📍 GIORGIO DE CHIRICO  METAFÍSICA

GIORGiO DE CHIRICO. Volos (Grecia) 1888/ Roma 1978

Giorgio de Chirico. Sueño o realidad.

Giorgio de Chirico - Profeta de la pintura.

Precedentes al Surrealismo: 1- Dada,   2- 📍Giorgio de Chirico  (Metafísico) y lo estudiaremos antes de surrealismo ,  pero  Chirico no pertenece a las vanguardias históricas. 

Scuola metafisica.

•  La scuola metafísica, no entra dentro de las vanguardias históricas. No pertenece a estas vanguardias, pero será una gran influencia para la vanguardia históricas del  surrealismo

•  La pintura metafísica u onírica surge en Italia de la mano de GIORGIO DE CHIRICO hacia 1911 y se extiende por toda Europa occidental.

+ Señala una reacción contra la pintura futurista , en cuanto persigue la calma y lo estático.

• Fundador de la scuola metafísica, Giorgio de Chirico es uno de los pintores que pretenden plasmar el mundo de lo irracional con objetos cotidianos en contextos poco habituales, consiguiendo un realidad ilógica, pero a la vez verosímil. Esta Pittura metafísica muestra sueños de plazas típicas de ciudades italianas muy idealizadas y todo tipo de objetos en ellas. Gracias a ella se considera a De Chirico una de las mayores influencias sobre el movimiento surrealista

• Giorgio de Chirico era de origen griego. Quizás por eso el arte clásico tuvo mucha influencia en él. Por razones económicas la familia emigra a Alemania y ahí se empapó del ambiente de principios de siglo: Freud, el expresionismo y Nietzsche o Schopenhauer llamarán su atención y todos tendrán peso en su obra.

• Entre 1909 y 1914 empezaría a pintar sus ambientes sombríos y abrumadores, con perspectivas hacia el infinito, habitadas por maniquíes y estatuas de la antigüedad clásica.

• En la obra de Chirico hay edificios, esculturas clásicas, trenes y maniquíes que parecen habitar en espacios escénicos controlados, donde domina el silencio y la tranquilidad. El sol proyecta sombras en sus obras dotando a su pintura de una mayor irrealidad.

• Tengamos en cuenta que en esos tiempos de guerra, este tipo de escenas daban un poético mensaje…

• Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómaca, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. ▼

CARACTERÍSTICAS

 GIORGiO DE CHIRICO

- Figuración clasicista pero sin academicismo.

- Imágenes fantásticas de climas oníricos, principalmente de espacios urbanos y arquitectónicos renacentistas, chimeneas y plazas, medio inventados y solitarios combinados con elementos dispares.

- Utilización de las sombras para establecer ritmos entre las figuras y objetos.

- Representación de figuras despersonalizadas en actitudes estáticas y generalmente con forma de maniquí.

- Los objetos y figuras son representados en enigmáticas relaciones y descontextualizados de lo cotidiano para convertirlos en signos alegóricos de otro nivel diferente y escondido de la realidad.

- Utilización espectacular de la perspectiva cónica exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías).

- Obras de una gran intensidad dramática que expresan nostalgia y misterio.

+Esculturas que proyectan su larga sombra sobre una plaza desnuda; al fondo, las arcadas clásicas en toda su fatalidad y "el sol que adopta otra expresión cuando baña de luz un muro romano". Soledad, silencio, ilusiones espaciales, soportales de sombra y, a veces, una forma de vida que flota en un velo impalpable que la separa del mundo.

• Perfecto dibujo. Recupera las formas.

• Profundas perspectivas lineales.

• Utiliza luces de atardecer y sombras alargadas;

• Crea un mundo misterioso e inquietante con

• Espacios donde sólo hay maniquíes desnudos en grandes plazas, calles solitarias, casas vacías enfatiza la soledad y la búsqueda de la tranquilidad perdida.

• El hombre, si aparece, es minúsculo.

• Representa elementos contradictorios como edificios griegos y ferrocarriles.

• Está obsesionado con el tiempo como Dalí (reloj).

• Pintura onírica.

• Influirá en los surrealistas.

INFLUENCIAS

La pintura serena y sosegada de Piero della Francesca (1410-1492) y de Giotto (1266-1337) le influenciaron, a Giorgio de Chirico.

►Otros artistas que han reconocido la influencia que han recibido de Giorgio de Chirico son Max Ernst, Salvador Dalí y René Magritte. Se considera a De Chirico una de las mayores influencias sobre el movimiento surrealista.

 Resumen de su Vida

( referencia Thyssen)

Giorgio de Chirico (Volos, Grecia, 1888-Roma, 1978). Pintor, literato, filósofo, escenógrafo y figurinista, cosmopolita, autodidacta, irónico, socarrón... Hijo de padres italianos,, reencarnación del Ulises viajero (vivió en Atenas, Venecia, Milán, Múnich, Florencia, Roma, Nueva York...) ha dejado una huella inmensa en la Historia del Arte. Precursor del surrealismo –acabaría tarifando con Breton y dio un portazo al movimiento–, también inspiró el realismo mágico, el pop art y el arte conceptual. Es uno de los grandes inventores del arte contemporáneo. Sus imágenes metafísicas, a caballo entre el subconsciente y lo enigmático, entre el sueño y la memoria, donde tiempo y espacio se detienen congelados, se hallan entre las referencias visuales de nuestro tiempo.

Una plaza de Italia fue su primera revelación metafísica. En 1910 el artista, a los 22 años, tuvo una revelación en la Plaza de la Santa Croce de Florencia, que plasmó en el cuadro «El enigma de una tarde de otoño». Convaleciente de una enfermedad, tras la muerte de su padre, se hallaba sentado en esa plaza. Tuvo la sensación de que toda la plaza compartía su estado. En los años siguientes desarrolla este tema en París. Sus lienzos se pueblan de plazas vacías con torres, esculturas, chimeneas, ventanas (nos asomamos a otra realidad) y cielos verdes sólidos, densos, plomizos, marca de la casa.

Su legado intelectual está conformado por la Grecia clásica, el Renacimiento, Nietzsche y Schopenhauer, los poemas caballerescos («Orlando furioso»)... Acompañados por las comisarias, Mariastella Margozzi y Katherine Robinson, recorremos la exposición, que arranca con retratos y algunos de sus geniales autorretratos, de corte clásico. Se autorretrata bien como un Príncipe barroco, bien como Dios lo trajo al mundo (en 1949 la Royal Academy de Londres le pidió que cubriera sus partes pudendas y así luce hoy). En el Louvre había descubierto a Velázquez, a Delacroix... Son una revelación para él. Busca tratados de técnica pictórica, recrea los tejidos como los maestros barrocos... Aparece en su pintura la cortina, que separa realidad y ficción.

En sus interiores metafísicos (1915-18), que nacen en Ferrara durante la I Guerra Mundial, hay armarios que esconden secretos, ambiguos espejos, sillas y sillones vacíos que simbolizan la espera, soles en un caballete, suelos de parqué llenos de agua... El origen de estos «baños misteriosos» fue una experiencia de niño: estaba en una casa en la que el suelo de parqué estaba muy encerado. Un hombre caminaba delante de él y las piernas se reflejaban en el suelo. Parecía que se podía nadar en él. Le recordaban los baños de sus Volos natal.

Últimos años

A los 80 años un rejuvenecido De Chirico inauguraba su periodo neometafísico, un compendio de toda su pintura anterior. Recupera el maniquí, ya humanizado; los gladiadores... Recrea «Las tres Gracias», ejemplo de su gran amor por Rubens, y pinta caballos, uno de los temas más demandados de la época. Dicen que su primer dibujo de niño fue un caballo. Inventa cosas nuevas, su paleta se ilumina. No parece un anciano, sino un joven artista lleno de vitalidad. Con 88 años pinta una espléndida obra, «El contemplador», presente en la muestra. Muere en Roma a los 90 años. 

obra relevante

++ Serie entre 1909 y 1914, que corresponden al periodo metafísico, y que fueron las que le más fama y reconocimientos le dieron:

👉 -En esa época, De Chirico estaba fascinado por la narración de Homero sobre la odisea del héroe griego, que se convertiría -en su condición de viajero con destino incierto. En el cuadro El enigma del oráculo, la figura vuelta en sí misma, anhelante de la vuelta a casa, del Ulises , una figura pensativa, que se enfrenta meditabundo con los enigmas del mundo y el misterio de la propia existencia; el oráculo, la voz del destino, aparece en el cuadro en forma de cabeza de mármol de una estatua oculta tras una cortina.

" El enigma del oráculo," 1910, 

 Giorgio de Chirico (Colección particular). La figura de espaldas vuelta en sí misma, se convierte en la figura del artista-filósofo, que aparece meditabundo ante los enigmas del mundo. Al fondo, el oráculo tras una cortina cerrada, insinuando lo oculto y lo enigmático.

" La conquista del filósofo".1914 

En este cuadro vemos todos los elementos propios de la pintura de este artista. Por un lado, la introducción de un elemento extraño, como las dos alcachofas, da al receptor la sensación de estar viendo algo absurdo y poco realista. Por otro lado, vemos las sombras de dos personas que parecen acercarse pero que realmente no están dentro del cuadro, lo que nos produce un sentimiento de vacío, soledad y cierta melancolía. También vemos elementos propios de la modernidad, como las chimeneas de las fábricas o la locomotora del tren. Por último, es preciso fijarse en la languidez de la luz y en el escenario amarillento. La luz es tenue y mitigada, lo que permite crear un ambiente mágico e inquietante, y el foco luminoso inunda toda la escena de un tono amarillo apagado, propio del atardecer. 

" El enigma de la hora" 1911.

El enigma de la hora, 1910-1911, Giorgio de Chirico (Colección particular)

El reloj que evoca el paso del tiempo, los plazas vacías, los pórticos y los hombres vestidos con el péplum griego, son algunos de los elementos que aparecen en las primeras pinturas metafísicas del artista, donde las referencias a la arquitectura florentina se confunden con la de Munich y la Atenas de su infancia. 

La pintura metafísica de Giorgio de Chirico se considera uno de los mayores antecedentes del movimiento surrealista. En su estancia en Alemania se influenció de autores simbolistas y de la filosofía de Nietzsche y schopenhauer ( línea vitalista, consideran que la vida, y principalmente la fuerza vital son la base real del pensamiento y de la conducta. Los principios de la razón son argumentos de otros principios más profundos que son los de la vida, para reforzarse y continuar, su preservación y su fuerza) . Ya en París (1911), comienza a realizar obras de imágenes muy sorprendentes, basadas en representar espacios urbanos, en los que predominan los elementos arquitectónicos y la proyección de sombras y en las que la presencia humana suele estar ausente. Además de esta regla arquitectónica, también hay representaciones de interiores, generalmente abiertos al exterior, donde suele situar maniquíes y en algunas ocasiones otras obras (la representación de otras obras dentro de la propia obra, que es una característica propia del surrealismo, ya está presente en el autor). Así logra crear en sus obras un espacio extraño, atemporal, donde parece que se puede encontrar la calma y el silencio. Las imágenes representadas en el espacio pictórico se sacan de contexto y se representan con un tamaño antinatural y desproporcionado. Estas obras, que cuentan con numerosos errores técnicos, tienen como finalidad crear espacios sugerentes en los que el receptor contribuya a crear el sentido definitivo de lo que se representa.

" La Nostalgia de lo Infinito 1911.

El tema de la pintura es una gran torre. La escena es golpeada por una baja luz vespertina. En el primer plano por debajo de la torre hay dos pequeñas figuras oscuras parecidas a aquellas en obras de Salvador Dalí. Esta pintura es el ejemplo más famoso de la torres que aparecen en varias de las obras de De Chirico. la pintura se inspira en uno de los monumentos arquitectónicos más espectaculares de Turín , la  Mole Antonelliana.

La incertidumbre del poeta, 1913. 

Sus plazas desiertas, con arquitecturas clásicas minimalistas, son inquietantes y poéticas a la vez. Suele añadir en ellas algún elemento de la vida moderna que las descontextualiza, como el tren que vemos al fondo, tras el muro de ladrillo. En este caso, ha colocado una especie de bodegón en primer término, compuesto por un torso de Afrodita y un racimo de plátanos. La fruta perecedera, reflejo de la vida y los placeres humanos, contrasta poderosamente con la intemporalidad y permanencia del arte clásico, simbolizado por el torso. La connotación sexual de la combinación de ambos elementos es incuestionable.

" Misterio y melancolía de una calle, 1914,

Giorgio de Chirico (Colección particular). 

El encuentro de dos sombras en una plaza: la niña jugando al aro, ella misma una sombra, se acerca corriendo a la sombra de una estatua invisible. El cuadro está dividido en un mundo de oscuridad y un mundo de luz, que solo pueden coexistir porque están construidos siguiendo dos puntos de fuga distintos.

A primera vista, la escena parece bastante sólida y, sin embargo, sentimos que la niña que camina despreocupada con su aro está amenazada por un mundo a punto de reventar por costuras invisibles o disgregarse en fragmentos incoherentes. Un cuerpo sólido más o menos isométrico, el vagón, denuncia las convergencias de los edificios como verdaderas distorsiones. Además, las perspectivas de las dos arquerías se refutan mutuamente. Si la de la izquierda, que define la posición del horizonte más arriba, se toma como base de la organización espacial, la de la derecha se hunde en el suelo. Bajo la condición contraria, el horizonte y la calle que sube de la derecha se hunde en el suelo. Bajo la condición contraria, el horizonte y la calle que sube con la arquería luminosa no es más que un espejismo que conduce a la niña hacia un salto en la nada.

"Héctor y Andrómaca" 1917

Una de sus obras más conocidas es este lienzo llamado Héctor y Andrómaca. 

El título es revelador puesto que a simple vista nos encontramos ante dos sencillos maniquíes en medio de un amplio espacio vacío, donde apenas se insinúan un par de edificios. Sin embargo se trata del héroe troyano y de su esposa, dos de los personajes más importantes de la Ilíadade Homero. Es fácil pensar que nos encontramos ante el momento en que la pareja se ve forzada a despedirse sin saber si se volverán a ver, ya que Aquiles, el héroe aqueo, tras la muerte de su amigo Patroclo, ha retado a Héctor a un combate singular del que sólo uno de los dos saldrá vivo. Chirico logra captar el dramatismo del momento con dos simples maniquíes que intentan abrazarse, tocarse, acariciarse, algo que resulta, evidentemente, tarea imposible .

La despedida de Héctor y Andrómaca, que simbolizan el amor conyugal, el amor familiar, roto por los desastres de la guerra.

" La Musas inquietantes, 1918, 

*"Las musas inquietantes" es una obra de Giorgio de Chirico que data de 1916 de óleo sobre lienzo con unas dimensiones 97 x 66 cms y se encuentra actualmente en una colección privada en Milán.

Al desarrollo en las obras de De Chirico le precedió una larga estancia en Milán, en el verano de 1908, donde se habían trasladado su madre y su hermano. A esta época pertenecen los primeros cuadros del pintor en los que emplea el método – que posteriormente sería decisivo para la pintura metafísica – de combinar elementos biográficos y mitológicos, un paso que se aprecia en la obra de 1909 .

Aparecen delante de la antigua residencia de la familia de Este de Ferrara, tan aficionada a las bellas artes. Significativamente, este palacio urbano, cerca del cual vivió De Chirico durante la Primera Guerra Mundial, destaca tras un escenario ascendente junto a edificios industriales, chimeneas de fábricas y un silo. Roja de herrumbre, la fortaleza se alza ante el cielo turquesa del fondo. Las dos musas -muñecos articulados sin fisonomía y vestidos de un modo arcaizante- aparecen en el borde anterior del espacio escénico, que se articula mediante zonas de sombra profunda. De pie una y sentada la otra, ambas dan la impresión de haber sido colocadas entre diversos accesorios teatrales. Bajo ellas hay una máscara roja y una vara, atributos tradicionales de Talía y Melpómene, musas de la comedia y de la tragedia. A su vez Apolo, que estaba al frente de las musas, aparece al fondo sobre un pedestal. Da impresión de contención, de estar tan falto de vida como las musas. ¿Hacia dónde las dirigirá?, cabría pensar a la vista de las reflexiones profundamente melancólicas en las que de forma evidente están inmersas sus compañeras sin cabeza.

La trayectoria del artista puede dividirse en dos etapas, donde la primera estará protagonizada por el uso de estatuas como modelos y por la sucesión de arcadas como espacios arquitectónicos; mientras la segunda da paso a una mayor presencia de maniquíes y escenas en interiores. A esta primera época pertenece este lienzo, pintado en 1916, donde dos estatuas clásicas se recortan fríamente ante un misterioso fondo, donde se observa el Castillo de Ferrara. La presencia de estos objetos impregna al lienzo de pequeños retazos de la metafísica, cuya forma ha adquirido con anterioridad en la mente del creador.

Los cuadros de Chirico poseen una estética extraña, de perspectivas imposibles, de elementos simbólicos, de largas sombras, de objetos sumidos en una claridad sin atmósfera, donde todo sucede como si fuera un sueño. Consigue imponer una sensación de misterio a través de maniquíes, manos enguantadas inmersas en un mundo de horizontes lejanos y de grandes arquitecturas vacías, colosales y fantasmagóricas. La sensibilidad poética de esta pintura y su irrealidad de carácter mágico caracteriza esta corriente artística. El surrealismo tiene como fuente la pintura metafísica Chirico abandonó este arte por una mitología más sensual, romana y pastosa, en la técnica, aunque más rica y escenográfica en el tema.

Influencias para que se diese el surrealismo

1-Los pintores  como, el Bosco, Goya, Valdés Leal, son precedentes. 

2- Dada ( ya estudiado)

3-Giorgio de Chirico. ( ya estudiado)

La pintura metafísica de Giorgio de Chirico se considera uno de los mayores antecedentes del movimiento surrealista.

👉El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

• En realidad los representantes del surrealismo pretenden renovar los valores culturales, científicos y éticos de su época, y consideran que el camino correcto es a través del inconsciente ( que es el lugar donde se originan los deseos profundos, algunos de los deseos que socialmente no son permitidos). En realidad el surrealismo cree que la razón es el origen de la crueldad y del caos que ha llevado a la guerra, y creen que a través del inconsciente se construirá una sociedad más humana.

  El primer manifiesto surrealista.

Características generales

+Así lo definía Breton :“Puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de cualquier control ejercido por la razón, al margen de toda preocupación estética o moral.”

+Buscaban representar ideales diferentes a los academicistas, quebrando las leyes de la pintura tradicional y logrando por tanto, llamar la atención del espectador de manera directa. En el caso del surrealismo, se puede señalar la presencia de imágenes no realistas y en muchos casos ni siquiera figurativas, que tenían como objetivo seguir los designios de los sentimientos más que los de la razón.

+El contexto sociopolítico de la época sin duda se relaciona con el desarrollo de esta vanguardia artística ya que la misma se insertó en un período histórico de crisis generalizada causada por la guerra y por las diferentes complicaciones económicas y sociales. Esta realidad de desesperanza, temor y desorden tuvo en el surrealismo uno de sus representantes más claros al mostrar estos artistas una realidad diferente, alterada y en muchos casos caótica.

+► El movimiento se expandió a gran parte de Europa y lo hizo especialmente a nivel filosófico y teórico, llegando a establecer lo que ellos mismos llamaban “la Revolución Surrealista” o la total ausencia de pensamiento lógico y racional.

+ ► La razón, piensan los surrealistas, puede dar lugar a la ciencia, pero sólo el inconsciente puede dar lugar al arte. Porque la conciencia es el territorio de lo diferenciado, de lo objetivo, mientras el inconsciente es el territorio de lo indiferenciado, de la fusión del ser humano con la realidad. Se trata entonces de dejar al inconsciente que saque a la superficie lo más profundo -lo censurado- y que llegue hasta sus últimas consecuencias, hasta que el artista se convierta en un mero espectador que presencia cómo se va formando su obra

 +► El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud como método de creación artística.

 +► El método paranoico-crítico es una propuesta elaborada por el pintor surrealista Salvador Dalí (1904- 1989). El aspecto que Dalí encontraba interesante en la paranoia era la habilidad que transmite esta al cerebro para percibir enlaces entre objetos que racional o aparentemente no se hallan conectados. Dalí describe el método paranoico-crítico como un «método espontáneo de conocimiento irracional basado en la objetividad crítica y sistemática de las asociaciones e interpretaciones de fenómenos delirantes». Este método era empleado en la creación de obras de arte, para lo cual el artista trataba de recrear a través de la obra aquellos procesos activos de la mente que suscitan imágenes de objetos que no existen en realidad, por ejemplo, al superponerse una imagen en primer plano con otra en un plano más alejado. Un ejemplo de esto en la obra final puede ser una imagen doble o múltiple cuya ambigüedad da lugar a diversas interpretaciones. +► El poeta surrealista André Bretón (1896-1966) aplaudió la técnica, afirmando que la misma constituía «un instrumento de primera importancia» y que «se había mostrado perfectamente aplicable lo mismo a la pintura que a la poesía, el cine, la elaboración de objetos surrealistas, la moda, la escultura, la historia del arte, e incluso, de ser necesario, a cualquier tipo de exégesis»

+► Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

+► Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

+Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos.

Contexto en el que surge el surrealismo

►-- Surrealismo---comienza  1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista de André Bretón escribe el primer Manifiesto Surrealista- : Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral.

 ►En los años 1930 el movimiento se extendió más allá de las fronteras francesas. Se celebró en 1938 en París la Exposición Surrealista Internacional. 

+La segunda guerra mundial (1939 - Invasión de Polonia -hasta 1945 ( la conquista de Berlin  y el lanzamiento de las bombas atómicas  en Japón y su rendición ),  ello paralizó toda actividad en Europa . Ello motivó que Breton, como muchos otros artistas, marchase a los EE.UU. Allí surgió una asociación de pintores surrealistas alemanes y franceses . Estos surrealistas emigrados a EE. UU. influyeron en el arte estadounidense, en particular en el desarrollo del expresionismo abstracto en los años 1940

+ Surrealismo es "influido por el psicoanálisis de Freud-----

 A Recordar:  El Dadá y La pintura metafísica de Giorgio de Chirico se considera uno de los mayores antecedentes del movimiento surrealista. 

 El Surrealismo contextualización.  Características. Resumen

1. El movimiento surrealista se inició de manera oficial en París en 1924 con la publicación del Primer Manifiesto, escrito por André Breton , -influido por el psicoanálisis de Freud- El surrealismo se propone expresar el funcionamiento real del pensamiento , para ello se inspira en los sueños donde la mente fluye al margen del razonamiento y la moral. Breton  es el líder de los surrealistas, aboga por un dominio de las asociaciones creativas libres que actúan más allá del control directo de la conciencia.

2. El Surrealismo-se extenderá desde el 1924 hasta el final de la segunda guerra mundial.-

3. LLegará a cristalizarse en el año 1924 (como año 1º del surrealismo). El surrealismo como un grito del espíritu que se repliega hacia sí mismo y está decidido a triturar sus trabas. Es un medio de liberación del espíritu (esto sería un resumen del manifiesto surrealista)." Es a través de -la imaginación- que podemos llegar a lo que aún no es pero de lo que puede llegar a ser y esto basta para que me abandone a ella". Imaginación (La loca de la casa como lo llama Santa Teresa de Jesús.).

4. El Surrealismo es puro automatismo psíquico por el medio del cual se intenta a expresar verbalmente o por escrito el proceso real del pensamiento. El dictado del pensamiento libre de cualquier control de la razón independientemente de preocupaciones morales o estéticas

5. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo.

6. Buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud.

7. El surrealismo fue el movimiento literario y artístico más importante de entreguerras, pero sus intenciones no se limitaron al arte. Su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan. La religión, la moralidad, la familia y la patria se convierten así en instituciones a revisar.

8. El surrealismo adoptó formas muy diversas; en un primer momento fue la causa un proyecto esencialmente literario, sin embargo en la segunda mitad de los años veinte se fue adaptando rápidamente a las artes visuales (la pintura, la escultura, la fotografía, el cine).

Observamos dos vertientes en el Surrealismo:

👉.1-Una que defendía el automatismo, donde se encontraban los surrealistas abstractos como  📍Joan Miró , 📍Jean Arp  o Paul Klee,Max Ernst  y quienes crean universos figurativos propios. En el automatismo las ideas y las asociaciones de imágenes, surgen de manera rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido.

 👉2- otra que creía que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de válido. Donde los surrealistas figurativos como 📍 Salvador Dalí, René Magritte o Yves Tanguy, se interesaban por los sueños y el realismo “mágico” un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Técnicas y métodos surrealistas:

• •  - La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos (tomadas del Dadaísmo).

  • - El Collage y el ensamblaje de objetos incongruentes (también heredadas del Dadaísmo, de personajes como Marcel Duchamp). 

  • - El Frottage  Max Ernst A él le debemos el Frottage (frotar sobre un objeto para transferir su textura en el soporte) con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación. o el Grattage. (raspar pigmentos secos encima de maderas o lienzos). También el Dripping o goteo, que después desarrollaría Jackson Pollock.

  •  (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo).►Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control). Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido – Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. – Preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos.

  •  Grattage.Se desprende de la tela, la pintura, mediante desgarrones (por lo general una vez seca), creando una especial textura con efecto de relieve o tercera dimensión. 

  • -Técnica del “Cadáver Exquisito”.

  • - Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control).

  • - Decalcomania.

  •  Escritura automática. Automatismos.

Características  de la obra de MIró

• +Nació en Barcelona y vivió hasta el final de sus días en Palma de Mallorca. André Bretón dijo de él “probablemente el más surrealista de todos nosotros”

• +Su pintura evoluciona de una etapa mediterránea donde sus cuadros están llenos de luz, alegría y sencillez, a una breve época de escarceos cubistas y dadaístas hasta alcanzar la madurez a partir de su viaje a París; ciudad donde entró en contacto con los numerosos movimientos artísticos de vanguardia (obra: La Masía)▼ .También viajó a Holanda (serie de óleos titulados Interior holandés I, II, III)

• + Miró ferviente defensor del “automatismo psíquico”, un método consistente en dejar volar el pincel sobre el lienzo, sin la mediación de ningún proceso previo de reflexión consciente.

• "*Las constelaciones". Una serie de 23 pinturas sobre papel de pequeñas dimensiones, iniciadas en el 39 y finalizadas en el 41 entre Mallorca y Montroig▼ 

•  Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.

 “Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable”.Dice Miró

•  Del Surrealismo de París  luego Miró evoluciona hacia la abstracción. Kandinsky fascinó a Miró en sus innovaciones sobre la abstracción▼

• Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas.

• Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción▼.Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.

• En sus composiciones el fondo es poco relevante (planos y neutros, en su mayoría predomina el negro, azul, rojo y amarillo) y toda su dedicación se vuelca a figuras (siluetas de amebas amorfas junto a líneas muy acentuadas, puntos, estrellas, ojos, etc.) que tienen algo de humorístico y fantástico, mezclando lo orgánico con lo geométrico para representar la realidad que Miró veía totalmente secreta.

1ª etapa:-

 Joan Miró. Barcelona el 20 de Abril de 1893

Obra destacada

• Su padre logró que se matriculó en una escuela de comercio, aunque simultáneamente frecuentaba ‘La Escuela de la Lonja’, famosa academia artística por la que el propio Picasso había pasado fugazmente unos años antes.

Al finalizar sus estudios mercantiles, fue contratado por una empresa química de la que fue despedido por pintarrajear en los libros de contabilidad.

• Cursó estudios en la Escuela de  Artes  de la Lotja (Barcelona). Realizó su primera muestra individual en las Galerías Dalmau (1918).

• Sus primeras obras, entre 1915 y 1918, están influidas por Cézanne, Van Gogh, el brillante colorido fauvista, las formas fragmentadas del Cubismo y los frescos románicos catalanes▼. 

En ellas,  en sus primeras obras, muestra ya su gusto por las figuras y personajes relacionados con el mundo rural de sus veranos en Mont-roig, ejemplo de ello :

Miró se distancia del cubismo, este es un paisaje metamórfico:

 *La masía, 1921-1922, Joan Miró, (Washington, National Gallery of Art).

Este cuadro culmina y sintetiza todo el primer periodo de Miró, su época realista; la composición y la reproducción de los detalles son rigurosos y precisos.▼.

• En la Masía Miró vuelve al espíritu de los paisajes minuciosos de 1918 y 1919. Quiere capturar en un último abrazo toda la realidad y la riqueza del paisaje y los lugares familiares, su activo más preciado, para llevárselos con él y poder enfrentarse a las rudas dificultades que lo esperan en París. Es sobre el realismo de la Masía que se apoyará para superar las últimas barreras que lo separan de su verdadero ámbito personal. 

• El cuadro, comenzado en Mont-roig en junio de 1921, y pese a las innumerables sesiones de trabajo que le dedicó, fue terminado en París, rue Blomet, casi un año más tarde. Resultado y síntesis del primer período de Miró, contiene en germen mil posibilidades que se retomarán más tarde y conducirán a lo fantástico. El pintor lo considera como la base y la clave de toda su obra. También es un acto de fe y fidelidad al lugar casi sagrado donde Miró hizo el aprendizaje de la vida y el arte, cerca de la naturaleza.

• "La Masía", pintada en 1922, evidencia la transición al surrealismo. Presenta la granja de su familia. Cada motivo ha sido pintado con el deseo de mostrar sus partes más importantes. Para conseguirlo, altera la disposición convencional de las figuras, elimina la pared del establo para dejar ver lo que hay dentro y varía las perspectivas de los objetos de forma que unos aparecen de frente y otros de perfil.

Todos los elementos están representados con claridad, con precisión y nitidez, imprimiéndoles solidez onírica. La crítica ha calificado a esta etapa como detallista, por la minuciosidad descriptiva con que trata los objetos y personajes relacionados con las labores del campo.

2ª etapa:

--Joan Miró ahora vive en París 1924.

El París Surrealista.

 Obra destacada

-*El carnaval del Arlequín, 1924-1925, Joan Miró, (Buffalo, Albright-Knox-Art Gallery).

-*"Personaje lanzando una piedra a un pájaro," 1926, Joan Miró, (Nueva York, Museum of Modern Art).

-*"Interior holandés I, II," 1928, Joan Miró, (Venecia, Peggy Guggenheim Collection).

-*"Naturaleza muerta del zapato viejo".1937

►El París Surrealista. Gracias a su amigo André Masson, Joan Miró ahora vive en París 1924 y se adhiere al surrealismo ( Andre Breton - líder del grupo) ) Las primeras obras de este periodo, representan el mundo campesino con el que siempre se sintió ligado, y se caracterizan por su atmósfera de quieta serenidad y de misterioso encanto. 

 - Miró quería hacer una mezcla de arte y poesía, creando así un arte nuevo.

• Sus contactos con André Breton y Max Ernst, con quienes colabora trabajando para los Ballets Rusos de Serguéi Diághilev, le aproximan a la estética y a la teoría surrealistas, acabando por convertirse en un ferviente defensor del “automatismo psíquico”.

“automatismo psíquico”.

Un método consistente en dejar volar el pincel sobre el lienzo, sin la mediación de ningún proceso previo de reflexión consciente.

• Uno de los cuadros más representativos de esta época es "Interior Holandés I" (1928) (Venecia, Peggy Guggenheim Collection), 

tres pinturas a las que llamó “Interiores holandeses”. Podemos ver la confluencia entre el personal simbolismo de Miró y las influencias surrealistas. Esta obra marca un punto de inflexión en la trayectoria artística de Joan Miró. Le influyen los pintores holandeses (Interior holandés I recuerda la obra de Sorgh el tocador de laúd), el color del Fauvismo, el cubismo en la descomposición de las formas y la bidimensionalidad,   el automatismo, Kandinsky con las formas suaves, el mundo microscópico, etc.

Miro se unió a una larga tradición de artistas que se han inspirado de obras maestras del pasado. Para la creación de estas nuevas obras de arte, Miró somete las escenas a una completa metamorfosis, donde nuevos personajes se instalan en su propio mundo surrealista. Miró intentó una transformación exacta de todos los detalles en el reino de la fantasía.

 Miró sitúa como eje central de la composición al personaje masculino que toca el laúd. A partir de esta figura, se distribuyen  los otros elementos importantes: el gato, la mesa, la mujer y la ventana, así como formas secundarias, de manera que se consigue un movimiento centrípeto. Utiliza formas flotando en el espacio, trazos negros que atraviesan manchas de color, elementos naturales (insectos) y abstractos ( asteriscos), así como un rico cromatismo en el que destacan colores primarios, el blanco y el negro. El artista juega con la teoría del los colores , según la cual las tonalidades cálidas  acercan los objetos al espectador, mientras las frías los alejan. La división en las dos franjas  ( verde y ocre) permite entender una cierta profundidad.

En esta obra aparecen los símbolos que repetirá en sus obras posteriores:

• Esfera oscura (globo terráqueo), estrellas, el gato, abeja, peces,  escalera (fuga), objetos inanimados, inventados, notas musicales, instrumentos…

• Todos ellos parecen flotar en una habitación representada por una pared y un suelo en perspectiva dando profundidad.

• Ventana abierta con elementos mironiano (recurso que sirve como línea de fuga).

• Colores primarios: azul, amarillo y rojo Y los no colores: blanco y negro.

• Fantasía y lirismo.

Le influyen los pintores holandeses (Interior holandés I recuerda la obra de Sorgh el tocador de laúd), el color del Fauvismo, el cubismo en la descomposición de las formas y la bidimensionalidad,   el automatismo, Kandinsky con las formas suaves, el mundo microscópico, etc.

• Posteriormente desarrolló obras más etéreas en las que las formas y la figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas y explosiones de color, abriéndose paso en la abstracción. Elabora su pintura inspirado en Paul Klee, que pertenece a la escuela surrealista, aunque se vincula con la abstracción.

▼ *"Personaje lanzando una piedra a un pájaro", 1926, Joan Miró, (Nueva York, Museum of Modern Art). Aquí, Miró llega a una simplificación formal extrema. La figura masculina es reducida a una silueta estilizada, donde se reconoce la cabeza y el enorme pie desproporcionado. El pájaro es representado con dos líneas, la recta para el cuerpo y la curva para las alas, la cabeza y la cola están formadas por un círculo y una media luna. El mundo de Miró es un mundo onírico donde las figuras esenciales se recortan sobre fondos sin ninguna perspectiva. Los colores vivos son aplicados con pinceladas uniformes, planas.

•  Al mismo tiempo que en Mont-roig hace las últimas *Constelaciones , Joan Miró comienza a preparar "*la Serie Barcelona". Utiliza el lenguaje que había ido gestando en la serie de las Constelaciones, pero a la vez anticipa un rasgo que será característico de su próxima pintura: la combinación de un grafismo rápido y grueso y de otro más minucioso.

• * La serie "Barcelona" 1944. 50 litografías, se edita en ambiente de semi clandestinidad. Le servirá para depurar elementos en su obra.  es una serie de 50 litografías en blanco y negro realizada por Joan Miró y publicada en 1944 en una pequeña imprenta barcelonesa, que actualmente forma parte de la colección permanente de la Fundación Joan Miró de Barcelona.

 "*la Serie Barcelona" se considera una versión de imprenta de la serie Constelaciones. En las diferentes litografías aparecen interpretaciones libres de figuras animales y humanas, bastante deformadas. Los cuadros muestran personajes tristes, se palpa la tragedia. Cabe destacar que en estas obras los personajes no aparecen en un escenario concreto, sino que en un mismo espacio aparecen varios signos del pintor, como pueden ser los pájaros, las mujeres, los genitales, así como estrellas, astros o espirales, entre otros.  Anticipa en  la Serie Barcelona un rasgo que será característico de su próxima pintura: la combinación de un grafismo rápido y grueso y de otro más minucioso.

En "El pájaro migratorio", vemos dos figuras. Una mujer identificada por la forma estrellada del centro, que siempre se asocia con el sexo femenino y un hombre. Ambos tienen aspecto de pájaro, por las formas picudas de sus rostros. Están contemplando el cielo con los brazos abiertos, esperando que les aparezca la respuesta que buscan. El título nos da la clave para entender a esos personajes. Miró no se propuso que su mensaje no llegara al espectador, por eso los nombres de sus cuadros son tan evocadores y líricos.

• "Mujer, pájaro y estrella" entre  1966 y 1973. 245 cm × 170 cm,  es una de sus obras más conocidas. La identificación de los personajes depende de la imaginación de quién contempla la pintura, y es el título el que da las pistas de lo que representa. Se observa la facilidad de Miró para combinar los colores y las formas geométricas.▼

4ª etapa--

Miró en 1956  se instala en Palma de Mallorca.

 obra destacada:

• *"Personaje fascinante o “Ala de la alondra aureolada de azul de oro llega al corazón de la amapola que duerme sobre el prado engalanado de diamantes”▼

• Experimentó con las esculturas-objetos, la litografía, la cerámica, aguafuertes, pintó grandes murales y decorados teatrales como los mosaicos-murales del palacio de la Unesco en París en 1950 y el Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid. Incluso logotipos como el de la Caixa.

Bajo el régimen franquista, trabajó en una especie de exilio interior en España, mientras que en el extranjero iba ganando fama como artista de la abstracción española de postguerra. Pero Miró fue sobre todo un artista independiente. En su última fase pictórica, sintetiza las formas y en contraposición los títulos son más largos, la obra se reduce a juego de colores intensos o contorneados por vigorosos trazos negros. Se aproxima al Surrealismo abstracto como se observa en las obras: *"Personaje fascinante o “Ala de la alondra aureolada de azul de oro llega al corazón de la amapola que duerme sobre el prado engalanado de diamantes”▼

 B- Estancia en París 

y elaboración del Método Paranoico crítico

+En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista, del que al final fue relegado por sus ideas comerciales.

Método ‘paranoico-crítico’

El método paranoico-crítico busca racionalmente generar ambigüedades que hagan aflorar el inconsciente del espectador (al interpretar la obra).

En uno se expresa el artista y, en el otro, el espectador.

La realidad es en definitiva la realidad que cada uno ve (la que nuestro inconsciente nos lleva a ver). Y Dalí está convencido de ello: “Lo que vemos en las cosas no está en las cosas, sino en el fondo de nuestra alma”.

+La producción de Dalí de este periodo  Parisino se basa en su método ‘paranoico-crítico’, inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación. Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. 

En este momento pinta :

*"El gran masturbador," 1929

 *"La persistencia de la memoria"1931

 *"El espectro del sex-appeal " 1934

El sexo y las enfermedades venéreas son una de sus mayores preocupaciones. Dalí sentirá un horrible pánico al sexo, sobre todo al femenino, por lo que también sufrirá impotencia. De ahí la proliferación de formas flácidas y muletas y su tendencia a la exageración.

En El gran masturbador están presentes todos sus miedos. El cuadro juega con la ambigüedad de las imágenes, nada es lo que parece. Puede considerarse el antecedente de su método paranoico crítico.

La figura principal es el autorretrato del pintor, con los rasgos más característicos de Dalí: la cara amarilla, una enorme nariz y el rostro alargado ( influencia de El Bosco). Pegados a su figura hay numerosos elementos simbólicos que tienen varios significados. El saltamontes, animal que le aterra desde la infancia, con el vientre lleno de hormigasque simbolizan la muerte. Un anzuelo como atadura a su familia y la cabeza de un león como deseo sexual. Emergiendo de su autorretrato surge la figura de una mujer que aproxima su rostro a unos genitales, representa la masturbación como la forma más pura de relación sexual. Gala, su musa y compañera, aparece representada en la pareja del fondo del cuadro que se abrazan. La figura aislada es la soledad y las pestañas largas simbolizan la esperanza de cumplir sus sueños.

En  *"  El espectro del sex-appeal", muestra sus fobias a la sexualidad. Es una visión terrible al sexo femenino en un paisaje del Cabo de Creus. Es la imagen monumental de una mujer sin cabeza, ni manos ni pies, con dos muletas. La figura es contemplada por un niño, que es el propio Dalí, a quien el sexo se le aparece como un objeto misterioso y repugnante.

Presenta algunos de los versos del poema “L’ amour et la mémoire”, En la parte inferior derecha vemos a un Dalí niño, vestido de marinero, llevando un aro y un fémur que hace de varilla, contemplando a un enorme monstruo, blando y duro a la vez, que para el artista simboliza la sexualidad, todo ello enmarcado en un hiperrealista cabo de Creus.

La figura de Dalí volverá a repetirse en otras obras como Paisaje con elementos enigmáticos, de 1934; Sur/Mediodía, de 1936; o, más tardíamente, en Torero alucinógeno, del año 1969. En todas se repite la misma imagen del niño vestido de marinero con un gran pene petrificado.

 La mujer putrefacta y el niño se centran en temas obsesivos para el pintor tales como el miedo a la represión sexual.

Cabe destacar la imponente presencia de las muletas, símbolo según Dalí, de muerte y resurrección.

También podemos encontrar en su obra infinidad de símbolos como: huevos, símbolo relacionado con la matriz y que implica un retorno hacia ésta como lugar paradisíaco. Por su forma y dependiendo del contexto hacen referencia también a los ojos. Representan también la incapacidad de fecundación, o del orgasmo onanista abortado de fines reproductivos, como sucede en los Huevos al plato ,sin plato. Así como, caracoles, alpargatas, jirafas,….

La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.

Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.

C- Fuera ya de la corriente surrealista,

 su estilo se hará más barroco 

+Más adelante y fuera ya de la corriente surrealista su estilo se hará más barroco: obras relevantes:

• *"Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar" 1944.

• * "Leda atómica"1949

•  *"El Cristo de San Juan de la Cruz" 1951, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.

 Explicaciones:

*" Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar" 1944.

Gala, mujer y musa de Salvador Dalí, levita dormida sobre una roca en un paisaje marino en el que reina la calma. Bajo su cuerpo desnudo flotan también dos gotas de agua y una granada en torno a la que revolotea una abeja. El zumbido de la abeja provoca un sueño en Gala, que se materializa en la parte superior por la explosión de otra granada de la que sale un pez de cuya boca, a su vez, surgen dos enfurecidos tigres y una bayoneta. Es este arma el que, un segundo más tarde, despertará a Gala de su plácido descanso. Aunque en 1944 Dalí residía en Estados Unidos y apenas pintaba, en esta obra retoma su "método paranoico-crítico" que, siguiendo las teorías freudianas, defendía la multiplicidad de significados de las imágenes y que le convirtió en uno de los principales miembros del grupo surrealista.

En esta «fotografía onírica pintada a mano» —la manera como generalmente Dalí denominaba sus cuadros— contemplamos un paisaje marino de lejanos horizontes y tranquilas aguas, quizás Port Lligat, en medio del cual, una vez más, Gala protagoniza la escena. Junto a su cuerpo desnudo y dormido, levitando Dalí coloca dos gotas de agua suspendidas y una granada, símbolo cristiano de fertilidad y resurrección. Sobre ella vuela una abeja, insecto que tradicionalmente simboliza a la Virgen. El zumbido de la abeja se traduce en la mente de Gala en un sueño en el que la explosión de la granada de la parte superior hace que salga despedido de su interior un enorme pez, del que, a su vez, surgen dos amenazantes tigres y una bayoneta; ésta será la que un segundo más tarde aguijoneará a Gala en el brazo. Sobre ellos, un elefante con largas patas de flamenco, que aparece en otras composiciones de ese momento, lleva sobre su espalda un obelisco —como el elefante de Bernini de la Piazza Santa Maria — que simboliza el poder del Papa.

Christopher Green ha analizado detenidamente la relación de esta imagen con los textos de Freud sobre la interpretación de los sueños, tan esenciales para comprender el arte de Dalí. No en vano, el «método paranoico-crítico» —inventado por el pintor siguiendo las teorías freudianas de la interpretación de los sueños, según el cual cada imagen o asociación de imágenes podía ser sometida a dobles lecturas— fue su aportación fundamental al movimiento surrealista. En este sueño, que tiene lugar a plena luz del día, Dalí pretendía, según explicó en 1962, «poner en imágenes por primera vez el descubrimiento de Freud del típico sueño con un argumento largo, consecuencia de la instantaneidad de un accidente que provoca el despertar. Así como la caída de una barra sobre el cuello de una persona dormida provoca simultáneamente su despertar y el final de un largo sueño que termina con la caída sobre ella de la cuchilla de una guillotina, el ruido de la abeja provoca aquí la sensación del picotazo que despertará a Gala».

 *"Leda Atómica "1949

Este cuadro grita ciencia por todos lados, desde el nombre que hace referencia al descubrimiento de la partición atómica que a su vez se representa como los elementos fragmentados y en suspensión, sin contacto alguno entre sí, ni siquiera el mar con la arena, todo flota, pasando por los elementos alusivos al aprendizaje y a las matemáticas como la escuadra y varios libros. Finalmente, encontramos la proporción áurea, en esta ocasión, enmarcando a Gala, la musa y esposa de Dalí. El artista representó y exaltó su admiración por ella al encuadrarla en la perfección matemática de las figuras de la proporción áurea.

*Al inicio de la Segunda Guerra Mundial va a vivir a Estados Unidos con Gala, donde permanecerá hasta 1948, año en que regresa a España y se instala en Port Lligat. Se produce una vuelta al clasicismo. Él mismo se declara profundamente católico. Pinta obras religiosas tocando temas de la cristiandad. Madonna de Port Lligart, Leda atómica, El Cristo de San Juan de la Cruz y La última cena.

👁La explosión atómica del 6 de Agosto de 1945 en Hiroshima le conmocionó.

 A partir de entonces, el átomo se convirtió en el elemento favorito de inspiración para sus pensamientos." Leda atómica"representa la figura mitológica de Leda, mortal seducida por Zeus disfrazado de cisne. Fruto de esta relación fue el huevo de donde salieron los gemelos Cástor y Pólux. Aquí Leda toma la forma de Gala sentada sobre un alto pedestal, con los pies apoyados en pequeños pedestales flotantes, mientras acaricia al cisne volador.

"El Cristo de San Juan de la Cruz",  abajo expuesto, está concebido en actitud barroca. Nos ofrece la crucifixión con un punto de vista insólito, desde arriba, con el cuerpo en escorzo. El cuadro de divide claramente en dos zonas, el fuerte tenebrismo del crucificado contrasta con el cotidiano paisaje inferior. Ambas están separadas por la distinta iluminación, pero son unidas en el ojo del espectador por la coincidencia del punto de fuga.

"Galatea en las esferas" es la imagen de Gala formada por esferas casi en su totalidad. En el centro de la imagen las esferas están distribuidas como átomos con punto de fuga en la boca.

👉 Dalí y la razón áurea. 

Imprescindible ver este link.

 D-  a partir de los años 60,

 Dalí inició un período final en el que, agotado su genio inventivo.

Cayó en la repetición de sus anteriores fórmulas estéticas, y en la que su descarado interés por la comercialización 

restó validez a la mayor parte de su producción artística. Su actividad fue incesante en pintura, en ilustración de libros y en diseño de joyas, además de por la continua autopublicidad que el propio artista hacía en todo tipo de medios, mediante actuaciones cada vez más inverosímiles que seguían alimentando al mito que ya era.

+ En 1974 inauguró el Teatro-Museo Dalí en Figueres. Tras la muerte de Gala, la salud de Dalí irá deteriorándose hasta que en 1989 muere y es enterrado en el Teatro-Museo de Figueres.

+--Dalí realizó también, varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como. Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador

+ Dalí(1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.

 ver este enlace:

resumen de las vanguardias, primera mitad del siglo XX