2- Escultura  de Vanguardia XX: 

LA ESCULTURA DE POSGUERRA 

1) Constructivismo Abstracto. La vanguardia Soviética. Ruso:

• 📍ºAntoine Pevsner 1888-1962. Ruso. Incorporación del espacio. Constructivismo abstracto. La vanguardia Soviética

               ºNaum Gabo. (1898-1977) . Constructivismo abstracto. La vanguardia Soviética. Antoine Pevsner y Naum Gabo ( hermanos).

2) Escultura Biomórfica y humanista.

Recordar:  del Dadá- biomórfico de la mano de Jean Arp (1887-1996).

• 📍ºHenry Moore 1898-1998.  Inglés. Deformación. Escultura Biomórfica y humanista.

1)📍 Antoine Pevsner 1888/1962 

 algunas  de sus Obras: video

obra

Su finalidad principal es esculpir el espacio, el vacío, no solo con las formas sino también con materiales diversos, translúcidos y opacos, con simplicidad en  las líneas.

• "Construcción en el espacio", 1923  metal y cristal - h 64 cm - París, Museé National d' Art Moderne - Es una obra del primer estilo de Pevsner. Obsérvese la dominante de líneas rectas y de ángulos agudos. Sin embargo, algunas curvas y el movimiento general de la obra preanuncian su futuro desarrollo. Bastaría para demostrar la intención de que la ciencia florezca en la poesía.

• "Proyección en el espacio," 1924 - bronce oxidado . Una de las esculturas más complejas de Pevsner, es representativa de una búsqueda - de una tentación, se podría decir - que se manifiesta varias veces en distintas obras comprendidas entre 1936 y 1924. A continuación volverá a formas más simples.

• "Fuente". Plástico coloreado.1925.  Pevsner. Escultura abstracta. Constructivismo ruso.  Tal vez esta sea el ejemplo más característico de una serie de obras en plástico que Pevsner realizó en sus comienzos. Sirviéndose únicamente de plástico. Une las hojas con tal conocimiento que logra una elegancia y pureza de formas que justifican ampliamente el título.

• "Construcción con superficie desarrollable".1938. Pevsner. Constructivismo

• "El mundo". Pevsner.  1947. Constructivismo. Mundo es una escultura de bronce oxidado soldado que Antoine Pevsner realiza en 1947. El espacio y el tiempo son las únicas formas en las que se edifica la vida, luego, las únicas formas en que debería edificarse el arte. 

• "Construcción Dinámica", 1947 - bronce - París, Musée National d'Art Moderne - La impresión que se tiene ante esta escultura es la de una poderosa energía en estado latente, pero que de un momento a otro puede liberarse con violencia. Esta tensión es el elemento estructural que domina la composición.

• "Columna de la paz".  1954. Pevsner. Abstracción.Después de la devastación y destrucción de siete años de combate y opresión, los europeos esperaban intensamente una paz duradera mientras reconstruían sus vidas y sus países. Columna de la paz fue concebida como una maqueta para un gran monumento que nunca se completó. La escultura consta de diagonales que se cruzan y se elevan hacia arriba. Para los espectadores familiarizados con los significados utópicos originales que subyacen al arte abstracto, el mensaje es de esperanza para el progreso. Cuando Pevsner concibió su Columna de la paz, este lenguaje abstracto era ampliamente entendido en el mundo del arte.

 Comentario de  la obra : “El dinamismo en 30 grados”  1950-1951

 : “El dinamismo en 30 grados”  1950-1951 es una obra del artista ruso Antoine Pevsner ubicada frente a la torre de enfriamiento del Aula Magna.

Esta escultura es citada por algunos expertos como un ejemplo de cómo Pevsner usó las matemáticas como inspiración para sus obras escultóricas: esta obra parte de una “superficie desarrollable”, es decir, una superficie que se inicia con una línea recta y puede ser extendida sobre un plano sin ser roto ni deformado. 

Así, Pevsner le dio volumen a una superficie plana, creando además una escultura con estrías y juegos de luces que dan la sensación de movimiento.

Esta no es la única copia de esta obra que existe en el mundo. Pevsner la diseñó hacia 1950-1951 y desde entonces se hicieron varias copias. Además de la que está ubicada en el campus de la UCV, hay otras copias en prestigiosos museos como el Centro Pompidou de París y el Nasher Sculpture Center de Dallas, Texas. 

Manifiesto Realista 1920

El Manifiesto Realista, publicado el 5 de marzo de 1920 por Naum Gabo y Antoine Pevsner, es un texto en el que se explican las ideas del constructivismo.

 el Manifiesto realista, emplea por primera vez la palabra “constructivismo” para designar este movimiento. 

•  Este manifiesto defiende  "la estética por la estética " y defiende la libertad de creación.

•  Antoine Pevsner Llega a Europa en 1921 y 1922.  Kandinsky, Malevich, Gabo y Pevsner que defienden lo subjetivo en la obra de arte (y se vuelca al Suprematismo). 

• Moholy-Nagy será quien lo introduzca en la Bauhaus y en su obra teórica y práctica de los años treinta, pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura

+utiliza formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo, trazando las líneas fundamentales de lo que se conocería como constructivismo.

+ Al amparo de estas teorías realizó varias obras, con partes dotadas de movimiento, a las que denominó esculturas cinéticas. Ambos fueron dos figuras fundamentales en la formación del futuro arte cinético y los precursores del arte analítico español.

Este movimiento ha sido relacionado con el cubismo. También el arte constructivista presentaba relaciones simples de formas geométricas, a las cuales pueden ser reducidas todas las formas naturales, según el enunciado del pintor Paul Cézanne de que, en la naturaleza, todo se aproxima a la esfera, al cono o al cilindro.

-LA ESCULTURA DE POSGUERRA:

Escultura contemporánea Leer

LA ESCULTURA VANGUARDISTA DEL XX

2) Escultura Biomórfica y humanista.

📍HENRY MOORE 1898/1986

🎯.APUNTES : Henry-Moore.  * Henry Moore. Escultura  Abstracta Biomórfica y humanista:

Información  Trayectoria  y  obras o por página Web.

 -Henry Moore obra Video

1-A. Pevsner y H. Moore.  Lee  los Análisis de 2 obras, similitudes y diferencias.

2-A. Pevsner y H. Moore.  Lee  los Análisis de 2 obras, similitudes y diferencias.

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 * Henry Moore. Escultura  Abstracta Biomórfica y humanista:

* El inglés Henry Moore. Influido por todas las vanguardias, su obra alcanza madurez a partir de 1935. Su humanismo se concreta en una serie de temas recurrentes: grupo familiar, la maternidad, el guerrero herido, personas echadas. 

* La figura es tratada como si fuera arquitectura, adquiere un aire monumental, incluso cuando es de pequeño tamaño. Su arte se mueve entre la abstracción, la figuración y la semi-figuración. Es un artista original, difícilmente encajable, aislado de cualquier escuela. Una de las obras más conocidas de Moore, junto con La familia, es la Figura Reclinada, donde se observa una evolución hacia formas cada vez más abstractas. Las deformaciones de los miembros y la potencia sugestiva de los espacios vacíos que separan las figuras anticipa los huecos o espacios internos de la escultura posterior.

* Su obra ha ejercido una fuerte influencia sobre la escultura figurativa contemporánea.

Los temas de H.Moore se definen  en figuras femeninas reclinadas, grupos de madre e hijo y las más abstractas formas encajadas, representan abstracciones de la figura humana. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas.

 H. Moore en lo esencial es un escultor biomórfico. La Abstracción Biomórfica" recurre a formas biológicas, es decir a formas inspiradas en la naturaleza biológica.

• "Figura femenina reclinada" sobre una superficie horizontal con un gran vacío sobre su pecho. Conserva cierta figuración, pero es una representación sobre todo esquemática. Cabeza pequeña en relación al cuerpo, sin facciones , sin aristas i redondeada. Los agujeros, las aberturas y vacíos son una constante en su  producción. Predomina la línea curva, en forma redondeada sus vacíos transmiten tranquilidad ligado al reposo como su horizontalidad. horizontalidad rota por sus piernas i cabeza. El peso de los volúmenes se reparte de forma equilibrada pero no simétrica. Sus agujeros en el centro, hace que la obra se cierre sobre ella misma. La luz incide de manera diferente en cada parte, sombreando zonas ocultas y marcando los redondeos o curvaturas de las formas. Destacan partes de anatomía femenina y carga simbólica pero plasmada esquemáticamente.

Henry Moore es un claro ejemplo de búsqueda de nuevos materiales y formas del siglo XX. Renueva la sensibilidad Plástica otorgando al vacío y al agujero valor  de la materia que le rodea.

Henry Moore y los escultores de principios del siglo XX buscaban maneras diferentes de representar propia subjetividad sin reproducir necesariamente la realidad, así como el uso de nuevos materiales.

La expresión se impone a la copia fiel del modelo, llegando a obras sin ninguna referencia con la realidad , Moore  buscaba expresar de una manera más sincera y auténtica aquello que la escultura primitiva representaba, recuperar su función mágica y religiosa, cargada de simbolismo. El arte primitivo le va a atraer desde el principio.

"La Madre" como refugio de las miserias del mundo y como lugar de paz, concepto que utiliza muchas veces, en diferentes materiales, como madera, piedra, metal. Va crear un tipo de  figura reconocible, parecida al Chac- mool de Chichén- itzà, al Yucatán, México. Moore cambia el guerrero maya por una mujer que simboliza la fertilidad. Con la figura inclinada inicia su etapa de madurez.

En sus figuras reclinadas utiliza formas rotundas, infladas onduladas, con agujeros y perforaciones redondas que reflejan formas naturales.

Sus temas preferidos eran Madres con hijos, grupos guerreros, i sobre todo figuras reclinadas. Estas figuras pueden ir del realismo hasta la abstracción.

Su obra  sugiere al espectador una relación de  las líneas curvas y las fuerzas primigenias de la naturaleza y las formas del cuerpo de la mujer.

Promovió una ideología de “sinceridad con los materiales”. Su preocupación no era la perfección de las formas humanas, sino más bien atrapar la energía intrínseca de la materia y crear una conexión fluida entre la forma y el espacio.

Dice "La primera que hice fue en 1924 y desde entonces, probablemente, más de la mitad de mis esculturas han sido figuras reclinadas” "El artista se sintió atraído hacia este tema sobre todo por su estabilidad inherente. Una figura reclinada podía encontrar su equilibrio sobre cualquier superficie. Además, reconoció el potencial expresivo de la figura femenina reclinada.

 -"El secreto del agujero es la fascinación enigmática de las cuevas, las colinas y los acantilados". Las asociaciones con estos paisajes aparecen en el cuerpo femenino, la mujer se impone como imagen de madre- Tierra, como símbolo de protección ante el mundo amenazado por la racionalidad y la agresividad masculina.-     H.Moore.

vida resumida▼

• Moore era el séptimo de ocho hijos nacidos en un pequeño pueblo minero, en Yorkshire.

•  Trabajó por un breve período como maestro suplente antes de enrolarse en el ejército a la edad de 18 años. Durante la guerra, Moore participó en la batalla de Cambrai, en la que sufrió un ataque con gas mostaza que puso fin a su carrera militar. 

• Después de su convalecencia, le fue otorgado, en su carácter de veterano, un subsidio para asistir a la Escuela de Arte de Leeds. Gracias a una beca, al segundo año dejó Leeds para asistir al Royal College of Arts, en Londres. Fue profesor del Royal College entre 1925 y 1932 y fue allí donde conoció a Irina Radetsky, estudiante de pintura, con quién se casó en 1929.

•  A partir de la década de 1930 las figuras reclinadas y la maternidad serán los dos temas predilectos de Henry Moore; después se sumarán a éstos pequeñas cabezas y grupos de familia. Siguió experimentando y en su obra cultivó dos corrientes opuestas: la abstracción y el surrealismo. 

• En 1933 comenzó a tomar parte en diversas actividades de los surrealistas y así se convirtió en uno de los fundadores del grupo surrealista de Inglaterra. Entre 1932 y 1939, además, fue profesor de la Escuela de Artes de Chelsea. Entre las obras de esta época son destacables  *Composition (1931), * Head and ball (Cabeza y pelota, 1934); *Bird and egg (Pájaro y huevo, 1934) o *Mother and child (Madre e hijo, 1936), etc. * La pieza Head and ball , por ejemplo, refleja una estrecha relación con los movimientos surrealista y constructivista.

Características  propias , transiciones en su obra

Henry Moore nace en el oeste de Inglaterra en  Castleford (Yorkshire), el 30 de julio de 1898. 

• 1- el artista siguió un aprendizaje académico, influido por varios artistas renacentistas y góticos tales como Miguel Ángel, Giotto y Giovanni Pisano.

Participó en la primera Guerra Mundial en la cual sufrió serias lesiones a la edad de 19 años en 1917, se envenenó con los gases tras un ataque en Bélgica y fue enviado de vuelta a Inglaterra para su recuperación.

• 2- en los años 20 Obtiene una beca y concluye sus estudios de arte en Londres.  le hace viajar a París, Roma y España. 

Sus primeros trabajos, realizados en la década de 1920, muestran influencias de:

1. - arte precolombino que ejercería una influencia decisiva en la obra del escultor británico.

2. - de la pintura de Masaccio y de Miguel Ángel

3. - de las formas aerodinámicas  y primitivas de Constantin Brancusi y cubistas de Picasso.

4. Se interesó por  por la cultura tolteca-maya, en concreto por la escultura azteca :" Chac Mool " 

" Chac Mool " fue fuente de inspiración para mujeres reclinadas de Henry Moore. 

La inexpresiva, Chac Mool no revelan ninguna emoción. 

 Henry Moore, quizás porque sintió el horror de la guerra en sus carnes , empatiza con La inexpresiva, Chac Mool. Moore  borra de sus esculturas  sus emociones, mientras otros escultores  expresan dolor y horror sobre la guerra.

Durante esta época creó una colección de figuras femeninas reclinadas. En esta época realizó toda clase de experimentos que iban desde un modelado redondeado o geométrico hasta casi tocar la abstracción. En la década de 1920 destacan Maternity (Maternidad, 1924) y Mother and Child (Madre e hijo, 1924-25).

Con todas estas vivencias enseguida buscó un lenguaje propio , volvió su mirada hacia las formas primitivas  en (Picasso, Derain, Brancusi...) y a las esculturas arcaicas -sumerias, egipcias, precolombinas, africanas y oceánicas- tendrán una influencia directa  en el trabajo de Moore, creando su estilo personal que inicia en 1922 una de sus series más célebres: 

* Madre e hijo.

También recuerda monumentos funerarios de los etruscos que el artista conoció en su viaje a Roma. Asimismo,  -la idea de mujer reclinada-, 

 Fue profesor del Royal College entre 1925 y 1932 y fue allí donde conoció a Irina Radetsky, estudiante de pintura, con quién se casó en 1929.

• Sus Temas: Figuras reclinadas y maternidades

3 -A partir de la década de 1930 las figuras reclinadas y la maternidad serán los dos temas predilectos de Henry Moore; después se sumarán a éstos pequeñas cabezas y grupos de familia. 

 Siguió experimentando y en su obra cultivó dos corrientes opuestas: la abstracción y el surrealismo.

+Durante esta década la obra de Picasso y de los artistas abstractos contemporáneos ejercieron una fuerte influencia tanto en los dibujos como en las esculturas de Moore, muchas de sus obras de este periodo están muy próximas a la abstracción, son, algunas de ellas, piezas redondeadas talladas en madera con numerosos cortes y huecos, a menudo cubiertos por velos de fino alambre metálico. No obstante, la principal y más permanente influencia la recibió Moore del mundo de la naturaleza.

Entre las obras de esta época son destacables Composition (1931), Head and ball (Cabeza y pelota, 1934); Bird and egg (Pájaro y huevo, 1934) o Mother and child (Madre e hijo, 1936), etc. La pieza Head and ball (en la siguiente imagen), por ejemplo, refleja una estrecha relación con los movimientos surrealista y constructivista.

• La importancia del vacío en su obra.

En 1934 viaja a España para visitar Altamira, Madrid, Toledo y Barcelona.

En 1934 Moore comienza a horadar los materiales. Su obra alcanza madurez a partir de 1935. 

 Entre 1937 y 1939, inició un nuevo tema basado en construcciones geométricas o de volúmenes redondeados, con cuerdas o hilos que recorren los espacios. El uso de la cuerda o el hilo tenía como objetivo mejorar la visibilidad interior de las estructuras, más orgánicas y antropomórficas, como es el caso de Bird basket (Cesta de pájaros, 1939).

• A partir de 1940,  Las  los agujeros o vacíos y las masas tendrán la misma importancia en las obras de Moore, en la búsqueda de la complementariedad de la forma y el espacio. 

• * Tras la 2GM, el holocausto y la era de la bomba influyeron en  su sentimiento y su arte volvió a regresar a sus orígenes preculturales y pre racionales. Comenzó a producir modelos, maquetas, moldeando la figura en arcilla o yeso, antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de la cera perdida o en arena.

• 4- Durante los años 1950 Moore empezó a recibir más encargos, cuando esculpió grupos familiares. . 

En 1951 se presenta su primera retrospectiva en la Tate Gallery, Recycling Figure. Encargo de una * figura reclinada para el edificio de la Unesco París 1957.

"La escultura es un arte para mostrarlo al aire libre. Necesita la luz del día, los rayos del sol; para mí, su mejor escenario y completo es la naturaleza" H . Moore.

• 5- En 1977 se establece la Fundación Henry Moore en Perry Green, la casa restaurada del artista, cerca de Londres, lugar donde el artista morirá el 21 de agosto de 1986▼

Escultura al aire libre que muestra el interés de Moore por la figuración humana vinculada al medio natural lo que da como resultado una escala monumental en estas esculturas.

+ La obra del escultor británico Henry Moore 1898-1986 * Gran figura en un refugio  1985. Quedó ubicada junto al conjunto escultórico de Eduardo Chillida  * En la casa de nuestro padre, 1987. A pocos metros de la Casa de Juntas de Gernika, en Vizcaya. El ministro de Cultura, Jorge Semprún, firmaron ayer la opción de compra de la obra, propiedad de la Fundación Henry Moore, que será la primera escultura pública del artista británico existente en España.

 La escultura costará 600 millones de pesetas, que serán aportados a partes iguales por los departamentos de Cultura del Gobierno central y Vasco. Tiene una altura superior a los siete metros y pesa unos 20.000 kilogramos. Para su traslado a la localidad vizcaína de Gernika, previsto en el segundo trimestre de 1990. ( a unos 30 kilómetros de Bilbao).

 Análisis de: "Madre e hijo", 1983 ▲

Composición:

Composición definida por perfiles curvos y ondulados con los que se consigue un ritmo cerrado, envolvente, sensual, que da a sus maternidades una sensación de protección.

Actualmente la armadura es una cáscara exterior que, como la concha de un caracol está ahí para proteger las formas más vulnerables de su interior; como si fuera una armadura para humanos, que se coloca para proteger el cuerpo suave. Esto me ha llevado a veces a la idea de la Madre y el Niño que en su forma externa, la madre, le da protección a la forma interior, el niño, como una madre protege a su hijo.”  HENRY MOORE.

Técnica:

Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo, pero, a finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena.

Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, como una madre con su hijo o figuras reclinadas.​ La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.

Analizar- Comparar  y Recordar: 

+ A. Pevsner. Constructivismo abstracto.  y   H.Moore La Abstracción Biomórfica"

Análisis comparativo con :

 Rodin -Moore. Recuerda y relacionarlos   con-- Benlliure. Apoyate en los enlaces▼

AMPLIAR materia . Voluntario.. 3) La Escultura : invención se formas expresivas: 

Alberto Giacometti 

Fernando Botero

Alexander Calder: movimiento

Barbara Hepworth 

Fernando Botero

 Alexander Calder: movimiento

Alexander Calder Alexander Calder (22 de julio de 1898, Lawnton, Pensilvania - 11 de noviembre de 1976, Nueva York) fue un escultor estadounidense.

Los principios abstractos y geométricos del neoplasticismo fueron recogidos por Alexander Calder, cuyas primeras construcciones abstractas de cobre y el uso de colores puros primarios en sus móviles muestran la herencia de Mondrian. 

Barbara Hepworth