El IMPRESIONISMO como grupo de artistas, surgen a raíz de grupos de “rechazados” ( recordar que el Salón oficial donde se exponía, los rechaza, pero Napoleón III, abre un salón paralelo , para todos aquellos que no fueron aceptados, llamado el salón de los RECHAZADOS.
Los Impresionistas como grupo se cohesionan en estos salones de rechazados y se organizan sus propios salones, con el fin, de que sus obras pudieran ser expuestas ante el público directamente, sin pasar por el gusto del Salón oficial, desde el 1874.
Recordando a Constable, pintor romántico Inglés con sus paisajes, pintor de estudios de "Nubes" y comienzan a anotar hora y fecha de las condiciones climatológicas. Constable será un referente clave para ESCUELA DE BARBIZON *
El Impresionismo nace, pues, como una evolución del Realismo y de la Escuela paisajística francesa ESCUELA DE BARBIZON de finales del siglo XIX.
Le influye el contexto: el ARTE ORIENTA, influencia del JAPONISMO, LA FOTOGRAFÍA , MANET.
Se corresponde con una transformación social y filosófica; por un lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo. La burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres; unos afectan al campo, que deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de ocio: las excursiones campestres. Es el mundo retratado por Monet y Renoir.
La ciudad, por el contrario, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen los flâneurs paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en los boulevards y los jardines de París. También cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias. Es un mundo fascinante, del cual los impresionistas extraen sus temas: en especial Degas o Toulouse-Lautrec. Porque para ellos se han terminado los temas grandiosos del pasado.
En la época influye -el positivismo- segunda mitad del XIX, un criterio científico que que considera que el único conocimiento válido es el que se considera a través de los sentidos y la percepción. Según esto, cualquier objeto natural, visible, afectado por la luz y el color, es susceptible de ser representado artísticamente. El cuadro impresionista se vuelca pues en los paisajes, las regatas, las reuniones domingueras, etc.
Los impresionistas se agruparon en torno a la figura de Manet, el rechazado de los Salones oficiales y promotor del Salon des Refusés. Ante el nuevo léxico que proponen, de pincelada descompuesta en colores primarios que han de recomponerse en la retina del espectador, el público reacciona en contra, incapaz de "leer" correctamente el nuevo lenguaje.
el Impresionismo cuenta con el apoyo de dos fuerzas sociales emergentes:
* la crítica de arte, que se encargará de encauzar el gusto del público; y
*los marchands (marchantes), los vendedores de arte, que colocan sus cuadros en las mejores colecciones del país.
*Las tertulias, los Salones extraoficiales y el propio escándalo se convirtieron en vehículos propagandísticos del nuevo estilo.
y aportaciones de los Impresionistas.
Lo fundamental es lo que el artista percibe ópticamente frente a lo que está mirando.
Sus Temas La captación de la Atmósfera.
Artistas Franceses.
VISIÓN PARTICULAR Y Lo que el artista va a intentar plasmar en su obra es su visión particular y subjetiva y no lo que las cosas son, librándose así de los prejuicios conceptuales y del retoricismo oficialmente impuesto.
TRABAJO AL AIRE LIBRE. + pintan «au plein air»», al aire libre. Así niegan las convenciones deformantes del estudio cerrado, porque es ante la naturaleza donde se puede captar su propia.
Procuran acabar el cuadro en el lugar mismo y lo más rápidamente posible, ya que la naturaleza es cambiante y se trata de hacer prevalecer la receptividad de lo inmediato. Son los aspectos más fugaces, más efímeros, los que atraen al pintor, las nubes, el humo, todo lo que es elemento fluido y reflejo.
DESCUBRIMIENTO DEL VALOR DE LA LUZ, que se convierte en el auténtico tema del La luz es color, movimiento, variación, lo que da vida a las cosas, que no son sino experiencias cambiantes según la incidencia que en ellas produce la luminosidad (ver cuadros de la Catedral de Rouen pintada a distintas horas del día, de Monet)
El LENGUAJE FORMAL RADICA EN LA FRAGMENTACIÓN DE LA PINCELADA mediante toques sueltos, cortos y vigorosos, de colores puros, de vibraciones coloreadas y lumínicas.
ELIMINAN EL DIBUJO-CONTORNO, y en su lugar, el color se explaya con absoluta.
Se YUXTAPONEN LOS COLORES PUROS y es el ojo del espectador el que recompone el cromatismo final que el pintor ha querido dar.
La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación.
EXCLUYEN DE LA PALETA EL NEGRO (porque afirman que en la naturaleza no existe)
Comienzan a utilizar UNA NUEVA CONCEPCIÓN DEL ESPACIO, atacando los principios básicos del sistema de representación Comienza, con ello, la reivindicación del carácter bidimensional el cuadro, através de manchas coloreadas, proceso que llevarán los artistas del siglo XX hasta sus últimas consecuencias.
La pintura pasa a ocuparse de la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo
Las leyes del color formuladas por Chevreul sobre LOS COLORES COMPLEMENTARIOS Y EL CONTRASTE SIMULTÁNEO (1839), ofrecen un resultado fundamental para la pintura: que los colores no son realidades inmutables e independientes, sino que están sujetos a la percepción visual y a la incidencia de la luz sobre el objeto.
LA FOTOGRAFÍA ejerce una influencia considerable en el Realismo y afecta profundamente al IMPRESIONISMO, DÁNDOLE UNA DOBLE APORTACIÓN: LA INSTANTANEIDAD EN LA CAPTACIÓN DEL ENCUADRE DE LA OBRA y la CREACIÓN DE UN ESPACIO
INFLUENCIA DE LAS ESTAMPAS JAPONESAS. En la Exposición Universal de 1867 Japón tenía su propio pabellón, donde expuso sus estampas japonesas (Ukiyo-e). Estas estampas influenciaron a los franceses en cuanto a temática (escenas de calle, paisajes, vida cotidiana) y especialmente en el tratamiento formal: la importancia de la luz, ausencia del claroscuro y de la perspectiva, sencillez y economía de medios,, transparencias y captación de los efectos cambiantes de la naturaleza.
LA PROTAGONISTA DEL CUADRO ES LA LUZ, que actúa sobre los objetos marcando sus La naturaleza será el motivo preferido por los impresionistas, y dentro de ella, los aspectos más efímeros.
La observación rigurosa de la realidad y de la incidencia de la luz solar sobre el motivo; los cambios que la a iluminación natural origina en éste a lo largo del día o o con diferentes climas, es una obsesión del pintor impresionista.
La falta de nitidez. los impresionistas prefirieron los “defectos” de borrosidad de la imagen para significar mejor su particular concepción de “instantaneidad”.
Superposición de manchas, desmaterialización del las formas.
La visión de la ciudad que tienen los impresionistas es siempre positiva. Suelen mostrar las actividades sociales de la burguesía capitalista, sus momentos de ocio, sus fiestas y bailes.
La ciudad, y más concretamente la ciudad de París, se convirtió en objeto de deseo y tema de interés artístico por sí mismo. En palabras del poeta y crítico Charles Baudelaire: «La vida parisiense es fecunda en temas poéticos y maravillosos. Lo maravilloso nos envuelve y nos abreva como la atmósfera; pero no lo vemos». Pues bien, los impresionistas sí vieron las maravillas de la ciudad moderna y la plasmaron compulsivamente en sus cuadros, aunque lo hicieron con una mirada y una estética bien diferente de la que ofrecía la pintura tradicional.
Se regodean en los bulevares y los edificios modernos, en los efectos de la luz artificial, en los vehículos en movimiento, en la gente transitando por las calles, en los detalles del mobiliario urbano, etc. Las transformaciones urbanas impulsadas por el Barón Haussmann abrieron nuevas perspectivas y crearon nuevos edificios y monumentos que transformaron radicalmente París y ofrecieron inusuales puntos de vista para los artistas.
Los aspectos que más lo atraen son aquellos vibrátiles y movedizos de la naturaleza: el agua, el humo, el follaje, los reflejos, la nieve, el correr del tiempo reflejado en los objetos. Nada más demostrativo de esta preocupación por lo cambiante y fugaz de la realidad que las series de Monet en que un mismo motivo es pintado a distintas horas, con diferentes estados del tiempo; las más famosas son las de los Nenúfares y la de la fachada de la Catedral de Rouen.
Con el Impresionismo comienza el Arte de Vanguardia, que se desarrollará plenamente en la primera mitad del siglo XX.
TÉCNICAS
+ Se utiliza el óleo sobre lienzo, principalmente, aunque también el pastel sobre papel.
• Nuevos temas: los impresionistas descubren que no existe el tema insignificante sino cuadros bien o mal resueltos. Hacen una recuperación de lo banal que favorece la atención a los problemas formales. Hay una marcada preferencia por los paisajes tanto rurales como urbanos; interesa la captación de lo fugaz- el agua, el humo, aire...-. Son paisajes reales, no compuestos, donde aparecen elementos considerados feos como el ferrocarril, las estaciones,... También hay escenas intrascendentes, de ocio - bailes, tabernas-. Se renuncia los temas "importantes", con mensaje; son la negación del tema.
• Nueva valoración de la luz. El color no existe, ni tampoco la forma; solo es real para el pintor la relación aire-luz. De este modo, la luz es el verdadero tema del cuadro y por esto repiten el mismo motivo a distintas horas del día. La calidad y la cantidad de luz (no la línea o el color) es la que nos ofrece una u otra configuración visual del objeto. Esto les obliga a pintar al aire libre y a emplear una factura rápida capaz de captar algo tan cambiante. Los cuadros son muy luminosos y claros.
• El color está directamente relacionado con la luz. Utiliza colores claros, vivos y puros que se aplican de forma yuxtapuesta para que la mezcla se produzca en la retina: es lo que se llama mezcla óptica. Con este recurso se gana viveza cromática. Las sombras dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coloreados con las tonalidades complementarias, ya que el color se hace más vigoroso acercándolo a su complementario (ej. el rojo y el verde se potencian mutuamente). El negro desaparece por considerar que no existe en la naturaleza por esto el sombreado no se realiza a la manera tradicional coloreando las sombras.
• Pincelada suelta, corta y rápida. Para traducir mejor las vibraciones de la atmósfera rehúyen cualquier retoque de las pinceladas y prefieren la mancha pastosa y gruesa. La línea desaparece y son la pincelada y el color los valores dominantes.
• El modelado al modo tradicional tridimensional, con gradaciones de color y luz, no existe y con el tiempo se acabará disolviendo las formas y volúmenes en impactos luminosos y cromáticos.
• Pintura al aire libre. Esta proyección hacia los lugares abiertos viene impuesta por la temática pero más todavía por el deseo de " limpiar de barro" los colores, de verlos y reproducirlos puros, y de hallar un correctivo a la composición demasiado mecánica, de pose, del estudio.
• Nueva valoración del espacio ilusorio. No hay interés por el espacio que finja profundidad, desaparece la concepción tradicional del cuadro como escaparate o ventana. Se pretende que sea algo vivo, un trozo de naturaleza, por lo que se huye de la perspectiva y la composición tradicional.
En muchos cuadros lo llamativo es el encuadre que corta figuras y objetos como el objetivo de una cámara fotográfica.
Componentes Pintores impresionistas
📍Claude MONET, 1840/1926. ( El cuadro con el que Monet rompió el arte y el mercado)
Pintoras impresionistas
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Oscar-Claude Monet (1840-1926). El más poético de los pintores impresionistas, tiene una concepción fluida de la naturaleza. Uno de los primeros objetivos de Monet es fijar la inmediatez de la sensación visual. Para ello escoge los motivos acuáticos, destacando los efectos de la luz sobre el agua..
características propias Manet
Importancia de la textura, la luz y las pinceladas. Se trata de captar el cambio dinámico del paisaje en función de la perspectiva y la luz.
Dramático contraste tonal que elimina los tonos intermedios.
Las pinturas de Monet se distinguen en que no utilizó el método tradicional del claroscuro, que crea un efecto tridimensional con la sombra y la luz. En vez de ello utilizó bloques ininterrumpidos de color en formas inesperadas para crear paisajes vibrantes pero planos. Para él y otros impresionistas, el color no era intrínseco a un objeto, sino que dependía de la calidad de la luz arrojada sobre él. Monet también evitó las líneas para delimitar las formas en su pintura, utilizando en cambio, puntos y manchas de color para indicarlas.
Interés por plasmar la atmósfera vibrante de la naturaleza de la manera más real posible. Paisajes urbanos y de campo y en los últimos años de su vida centrado en jardines.
La obra de Monet se centra principalmente en escenas de la naturaleza. Incluso en sus primeros trabajos donde aparecían formas humanas, el mundo natural recibe tanta atención como estas. Sus pinturas más famosas, como sus series de pajares y lirios de agua, son exclusivamente representaciones de la naturaleza. Monet también tuvo un interés durante toda su vida por el agua, la cual pintó en todas sus formas, desde ríos turbulentos hasta la plácida superficie de su propio estanque de lirios.
Repetición de imágenes. Famosas son sus series. Recordar a Contable, pintor romántico Inglés con sus paisajes, pinta estudios de "Nubes" y comienza a anotar hora y fecha de las condiciones climatológicas. Monet emplea el mismo motivo en diversos cuadros pero trataba de variar cada obra haciendo uso de distintos colores tonalidades o técnicas. Monet es conocido por sus pinturas repetidas de un mismo objeto en diferentes momentos del día, reflejando los cambios en el color y la luz. Una de sus series más conocidas es la de pajares en un campo, pintados a lo largo de un día y de varios días con diferentes calidades de luz. Monet pintó igualmente series :
"la Catedral de Rouen." Hacia el final de su vida, se dedicó por completo a la pintura de su propio estanque de lirios durante todo el año.
Nació en 1840 en París, pero la mayor parte de su infancia y adolescencia transcurrió en Le Havre. Su vocación artística comenzó cultivando la caricatura, realizando numerosas caricaturas de los habitantes de Le Havre.
Influenciado por Delacroix, Corot va a París . Regresa a Le Havre y prosigue con su actividad como pintor.
Conoce a Sisley y Renoir, pintores franceses con los que más tarde formará el grupo impresionista.
1871, Monet se traslada a Argenteuil ( 11 km al noroeste de París, en la margen derecha del Sena.) con su mujer , donde pasará una de las temporadas más felices de su vida. Pintaba a menudo en las aguas del río Sena, sobre un bote que había convertido en una especie de taller flotante. Se interesaba por representar los efectos de la luz y el color en los paisajes. Regata en Argenteuil 1872.
Renoir, Sisley, Pissarro, Cézanne, Degas, y Morisot junto con Monet decidieron organizar una exposición privada fuera de la influencia del Salón Oficial..
Recordando a Manet como padre del Impresionismo
En 1874 celebraron su primera exposición colectiva en la Sala del fotógrafo Nadar. -----Monet envió a la muestra " Impresión. Sol naciente" 1872 : obra por la que el crítico Leroy los denominó de forma peyorativa impresionistas. +El cuadro de Monet : " *Impresión: sol naciente, sirve de pretexto para que un crítico irónicamente bautice a este grupo con el nombre de impresionistas.
La obra presenta una escena de un amanecer neblinoso en el puerto de El Havre, ciudad de la costa normanda, (La ciudad está circundada por el litoral al oeste, el estuario del Sena al sur, y la costa al norte), donde Monet pasó su infancia y adolescencia. Destacan las gruesa pincelada descriptivas que crean un sutil ambiente brumoso, obra por la que el crítico Leroy los denominó de forma peyorativa impresionistas. La observación del mundo cambiante y el estudio de la atmósfera en continuo movimiento lo lleva a representar un momento concreto, la salida del sol y el reflejo de los rayos sobre las tranquilas aguas del mar. En las composiciones de este periodo, Monet aplica el color con pinceladas cortas y vigorosas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad y la inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza.
El objetivo de Monet era plasmar esa sensación indefinida provocada por la neblina y los colores del amanecer, evocar el paso del tiempo, la belleza fugaz de un momento.
le interesa la atmósfera que rodea al paisaje, la luz y el aire que varía continuamente. El verdadero protagonista del cuadro son los efectos de la luz. Emplea colores puros y luminosos, Los colores se aplican con pinceladas rápidas y sueltas, Realiza la pintura al aire libre. Los temas fundamentales son los paisajes ( rurales y urbanos), aunque su auténtico tema es mostrar los cambios que provoca en las cosas ( colores) la diferente iluminación.: la luz que llega casi a desmaterializar las formas. ellas el modelo no es más que un pretexto, las formas pierden su contorno para convertirse en manchas de color que CASI CONDUCEN A LA ABSTRACCIÓN. El aspecto abocetado del cuadro estaba a años luz de los paisajes clásicos que podían verse en el Salón de París.
La estación de Saint-Lazare.1876
Turner 1839. *" Lluvia, vapor y velocidad".
La estación de Saint-Lazare.1876 -Busca captar la atmósfera de la estación de ferrocarril, en París, que parece cobrar materialidad con el espeso vapor y el humo acumulados apenas se dejan vera los personajes, ni a los elementos arquitectónicos .
La estación Saint-Lazare” (1877, óleo sobre lienzo, 75 x 104 cm, Museo d’Orsay, París) : Monet acababa de dejar Argenteuil para instalarse en París. Tras varios años pintando en el campo, se interesa en los paisajes urbanos.
los trenes carecían del más mínimo interés artístico. Es más, estos cuadros se consideraban muchas veces como una provocación. El hecho de plasmar un motivo determinado en un lienzo y luego exponerlo al público, eleva, en cierto modo, la categoría del elemento representado, obligando a los espectadores a contemplarlo como una obra de arte.
Interesado por la incidencia de la luz en la estación parisina, el efecto del vapor, y la muchedumbre, Monet se dirigió hacia el director del ferrocarril, y solicitó permiso para retrasar la salida de uno de los trenes. Una vez que contó con la autorización, situó su caballete bajo la marquesina, y contempló el funcionamiento de las fascinantes máquinas.
El pintor busca en la luz, el color y el movimiento, la esencia intrínseca de la arquitectura. Por medio de una pincelada suelta, es capaz de reproducir la impresión de un tren que está a punto de partir. Arremolinadas bajo la marquesina, las volutas de humo azules y blancas se alargan en capas que invaden el espacio, y otorgan a la estación una sensación irreal, pero mágica, en su atmósfera.
👁+Recordar y relacionar con -* LLuvia , vapor y velocidad. 1844. Óleo. Turner.
Su carrera fue impulsada por su marchante Paul Durand-Ruel, pero su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados del 1890 en el que Monet desarrolló el concepto de las series:, en las que repetía un motivo varias veces pero con distinta iluminación. " La Catedral de Rouen" (serie de pinturas 1892-94). 31 pinturas del tema, con el mismo ángulo.
-Desarrolló el concepto de las -*«series»," La Catedral de Rouen" (serie de pinturas 1892-94), en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación es pintado repetidas veces con distinta iluminación.
Nenúfares y reflejo de nubes VÍdeo:
El jardín del artista en Giverny, lo cultiva de 1893 a -1923.
En 1890 Monet compró la residencia de Giverny y comienza a proyectar un estanque en su gran jardín. En el jardín de Monet en Giverny el estanque tiene un puente de estilo japonés y en el agua proliferan los nenúfares, que serán el tema predominante de su pintura prácticamente hasta su muerte en 1926.
Es perfectamente reconocible la doble función del agua como soporte para las nubes reflejadas y para los nenúfares flotando sobre ella. La ausencia de una línea del horizonte concede un protagonismo total a la obsesión de Monet por el estanque de su jardín..
El mismo trabajará en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó con motivo de sus pinturas. -*Casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas. * "Nenúfares", 1916-1923.
Nenúfares blancos, Monet los cultivó en el jardín acuático que acondicionó en 1893 en su propiedad. A partir de los años 1910 y hasta la muerte del pintor en 1926. El jardín y su estanque en particular se convirtió en su única fuente de inspiración. Dijo: "He reanudado con cosas imposibles de lograr: agua con hierbas que ondulan en el fondo. Excepto la pintura y la jardinería, no sirvo para nada. Mi más bella obra maestra es mi jardín."
Evacuando el horizonte y el cielo, Monet concentra el punto de vista en una pequeña zona del estanque, percibida como una parte de la naturaleza, casi en plano de cerca. Ningún punto detiene la atención más que otro, y la impresión dominante es aquella de una superficie , nenúfares, agua, reflejos . El formato cuadrado intensifica esta neutralidad de la composición. Esta ausencia de punto de referencia proporciona al fragmento las calidades del infinito, de lo ilimitado.
Jamás la pincelada del pintor ha sido tan libre en su gestualidad, tan alejada de la descripción de las formas. Si miramos el lienzo de cerca, tenemos la impresión de una total abstracción, tanto los trazos de pintura depositada por la brocha superan la identificación de las plantas o de sus reflejos. El espectador debe realizar un esfuerzo óptico y cerebral constante para reconstituir el paisaje evocado.
El inacabado de los bordes dejados sin pintar, acentúa esta insistencia sobre la pintura como superficie cubierta de colores, de lo que se recordarán después de la Segunda Guerra mundial los pintores, en particular americanos, llamados "paisajistas abstractos" o de la "abstracción lírica".
La Capilla Sixtina del Impresionismo, Musée de l'Orangerie
En el Musée de l'Orangerie se encuentra la Obra Maestra de Claude Monet: les Nymphéas o "Las Ninfas", nombre científico de los Nenúfares.
André Masson ( pintor surrealista) en 1952 la llamó "La Capilla Sixtina del Impresionismo" debido a su majestuosidad. Vídeo.
Monet se construyó un jardín en Giverny y decidió cultivar en él exóticos nenúfares importados del Japón. Estos nenúfares adquirirán reconocida fama al ser los protagonistas de los últimos cuadros de Monet quien había planeado revestir una habitación circular una estancia circular de 360º con una serie de estas plantas. A pesar de las cataratas que dificultaban su visión. Monet realizó una de las obras más espectaculares que en conjunto recibe la denominación de Capilla Sixtina del Impresionismo. La disposición de los nenúfares en el agua y los reflejos de los sauces son los únicos motivos interesantes para el artista, en un proceso de desaparición de la forma que es eliminada casi por completo. Las pinceladas son cada vez más sueltas, trabajando con manchas de tonalidades oscuras que se animan con los colores de las ninfeas.
Este proceso de desaparición formal tendrá su reacción en las imágenes de Cézanne primero y más tarde con el cubismo.
El Museo de la Orangerie se sitúa al final del Jardín de las Tullerías, al otro extremo del Museo del Louvre y muy cerca de la Plaza de La Concordia, famosa por ser el triste destino final de los condenados a muerte en la Revolución Francesa. Los conceptos de guillotina y Orangerie no pueden estar más alejados.
+ El proyecto actual se debe a un diseño del pintor impresionista Claude Monet al ser el emplazamiento ideal para mostrar los lienzos que le regaló en 1918 a la república francesa con motivo del final de la Primera Guerra Mundial y con la firma definitiva de la PAZ. Por entonces el artista vivía en su jardín idílico de Giverny (el conjunto de casa y jardines son visitables.
Con la firma definitiva de la paz Monet obsequió a Clemenceau, como presidente de la república francesa, con ocho magníficas composiciones murales, un total de 22 paneles de dos metros de altura que se montarán in situ, en dos salas gemelas. El lugar, en opinión del artista, no podría ser más adecuado al estar bañado por la luz natural y ser ambas salas de planta elíptica, un espacio que obligaría al espectador a situarse en el centro y rodearse de las obras de arte.
+Monet nunca llegaría a ver su proyecto en la inauguración de 1927, al fallecer un año antes.
Poco después la Orangerie caía en la ruina y el abandono. Es más, durante la Segunda Guerra Mundial un obús cayó sobre el tejado sin explosionar, dejando intactas las obras de arte.
+ El paso del tiempo desvirtuó el proyecto original que hoy día luce como hubiera ideado Monet tras una intensa restauración.
Hoy el espectador parece sumergirse en el centro de un lago, dejándose llevar por la luz del ocaso reflejado sobre la superficie ondulada del agua en calma. Los nenúfares son testigos mudos del hechizo, así como las ramas de los árboles de ribera. Los colores se funden y se dispersan en miles de tonalidades en esta Capilla Sixtina del Impresionismo.
Monet y la Capilla Sixtina del Impresionismo no sólo cambiaron la percepción de los parisinos hacia el arte, sino, además, su percepción de la vida. A partir de la obra de Monet, el arte dejó de ser un refugio para convertirse en un símbolo de esperanza.
El puente japonés: El camino que parte del primer plano es una invitación a entrar en el cuadro para acceder al puente después de la elegante curva. La iluminación de la escena combina magistralmente la luz del fondo con la sombra del camino en el primer plano. Las sombras del camino están realizadas a base de pinceladas de un intenso color rosado que contrasta con el verde de la vegetación y hace vibrar todo el conjunto.
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Características:
Una pintura íntima, que refleja un carácter discreto y tranquilo, recorre los escenarios que vivió a través de sus pinturas.
Aporta un ideal de sencillez y naturalidad que se vincula a la sensibilidad moderna'.
Sisley es un artista de paisaje, que se identifica con los lugares concretos y las composiciones, como los cielos y las figuras. Son los paisajes de los pueblos donde vivió y parece que invita al espectador a viajar a ellos, como si fuera una visita guiada.
la composición de sus cuadros, Sisley comienza con la descripción de una escena a partir de la línea del horizonte y sigue trabajando hacia adelante, hasta llegar al borde superior e inferior del lienzo.
Sisley tiene un compromiso emocional con la naturaleza e hizo poesía con la vida moderna'.
De todos los impresionistas, Alfred Sisley fue quien más pintó al aire libre (plein air). Fue siempre impresionista. Siempre tratando de captar con pinceladas rápidas los efectos de la luz y las diferentes condiciones atmosféricas sobre el paisaje, tema del que nunca se apartó. Su evolución se dio en el color, tendiendo con el paso del tiempo hacia una paleta suave, delicada, sin estridencias.
Por haber sido siempre impresionista, pintando paisajes al aire libre (donde el estilo se experimenta a pleno) Sisley es considerado un “impresionista puro” (comparable con Monet, en el sentido que éste fue también impresionista hasta el último día).
*nota : Recordar a Contable, pintor romántico Inglés con sus paisajes, pinta estudios de "Nubes" y comienza a anotar hora y fecha de las condiciones climatológicas.
Vida ,trayectoria y obras
Alfred Sisley (París 1839 - Moret-sur-Loing 1899):
Su connotación intimista y poética.
El pintor impresionista Alfred Sisley, nació el 30 de octubre de 1839 en París, aunque era hijo de padres ingleses. El padre tenía un próspero negocio de comercio y envió a Alfred a los 18 años a Londres para estudiar economía y continuar así con el negocio familiar. Durante su estancia, Sisley mostró un gran interés por el arte y conoció las obras de John Constable, Richard Bonnington y William Turner.
Su padre supo ver el talento del hijo y le apoyó para que iniciase su aprendizaje artístico. En 1862 regresó a París e ingresó en el taller de dibujo y de pintura de Gleyre, donde conoció a Claude Monet y Pierre Auguste Renoir. Después, abandonaron el taller y fueron a las afueras de París para pintar al aire libre. El objetivo era conseguir una representación espontánea y directa, centrándose en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.
Sisley se dedicó en especial al paisaje, que será su temática preferida. Estudió en repetidas ocasiones el mismo paisaje con condiciones climatológicas diversas, intentando captar los efectos atmosféricos.
En 1870, durante la guerra Franco-Prusiana, Sisley, al igual que Monet y Pissarro, emigró a Londres. Tras la guerra, su familia quedó arruinada y desde entonces, la vida del artista se caracterizará por la penuria económica. Se trasladó a vivir a Marly y Louveciennes, en las inmediaciones de París, interesándose por los paisajes parisinos.
El periodo comprendido entre 1872 y 1880 es el más destacado de su producción. Sus pinturas reproducen las luces en diferentes momentos del día, el cielo, la nieve, la niebla y los reflejos y transparencias del agua.
Participó en la primera exposición de los impresionistas celebrada en 1874 y lo continuó haciendo en 1876, 1877 y 1882. Nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas, pero ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los impresionistas más puros.
Alfred Sisley.Pintor paisajista francés considerado como uno de los fundadores del impresionismo, fue alumno de la Escuela de Bellas Artes de París, donde trabó amistad con Renoir y Monet. Este último, ejerció gran influencia sobre su obra. En 1863 Sisley abandonó este taller y pintó numerosos paisajes del bosque de Fontainebleau, que recuerdan los de los pintores de Barbizon. Las obras de esta época son escasas, ya que practicó la pintura por pura afición, puesto que su familia sufragaba ampliamente sus necesidades.
Fue admitido en el primer Salón al que se presentó, en 1866. No obstante, su forma de vida quedaría truncada en años posteriores. La guerra franco-prusiana de 1870 arruinó por completo a su familia, enviándolo a una pobreza de la ya no saldría, ya que fue rechazado en los Salones de pintura posteriores, y tan solo el galerista Durand-Ruel compraría algunas de sus pinturas.
En 1874 tuvo lugar la primera exposición de los impresionistas, y Sisley participó, junto con Monet, Pisarro, Degas, Renoir...en la fundación de la Sociedad anónima de los pintores, escultores y grabadores.
En 1879, acudió al Salón oficial con la esperanza de salir de la miseria, en la que no obtuvo el éxito esperado. Esta serie de fracasos impulsaron al artista a permanecer aislado en Moret, limitándose a enviar regularmente sus obras al Salón de la Sociedad nacional de bellas artes.
Posteriormente se propagó el interés hacia su obra, la cual alcanzó un éxito extraordinario.
SISLEY, Alfred_La inundación en Port-Marly, 1876_(CTB.1974.25)
*La inundación en Port Marly (1876). Óleo sobre lienzo 60 x 81 cm. Paris, Musée d´Orsay.
* Inundaciones causadas por el río Sena en la localidad de Port-Marly. Alfred Sisley (1839-1899) fue por encima de todo un paisajista. De menor ambición que Monet, y menos inquieto que Pissarro.
Sisley se sintió desde el principio atraído por el paisaje fluvial, tanto por el río en si mismo, especialmente por los reflejos en la superficie del agua, como por la medio humano en sus alrededores. Sisley pintó varios lienzos representando la crecida del Sena en Port-Marly, pero las dos composiciones más destacadas son aquellas que recogen la inundación ante la tienda de un comerciante de vinos de la Rue de Paris.
* Su connotación intimista y poética.
* Es de destacar que varios pintores, como Claude Monet, ya habían representado pictóricamente grandes inundaciones, pero Sisley introduce la novedad de recrear estas inundaciones afectando a lugares habitados. La línea del horizonte, inusualmente baja, hace recordar a las vistas de Venecia pintadas por Joseph Turner, que Sisley tuvo oportunidad de ver durante un viaje a Londres.
* Curiosamente, las distintas vistas pitadas por Sisley tienen una composición similar: la arquitectura presente en la parte izquierda del lienzo divide el cuadro en dos partes: la inundación afectando al medio humano y construido -a la izquierda- y al medio natural y vegetal, a la derecha del mismo.
* Aquí Sisley no añade a la composición ningún tinte trágico o catastrofista. No observamos ni edificios derruidos, ni árboles caídos, ni puentes arrastrados por la fuerza de las aguas.
* Incluso, el aspecto del cielo, lejos de ser amenazante, resulta esperanzador, con grandes claros azules abriéndose paso entre las nubes. Los personajes que montan las barcas que surcan las aguas recuerdan más a plácidos gondoleros venecianos que a asustados vecinos intentando salvar sus objetos personales de la fuerza de las aguas.
Esta pintura Sisley retrata una nevada. Transmite la sensación de quietud y serenidad que dejan las fuertes nevadas en los paisajes rurales empleando una paleta de tonos grises para el cielo y de blancos para la nieve.
A Sisley le gustaba pintar escenas de nieve porque le permitía estudiar las ligeras variaciones de la luz y experimentar con diferentes tonos de color y sombras. Al agregar pequeños toques de color al lienzo, por ejemplo, la tierra parece irradiar reflejos azulados o rosados en lugar de simplemente blancos. Sin duda, pinturas de esta calidad llevaron al distinguido historiador del arte. Kenneth Clark describir a Sisley como uno de los pocos artistas capaces de crear "un momento perfecto de impresionismo".
Meandro en el río Loing. Verano, (1896)
Meandro en el río Loing. Verano estudia las orillas del río Loing.
En primer plano aparece el meandro, con una vegetación poco densa y una figura humana, mientras que en la zona más alejada se concentra la zona boscosa.
Las tonalidades generales de estas últimas obras ejecutadas en la ribera del río Loing ponen de manifiesto una nueva fase en las investigaciones de Sisley sobre la relación entre la luz del cielo y su plasmación en color, que al mismo tiempo describe unas determinadas propiedades físicas de un paisaje y transmite una carga poética o emocional generada por la reacción personal del artista ante el mismo.
Pero lo que resulta de este conjunto es una gran impresión de frescura y una evidente alegría de pintar, sin segundas intenciones.
El lienzo es un estudio del paisaje rural. Se observa en la parte izquierda un camino y a la derecha, un trigal segado, un caballo, una carreta y los almiares. La escena reproduce una jornada de trabajo bajo el sol de mediodía. En primer plano se encuentra una campesina con el rastrillo en la mano, descansando en la sombra de los árboles.
ver el brillante paisaje acuático Canal St Martin (1870); El Canal está bañado por un sol abrasador que, a juzgar por las sombras, está casi en su apogeo. Pero una fuerte brisa agita el agua y mantiene bajas las temperaturas, mientras que en lo alto, las nubes cruzan el cielo azul. La relativa falta de hojas en los árboles y también en el suelo sugiere que la escena probablemente se desarrolla a principios de la primavera.
Sisley captura el momento usando una paleta plateada de azules y grises, espesando la pintura para resaltar el agua. Seguramente habría esbozado un esbozo de la composición de antemano, y tal vez podría haber terminado los edificios sombreados en el estudio, pero la frescura de la luz y sus reflejos indican que el resto de la imagen se habría hecho espontáneamente al aire libre. plein air
el paisaje de verano Chemin de la Machine Louveciennes (1873)
----Pissarro: se le considera uno de los padres del impresionismo de mayor edad que sus compañeros. Tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul Gauguin.
Su estilo en esta época era bastante tradicional. Se le asocia con la Escuela de Barbizon, aunque pasado algún tiempo evolucionó hacia el impresionismo.
Se le considera, junto con Monet y Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros.
Vida
Camille Pissarro 1830 - París, 1903)
Nacido en 1830 la isla antillana de Santo Tomás en el seno de una adinerada familia de origen judío, el pintor francés Camille Pissarro pronto se trasladó a estudiar a París, donde, en contra de la voluntad paterna, tomó la firme decisión de dedicarse a la pintura. Tras regresar unos años a su ciudad natal para trabajar en los negocios de su familia y después de residir dos años en Venezuela pintando junto al pintor danés Fritz Melbye, volvió a París en 1855.
En la capital francesa entró en la Académie Suisse, visitó la Exposition Universelle donde le impresionaron las obras de Camille Corot y Eugène Delacroix y en 1859, año en que conoció a Claude Monet, Auguste Renoir y Alfred Sisley, participó por primera vez en el Salón de otoño en París.
Durante la década de 1860 siguió presentando sus obras en los sucesivos Salones, pero los rígidos principios de éstos pronto chocaron con sus ideas políticas anarquistas y, a partir de 1870, dejó de participar en exposiciones oficiales. Su pintura estuvo estilísticamente siempre dentro del impresionismo, salvo un corto periodo de experimentación con la técnica neoimpresionista, bajo la influencia de Georges Seurat, a mediados de la década de 1880. Pissarro creía firmemente en la idea de la cooperativa de artistas y desempeñó un activo papel en la organización de las actividades del grupo impresionista parisiense, fomentando la participación de artistas como Paul Cézanne y Paul Gauguin y siendo el único cuyas obras estuvieron presentes en las ocho exposiciones impresionistas, celebradas entre 1874 y 1886.
Pissarro vivió casi toda su vida fuera de París y fue básicamente un pintor de paisajes o de escenas rurales, y uno de los primeros en practicar con convicción la pintura al aire libre. Al final de su vida, tuvo que trasladarse a la ciudad a causa de su creciente pérdida de visión. Fue entonces cuando comenzó a pintar acomodado en una ventana, captando la actividad cambiante de las calles de ciudades como Ruán y París.
Los idílicos y armoniosos paisajes rurales dieron paso a una serie de vistas urbanas en las que, el implacable observador que era Pissarro, dejó inmortalizada la vida de la ciudad moderna. Murió en París 1903.
Al volver a Francia después de su estancia en Londres participó plenamente en las exposiciones del grupo impresionista, del que fue cofundador. Además, fue el único junto con Berthe Morisot que participó en las ocho exposiciones del grupo entre 1874 y 1886.
Durante la Guerra Franco-prusiana, a principios de los años 1870, volvió a residir en Inglaterra, donde estudió el arte inglés y en especial los paisajes del pintor británico Joseph Mallord William Turner. En los años 1880 experimentó con el puntillismo y produjo escenas rurales de ríos y paisajes, así como escenas callejeras de París
Castaños en Osny : En esta obra, Pisarro presenta a unos campesinos realizando las tareas agrícolas. La escena queda enmarcada por castaños a ambos lados. La sensación de profundidad se consigue a través de la iluminación. Predominan los tonos cálidos y la pincelada rápida.
Diligencia a Louveciennes
Representa una diligencia que se dirige a Louveciennes. El momento elegido es una tormenta, en concreto, el instante posterior a la lluvia. Las figuras que aparecen llevan un paraguas para protegerse del agua. Los tonos utilizados son oscuros y la pincelada es rápida y empastada
En esta obra la línea desaparecen en favor del color. Son colores muy vivos, rojo para los tejados, azul para el cielo y verdes en la hierba.
En esta obra, Pisarro sigue la técnica divisionista aplicando el color en pequeños toques de pincel yuxtapuestos, con lo que consigue gran luminosidad.
* Bulevar Montmatre" 1897: Es una serie de 3 cuadros ▼
La serie del bulevar de Montmartre, de París, es un ejemplo de sus escenas urbanas. Representa la misma vista del bulevar bajo distintas condiciones de iluminación y atmosféricas.
En Boulevard Montmartre en la tarde, elige los últimos rayos del sol de la mañana, atardecer, noche, . Mientras algunos de los edificios están en sombra, otros permanecen iluminados, jugando así con los contrastes lumínicos. El boulevard aparece lleno de transeúntes y carruajes, creando un efecto de movimiento urbano.
Completa la serie, con *"la mañana invernal", *"la mañana grisácea" o el *"Efecto nocturno".1897
" La mañana invernal " 1897 La versión del museo del Hermitage muestra la calle en un día de otoño, con los árboles medio desnudos de hojas y la luz del sol filtrada por las nubes, lo cual provoca sutiles diferencias lumínicas entre los edificios, dependiendo de su orientación. Por el boulevard circulan numerosos carruajes en ambos sentidos y en las aceras se entretienen los paseantes mirando los escaparates de las tiendas y los cafés. Tanto los coches como los personajes son simples manchas que se superponen una al lado de la otra para sugerir, más que representar, las figuras, que sólo podemos reconstruir desde la distancia. La conexión con la realidad es aún fácilmente identificable aunque la técnica pictórica parece minimizarla, anticipando lo que luego harán las vanguardias.
Esta otra, Mañana grisácea" es el mismo espacio urbano en una de esas mañanas frías y grises del invierno. El cielo cae plomizo sobre la ciudad y la luz se apaga tornándose verde y ocre. Los brillos grisáceos del pavimento permiten intuir que ha llovido hace poco, mientras que la escasa presencia humana transmite una sensación desapacible. Pero sobre esta impresión general destacan algunos colores cálidos: los puntos naranjas de las hojas de los árboles, algunos detalles rojizos de las tiendas y los efectos rosáceos del cielo. Para Pissarro, al igual que para otros impresionistas, lo importante en ambos casos es el conjunto de sensaciones y efectos perceptivos que la luz provoca sobre los objetos. Por eso las sombras no son siempre negras o grises, como se pintaban en la pintura tradicional, sino que se construyen con otro cualquier color que resulte complementario.
Vemos en Boulevard Montmartre de noche * "Efecto nocturno"1897
No es una copia fiel de la realidad, es una impresión del paisaje. No hay ninguna forma que necesite ser resaltada por sobre otra, no hay jerarquías. Los trazos de la pintura varían en cada campo de color. Se alargan, acortan y cambian de dirección en diferentes partes de la obra. Mientras que desde arriba, las pinceladas del cielo son uniformes y se van aclarando de forma sutil hacia el punto de fuga; las pinceladas de abajo a la derecha entremezclan diferentes colores ente si de forma más desordenada. Estas diferentes texturas hacen que la obra sea dinámica y espontanea.
Las formas del paisaje no son explícitas: Pissarro utiliza el color para sugerir la forma, y es ahí donde el artista permite que el espectador dialogue con la pintura. Los trazos nos hacen percibir un paisaje tranquilo y apacible, donde las luces artificiales de la calle se reflejan en las calles mojadas por la lluvia. A la izquierda intuimos un restaurante, mientras a la derecha podemos ver escaparates de negocios en la planta baja de los edificios y, arriba de ellos, probablemente se encuentren departamentos residenciales, que a la noche permanecen a oscuras.
Esta obra es especial porque no pretende retratar un lugar, sino expresar una sensación atmosférica
🕶.Ampliación, saber más:
----- otro Pintor Impresionista :-Degas
--- otro Pintor Impresionista :-Auguste Renoir (1841-1919):
*"Baile en el campo"1883
* "El almuerzo de remeros" 1881
Degas. *Bailarina basculando.1877
Auguste Renoir *"Baile en el campo"1883
📍 Berthe Morisot (1841- 1895).
📍 Mary Cassatt (1844 – 1926)
CONTEXTO social.
En París, mientras el Impresionismo estaba en su apogeo, dos pintoras alcanzaron la excelencia artística. Se trata de Berthe Morisot, Mary Cassatt. Teniendo en cuenta los prejuicios a que estaban sometidas las mujeres en el siglo XIX, se puede entender la fuerza de convicción que había que desplegar para poder ocupar un lugar dentro del grupo impresionista y ser aceptadas por la crítica.
En el contexto social hay que tener en cuenta que en 1869 Paris abrió el teatro a las mujeres en una función dominical a la hora de la matinée, con lo que se les permitió -manteniendo su honor a resguardo- compartir con los hombres un lugar público que era de dominio masculino, introduciéndose en este ámbito y poder mirarse mutuamente en público.
Mary Cassatt vivía en París cuando se permitió el ingreso de las mujeres en el teatro, casi diez años después se atrevió a hacer su primera obra relativa al tema. En la época en que comenzó a pintar estos espacios públicos femeninos, conocía la obra de Degas y al igual que éste utilizó el espacio del teatro como ejercicio para trabajar los distintos ángulos de visión, la profundidad, las escalas, etc.
En el Lodge. (En el palco) 1878 obra de Mary Cassatt (1878-1880), fue realizada en el año 1866, con unas dimensiones de 134.4 x 97.6 cm. Actualmente se encuentra en National Gallery of Art, Washington DC _ Estados Unidos."
Como mujeres, no podían ser admitidas en la Escuela de Bellas Artes, que las aceptaron sólo a partir de 1897. Lo que las obligaba a situar casi todos sus cuadros en el ámbito doméstico, ellas pintaba el mundo que las rodeaban.
En el Lodge. (En el palco) 1878 obra de Mary Cassatt (1878-1880),
"En el baile", 1875, Berthe Morisot (Bourges, 1841- París 1895)
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Su técnica se caracteriza fundamentalmente por grandes pinceladas diseminadas en todas direcciones, lo que otorga a su pintura aspectos transparentes. Es la pintora del blanco. Utiliza una pincelada suelta, libre, amplia. Tiene obras en óleo y acuarela.
Berthe Morisot representa escenas intimistas, pinta un mundo femenino sereno, atemporal, en el que presta a las escenas infantiles una mirada tierna. Sin embargo, compartió también el gusto de sus amigos por los paisajes, las escenas de playas y las vistas urbanas.
+Morisot nos introduce de lleno en su propia intimidad, en la delicada exploración de la femineidad. Tanto es así, que el escritor Paul Valéry afirmaba que su pintura podría considerarse «el diario de una mujer expresado a través del color y el dibujo».
Su vida será la búsqueda constante del equilibrio entre su amor por formar una familia y su pasión por hacer del arte su carrera. Con más de 400 obras, expuso en el Salón oficial de Paris, estuvo en la mayoría de las muestras de la Sociedad Anónima de Artistas.
Mantuvo una relación de profunda amistad y profesionalidad con el pintor estudiado, EDUARD MANET, en su última etapa, más impresionista.
La pintora del blanco. Vídeo.🔴 link 👈🏿
Vida. y Características, Técnica.
Berthe Morisot Fue la única junto con Pissarro que participó en las ocho exposiciones del grupo entre 1874 y 1886.
Nacida en una acomodada familia burguesa que fomenta desde pequeña sus inquietudes artísticas, Berthe Morisot (Bourges, 1841 – París, 1895) dedicó su vida a la pintura en una época en la cual los roles femeninos estaban socialmente muy acotados al ámbito doméstico. Morisot rompió con los estereotipos y se convirtió en la primera mujer en acceder al círculo de los impresionistas (al que luego se unirían otras pintoras como Mary Cassatt, Marie Bracquemond o Eva González).
Su primera participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes.
Participa en la primera exposición impresionista con: "*La cuna" en 1874.
“En el baile”de 1875.▲ En este retrato Morisot muestra a una joven de mirada tímida y perdida, melancólica, sosteniendo un abanico que la aísla por un momento de las obligaciones sociales, ofreciendo un espacio de introspección.
Permanecerá unida al grupo durante todo el periodo. A partir de 1880, la influencia de Renoir se refleja en su obra. La frescura luminosa de su paleta, la factura libre y vigorosa, así como, la atmósfera poética de sus lienzos, son reconocidas y admiradas.
Sus pinceladas son muy gestuales y libres. Logra composiciones con gran libertad.
Trata los temas con libertad ,no hay ni principio ni final, sostenida por la pincelada, muy libre.
En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares.
Ante las dificultades que tenía una mujer para estudiar en la Academia, Morisot tuvo que comenzar a educarse artísticamente como copista en el Louvre y pintando paisajes del natural como discípula de Camille Corot. Pero fue la pintura de Édouard Manet, para quien Morisot posó en varias ocasiones, la que inspiró a la pintora para terminar de desarrollar toda su potencialidad plástica. Morisot se casa con el hermano menor de Manet y acercada por Manet, al círculo de los impresionistas (del que Manet siempre confesó no sentirse parte).
* Las obras de este periodo, destacan por el uso de unos colores suaves y una pincelada muy suelta, larga, vibrante y nerviosa, como en el sorprendente y posiblemente inacabado “Retrato de Louise Riesener”de 1881, donde apreciamos unos trazos abocetados, rápidos y expresivos que delimitan la figura del fondo vacío.
Fue ella, la que atrajo a Manet al mundo de los impresionistas al final para sus salidas a pintar a plein air ( aire libre), aunque este, nunca se consideró Impresionista (de hecho nunca expuso en el grupo de estos). Desde entonces Manet y Morisot mantuvieron una estrecha relación artística durante el resto de sus vidas, que aumentó tras el matrimonio de Berthe con Eugène Manet.
En la producción artística de Morisot abundan los retratos de mujeres y niñas, en parte debido a su condición de mujer que le impedía acceder a los ambientes masculinos, también porque como afirma Paul Valery, la obra de Morisot es un diario visual, y las muchachas que representa son casi siempre amigas y familiares.
Pero lo que más nos llama la atención es que las mujeres en los cuadros de Morisot no son simples modelos ni motivos estéticos (como ocurre con algunos de sus compañeros impresionistas para quienes una mujer no es diferente a un paisaje), sino que las mujeres de Morisot parecen denunciar su rol social representando (casi irónicamente) el papel que les han encomendado; son el estereotipo de la perfecta hija o esposa que limita su vida al ocio más trivial como jugar a la pelota, ir a la playa, visitar parques y jardines, o practicar actividades musicales.
Quizás sea nuestra visión contemporánea, o que no podamos ignorar que la artista es mujer, pero el caso es que las mujeres de las pinturas de Morisot nos transmiten cierta tristeza. La mirada melancólica que veíamos en “En el baile”de 1875. se repite en otros retratos como en el de “Bois de Boulogne” de 1893, cuya mirada contemplativa se torna casi aburrida, posando resignada de pie, ignorando deliberadamente las provocaciones de un perro juguetón.
Tan sugerentes son estas miradas introspectivas como aún más lo son los retratos que directamente carecen de rostro.
Nos llegan a plantearnos si es posible que Morisot se adelantara a las pensadoras feministas que vendrían después y reflexionara con estas obras acerca de la identidad femenina. Con esta lectura, las dos obras de mujeres ante el espejo “Psique” de 1876 y otro cuadro Frente a la psique 1890. Dos mujeres que se preparan con arreglo a los cánones de la moda mirándose en un espejo llamado psique (alma) que no les permite ver su verdadero rostro, su individualidad, su auténtica identidad.
Su técnica y características
La técnica de Berthe Morisot es una técnica pictórica muy comprometida, sus cuadros son habitualmente de muy pocos colores, y generalmente en la gama de los blancos, y en esa difícil gama se defiende y obtiene unos resultados insuperables.
La frescura luminosa de su paleta, la factura libre y vigorosa, así como, la atmósfera poética de sus lienzos, son reconocidas y admiradas.
La influencia de Manet y Renoir es muy llamativa y se traduce en una pincelada suelta y muy suave, con toques atrevidos y delicados, una atmósfera luminosa y etérea y una gran frescura en el tratamiento de los colores.
En 1890 y 1891 los Manet-Morisot pasaron una temporada en una casa de campo con vistas al Sena al noroeste de París. A este periodo corresponden las escenas rurales recogidas en la exposición, escenas en las que pintó en numerosas ocasiones a su hija Julie –que desde su nacimiento en 1878 se había convertido en su nueva protagonista.
Tras la muerte de su marido Eugène en 1892, Berthe se traslada a un apartamento cerca del Bois de Boulogne que se convirtió en uno de sus lugares preferidos para buscar motivos. El gran parque fue para ella como una prolongación de su hogar, y la estrecha relación entre su pintura y su vida se refleja en sus cuadros en los que podemos observar un parque solitario que se asemeja a un jardín privado.
“Pastora tumbada”(del Museo Marmottan Monet) y “Pastora tumbada desnuda”(del Museo Thyssen), las dos de 1891. Ambos cuadros, de similar composición, difieren en su estilo y en que la pastora protagonista se muestra en la misma posición, pero en uno vestida y en el otro desnuda, como si de una reinterpretación impresionista del juego de la “maja desnuda” de Goya se tratara. La pastora vestida, de pincelada más larga y colores más contrastados se integra perfectamente en el paisaje hasta el punto de confundirse con él. Las pinceladas que definen su falda apenas se distinguen de la hierba sobre la que se recuesta. En la versión desnuda, en cambio, de pinceladas más sueltas, cortas y vaporosas, Morisot trabaja mucho más el modelado de la muchacha y potencia el color de su piel para destacar sutilmente su cuerpo de la naturaleza que le rodea. Mientras que la pastora vestida se ve eclipsada por aquello que le rodea, la pastora desnuda transmite fuerza y libertad, quizás en esto también tenga algo ver el hecho de se haya despojado no solo de su ropa, sino también de su alianza matrimonial.
La multiplicidad de miradas que ofrece la obra de Morisot, nos muestra la faceta de una artista que denuncia el encorsetamiento social de la mujer de su tiempo a través de su obra y de su propio ejemplo como artista. La calidad estética de sus obras y la profundidad temática que encierran la colocan en la primera fila de sus compañeros impresionistas.
Su pintura era "el diario de una mujer expresado a través del color y el dibujo".
+Con una pintura introspectiva, incluso melancólica, de trazos rápidos, que a veces adquieren la ligereza de la acuarela, Morisot nos introduce de lleno en su propia intimidad, en la delicada exploración de la femineidad, la representación del mundo íntimo femenino. Pinta sobretodo escenas de mujeres con niños y paisajes. Su técnica se caracteriza fundamentalmente por grandes pinceladas diseminadas en todas direcciones, lo que otorga a su pintura aspectos transparentes.
Es la pintora del blanco. Utiliza una pincelada suelta, libre, amplia. Tiene obras en óleo y acuarela.
+Berthe Morisot representa escenas intimistas, pinta un mundo femenino sereno, atemporal, en el que presta a las escenas infantiles una mirada tierna. Sin embargo, compartió también el gusto de sus amigos por los paisajes, las escenas de playas y las vistas urbanas.
+Morisot nos introduce de lleno en su propia intimidad, en la delicada exploración de la femineidad. Tanto es así, que el escritor Paul Valéry afirmaba que su pintura podría considerarse «el diario de una mujer expresado a través del color y el dibujo».
Enlaces: Obras
Berthe Morisot- La primera mujer impresionista
Análisis comentados de las obras:
1) Análisis y comentario
es la obras más célebre de entre sus escenas intimistas. Con ella participó en la primera exposición impresionista, en 1874.
dentificación
Tipo de obra: Pintura
Tema: Intimista
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización espacial: MuseoD’ Orsay (París)
Cronología: 1872. Último tercio del s. XIX
Autor: Berthe Morisot
Título: La cuna
Estilo artístico: Impresionismo
La obra es un pequeño óleo que la artista realizó en 1872. Representa a su hermana que mira cándidamente a su hija recién nacida mientras la niña duerme plácidamente en su cuna.
Se trata de una escena intimista ambientada en el interior de una alcoba; Una dama, Edma, aparece sentada y ataviada con un vestido azul oscuro que resalta sobre el resto de la composición donde predomina los tonos claros y la luz. La mirada de Edma nos lleva directamente a los ojos de su hija Blanche, que está profundamente dormida.Uno de sus brazos descansa sobre la cuna del bebé mientras que el otro permanece doblado sujetando su cara, esta postura enfatiza la diagonal de su mirada que dirige hacia su hija y que será el eje sobre el que la artista articula la composición. Por su parte, el bebé descansa tranquilamente en la cuna cubierta con sábanas blancas y por un dosel semi-transparente.
Recoge los principios del Impresionismo, captación de un instante, la utilización de los colores primarios y complementarios para lograr los contrastes lumínicos, aplicación del color en pinceladas sueltas, yuxtapuestas. Captación de la luz. Ruptura con el arte academicista, etc.
“La cuna” es la obras más célebre de entre sus escenas intimistas. Con ella participó en la primera exposición impresionista, en 1874.
La obra de Berthe Morisot fue a menudo criticada por tratar estos temas, la mayoría de ellos relacionados con la maternidad . Sin embargo debemos recordar que los artistas impresionistas pintaban aquellas escenas que le resultaban cotidianas y en las que ellos participaban o presenciaban normalmente.
Esta chica que contempla a su bebé es Edma, la hermana de Berthe Morisot. Sus padres apoyaron a las dos hermanas en su proyecto de convertirse en pintoras profesionales, procurándoles los mejores maestros, pero Edma se casó y acabó dejando la pintura, presionada por su marido y las obligaciones familiares. Para Berthe, la deserción de Edma fue un mazazo, sin embargo siguió adelante, empeñada en dedicar su vida al arte.
Fue una de las modelos favoritas de su gran amigo Édouard Manet y acabó convirtiéndose en su cuñada, al casarse con su hermano Eugene. Morisot fue la única mujer que expuso en siete de las ocho exposiciones impresionistas.
*"La cuna " es el cuadro más famoso de Morisot y una de las joyas del arte impresionista. Su temática sentimental, fue una de las pocas obras que tuvo éxito en la primera exposición impresionista. La composición es excepcional.
"CAZA DE MARIPOSAS 1874. óleo sobre lienzo 46 x 16 cm. París , Musée d´Orsay
Las escenas al aire libre serán también muy atractivas para Morisot al estar tomadas directamente del natural como sugerían sus amigos impresionistas. Siempre apuntan ciertas dosis de familiaridad como ocurre en toda la producción de Berthe, especialista en escenas intimistas en donde narra la vida más cotidiana, más cercana al espectador. En este caso aparece una mujer - quizás su hermana Edma - acompañada de varios niños que cazan mariposas en un bosque. En la zona superior del lienzo podemos observar pequeñas zonas de luz que en la parte baja no se muestra debido a la densa vegetación; por eso los tonos verdes son más fríos, indicando la ausencia de luz solar en la zona. La técnica utilizada por Morisot es sumamente rápida, aplica el óleo con largos toques de pincel que dejan esbozado el conjunto, creando un sensacional efecto atmosférico similar al de Monet.
Comparar :
MANET y BERTHE MORISOT : coincidencias e influencias.
Paseos en barca en pintores impresionistas
En la barca, E. Manet, 1874
"Un día de verano" de Berthe Morisot, National Gallery, Londres
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Mary Cassatt: La pintora de niños y mujeres
Obra Video
Mary Cassatt (22 de mayo de 1844 - 14 de junio de 1926) fue una pintora y grabadora estadounidense. Nació en Pensilvania, pero vivió gran parte de su vida artística en Francia, donde primero se hizo amiga de Edgar Degas y luego expuso entre los impresionistas.
Cassatt a menudo creaba imágenes de la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos íntimos entre madres e hijos.
Destaca la importancia que tiene Mary Cassatt en la primera asociación de arte canadiense en el que artistas profesionales mujeres, desempeñaron un papel importante. Estas artistas mujeres, siguieron el ejemplo de Cassatt de trabajar estrechamente juntas y estudiar en el extranjero.
Mary Cassatt Pintora y grabadora, americana.
Mary Cassatt viajó a Francia para su formación artística y permaneció allí durante la mayor parte de su vida y su carrera. Allí fue reconocida por los contemporáneos como Edgar Degas, forjó su gran amistad con él por su talento, y se convirtió en el única artista estadounidense que expone junto a los impresionistas en París.
Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.
Mary Cassatt se sintió fascinada por el dibujo y la pintura, pero debió luchar contra el escepticismo y el sarcasmo de sus padres, y especialmente contra los prejuicios sociales de aquellos que no aceptaban que una mujer pudiese emprender una carrera artística fue una pintora y grabadora estadounidense
Degas enseñó a Cassatt la pintura al pastel y el grabado, técnicas que Cassatt dominó rápidamente; por su parte, Cassatt ayudó a Degas a vender sus pinturas y a promocionar su figura en Estados Unidos. Ambos se consideraban a sí mismos como pintores de la figura humana.
Sus temas de firma eran retratos de las mujeres y representaciones de las madres y los niños , instantáneas de momentos cotidianos. Por lo que, tanto su estilo como sus perspicaces evocaciones de la vida interior de las mujeres, la hizo una artista netamente moderna de finales del siglo XIX.
Su estilo se basa en un dibujo claro y seguro, revelando su interés por los grabados japoneses. En sus obras, Cassatt siempre presta especial atención a las emociones, con una psicología sutil, típicamente femenina.
¿Cómo se desarrolló como artista Mary Cassatt?
Por 1874 (primera exposición de los Impresionista) Mary Cassatt había establecido un estudio en París. Tres años más tarde, sus padres y su hermana Lydia se unieron a ella en Francia. Su familia sirvió con frecuencia como modelos para su trabajo de la última década de 1870 y 1880, que incluye muchas imágenes de la mujer contemporánea en el teatro y la ópera, en jardines y salones.
La pintura de Cassatt fue aceptada y elogiada en el salón de 1872, y expuso su trabajo en los salones de los próximos años. Sin embargo, cuando una de sus entradas fue rechazada por el salón en 1875 y en 1877, ella se desencanta con la política y los valores tradicionales del mundo del arte oficial de París.
El pintor Edgar Degas la invitó en 1877 a unirse al grupo de artistas independientes conocidos como los impresionistas, estuvo encantada de aceptar. El Arte de Cassatt representa típicamente ajustes internos, del mundo al que ella misma (como una mujer respetable) fue restringida, en lugar de los espacios mas públicos que sus contemporáneos masculinos eran libres habitar.
Su material en ocasiones fue rechazado por ser esencialmente “femenino”, pero la mayoría de los críticos se dieron cuenta que traía considerable habilidad técnica y perspicacia psicológica a su materia. A través de su visión para los negocios, sus amistades y relaciones profesionales con artistas, comerciantes y coleccionistas en ambos lados del Atlántico, Cassatt se convirtió en una figura clave en el mundo del arte de principios de siglo y ayudó a establecer el gusto por el Arte Impresionista en su natal Estados Unidos.
¿Cuál es la importancia que tiene la obra de Mary Cassatt?
Mary Cassatt estaba activa en la década de 1910, y por sus últimos años pudo ser testigo de la aparición del modernismo en Europa y los Estados Unidos.
El “grupo de pasillo del castor”. Así, esta fue la primera asociación de arte canadiense en el que artistas profesionales mujeres desempeñaron un papel importante y sus miembros siguieron el ejemplo de Cassatt de trabajar estrechamente juntas y estudiar en el extranjero.
En este sentido, el lugar de Mary Cassatt en la historia del arte ha sido importante e influyente en los siglos XX y lo que va del siglo XXI. Ella es considerada uno de los más importantes artistas americanas de finales de 1800.
- Legó su obra a los museos.
¿Cuáles son las técnicas más relevantes usadas por Mary Cassatt?
El trabajo de Mary Cassatt combina la paleta de color de la luz y la pincelada suelta del impresionismo con composiciones influenciadas por el arte japonés, así como por antiguos maestros europeos, y trabajó en una variedad de medios de comunicación a lo largo de su carrera.
Mary Cassatt expuso su trabajo con los impresionistas en París desde 1879 en adelante, y en 1886 fue incluida en la primera gran exposición de arte impresionista en los Estados Unidos, en Nueva York. Ella continuó especializándose en escenas de la mujer en interiores domésticos, con un énfasis impresionista rápidamente capturando momentos de la vida contemporánea, y amplió su técnica de pintura al óleo, dibujo a pastel y grabado.
Igualmente, el arte japonés había sido muy popular en París desde que fue presentado en la exposición universal de 1878, y Cassatt (como muchos impresionistas) incorporaron los aspectos visuales del arte japonés en su propio trabajo. También comparte con los impresionistas una convicción general que el arte académico era anticuado y un compromiso por explorar frescos nuevos medios de representar la vida moderna cotidiana.
¿Cuáles son las obras más emblemáticas de Mary Cassatt?
Las obras a continuación son las más importantes de Mary Cassatt , en las que se resumen los principales períodos creativos y destacan los mayores logros de la artista:
1)- Niña en Sillón Azul (1878)
En este importante trabajo de su carrera madura, Mary Cassatt optó por retratar a una niña sola en un interior doméstico. La pincelada visible y pose informal de la figura son características distintivas del impresionismo; la composición asimétrica, mirador elevado, espacio poco profundo y abrupto recorte de la escena todos indican la influencia del arte japonés. Cassatt también trae sus propias observaciones astutas a la construcción de esta imagen.
En esta viñeta íntimamente observada de una mujer que baña a su hija, Cassatt otra vez combina ciertas influencias estilísticas del arte japonés con la materia objeto de su propio entorno. La variedad de patrones en esta composición, incluyendo varios diseños florales y las franjas audaces del vestido de la mujer, está unida por una paleta restringida de grises y malvas. Igualmente, la coloración suave permite al espectador concentrarse en el tema de la escena, en la estrecha relación entre la madre y la niña.
3)- En el Lodge. (En el palco) 1878 "The Loge", obra de Mary Cassatt (1878-1880), fue realizada en el año 1866, con unas dimensiones de 134.4 x 97.6 cm. Actualmente se encuentra en National Gallery of Art, Washington DC _ Estados Unidos.
Representa a una mujer en la Ópera Garnier usando anteojos de ópera para ver la ópera, mientras ella misma es espiada por un caballero en la audiencia.
En 1869 Paris abrió el teatro a las mujeres en una función dominical a la hora de la matinée, con lo que se les permitió -manteniendo su honor a resguardo- compartir con los hombres un lugar público que era de dominio masculino, introduciéndose en este ámbito y en cierta medida usurpando la prerrogativa de los hombres a mirar a las mujeres en público.
Mary Cassatt vivía en París cuando se permitió el ingreso de las mujeres en el teatro, casi diez años después se atrevió a hacer su primera obra relativa al tema. En la época en que comenzó a pintar estos espacios públicos femeninos, conocía la obra de Degas y al igual que éste utilizó el espacio del teatro como ejercicio para trabajar los distintos ángulos de visión, la profundidad, las escalas, etc.
Este lienzo muestra a una elegante mujer asistiendo a una representación diurna en la Comédie-Française, un famoso teatro en París. El perfil de la mujer se encuentra contra el terciopelo rojo y dorado, con la decoración de los asientos de caja detrás de ella, al igual que un par de gafas de ópera en sus ojos. El negro de su vestido se repite en la ropa de otras figuras en el fondo, incluyendo un hombre de varias cajas abajo que le mira a través de sus propios lentes. Cassatt ha captado perceptivamente el hecho de que los miembros de la audiencia bien vestidos están poniendo sus actuaciones a los otros.
4)- Lydia leyendo el periódico por la mañana (1878-79)
La mujer en la pintura es la hermana de Cassatt, Lydia la escritora Harriet Scott Chessman aborda el profundo vínculo que existió entre ambas, quien fue una de las modelos favoritas de la artista. En este cuadro, Lydia está sentada de perfil, con su vestido y su cara pintada en las mismas pinceladas sueltas, con plumas de fondo y el sillón que le bloquea diagonalmente planteando una figura en la composición asimétrica.
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--2---PINTORES NEOIMPRESIONISTAS (1880) componentes:
PUNTILLISMO o DIVISIONISTAS :
SEURAT y SIGNAT.
Técnica divisionista Aproximadamente entre 1885 y 1890 Pissarro, siempre abierto nuevas experiencias estéticas para dar cauce a su creatividad, conoció a los jóvenes Signac y Seurat.
Ensayaban una nueva técnica que llamaron puntillismo o divisionismo. Se basaba en aplicar la pintura sobre el lienzo en pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores puros (como un mosaico). Esta técnica requería de un detallado estudio previo de las combinaciones de colores más adecuadas para conseguir el efecto buscado.
2) pintores DIVISIONISTAS O PUNTILLISTAS
2) DIVISIONISTAS O PUNTILLISTAS. Aproximadamente entre 1885 y 1890 Pissarro, siempre abierto nuevas experiencias estéticas para dar cauce a su creatividad, conoció a los jóvenes Signac y Seurat, que ensayaban una nueva técnica que llamaron puntillismo o divisionismo.
