Eduardo Chillida "Elogio del Horizonte". Gijón.1990.
Esquema para comentar obras escultóricas. (Descargar).
Ver : La escultura vanguardista del siglo XX.
Diapositivas de Escultura Contemporánea.
Escultura española 2ª mitad del siglo XX. Oteiza, Chillida, Ibarrola..
.🎯.Presentación básica PARA ENTENDER EL TÉRMINO VANGUARDIA
Recordar
El cubismo será fuente de inspiración en pintores y en escultores de las vanguardias .
---- influye al Neoplasticismo Holandés 1917: al 📍 El grupo De Stijl (componentes:📍Piet Mondrian y 📍Theo van Doesburg ).
---- influye a la Bauhaus en Alemania en el 1919.
---- influye a Tamara de Lempicka.
---- influye a Escuela Inglesa : La nueva figuración (años 60): 📍Francis Bacon 1909- 1992.. y a📍Lucian Freud 1922 - 2011.
1B- Su etapa EXPRESIONISTA estudiando "el Guernica" 1937.
----Influye a la escultura vanguardista Abstracta:- 📍La escultura de los años 20: 📍Pablo Gargallo, y 📍Constantin Brancusi.
----- CONSTRUCTIVISMO Ruso: a 📍Antoine Pevsner).
El constructivismo va influir a la 🔴 LA ESCUELA VASCA de Escultura.
📍*EDUARDO CHILLIDA. 1924- 2002.
Hablamos de una Europa de las vanguardias históricas, en la primera mitad del siglo XX, donde habían surgido numerosas corrientes artísticas que deseaban renovar y transformar la visión del arte tradicional que había persistido a lo largo de los siglos. La llegada al poder de los fascismos en el periodo de Entreguerra rompió con este proceso creativo. Los artistas fueron rechazados por los totalitarismos, y estos consideraron estas obras renovadoras como - arte degenerado- poco patriótico. Los artistas tildados como degenerados sufrieron sanciones.
Contexto +En España:
El frustrado proceso de modernización que intentaron algunos sectores de la sociedad, durante la II República, coincidió con la depresión económica más grave de la historia del capitalismo. La Guerra Civil Española desangró a España, la convirtió en un Estado totalitario y sirvió de preámbulo a la gran guerra que estaba por venir en el continente.
La Guerra Civil Española (1936-1939).
La Segunda Guerra Mundial (1939-1945) marcó un antes y un después en las conciencias del
siglo XX.
El éxito logrado por el Partido Nacionalista Vasco (PNV) en las primeras elecciones democráticas de 1977 daba comienzo al proyecto del Estatuto de Autonomía de Guernica. Tras casi cuarenta años de dictadura y en el seno de una sociedad de gran agitación y violentada por la presencia del grupo terrorista ETA ( disuelto en el 2011), el ordenamiento vino a simbolizar la superación definitiva del franquismo y la convivencia de la comunidad vasca en paz y libertad. La cesión de trasferencias por parte del gobierno central posibilitó la creación y el restablecimiento de diferentes entidades públicas y privadas a favor de la difusión, la recuperación y la defensa de la cultura vasca, en especial, a la reanimación del euskera. Entre otras iniciativas, se institucionalizó el sistema del bilingüismo oficial. Se reinstauraron diferentes entidades promotoras ligadas a este, se fundó la Orquesta Sinfónica de Euskadi o surgieron nuevos medios de comunicación como la Radio Televisión Vasca-EITB con programación en euskera.
Contexto artístico
1- Resumen a recordar
La expresión y la técnica impresionista de 📍Rodin (1840-1917) y Camille Claudel (1864-1943).
Años 20 -Escuela de París : 📍-Gargallo (1881-1934) - 📍-Constantin Brancusi , 1876 – 1957))
La escultura de Posguerra : 📍 Henry Moore ( Escultura Biomórfica y humanista), la importancia del vacío y la deformación. Inglés. 📍Antoine Pevsner: La Incorporación del espacio en su obra, Constructivismo abstracto. La vanguardia Soviética. Ruso.
2- Resumen a recordar . la ESCULTURA EXPRESIONISTA ESPAÑOLA:
📍GARGALLO (1881-1934) Innovación plástica del XX : El hueco.
JULIO GONZÁLEZ (1876-1942) Innovación plástica del XX : El hueco.
📍 PICASSO (1881-1973) , diferentes etapas.
3- La SIGUIENTE GENERACIÓN: la ABSTRACTA ESPAÑOLA
👉. Escultura contemporánea. Características de la escultura del siglo XX
🔴 LA ESCUELA VASCA de Escultura.
J. Oteiza y E. Chillida diálogo en los 50-60 obras. Video.
LA GENERACIÓN DE LOS ESCULTORES VASCOS:
Son Seguidores del constructivismo ruso de Antoine Pevsner y ºNaum Gabo.
Son sucesores de las innovaciones de los españoles Julio González y Picasso. Gargallo.
📍JORGE OTEIZA.1908-2003 : El hueco. Inició su actividad en los años 20 en San Sebastián en contacto con jóvenes artistas influenciado por el cubismo, primitivismo.
Reivindica el Neo -Plasticismo y el Constructivismo soviético. Realiza una escultura abstracta, siente admiración por el Suprematismo de Malevich y el Constructivismo ruso. Se basa en la experimentación matemática y geométrica de las formas que envuelven el vacío. Representa el espacio y la desmaterialización.
Sus obras son fruto del análisis objetivo, racional y la abstracción geométrica. Juega con el volumen y el espacio para representar lo espiritual, lo humano y lo abstracto. Las obras que realiza adquieren dimensiones arquitectónicas. Anuncia el minimalismo.
Destacamos :
* Propósito o Laboratorio Experimental (1955). Título con el que se presenta su obra en la Bienal de São Paulo (1957), donde obtiene el premio extraordinario de escultura. Oteiza investiga la escultura como masa a la escultura como energía. Es decir la escultura entendida como desocupación activa del espacio. Trabajó en el estudio del movimiento y la dinámica basándose en las líneas de fuerza que dió origen a las esculturas presentadas en la Bienal de Saö Paulo 1957.
Jorge Oteiza dejó dicho que hasta el siglo XX -en particular, hasta él- la escultura tradicional se limitaba a ocupar un espacio, pero que a partir de entonces su tarea consistía en generar un espacio. De ahí que en sus trabajos la forma física es menos significativa que el espacio que ésta alberga, el vacío interior que se nos hace presente por los materiales, los cuales vienen a ser como su piel exterior, constructiva y geométrica.
Es el resultado de años de investigación y trabajo sobre estas ideas: ejemplo de fuerza y pureza, de la elevación espiritual a través del arte. La única forma de lograrlo es despojando al arte de todo lo mundano.
📍EDUARDO CHILLIDA . 1924-2002 San Sebastían. El hueco. Maximo representante de la escultura informalista en España.Muy premiado también fuera de España. En 1951, Chillida lleva a cabo un cambio importante en su obra, introduce el hierro trabajando con un herrero en la forja, allí el maestro encuentra sus orígenes , sus raíces, las tradiciones Vascas propias de una sociedad rural , materiales tradicionales y encuentra también la artesanía de esa sociedad Vasca, instrumentos de labranza que dejan de ser esto para convertirse en escultura . Destaca por la monumentalidad de sus obras en hormigón e hierro; lo podemos considerar una continuidad de Gargallo y J.González. Es el mejor representante de la abstracción y el expresionismo subjetivo en España. En la escultura de Chillida, el espacio interior dará lugar al aspecto formal, enlaza con la vena expresionista del arte español. Esculpe bloques de hierro o madera donde aparece una mezcla de arquitectura y escultura, como en "EL PEINE DEL VIENTO " y " ELOGIO DEL HORIZONTE".
"El peine del viento". 1976 . Acero corten. Ubicada en la Playa de San Sebastián.
📍AGUSTÍN IBARROLA. 1930. Representante del Constructivismo Ruso.
Muy comprometido política y socialmente. Destaca la monumentalidad, colorido y el expresionismo de sus obras. Se inspira en la naturaleza.
"El Bosque de Oma" 1983-1987. Se ubica cerca de Guernica.
J. Oteiza y E. Chillida diálogo en los 50-60 obras. Video.
LA generación ABSTRACTA ESPAÑOLA
🔴 LA ESCUELA VASCA:
Son sucesores de las innovaciones de Julio González y Gargallo.
Les influye el Constructivismo.
1) Características comunes de la Escuela Vasca
La escultura española de la 2ª mitad del siglo XX cuenta con artistas de prestigio mundial como Eduardo Chillida, Jorge Oteiza o Agustín Ibarrola. Todos pertenecen a la Escuela Vasca, en ellos las raíces vascas, el respeto por la naturaleza y un trabajo infatigable son algunos de los rasgos que les identifican.
Son sucesores de las innovaciones de Julio González y Gargallo.
Las obras son fruto de un profundo estudio previo de formas, materiales y entorno. Basado en principios matemáticos, físicos, racionales.
A partir del conocimiento de la tradición vasca artesanal, crean un lenguaje escultórico moderno, vanguardista y universal.
Son obras donde predomina la abstracción. Se alejan de la realidad.
El lenguaje escultórico se basa en el estudio del volumen, la antimateria, la representación del espacio.
Predominan las formas geométricas.
Experimentan con los materiales, especialmente hierro, hormigón, etc.
Son obras monumentales, expuestas en parques y espacios públicos. Requieren enormes talleres.
Les influye el Constructivismo.
Abstracción escultórica de los 50
* Propósito Experimental (1955)Título con el que se presenta en la Bienal de São Paulo (1957), donde obtiene el premio extraordinario de escultura. Oteiza investiga la escultura como masa a la escultura como energía. Es decir la escultura entendida como desocupación activa del espacio. Trabajó en el estudio del movimiento y la dinámica basándose en las líneas de fuerza que dió origen a las esculturas presentadas en la Bienal de Saö Paulo 1957.
+ El premio a Jorge Oteiza en la IV Bienal de São Paulo de 1957 recompensó a un artista español hasta entonces desconocido, con Oteiza planteaba su escultura como un “propósito experimental” centrado en la idea de desocupación del espacio.
Con la escultura se fabrica hombre. Cuando el artista concluye, quedan como subproducto su obra, la de una exploración de la aventura del mundo.
Ver este enlace para comprender a Oteiza ▲.
JORGE OTEIZA Escultor, máximo exponente de la escuela Vasca de escultura.
Su obra la podemos encontrar en distintas disciplinas como la escultura, la pintura, la arquitectura, la poesía, la estética, el cine o en la antropología.
Podemos hablar del arte de la escultura Abstracta de los años 50.
Su principal debate de los 50 : es el debate sobre la validez de la abstracción. La recuperación de la escultura en nuestro país, hay que pensar cómo era esa situación tras la guerra civil , donde muchos artistas habían fallecido y otros estaban en el exilio (entre España y París se abre la frontera y hay un flujo considerable de artistas).
+ Realiza una escultura abstracta, siente admiración por Malevich y el Constructivismo ruso, se basa en la experimentación matemática y geométrica de las formas que envuelven el vacío. Representa el espacio y la desmaterialización. Sus obras son fruto del análisis objetivo, racional y la abstracción geométrica. Juega con el volumen y el espacio para representar lo espiritual, lo humano y lo abstracto. Las obras que realiza adquieren dimensiones arquitectónicas. Anuncia el minimalismo.
La presencia de Oteiza como revulsivo de estos años será fundamental, considerando que que el arte es una necesidad vital para el hombre, para producir un cambio importante.
Se hacen eco de la ideas de Oteiza:
los artistas del: Equipo 57 y los posteriores artistas del grupo El Paso, en España.
“El arte está en los hombres no en los museos”. Representa la Abstracción Mística para lograr la espiritualidad.
Pensar, investigar sobre el vacío. “Hago escultura para saber de qué trata la escultura”. “La escultura es un combinado de espacio con volúmenes” JORGE OTEIZA.
* Propósito Experimental (1955), Bienal de São Paulo (1957), donde obtiene el premio extraordinario de escultura.
A.1) Trayectoria
1) - Actividad en San Sebastián en los años 20, las primeras obras escultóricas de Oteiza están fuertemente influidas por el cubismo y el primitivismo.
2) - Investiga la estética de la escultura precolombina ( primitivismo) en 1934, pues viaja a Sudamérica (Bolivia, Colombia, Argentina, Chile), donde permanece hasta 1948, sorteando la Guerra Civil Española.
Durante años se dedicó además de a su obra escultórica y a realizar estudios teóricos sobre estética y a la labor docente como profesor de cerámica en la Escuela de Cerámica de Buenos Aires (Argentina) y en Colombia donde escribe textos fundamentales para la comprensión de su proyecto artístico: "Carta a los Artistas de América (1944)".
En 1947, tras una prolongada estancia en Sudamérica y digerir el impacto que le había producido la obra de Henry Moore.
3) - A su regreso a España, se le concede por concurso la realización de la estatuaria para el friso y la fachada de la Basílica de Nuestra Señora de Arantzazu 1949-51, obra del arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza .
Oteiza pone en práctica sus teorías sobre el debilitamiento de la expresión figurativa, aplicándolas a un tema religioso. La Iglesia prohíbe los trabajos por su modernidad que no era bien entendida en la época por las élites eclesiásticas. En los años 60 se levanta la prohibición de este excelente conjunto escultórico.
4) - 1957 Pero el momento de mayor esplendor creativo de Oteiza es entre los años 1956 y 59 Con la experimentación heredada del constructivismo.
Oteiza se embarca en lo que denomina su * Propósito Experimental Título con el que se presenta en la Bienal de São Paulo (1957), donde obtiene el premio extraordinario de escultura. Oteiza investiga la escultura como masa a la escultura como energía. Es decir la escultura entendida como desocupación activa del espacio. Trabajó en el estudio del movimiento y la dinámica basándose en las líneas de fuerza que dió origen a las esculturas presentadas en la Bienal de Saö Paulo 1957.
+ El premio a Jorge Oteiza en la IV Bienal de São Paulo de 1957 recompensó a un artista español hasta entonces desconocido, con Oteiza planteaba su escultura como un “propósito experimental” centrado en la idea de desocupación del espacio .
Desde inicios de la década de los cincuenta Jorge Oteiza había dirigido sus investigaciones a pasar, según su propia expresión, de la estatua como masa a una estatua como energía, como “desocupación activa del espacio”. Así ideó obras estáticas como los “hiperboloides” y los “condensadores de luz”, los primeros buscando la liberación de energía por desocupación de la forma, y los segundos provocando que la luz fuera atributo intrínseco de la materia y no externo a ella. Trabajó en el estudio del movimiento y la dinámica basado en las líneas de fuerza que dio origen a la escultura presente en São Paulo, Par móvil de 1956, en la que la dinámica era estructural de la propia obra y las desocupaciones de la esfera. Y a ello se sumó el descubrimiento de la que denominó Unidad Malevich que, en el texto del catálogo de São Paulo, era definida como una “pequeña superficie.
Ejemplo de ello su obra: "La Caja metafísica " 1957. obra con este propósito y su cuerpo teórico: La Caja metafísica de 1957 es el resultado de años de investigación y trabajo sobre estas ideas: ejemplo de fuerza y pureza, de la elevación espiritual a través del arte. La única forma de lograrlo es despojando al arte de todo lo mundano.
*"Desocupación de la esfera". de 1958, situada ante el Ayuntamiento de Bilbao.
Sus series de * " cajas vacías," * "la ola". Donde experimenta con la abstracción para lograr la justificación ideológica del arte como utopía, a la realización del hombre nuevo.
5) - En París forma grupo -el Equipo 57 : inicialmente en mayo de 1957 por los escultores Jorge Oteiza y Agustín Ibarrola entre otros.
6) - En 1959, por entender que había alcanzado a su fase conclusiva, decide abandonar la actividad escultórica.
*Laboratorio de tizas, entre 1957 y 1974.
En estos años de actividad Oteiza realiza una operación de gran trascendencia, al situar su obra en la senda de la tradición geométrica europea, reivindicando el neoplasticismo y el constructivismo soviético.
La recuperación que hace de las estéticas geométricas europeas y su influencia en la cultura vasca generan las bases de lo que se denomina la escuela de la escultura vasca ; es Eduardo Chillida su representante más preciado en el mercado del arte.
Oteiza es un artista puente entre el periodo de las vanguardias y la generación de la posguerra, y alcanza su influencia en sectores artísticos, culturales y políticos. Se mantuvo distante y crítico con los reconocimientos oficiales.
7) + Oteiza, durante los 60 y 70 Oteiza, después de abandonar la escultura en 1959, convencido de que ya no iba a aportar nada nuevo. Hasta su muerte se dedicó a escribir ensayos. Durante los 60 y 70 Oteiza investiga la lengua vasca y las manifestaciones populares de su pueblo.
8) En 1992 donó su legado al pueblo de Navarra. Tras su muerte, en primavera de 2003, abrió sus puertas al público la Fundación Jorge Oteiza, en la localidad de Navarra de Alzuza, ocupando lo que fue su casa y taller.
A.2) características propias de Oteiza
-En 1947, tras una prolongada estancia en Sudamérica y digerir el impacto que le había producido la obra de Henry Moore, había comenzado a desarrollar en el País Vasco lo que denominó su "Propósito Experimental". Oteiza representa la Abstracción Mística para lograr la espiritualidad.
Para Oteiza el arte funcionaba “como cuidado existencial del hombre”. El escultor se vio a sí mismo como un “obrero metafísico”, se ubicó en el final del arte de vanguardia y declaró, con afán de universalismo y de verdad, que “la historia de la escultura la hace un solo escultor que cambia de nombre personal”. Buscó crear una “estatua”, según su propia terminología, de “naturaleza experimental, objetiva, fría, impersonal, libre de todo afán espectacular, de toda intención superficial, de parecer original y sorprender”, una escultura que fuese “la imaginación espiritual de nuestro tiempo”, y una obra que concluyó en “la Nada que lo es Todo”, mostrando el aspecto mítico y por tanto primigenio con el que concibió su escultura.
Realiza una escultura abstracta, siente admiración por Malevich (suprematismo) y el Constructivismo ruso, su obra se basa en la experimentación matemática y geométrica de las formas que envuelven el vacío.
Representa el espacio y la desmaterialización. Sus obras son fruto del análisis objetivo y la abstracción geométrica. Juega con el volumen y el espacio para representar lo espiritual, lo humano y lo abstracto.
Las obras que realiza adquieren dimensiones arquitectónicas. Anuncia el minimalismo.
Destacan sus *series de cajas vacías, * la ola. Donde experimenta con la abstracción para lograr la justificación ideológica del arte como utopía, a la realización del hombre nuevo .
"La Caja metafísica de 1957" Jorge Oteiza dejó dicho que hasta el siglo XX -en particular, hasta él- la escultura tradicional se limitaba a ocupar un espacio, pero que a partir de entonces su tarea consistía en generar un espacio. La forma física es menos significativa que el espacio que ésta alberga, el vacío interior que se nos hace presente por los materiales, los cuales vienen a ser como su piel exterior, constructiva y geométrica.
Es el resultado de años de investigación en su propósito experimental y trabajo sobre estas ideas: ejemplo de fuerza y pureza, de la elevación espiritual a través del arte. La única forma de lograrlo es despojando al arte de todo lo mundano.
+ Oteiza reflexiona sobre el progresivo papel del vacío y el silencio que encuentra en su escultura y entre 1958 y 1959 plasma sus formulaciones anteriores en su obra, como la desocupación del cubo en sus * Cajas vacías, quizá las que mejor representen las conclusiones de su experimentación.
Oteiza dice: "El Arte hoy no está en los museos, el arte está en el hombre, no en los museos ni para las galerías. Comenta que , el artista hoy está domesticado , es cómodo para la sociedad, hoy no producen desasosiegos ni incomodidad para la sociedad.
El arte sirve para crear "hombre", explica Oteiza, el arte para él, surge de unas variantes y de una experimentación y así después de experimentar , observa Oteiza que en su obra se forma ese vacío, como un lugar donde todo cabe, protegido, donde ya puede el hombre crecer co su interior. el objeto vacío." dice Oteiza es para él un espacio metafísico .
Y este arte del objeto se ha concluido en el 1958 por Oteiza. Él quería con esa sensibilidad nueva constructivista y utópica elaborada por el arte contemporáneo, pasase, por la educación, al niño para crear un hombre nuevo. Oteiza dice que no ha querido el gobierno, este hombre nuevo. Este es el fracaso político del arte contemporáneo. Explica Oteiza.
Oteiza es un artista puente entre el periodo de las vanguardias y la generación de la posguerra, y alcanza su influencia en sectores artísticos, culturales y políticos. Se mantuvo distante y crítico con los reconocimientos oficiales.
Dice Oteiza - Que el gran representante del arte actual es Duchamp , porque trata de incomodar, molestar al hombre para despertarlo. Pero Oteiza comenta que con el arte posmoderno el hombre se volvió a dormir.
A.3) Obra comentada:
"Propósito Experimental". *"Cajas vacías" La Caja metafísica de 1957 .* "Caja vacía.1958". El premio a Jorge Oteiza en la IV Bienal de São Paulo de 1957 recompensó a un artista español hasta entonces desconocido., según su propia expresión, de la estatua como masa a una estatua como energía, como “desocupación activa del espacio”.
Laboratorio de tizas, entre 1957 y 1974
"Desocupación de la esfera". de 1958, situada ante el Ayuntamiento de Bilbao.
Caja metafísica por conjunción de dos triedros. 1959 Jorge Oteiza. .
A mediados de los años cincuenta, Jorge Oteiza comenzó a investigar en torno al cuadrado y el cubo como unidades esenciales, influido por Mondrian, Malevich y, sobre todo, Cézanne. En sus esculturas de piedra, hierro o acero evidencia una concepción de los volúmenes cerrados que se distingue por el hecho de mostrarlos como presencias metafísicas y no como ausencias de masa sólida. Se trata, por tanto, de capturar la esencia del vacío, su capacidad para generar a un tiempo energía espiritual y física.
"Caja metafísica por conjunción de dos triedros," se inscribe en la serie dedicada a Construcciones vacías y a las Cajas metafísicas. Oteiza despliega una compleja combinatoria entre planos escalonados y volúmenes espaciales internos y externos. A pesar de situarse cerca de la práctica neoplasticista y suprematista, los procedimientos empleados en esta escultura ponen de manifiesto una de las constantes en la trayectoria de su autor: la voluntad de preservar el contenido vital de sus obras respecto al logicismo puro. A la rigidez analítica de la matemática, el escultor vasco opone la biología o la física, ciencias ancladas en la realidad.
DE MI DESOCUPACIÓN DEL ESPACIO
creación de huecos de espacios vacíos
en escultura como objeto experimental
desocupación espacial del cubo
de la esfera
y el cilindro
con un abrazo a Cézanne
desocupación del poliedro
desocupación de la ciudad
en arquitectura en urbanismo vaciar la ciudad
para ver el cielo
en el cine concavidad agujeros
en el deporte sitios fuera del mundo
en el fútbol
descolocar defensas
abrir huecos
para escapar.
+ Es una escultura de hierro cobreado realizada por Oteiza dentro de su serie de cajas metafísicas, sobre las que plasma formulaciones anteriores de su obra, como la desocupación del cubo. Debido a ello, podemos ver en esta caja las influencias del plano Malevich sobre el que tanto investigó el escultor vasco, y sobre el que afirmaba que “confunde los puntos de fuga que dan forma al espacio y destruye las ligaduras que intentan ordenarlo reduciéndolo a una red de direcciones”.
+ Oteiza consideraba que la abstracción era un elemento clave, porque es a través de ella que el arte se une al pensamiento filosófico y a la búsqueda de sentido. De este modo, su serie de cajas metafísicas tratan de expresar dicha idea: “la elevación espiritual a través del arte”
+ Oteiza trató de crear una obra con la que pudiera expresar sus ideas metafísicas a través de una pieza que quedará vacía de sentimentalismo y de anécdotas, es decir, su finalidad era eliminar el subjetivismo para expresar la realidad de lo real.
+ Creó una escultura con la que pudiera experimentar las posibilidades de espiritualización a partir del hueco y el vacío .
+ Aunque a simple vista parezca una simple caja con vacío y espacio de por medio, lo cierto es que, Caja vacía forma parte de una elaborada serie, resultado de años de investigación. Oteiza activa aquí el vacío a través de “la relación entre los planos, sus intersecciones, los ángulos creados, o el dibujo del contorno y las sombras.
+ Trata de lograr un equilibrio entre lo que queda fuera y lo que queda dentro de la caja.
+ La composición es el elemento clave. Las paredes de bronce de la caja no forman en verdad la escultura; la escultura está dentro. “Así pues, en principio, una caja no es una construcción en el espacio, un ensamblaje o composición, sino un contenedor, un delimitador de espacio” La función de la caja es delimitar un espacio vacío.
+ A pesar de lo abstracto de esta obra, posee también un carácter expresivo puesto que al artista le asustaban las señales de la muerte (la oscuridad de la cosas, la multitud, la noche), y vio en la Caja vacía un lugar de protección. Para el escultor vasco, el tiempo es un elemento letal y destructivo salvo para el vacío, es decir, el tiempo no puede destruir al vacío. “Se trata, por tanto, de capturar la esencia del vacío, su capacidad para generar a un tiempo energía espiritual y física”
Desocupación de la esfera". de 1958, situada ante el Ayuntamiento de Bilbao. Esta obra de Jorge Oteiza (1908-2003) está realizada en acero corten para asemejarla a los barcos, con seis metros de diámetro y casi ocho de altura. Su visión impacta por la tensión entre lo estático y lo dinámico. A ello ayuda también su ubicación entre el edificio del Ayuntamiento y la Ría.
Desocupación de la esfera. de 1958, situada ante el Ayuntamiento de Bilbao ▼
Construcción vacía". Construcción vacía, 2002 (1957) en el Paseo nuevo de San Sebastián en 2002 Jorge Oteiza. Donosti ▼
Adquirida por el Ayuntamiento en 2001, se colocó en el Paseo Nuevo en octubre de 2002. Se trata de una de las obras de la serie presentada para la Bienal de Sao Paulo de 1957, en la que el autor recibió el Premio Internacional de Escultura. Título original: Construcción vacía con cuatro unidades planas negativo-positivo, 1957.
LA OLA "1998 ▲
*"La Ola". Colección MACBA. Fundación MACBA. Donación del artista.de aluminio negro formada por poliedros y planos oblicuos y hacerla jugar con la alternancia de luz y sombra que crea sobre la obra la fachada del Museo.
Aluminio patinado y pintura de poliuretano.770 x 415 x 340 cm. Colección MACBA. Fundación MACBA. Donación del artista.
Situada de forma permanente sobre el podio que se alza ante la fachada del MACBA, en la Plaça dels Àngels de Barcelona, La ola de Jorge Oteiza se ha convertido en un icono de este edificio construido por el arquitecto Richard Meier. Cuando en 1998, tres años después de su inauguración, Oteiza fue invitado a producir una obra para el Museo, decidió que quería ponerla en diálogo con el estilo arquitectónico de Meier, que él consideraba de un racionalismo cercano a Le Corbusier y con el que se sentía muy afín. En este contexto, decidió producir una gran ola de aluminio negro formada por poliedros y planos oblicuos y hacerla jugar con la alternancia de luz y sombra que crea sobre la obra la fachada del Museo.
La ola, por Oteiza en 1957. En esos años, el escultor vasco experimentaba con formatos pequeños y con figuras como cubos y poliedros en los que practicaba incisiones cóncavas y convexas, como sugieren las formas de esta obra. Oteiza quiso recuperar esta maqueta de su taller, donde había quedado almacenada desde que abandonó la producción escultórica en 1959 para dedicarse de pleno a actividades teóricas. En la época en que el artista realizó esta maqueta, buena parte de su producción era de dimensiones muy reducidas; a veces consistía en simples maquetas de cartón o yeso que luego fundía con el mismo tamaño. Cuando, en 1998, decidió trasladar la pieza seleccionada a escala monumental, necesitó cinco maquetas más y una sexta de madera, de tamaño real, para materializar el proyecto. La ola condensa la visión de Oteiza de las olas del mar y su interpretación en clave geométrica.
Oteiza insistió en que se trata de una pieza que «dialoga con la convexidad del Museo». Refiriéndose al juego de sombras que producía la posición del sol y del edificio sobre la obra, también aclaró: «En vasco, la sombra se llama itxal, que significa el poder del ser, no la falta de luz. La sombra es el poder de la luz: cuanta más sombra hay, más presencia luminosa tenemos.» Tanto en su obra escultórica experimental como en sus textos y manifiestos teóricos, Oteiza siempre entendió la escultura como un proceso de búsqueda metafísica y espiritual. «Todo está en la ocupación de los espacios. Puede suceder que la obra absorba el entorno, o viceversa. Yo pretendo ocupar un espacio con armonía.
Homenaje al caserío vasco. Oteiza. Biarritz
es un "Homenaje al caserío vasco" Paseo Nuevo, Bahía de la Concha, San Sebastián, Guipúzcoa. Acero cortén.
Video- El mismo año, la prestigiosa Bienal de Venecia 1988 expuso obras seleccionadas del escultor y fotografías a tamaño natural de su *"Laboratorio de tizas"junto a obras de artistas del momento bajo el título ¿Es la modernidad nuestra antigüedad?
Entre 1957 y 1974 Jorge Oteiza trabaja en su laboratorio de tizas, un espacio experimental de reducidas dimensiones en el que ensaya prototipos espaciales con pequeños prismas de yeso. Este trabajo será la base de buena parte de su obra posterior. Desde entonces, la intensidad metodológica del laboratorio de tizas de Oteiza ha iluminado la historia del arte y de la arquitectura y se ha convertido en referente de investigaciones por la base científica de su trabajo, riguroso, intenso y elemental.
La combinatoria elemental de este reducido número de elementos permite generar, como si de un alfabeto se tratara, una amplia pluralidad de resultados. Este sistema de piezas conduce, más allá del juego, al encuentro de las leyes de la forma, entendida ésta como un sistema abierto de leyes interconectadas.
”Mi Laboratorio de Tizas, una disciplina para pensar visualmente y comportarme. Una lógica pura. Las formas están y yo soy. Ante mi obra el resultado era yo, me examinaba a mí mismo. Todas las obras que conservo, todas las que hice, han quedado vacías en el momento de realizarlas y examinarme. No era la escultura, era yo el que se realizaba.” (Jorge Oteiza)
Analiza estas 3 esculturas
1) Analiza una escultura de H. Moore: *"Mujer Recostada
2 ) Con J.Oteiza en su Propósito experimental con su pieza : *""Caja vacía. (1958)" Oteiza.
3 ) Analiza una escultura de A. Pevsner : *" Superficie desarrollable
Nace en San Sebastián, 1924-2002, remero, futbolista, pelotari, donostiarra universal y explorador de dimensiones. Destaca por la monumentalidad de sus obras en hormigón e hierro; lo podemos considerar una continuidad de Gargallo y González. Es el mejor representante de la abstracción y el expresionismo subjetivo en España.
Escultor y grabador español. Junto a Jorge Oteiza, es el escultor vasco más destacado del siglo XX, continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso.
Chillida brevemente estudió arquitectura en Madrid, sin terminar. recibió clases de dibujo y empezó a esculpir en hierro.
En 1948, se trasladó a París , para explorar las opciones plásticas de los materiales; dejó atrás las técnicas tradicionales de cincelar la piedra para aprender a formar y forjar los metales, a partir de 1950, concentrarse en la abstracción. En sus comienzos utilizó preferentemente el hierro y la madera, e introdujo posteriormente otros materiales como el hormigón, el acero, la piedra e incluso el alabastro, que le interesaba por sus cualidades lumínicas.
A partir de los años 1970 Chillida observa la naturaleza y busca en ella la inspiración para sus formas.
El peine del viento". Playa de San Sebastián, 1976
Desde la década de 1980, se ha especializado en la instalación de piezas de grandes dimensiones, que se integran en espacios urbanos o en inmensos espacios naturales abiertos, y que contraponen armónicamente la masa y el vacío, caracterizándose por una sencilla geometría en la que las superficies rugosas o pulimentadas alternan dinamismo con estaticidad.
"Elogio del agua" Eduardo Chillida, 1987, situada en el Parque de la Creueta del Coll de Barcelona, en el distrito de Gracia.
"Elogio del Horizonte". Gijón.1990 Ubicada en Cerro de Santa Catalina de Gijón .La escultura definitiva, si se asimila a un pórtico en alzado y a una elipse en planta, el pórtico tiene 10 m de altura, y la elipse tiene unos diámetros de 12 m y 15 m. El grosor constante en toda la pieza es de 1,4 m.
"Buscando la luz" (Batió récords en la subasta de la Casa Christie). Pieza de acero corten. 2001.
En su destacada faceta de grabador —procedente de su interés continuado por la obra sobre papel, a la que ha conferido en ocasiones volumetrías propias de la escultura—, destacan las estampas realizadas para el poemario de Jorge Guillén, Más allá. O las que realizó para una obra del filósofo Martin Heidegger, en 1959, año en el que participó en la II Documenta de Kassel.
Posee el Premio de las Artes de Francia, el Premio Príncipe de Asturias, concedido en 1987, y es académico de la Academia de Bellas Artes de San Fernando.
_En la última parte de su vida, el propio Chillida constituyó el museo Chillida-Leku, en el caserío de Zabalaga (Hernani). Es una construcción tradicional vasca remodelada por el escultor y rodeada de un gran espacio de jardines que alberga la obra del artista. Allí se dejó ver en público por última vez, en octubre de 2000, en un acto celebrado en el museo, en el que fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad Complutense de Madrid.
+ Fallece el 19 de agosto de 2002.
Características propias de EDUARDO CHILLIDA en su obra
Alude a la energía creadora necesaria que acompaña al artista a través de toda su trayectoria artística y vital. Su trabajo, desde sus años de juventud, está fundamentalmente orientado hacia el conocer. Una luz que posee indudables connotaciones poéticas y filosóficas, que es espiritual y universal. De ese modo, la luz se impone en cada una de sus obras, cada materia trabajado por el escultor -hierro, madera, acero, alabastro, granito, hormigón, tierra o papel- irradia luminosidad.
1951, con su empleo en la fragua, se inicia en el trabajo del hierro. Emprende entonces un ciclo de esculturas en espacios abiertos. Huye de la imitación de la naturaleza y va en busca de la creación e invención. Cada una de sus obras plantea un problema espacial que trata de resolver con la ayuda del material, según las características o propiedades del mismo.
*Ilarik (1951) es su primera escultura abstracta. Significa "piedras funerarias" y está inspirada en las estelas funerarias y en los aperos del pueblo vasco. Se aprecia la relación entre la masa maciza del monolito y el espacio que señala.
-En 1957 abre una nueva etapa de experimentación. Hasta entonces, en su lenguaje predominan las líneas horizontales, verticales y curvas y ahora adoptará ritmos lineales más movidos e inquietos, de difícil comprensión.
Ejemplos: - * "Hierros de temblor" o -"Ikaraundi (Gran temblor)", donde el material férreo se extiende en el espacio sin tratar de capturarlo. También elabora -
Desde la década de 1980, se especializa en la instalación de piezas de grandes dimensiones en espacios urbanos o en la naturaleza, que contraponen la masa y el espacio. La serie Lugar de encuentros son enormes piezas que aparecen suspendidas en el aire colgando de cables de acero. *"El Peine del Viento, en San Sebastián".1976.Es un conjunto de esculturas, se encuentra situado en un extremo de la bahía de La Concha ( San Sebastián). Está compuesto por tres esculturas de acero, Los aceros que presentan una capa superficial protectora de herrumbre se denominan aceros patinables, adquieren un color rojizo anaranjado característico, de 10 toneladas de peso cada una, incrustadas en unas rocas que dan al mar Cantábrico, cuyas olas las azotan. finalizada en 1976.
"Elogio del agua" Eduardo Chillida, 1987, situada en el Parque de la Creueta del Coll de Barcelona, en el distrito de Gracia. Fue creada en 1987, bloque de hormigón de 54 toneladas de peso suspendido sobre la parte posterior del lago con cuatro cables de acero que cuelgan de la montaña. Es una pieza abstracta, de forma cuadrada en su parte superior, de la que surgen cuatro brazos curvos. El resultado es una obra sólida y pesada, con una superficie rugosa que contienen una gran densidad. El otro aspecto con el cual juega el artista, más allá de la materia, es el espacio. El llamado "Arquitecto del vacío" hizo colgar la obra porque quiso que ésta luche contra la ley de la gravedad. La pieza se transforma en un bloque de dinamismo. La parte superior, definida por las líneas rectas y geométricas, se combina con una parte inferior cargada de curvas y concavidades en forma de grandes garras que parecen querer tocar el agua. Son estos elementos orgánicos los que se proyectan sobre el espacio abierto donde se encuentra. Efectivamente, al hallarse al aire libre dentro de un parque de Barcelona, esta escultura sobria pero con gran fuerza visual se ve modelada por la luz cambiante del día. Elogio del agua es una de las obras maestras del autor vasco; obras con la cuales, según él, se acerca un poquito más a la inmensidad del cosmos.
"Elogio del Horizonte". Gijón.1990. La maqueta en madera que fabricó Chillida fue útil para la elaboración de los planos, y a partir de éstos se procedió a ejecutar en el taller un molde de poliexpán (poliestireno expandido) con las medidas definitivas. La maqueta de poliexpán permitió levantar en torno a ella el encofrado que determinaría la forma final de la escultura. El encofrado fue una tarea difícil a causa de las dobles curvaturas de la escultura. Para el encofrado escogieron madera de pino por su resistencia y comportamiento, ya que por un lado tenía que satisfacer la curvatura de la escultura. Tras una semana de reposo del hormigón, se procedió al desencofrado y se limpió la superficie de la escultura con ácidos diluidos para que el hormigón perdiese la lechada superficial y recuperase su auténtico color.
El Elogio es un refugio que obliga a la contemplación de lo insondable. Es como un templo que señala el límite siguiente, entre la tierra y el cielo. Elogia esos límites, los celebra y glorifica, porque esos límites son nuestro horizonte, el horizonte entre el hombre y la tierra, entre el hombre y el cosmos.
Esculpe monumentales obras que aparecen las ciudades o en espacios naturales como - *"Monumento a la tolerancia "en Sevilla. 2002
Buscando la luz IV". Chillida. 16 toneladas, acero, 8 m de altura. "Buscando la luz IV", creada por Chillida el año anterior a su muerte, se exhibió desde 2002 hasta 2004 en el parque escultórico de Yorkshire (norte de Inglaterra) y posteriormente en el Guggenheim y en la plaza de la Convivencia de Bilbao, junto a las torres creadas por Arata Isozaki.
La imponente pieza de acero fue vendida por 4,80 millones de euros en Londres, (Batió récords en la subasta de la Casa Christie)..La imponente pieza de acero fue vendida por 4,80 millones de euros en Londres. "Buscando la luz IV", creada por Chillida el año anterior a su muerte
- técnica:
+ En un primer momento, el hierro fue el material preferido para la búsqueda espacial, pero posteriormente introdujo otros materiales como la madera, el hormigón, el acero, la piedra o el alabastro. En la *serie Alrededor del vacío, emplea el acero. Iru Burni o *Elogio de la arquitectura. optará por unos materiales u otros de acuerdo a las posibilidades estructurales de los mismos. Elegirá el alabastro, cuya cualidad pone en relieve con la ayuda de la luz para hacer referencias a la Arquitectura.* La serie Elogio a la luz, compuesta por trece ensayos de ortogonales volúmenes, cuyas paredes están atravesadas por breves y estrechos corredores que, rectos y curvos, juegan con la luz y la sombra.. (Batió récords en la subasta de la Casa Christie). Pieza de acero corten. 2001.
Algunos ejemplos son * Peine del viento, y *Espacios sonoros. En Peine del viento la naturaleza interviene como un elemento más, sin forzarla. Recurre al viento y al agua, intentando que todos formen parte de la escultura.
Para * las puertas de Aranzazu busca chatarras y desechos industriales que puedan servirle. No pretende hacer unas puertas donde se coloquen esculturas, sino que ellas mismas sean las esculturas.
Elogio del horizonte, Hormigón, Eduardo Chillida Juantegui, 1990 El material escogido para esta escultura fue el hormigón. La escultura definitiva, si se asimila a un pórtico en alzado y a una elipse en planta, el pórtico tiene 10 m de altura, y la elipse tiene unos diámetros de 12 m y 15 m. El grosor constante en toda la pieza es de 1,4 m. La maqueta de poliespán permitió levantar en torno a ella el encofrado que determinaría la forma final de la escultura.
El Elogio es un refugio que obliga a la contemplación de lo insondable. Es como un templo que señala el límite siguiente, entre la tierra y el cielo. Elogia esos límites, los celebra y glorifica, porque esos límites son nuestro horizonte, el horizonte entre el hombre y la tierra, entre el hombre y el cosmos.
Elogio del agua (1987), Parque de la Creueta del Coll, Barcelona.
Eduardo Chillida había recibido el encargo de confeccionar una escultura de gran tamaño en algún lugar de Barcelona. Él mismo escogió el emplazamiento, cuando el parque aún estaba en obras. La escultura fue realizada in situ, con un encofrado que se rellenó de hormigón, y una vez solidificado se retiró la carcasa. La obra de Chillida fue inaugurada el 2 de mayo de 1987 por el alcalde de Barcelona, Pasqual Maragall, justo el día después de que el escultor recibiera el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
Elogio del agua es un bloque de hormigón de 54 toneladas de peso suspendido sobre la parte posterior del lago con cuatro cables de acero que cuelgan de la montaña. Es una pieza abstracta, de forma cuadrada en su parte superior, de la que surgen cuatro brazos curvos, una fisonomía habitual en la producción del artista.
En el proyecto original estaba suspendido sobre un pequeño estanque transitable por una pasarela de madera en su parte posterior, pero tras su caída en 1998 el estanque fue desecado y se cerró el acceso a la zona, para prevenir posibles accidentes en personas. Con ello se desvirtuó buena parte de la intención del artista, que quería que la obra se viese reflejada en el agua, como en el mito de Narciso, que se enamoró de su imagen reflejada en un lago. Como su título indica, la obra es un homenaje al agua, la cual jugaba un factor importante en la apreciación de la escultura; según el propio autor «yo hago la mitad de la escultura; la otra mitad la hace el agua».
Análisis
1) Analísis de - * "Elogio del Horizonte". Gijón.1990. de CHILLIDA y -* " El Profeta de Gargallo" 1933 de estilo cubista y expresionista.
2) Analísis de - * "El Peine del Viento de Chillida 1976 de CHILLIDA y * "Cubos de la memoria". Llanes. Agustín Ibarrola
TRAYECTORIA
Nace en Basauri (Vizcaya). Estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao y, poco después, es becado por la Diputación para estudiar en Madrid, dio sus primeros pasos en el cubismo.
En 1950 conoció a otro artista que tuvo gran influencia sobre su producción y su mentalidad artística, el escultor vasco Jorge Oteiza; junto a él se introdujo en la división y análisis del espacio propia del constructivismo .También aprendió de Oteiza la mentalidad de creación artística conjunta . En 1950 es invitado a participar en los trabajos de la basílica de Aránzazu (Gipuzkoa)
En 1956, y tras realizar diversas exposiciones en España, se trasladó a París. En esta ciudad conoció a otros artistas españoles residentes allí, con los cuales fundaron el Equipo 57, publican el “Manifiesto de Interactividad”.
Experimenta como Grabador, escultor y pintor, es también :
Su obra abarca numerosas parcelas de la creatividad. Desde la expresión más abierta con intervenciones artísticas en la naturaleza o esculturas públicas, hasta la producción seriada de los grabados, pasando por la concepción muralista o la investigación plástica, su lenguaje expresivo y a la vez racionalista, conforma un variado, comprometido y rico exponente del Arte Contemporáneo. _
Durante los años 60, Regresa a Bilbao en 1961 y entra a formar parte del grupo de grabadores de Estampa Popular, en la sección vasca.
Su compromiso social y su ideología, cercana al comunismo, le llevan a prisión, siendo detenido en 1962 y encarcelado nueve años, en la prisión de Burgos (por su militancia comunista).
Dentro de la cárcel sigue pintando y dibujando aunque no puede firmar las obras ni exhibirlas en el exterior. Un año después por amnistía, sale de la carcel y organiza una exposición en Londres, París, Bélgica, Alemania e Italia con estas obras "ilegales".
en el 1963 -se celebró una exposición de su obra en Londres donde sus trabajos merecieron que la crítica le comparase con el papel que desarrolló Goya en su obra Los desastres de la guerra.
En 1967 es detenido nuevamente y encarcelado en Basauri (Bizkaia) hasta 1969.
Participa en diversos eventos artísticos como los Encuentros de Arte de Pamplona de 1972 o la Bienal de Venecia de 1976.
En Mayo de 1975 la extrema derecha incendia su caserío-estudio, situado en Gametxo (Ibarrangelua).
En los años 80 se recluye en su caserío, inició su actividad escultórica y su singular visión de la obra pictórica, reflejada posteriormente en algunas de sus obras, como sus "Bosques". Su “Bosque de Oma”, pinturas sobre los troncos de casi 500 pinos.
Es el autor del conocido ‘Lazo Azul’ con el que por primera vez la sociedad vasca salió a la calle para reclamar en 1997 la puesta en libertad del empresario Julio Iglesias Zamora. De su mente y sus manos también salieron otros símbolos contra ETA en forma de logotipos del ‘Foro de Ermua’, o de la Asociación de Víctimas del Terrorismo (AVT).
En 1993, algunas de sus obras, ubicadas en el País Vasco, junto a otras de Jorge Oteiza y Jon Iturrarte, sufrieron sucesivos atentados por motivos políticos.
En 2000, tras una primera agresión de los propietarios del bosque de Ibarrola, fueron destruidas las cortezas de cien de los árboles, al tiempo que dos fueron talados. El Bosque de Oma sufrió dos atentados terroristas en Mayo del 2000 y Marzo del 2003. A pesar de tener que vivir escoltado desde el año 2000 hasta el 2012 debido a su militancia antiterrorista, continúa desarrollando una incansable actividad artística.
Estas y otras circunstancias hicieron que el artista vasco decidiera abandonar su Euskadi natal y autoexiliarse a Ávila.
Características propias, Temática y técnicas en su obra:
Su obra pictórica desarrolla plásticamente su ideología política y puede ser inscrita dentro de la pintura social, de denuncia del mundo proletario y rural.
El estudio sobre los espacios curvos y la relación del negativo y el positivo, desarrollados en el seno del Equipo 57, influyeron en su planteamiento estético posterior. En los últimos años vive recluido en su caserío realizando obras de gran formato, tanto escultóricas como pictóricas, y trabajando en sus intervenciones en la naturaleza en sus Bosques, decoraciones pictóricas realizadas en árboles.
Fundador y miembro del Equipo 57, en cuyo seno realizó diversos estudios sobre los espacios curvos y sobre las relaciones positivo-negativo y cóncavo-convexo que posteriormente influyeron notablemente en su planteamiento estético. En 1993 recibe la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes junto a los integrantes del Equipo 57.
Ibarrola también es partidario de que el arte público ha de ser muralista y de grandes dimensiones, posibilitando al visitante sumergirse o mimetizarse con las obras. Por otra parte y según él, las piezas de arte deben ser compuestas por materiales robustos y duraderos, mientras demuestran sentimientos sociales colectivos.
“El Bosque de Oma (Bizkaia)”, (1982-1991), que junto a la intervención “ Piedras y árboles” (1999) en Allariz (Ourense), “Los Cubos de la Memoria” (2001-2006) en el puerto de Llanes (Asturias), las traviesas del Ruhr, en Bottrop (Alemania), (2002), las Piedras pintadas en Garoza (2005-2009, Muñogalindo, Avila) o las monumentales obras escultóricas en acero corten, traviesas de ferrocarril, madera o cartón y las numerosas esculturas donadas en homenaje a las víctimas del terrorismo de ETA, constituyen un amplio y variado catálogo de intervenciones y obras en el espacio público.
__*Bosque de Oma (Kortezubi, Bizkaia, 1983-1987): El bosque de Oma (en euskera: Omako basoa) es una obra artística creada por el escultor y pintor Agustín Ibarrola entre los años 1982 y 1985 y que se puede encuadrar dentro de la tendencia contemporánea del Land Art. Dicho bosque está situado en la Reserva de la Biosfera de Urdaibai, y consiste en un grupo de árboles en los que se han realizado pintadas y que -en el conjunto de varios troncos y mirando desde determinadas posiciones- componen diferentes figuras geométricas, humanas y animales. La obra se encuentra ubicada en una de las laderas del valle de Oma, en la localidad de Cortézubi, cerca de la cueva de Santimamiñe, no muy lejos del antiguo domicilio del artista. El pintor y escultor Agustín Ibarrola concibió el bosque animado o bosque de Oma como una muestra de la relación entre la naturaleza y la presencia humana.
Los troncos del bosque de Oma, cercano a las cuevas prehistóricas de Santimamiñe y a su actual residencia, se convierten en el soporte de una de las aventuras estéticas más reconocidas de su creación: El Bosque de Oma sufrió dos atentados terroristas en Mayo del 2000 y Marzo del 2003. A pesar de tener que vivir escoltado desde el año 2000 hasta el 2012 debido a su militancia antiterrorista, continúa desarrollando una incansable actividad artística.
__*Piedras de Arteaga (Bizkaia, 1989),
__*Ecoespacio de O Rexo (Allariz, Orense, 1997-1999). A casi cinco kilómetros del centro de Allariz en dirección Xunqueira de Ambía, nos encontramos con un espacio natural, etnográfico y artístico a orillas del Arnoia diseñado por el artista abstracto Agustín Ibarrola Goicoechea. Así tenemos varias piezas escultóricas creadas con granito y pizarra con diferentes dibujos abstractos. También fueron varios los árboles pintados para armonizar el entorno artístico.
__*los Cubos de la Memoria en Llanes (Asturias, 2000-2005). Cubos de la Memoria Cubos de la memoria. Llanes. Agustín Ibarrola
más información sobre Los Cubos de la Memoria de Llanes: aquÍ
__*Piedras Ibarrola (Muñogalindo, 2005-2009 Avila). Es una expresión artística de Arte y Naturaleza, concebida y realizada por el pintor y escultor vasco, Agustín Ibarrola Goicoechea (Basauri, Vizcaya, 18 de Agosto de 1930). Desde el año 2005 y tiene hasta ahora más de 140 piedras pintadas.
--*"Piedras de Garoza" en Avila
--*"Las traviesas del Ruhr, en Bottrop (Alemania). En un programa de reconversión cultural de la cuenca del Ruhr (Alemania) hasta finales de 2005, ha solicitado a Agustín Ibarrola un proyecto para colocar una de las obras en las que utiliza traviesas de ferrocarril en lo alto de la colina de carbón Prosper Haniel, mirador privilegiado de una zona industrial que se extiende a lo largo de 60 kilómetros entre Duisburg y Dortmund. En la colina, situada a pocos kilómetros de poblaciones como Essen y Gelsenkirchen, ya no se extrae carbón pues el que queda se encuentra a 1.000 metros de profundidad.
Agustín Ibarrola pensó en la complementariedad de los paisajes del Ruhr con los materiales y temas que suele utilizar el artista, y especialmente en el carácter totémico-industrial de las traviesas..▼
El bosque de los tótems (1996)
El preso, de Agustín Ibarrola
Ibarrola también es partidario de que el arte público ha de ser muralista y de grandes dimensiones, posibilitando al visitante sumergirse o mimetizarse con las obras. Por otra parte y según él, las piezas de arte deben ser compuestas por materiales robustos y duraderos, mientras demuestran sentimientos sociales colectivos.
Panorámica de una obra del Bosque de Oma.▼
Todos estos ideales fueron reflejados en su obra del Bosque de Oma en 1982. Una obra al aire libre, rodeado de árboles, pinturas, ojos y colores que harán sentir al espectador en un lugar mágico e incomparable. Algo jamás visto antes.
47 obras pintadas en troncos de pino y que anualmente atraen a decenas de miles de visitantes hasta este valle vizcaíno. Es sin duda la más conocida, y la más atacada.
FIN
Voluntario:
HACIA LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA: -MARTÍN CHIRINO.- PABLO PALAZUELO. -PABLO SERRANO. GUSTAVO TORNES.
ARTE CINÉTICO Y EUSEBIO SEMPERE (1929-1985)
--LA IMPORTANCIA DEL GRUPO: *DAU AL SET (1948)
-JOAN JOSEP THARRATS. -JOAN PONÇ. -MODEST CUIXAT. -ANTONI TAPIES.
-ANTONIO SAURA.- PABLO SERRANO. -LUÍS FEITO. -ANTONIO SUÁREZ. -JUANA FRANCÉS. -MANOLO MILLARES. MANUEL RIVERA. -MANUEL VIOLA. -MARTÍN CHIRINO.- RAFAEL CANOGAR.
Voluntario:
HACIA LA ABSTRACCION GEOMÉTRICA:
-MATIN CHIRINO. -PABLO PALAZUELO. -PABLO SERRANO. -GUSTAVO TORNER.
+ARTE CINÉTICO -EUSEBIO SEMPERE (1929-1985)
MATIN CHIRINO.
PABLO PALAZUELO. 1915-2007
PABLO SERRANO (1908-1985)
ARTE CINÉTICO :- EUSEBIO SEMPERE (1929-1985).
Recordando a: A. Pevsner( constructivista ruso)
MUSEO DE ESCULTURAS AL AIRE LIBRE DEL PASEO DE LA CASTELLANA ( MADRID).
trabajo voluntario: investigación de itinerario de las ESCULTURAS EN VIGO
hoxe.vigo.org › Inicio › Servicios Ciudadanía › Cultura › Monumentos y esculturas
Cristina Iglesias. Escultora-Constructora
recuerda :
investiga y entra en este enlace ▲ y tomas reseñas de ► JULIO GONZALEZ .
JULIO GONZALEZ . En 1928 Picasso le pide colaboración en un monumento a Apoliraire y esto es lo que le permitió a JULIO GONZALEZ estudiar las extraordinarias posibilidades plásticas que le ofreció el hierro como material para realizar las esculturas abstractas en un nuevo lenguaje.
Exiliado. 1937 presenta en la Exposición internacional su "* MONSERRAT " (TREMENDO DRAMATISMO , REFLEJO DE LA SITUACIÓN EN ESPAÑA.)
Tras la Segunda Guerra Mundial, se fundó en París el Museo Nacional de Arte Moderno, momento en el que el arte moderno empezó a legitimarse. En 1956 se expuso en este museo unas 130 obras de Julio González, todas ellas de hierro forjado, que se erigió como el material de la escultura moderna tras la Segunda Guerra Mundial.
Hasta ese momento en el 1956 , la obra de Julio González era casi desconocida.
recuerda :
LAS ESCULTURAS DE SUBIRACHS EN LA SAGRADA FAMILIA
CUANDO EL ARQUITECTO ANTONI GAUDÍ MURIÓ, EN 1926, FALTABAN MUCHOS AÑOS PARA QUE SU OBRA MAGNA, EL TEMPLO EXPIATORIO DE LA SAGRADA FAMILIA DE BARCELONA, ESTUVIERA TERMINADA. A LA HORA DE ELEGIR UN ESCULTOR QUE PROSIGUIERA LA OBRA, LA JUNTA DE OBRA SE DECIDIÓ POR JOSEP MARIA SUBIRACH.
Antonio G a u d í murió, en 1926, faltaban muchos años para que su obra magna, el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia de Barcelona estuviera terminada. Sólo una de las fachadas laterales de la llamada Catedral de los Pobres estaba prácticamente lista, la que representa el nacimiento de Jesús. A la hora de elegir un escultor para que plasmara los últimos días de Jesús -la Pasión-, en la otra fachada lateral construida posteriormente la Junta de Obras se decidió por Josep Maria Subirachs (Barcelona, 1927). El artista sólo aceptó el reto cuando se le aseguró que no era preciso seguir al pie de la letra las indicaciones que dejó Gaudí.
Subirachs realiza las esculturas de la Catedral de los Pobres a partir de una piedra arenisca de Lérida, la más parecida al original, que se extraía de las canteras hoy cerradas de la montaña de Montjuic. El proceso que sigue este artista no se diferencia mucho del tradicional en la historia de la escultura: realiza un modelo de barro a partir de sus dibujos y, de este modelo, saca otro de yeso, a partir del que trabaja la piedra. La escultura siempre ha consistido, según Subirachs, en "sacar todo lo que sobre". La Sagrada Familia ha sido motivo de polémicas desde sus inicios. Ya entonces era tachada de "poco moderna", y ahora Subirachs es considerado "demasiado innovador". Calificadas voces han pedido repetidamente la paralización de las obras: unas porque el proyecto de Gaudí no es lo bastante detallado como para llevarse a cabo según sus deseos, otras porque no estaban ya de acuerdo con la concepción inicial, otras por fin -como el propio Subirachs- porque consideraban que la continuación debía reflejar las nuevas tendencias artísticas.