuevos materiales y objetos además del papel imitación de madera, lo realiza ya desde octubre Picasso, que ensaya con papel, arena y hule. Uno de sus mejores cuadros," Naturaleza muerta con cuerda de rejilla" (1912), incorpora además una cuerda como marco y el formato oval para romper con las dimensiones geométricas puras Los cuadros realizados según este procedimiento adquirían un carácter material y de objeto que creaba una nueva realidad. Estaba abierto un nuevo camino expresivo.
En la producción posterior a los papeles pegados, Braque integra los conocimientos adquiridos en estos y evoluciona el Cubismo hacia una forma más legible, calificada como “sintética”. La cuadrícula ortogonal de planos sigue presente, pero presenta colores uniformes, densos o trabajados, en algunos casos imitando madera, que evocan los papeles pegados. Picasso y Braque introducen materiales periódicos, puntos, curvas y detalles figurativos en esta etapa.
Georges Braque." Violín - Melodía", 1914. Óleo sobre lienzo, 55.4 x 38.3 cm. Colección privada.
La Primera Guerra Mundial marca un punto de inflexión en la obra de Braque. Como muchos del grupo cubista y de los artistas y escritores de vanguardia, es movilizado en agosto de 1914 y es enviado al frente. El intercambio de información entre los artistas es casi totalmente interrumpido. En 1915 Braque cae herido con graves heridas en la cabeza y sólo tras una larga convalecencia volverá a pintar desde finales de 1916. La guerra también afecta a su entorno: su marchante Kahnweiler, de origen alemán, debe refugiarse en Suiza por lo que, a partir de entonces, su nuevo marchante será Léonce Rosenberg. En 1917 su amigo Picasso comienza su periplo por Europa con los Ballet Rusos y su amistad ya no será la misma. Con su estilo, a menudo brusco, Picasso solía decir: “Llevé a Braque a la estación en 1914 y desde entonces no lo volví a ver.” En realidad los dos artistas no se volvieron a buscar. Se cruzaban casualmente, se saludaban cordialmente, pero su complicidad había muerto.
Dos fotografías de esa amistad y de su relación ante la guerra. Braque en su taller en 1912. Picasso vestido con el uniforme de Braque en el taller en 1911. Parecían dos amigos inseparables.
posteriores fases del artista: "neoclasicismo" y surrealismo. Años 20 y 30.
A partir de 1917, una nueva evolución en su estilo le lleva a colaborar con Juan Gris en la elaboración del cubismo sintético. Desde 1918 comienza a abandonar la rigidez cubista. Su actitud sigue siendo esencialmente cubista, pero explora, además, las posibilidades de las formas llenas y de las curvas y las potencialidades del color.
Georges Braque. "Cafe Bar" 1919. Óleo sobre lienzo, 160 x 81 cm. Kunstmuseum Basel, Basilea, Suiza.
Analizar estas dos obras :
Entre 1932 y 1935, Braque ilustra uno de sus textos predilectos, la Teogonía del poeta griego Hesíodo (siglo VII a.C.). Lo hace para el marchante, editor y gran apasionado del grabado Ambroise Vollard. El relato, dedicado al nacimiento del universo y al origen de los dioses, es considerado como uno de los grandes textos de la mitología griega. Ejecuta una serie de dieciséis aguafuertes, que serán publicadas por Maeght, en 1955: línea negra impresa sobre fondo blanco para los grabados y, en negativo, línea blanca entallada sobre fondo negro para los yesos pintados y grabados que Braque concibe paralelamente.
Los dibujos reflejan la influencia del surrealismo. Braque utiliza un arabesco que remite al dibujo automático de los surrealistas.
Georges Braque. "Teogonía de Hesíodo." Plancha 9, 1932. Papel, 36.8 x 29.8 cm.
Tras la guerra y de una nueva convalecencia por una dura operación, Braque vuelve, con renovado ímpetu, a recuperar el espacio visual cubista y sus juegos de transformaciones geométricas, basadas en la representación a diferentes escalas, con la serie dedicada a los billares. La ausencia de presencia humana en estas obras se mitiga con la representación de las múltiples vistas parciales que un jugador tiene sobre el tapete y por la representación de las fuerzas irracionales que mueven las bolas de billar.
Georges Braque, " La mesa de billar," 1944–52. Óleo, arena y carboncillo sobre lienzo, 181 x 97.8 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York.
Pintor del cubismo sintético Video
Juan Gris (Madrid, 1887-Boulogne-sur-Seine, 1927)
José Victoriano González-Pérez nace en Madrid en 1887. En su adolescencia fue ilustrador de publicaciones
Juan Gris es considerado una de las principales figuras del movimiento cubista. Su importancia radicó tanto en sus obras, en las que predominó el interés por el retrato y el bodegón, como en su aportación teórica. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente con el pintor José Moreno Carbonero, al tiempo que colaboraba con diversas publicaciones periódicas como Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 se trasladó a Francia, donde permanecería el resto de su vida, y se instaló en el Bateau-Lavoir de París. Allí conoció a Pablo Picasso, Georges Braque y a los escritores Guillaume Apollinaire,. Durante esta época, se ganó la vida dibujando para revistas decidió abandonar su verdadero nombre y adoptar el seudónimo de Juan Gris.
En 1906, para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París, donde conoce a Pablo Picasso, Fernand Léger y Georges Braque. Sus primeros intentos como pintor en el cubismo son en el año de 1910, cuando fue dejando gradualmente las labores de ilustración.
Sus primeras muestras cubistas datan de 1911, y en ellas se aprecia la influencia de Cézanne, aunque pronto derivó hacia un estilo geométrico muy colorista, con predominio del azul, el verde y el violeta ácido. En 1912 empleó por primera vez la técnica del collage, franqueando de esta manera la línea divisoria que separa lo real y lo irreal.
Expuso en el Salon des Indépendants de 1912, momento en que su obra era ya plenamente cubista y estaba dotada de esa reflexión intelectual que marcaría toda su pintura. Ese mismo año participó en la exposición de la Section d’Or y comenzó a ser conocido; importantes personalidades dentro del mundo del arte, como Gertrude Stein y Léonce Rosenberg, empezaron a adquirir sus obras. Poco tiempo más tarde firmaría un contrato con el marchante Daniel-Henry Kahnweiler, al que le uniría una estrecha amistad.
+ Juan Gris fue el indiscutible maestro del cubismo sintético, término acuñado por el mismo artista. Con su pintura introdujo el método en la praxis cubista; la perfecta definición de unas premisas de trabajo a las que se mantiene fiel dota de un estilo fuertemente personal a sus obras. En ellas, las formas siguen una estructura clara y regular, el carácter plano del cuadro convive con el sombreado individualizado de algunos objetos, y el color, al que nunca renunció, crea ritmos visuales y armonías de indudable elegancia.
El verano de 1913 lo pasó en Céret, donde empezó a trabajar la técnica del papier collé: recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al cubismo.
En el transcurso de la Primera Guerra Mundial trabajó en París, donde, en 1919, tuvo lugar su primera exposición individual en la Galerie L’Effort Moderne. En 1922, ya con su salud muy debilitada, se instaló a vivir en Boulognesur- Seine donde residió hasta su prematura muerte, en 1927.
Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Serguéi Diághilev, Les Tentations de la bergère y La Colombe. Paralelamente seguía pintando y escribiendo ensayos teóricos como Notes sur ma peinture (1923) y Des possibilités de la peinture (1924).
CARACTERISTICAS PROPIAS:
Gris realiza su proceso compositivo de forma diferente a la mayoría de los creadores. Su "método deductivo" parte de estructuras abstractas que sólo en el último momento se identifican con objetos reales.
Otra de las aportaciones de Gris es la representación del volumen gracias a la utilización de perspectivas isométricas e imágenes que se recortan sobre sus propias impresiones en negativo, con lo que logra unas composiciones de mayor dramatismo que Picasso o Braque.
recreación del volumen y la luz en SUS obra, en la que es fácilmente reconocible su impronta persona
De entre sus muchas telas cabe destacar El desayuno (1915), obra perfectamente representativa de la línea de trabajo del artista. El tema elegido, una naturaleza muerta en la que aparece el periódico Le Journal, responde a la imaginería más característica de este movimiento artístico; sin embargo, Juan Gris anduvo por senderos distintos de los transitados por Picasso o Braque , como puede apreciarse en la recreación del volumen y la luz en esta obra, en la que es fácilmente reconocible su impronta personal.
Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artístico como en lo personal.
Picasso fue evolucionando hacia un arte figurativo de gusto clasicista, en sintonía con la vuelta al orden que emprendieron muchos otros artistas. Mientras, Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave más colorista. En sus últimos años Juan Gris diseñó escenografías para dos montajes de ballet de Diaghilev.
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para saber más:
ROBERT DELAUNAY:
En el Salon des Indépendants de París de 1910, las pinturas en series que presenta Robert Delaunay se centran en tres temas: la ciudad, la torre y la iglesia. Desde 1912 abandona el cubismo, con sus formas geométricas y colores monocromáticos, para embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo, que se centra en las formas circulares y en los colores brillantes. Comienza su pintura del color "puro" en la serie de "Ventanas".1915-1921: EL PERÍODO IBÉRICO
Poética cubista
