👉 Romanticismo. 👁. . característica
Escuelas románticas: Características . Vídeo
1) ** Romanticismo en ALEMANIA: características propias
+ INFLUENCIAS de : STURM UND DRANG
+ Grupo paralelo en Alemania : ---Nazarenos
K. Schinkel 1781-1841
2)** Romanticismo en INGLATERRA : características propias
influenciados por los poemas de Ossian
influenciarán a la Escuela de Barbizon 1830, en Francia ( transición del romanticismo al realismo unos años más tarde, por el camino del paisaje, que terminará en la pintura impresionista y postimpresionista.)
3)** Romanticismo en FRANCIA : características propias
📍Thèodore Gèricault. 1791-1824
También influenciarán a Escuela de Barbizon ( transición del romanticismo al realismo por el camino del paisaje, que termina en la pintura impresionista y postimpresionista.)
4)** Romanticismo en ESPAÑA: características propias
Goya comienza con un estilo Rococó, luego pasa por el Neoclasicismo, por último destaca como Romántico, se caracteriza por su personalísima e inclasificable aportación a la historia del arte.
Anticipa algunos de los cambios radicales , va a experimentar la sensibilidad pictórica contemporánea: la ligereza de su pincelada preludia el Impresionismo, sus fantasías oníricas desembocan en el Surrealismo y su desgarrado mundo interior abre paso a la temática Expresionista.
nota:
la Escuela de Barbizon o escuela de 1830, formada principalmente por Theodor Rousseau, Jean Francois Millet, J. Dupré y G. Corot.
investiga sobre la actualidad
DÉBORA ARANGO. existen pintoras como Débora Arando, capaces de representar a todo un país y a su trágica historia social y política.
Leon Golub. video 👈🏿
El escenario político internacional del momento, caracterizado por la brutalidad de hechos como la guerra del Vietnam, el apartheid sudafricano o las consecuencias de los deseos imperialistas, reverbera en la pintura de Golub como si se tratara de un murmullo imposible de silenciar. Es más, no se produce el aislamiento de la sociedad y del clima político, propio de la tradición pictórica moderna, sino todo lo contrario, apareciendo así constantes alusiones en sus pinturas a personajes, sucesos políticos y sociales concretos.
Nancy Spero
Durante cinco décadas, su obra pictórica transitó por diferentes etapas, en las que plasmó su mirada sobre la mujer y su relación histórica con la opresión, la tortura, la desigualdad, la guerra y la sexualidad. En 1972 fue cofundadora de A.I.R. Galería (Artistas en residencia) en el SoHo de Nueva York, la primera galería-cooperativa de mujeres artistas de Estados Unidos. Su trabajo está considerado a mitad de camino entre lo literario y lo pictórico.
-antes del R. en la historia:
a) Revolución en Norteamérica: La Guerra de la Independencia:.
La independencia de los Estados Unidos . 4 julio de 1776
c) La primera Revolución Industrial en Inglaterra. 1740-1870
d) Los nacionalismos europeos (1815-1871)
En 1870:
-Se proclama la república en Francia (1830, 2ª república 1845)
-Se produce la unificación Alemana
-Se completa la unificación italiana
d) La segunda Revolución Industrial en Inglaterra. 1870-1914.
antes del R. en el Arte:
+ ( a recordar). XVIII (siglo de las luces) : El Neoclasicismo. Estilo de finales del XVIII y ppios del XIX ,anterior al Romanticismo.
El Neoclasicismo recupera los principios formales del clasicismo grecolatino.
después del R. en el Arte:
el Movimiento Prerrafaelita, La Escuela de Barbizon, el Realismo el Impresionismo.
nota:La Escuela de Barbizon ( transición del romanticismo al realismo por el camino del paisaje, que termina en la pintura impresionista y postimpresionista.)
Es un arte subjetivista e íntimo que renuncia a las cosas exteriores y concentra su atención en el interior del ser humano. La supremacía del sentimiento frente a la razón de la Ilustración y el Neoclasicismo.
🎯 La libertad auténtica es su búsqueda.
La fuerte tendencia nacionalista de cada país.
La del liberalismo frente al despotismo ilustrado.
La de la originalidad frente a la tradición grecolatina.
La de la creatividad frente a la imitación neoclásica.
La obra Romántica frente al academicismo francés ( las cuales siguen un canon de composición determinada).
La de la obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.
*El romanticismo influirá al surrealismo. La conciencia romántica reivindica y explora la subjetividad. El surrealismo denuncia toda opresión y conformismo, impulsa, el sueño , el humor el juego , el deseo hacia lo más auténtico del ser.
nota : ++Link interesante del Romanticismo minuto 11:46 .
++ALEMANIA
---Componentes alemanes románticos:
1-Gaspar Friedrich .1774-1840.
2- K. Schinkel 1781-1841
INFLUENCIAS: ingredientes para que surja el Romanticismo Alemán: características propias
B) + Grupo paralelo al Romanticismo en Inglaterra: Los Nazarenos rechazaban el neoclasicismo, el esteticismo y el realismo pictórico. El nombre Nazareno fue adoptado por un grupo de pintores del Romanticismo alemán, nacidos en torno a 1785, lo cual los sitúa antes de los prerrafaelitas. Es el grupo pictórico más coherente del romanticismo alemán; pretendían revivir la honradez y espiritualidad del arte cristiano medieval. Buscaron la inspiración en artistas de la Baja Edad Media y principios del Renacimiento: ante todo, Durero, pero también Fray Angélico, el Perugino y Rafael. También se aprecia en ellos cierta influencia del barroco clasicista.
Caspar David Friedrich características propias en sus obras (slideshare)
Representante del Romanticismo en su vertiente más idealizada. Sus paisajes son absolutamente espirituales, de donde emanan sensaciones casi místicas, como si quisiera captar el latido de la Naturaleza del alma, como en su * Monje en la orilla del mar" (1809) o en su *" (El naufragio del Esperanza) 1823–1824".
Innova una nueva concepción del paisaje, al que le confiere un carácter casi religioso. Buscaba suscitar emociones con sus imágenes de figuras solitarias en paisajes tormentosos o deslumbrantes. Buscaba la comunión con la naturaleza. El arte para él era un vehículo de emociones de sentimientos.
A) Trayectoria de Caspar Friedrich:
Gozó de gran fama en su época . Su delicada salud al final de su vida le hizo taciturno y triste. Cayó en el olvido durante el XIX pero con la llegada de la Vanguardia fue justamente revalorizado. Influirá en el Expresionismo Alemán, el Surrealismo y el arte abstracto
Caspar David Friedrich (1774-1840) es el máximo representante del Romanticismo pictórico en Alemania, y uno de los más importantes pintores de la época en Europa, junto a Goya en España, Delacroix en Francia , o Turner o Constable en Inglaterra.
Hijo de un fabricante de velas, Friedrich nació en Greifswald, pequeño pueblo situado a la orilla del Báltico.
Un hecho traumático le marcó de por vida: cuando tenía 13 años volcó una pequeña embarcación y Caspar David Friedrich cayó al agua. Su hermano se lanzó a salvarle pero murió en el intento ante la aterrada mirada de su hermano superviviente.
Caspar David Friedrich fue educado en un ambiente muy religioso de carácter luterano
Sus primeras lecciones las recibió de un profesor de dibujo de su ciudad natal. En 1794 se trasladó a Copenhague para continuar sus estudios en la Academia de Bellas Artes.
En 1810 la casa real prusiana adquirió dos óleos del artista, Monje en la orilla del mar 1808–1810 y Abadía en el encinar, 1809.
El monje frente al mar (1809) fue considerado ya desde su primera exposición pública un cuadro memorable; adquirido por el joven príncipe heredero Federico Guillermo en la exposición anual de la Academia de Berlín —junto a su pareja “Abadía en el encinar “— causó una enorme conmoción y perplejidad en los círculos artísticos alemanes.
Friedrich no dejó de viajar, buscando el encuentro con la naturaleza, retornando una y otra vez a su tierra natal.
En estos viajes realizó numerosos dibujos y tomó apuntes del natural, recogidos en cuadernos, que le sirvieron como modelo. Realiza en 1818 El caminante sobre el mar de nubes 1817-18 , ha sido considerada como una de las obras maestras y más representativas del Romanticismo. También Hacia 1818 se destaca "En el velero," hoy en el Ermitage de San Petersburgo, Dos hombres contemplando la luna, 1819, en la Gemäldegalerie de Dresde, y Luna saliendo del mar, 1822, en la Nationalgalerie de Berlín. En esta época se aprecia un cambio en su estilo, se detecta un nuevo énfasis en las figuras, generalmente en pareja.
El mar de hielo (El naufragio del Esperanza) 1823–1824. Óleo sobre lienzo. o (comúnmente
conocido) como “El mar de hielo” se puede apreciar el deseo del pintor de expresar el sentimiento trágico del paisaje por medio de la naturaleza agresiva, violenta e inabarcable.
En 1835 el artista sufrió un ataque de apoplejía que le alejó definitivamente de la pintura, aunque siguió dibujando en tinta sepia y pintando acuarelas. De antes de su enfermedad se fecha una de sus obras maestras: Las edades de la vida, en Leipzig. Murió el 7 de mayo de 1840 y fue enterrado en el cementerio Trinitatis de Dresde.
B) Obras: más detalladas.
Caspar David Friedrich. "El caminante sobre el mar de nubes." 1818.👀
El caminante en el mar de nubes 1818.
Análisis descriptivo o denotativo: con un grado de iconicidad medio alto, quizás es el propio Friedrich, que se encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada en primer plano, mirando un mar de nubes en segundo plano debajo de su punto de vista. El viajero se encuentra de espaldas. Viste de negro. Adelanta una pierna y se apoya en un bastón. Se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de enormes montañas ocupa el fondo en su último plano en transición suave con el cielo. La gran extensión de cielo por encima de las alturas de las montañas del fondo cubre gran parte del cuadro. Se trata de un paisaje de la Suiza de Sajonia.
Los estudios originales proceden, en su mayoría, de los que Friedrich llevó a cabo en 1808 y 1813 en la zona, en esta última ocasión durante el periodo que permaneció allí refugiado con motivo de la entrada en Dresde del ejército napoleónico. Como de costumbre, Friedrich se mueve en dos o tres planos planos, en la dialéctica entre la realidad y el símbolo.
Análisis compositivo o formal: la obra se estructura en planos paralelos sucesivos, sin transición posible, eliminados los planos medios en entre el primer y segundo plano. La niebla, ese elemento en que el pintor veía una especie de manto místico, viene a cubrir toda posible linealidad en el recorrido visual hacia el horizonte en una perspectiva atmosférica. En el primer plano, hace destacar un tono oscuro, contrastado, frente a la luminosidad del horizonte, aquí se alza el caminante, de un infrecuente tamaño, sobre una cima rocosa de líneas compositivas en triángulo. Aparece de espaldas.....Color, peso visual.. ritmos.. equilibrio.....
Análisis simbólico o connotativo: Esta atípica forma de representar las figuras ha llevado a plantear diversas posibilidades interpretativas. Algunos lo contemplan como un intento de expresar alienación, como un medio de plasmar la imposibilidad de reconciliar al hombre con la naturaleza, dentro de un contexto histórico concreto. Otros consideran que la figuras de espaldas está ocupando una "posición trascendental", Simbolizando un diálogo en el interior del ser humano. Representando un estado en que se alcanza la unidad de la naturaleza y el espíritu. Un hombre que contempla su porvenir sin caminos construidos, solo confiando en su capacidad de reflexión interior y sentimiento.
El mar de hielo (El naufragio del Esperanza) 1823–1824. Óleo sobre lienzo. o (comúnmente conocido) como “El mar de hielo” Su estructura triangulada recuerda algunos ritmos compositivos de la Balsa de Medusa de Géricault, porque también aquí observamos rítmicos impulsos desde los ángulos, y más concretamente desde el ángulo izquierdo hacia el centro, y desde aquí hacia el infinito, a través del glaciar que apunta al cielo. Todo ello modelado por medio de los sucesivos bloques que parecen avanzar y elevarse en una alegoría más de la inmensidad del paraje, y sobre todo, de lo eterno del desamparo. Por supuesto el color es frío, como no podía ser de otra forma.
Inglaterra:
- 2- Apogeo Romántico . Artistas componentes:
El paisaje: vuelve a ser uno de los puntos fuertes de la pintura inglesa, pero sus aportaciones son la sensibilidad externa del pintor ante la realidad.
Mucho interés tiene también la pintura romántica inglesa que es precursora, en muchos aspectos, de la francesa. Será la precursora del impresionismo por el uso de la acuarela que le permitirá transparencias , filtraciones de luz así como por su gran interés (desmesurado - gran aportación) por los problemas lumínicos. El paisaje vuelve a ser uno de los puntos fuertes de la pintura inglesa . Los grandes maestros del paisaje inglés, coetáneo a los de la Escuela de Barbizon, son :
--------Componentes:
1-John Constable (1776-1837), 👈🏿 sus cuadros quieren recoger todo lo que impresiona la sensibilidad externa (visión realista), mezclado con lo que impresiona la sensibilidad interna del pintor ante la realidad. " El pintor de las nubes"
2- William Turner (1775-1851), 👈🏿 el cual prefiere al óleo para conseguir tonos luminosos más sutiles, más atmosféricos, se le llamará “el pintor de la luz”.
-1- Influencias de los prerrománticos ingleses. Artistas anteriores que preparan el Romanticismo
A) La obra de Macpherson, poeta (poemas de Ossian). Ossian es un guerrero de la mitología irlandesa.
B) Füssli (pintor, poeta )(1741-1825). Destaca por su apasionamiento, emoción y subjetividad desviando su estilo hacia lo irracional. La obra de Füssli tiene un marcado carácter teatral, no sólo por los temas, sino por su organización plástica y sentido global de las imágenes, en cuya representación huye de la perspectiva renacentista
C) William Blake: Poeta y grabador. Sus temas son la Biblia, las obras de Shakespeare, la Divina comedia y sus propios poemas - se considera predecesor del surrealismo-
Hace las ilustraciones de la Divina comedia de Dante, fue lo último que realizó el artista visionario inglés William Blake. A los 65 años.
. Obra : Proverbios del infierno »(En tiempos de siembra aprende, en tiempos de cosecha enseña y en el invierno goza...)▼
+ William Turner (1775-1851), Gran paisajista inglés , este prefiere la acuarela al óleo para conseguir tonos luminosos más sutiles, más atmosféricos.
Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Aunque es también renombrado por sus pinturas al óleo, Turner es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Prefiere la acuarela para conseguir tonos luminosos más sutiles, más atmosféricos. Es considerado comúnmente como “el pintor de la luz” y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al impresionismo e incluso la pintura abstracta.
+ Su padre fue un fabricante de pelucas con el tiempo se convirtió en barbero. Turner entró en la Royal Academy of Arts (una institución artística de Londres. Promueve el conocimiento, entendimiento y práctica de las artes visuales), con tan sólo 14 años.
Turner viajó mucho por Europa por 1802, estudiando en el Museo del Louvre de París en el mismo año. También visitó Venecia y Roma. Turner es un pintor romántico interesado en la filosofía Lo sublime; retrata el asombroso poder de la naturaleza sobre el ser humano. Fuegos, catástrofes, hundimientos, fenómenos naturales son descritos por el pintor. Turner dejó una generosa fortuna que deseó que fuera invertida en ayudar a lo que él llamaba artistas desmoronados.
La mayor parte de la colección está en la La Tate Britain. n
En 2005 el El último viaje del « El temerario remolcado a dique seco 1839.» fue escogido como el mejor cuadro inglés en una votación pública organizada por la BBC.15 En abril de 2006, Christie's sacó a subasta un cuadro con una vista de Venecia, el cual se vendió por 35,8 millones de dólares estadounidenses, marcando un nuevo récord para Turner.
Características propias
Defendió que la naturaleza tenía entidad simbólica suficiente para no necesitar anécdotas. Entiende el paisaje como Naturaleza Sublime e intenta plasmar este concepto en todos sus pinturas.Turner es un pintor romántico interesado en la filosofía sublime; retrata el asombroso poder de la naturaleza sobre el ser humano. Fuegos, catástrofes, hundimientos, fenómenos naturales son descritos por el pintor. En sus lienzos, constata que la humanidad no es más que un conjunto de peones de la Naturaleza. Como otros románticos, considera el paisaje natural como un reflejo de su humor. Turner mostró el poder violento del mar, como en Dawn after the Wreck (1840) o el Barco de Esclavos, 1840.
Técnicamente, su producción se iba haciendo cada vez más abstracta, de contrastados efectos lumínicos.*Tormenta de nieve junto al mar. (1842) , se convierte en la unidad envolvente de todo percibido la composición abstracta en espiral
Obras destacadas: análisis connotativo o simbólico
El protagonista de la obra no es el tren que por primera vez se convierte en elemento del cuadro como símbolo de modernidad sino que es la atmósfera que crean tanto la lluvia como el vapor y que contribuyen casi a desmaterializar las formas que son poco visibles como el puente , la barca sobre el río o el propio ferrocarril. Al movimiento del tren hay que sumar el de las nubes, la lluvia, el fluir del agua del río
Su composición: Los protagonistas auténticos se encuentran desplazados hacia la izquierda del cuadro; el Temerario y el remolcador. A la izquierda tenemos al otro gran protagonista, el sol y su puesta, la cual está desplazada a la derecha de la obra junto con los edificios y otros elementos en el agua. El notable uso de las sombras, claramente pre-impresionistas, dota a la obra de una mayor potencia de cara al espectador.
El uso de colores está lleno de contrastes. Por un lado, la izquierda de la composición vemos colores más fríos, más pasteles y azulados que chocan directamente con la potencia cálida del margen derecho, diluyéndose en el centro con sobresaliente técnica. Gracias a esta mezcla de colores Turner consigue que veamos la escena, que la sintamos a pesar de que no sea una obra realista. Es una escena sobria después de todo, es el funeral del Temerario.
Turner se anticipó a lo que posteriormente se denominaría como Impresionismo (1874-1920). Además, fue el pintor que llevó más allá la pintura paisajística, convirtiéndola también en pintura de historia
El temerario fue uno de los barcos de guerra más imponentes del momento, orgullo de la Marina Real, y participante en la famosa batalla de Trafalgar( Al lado de Cádiz), donde los ingleses combatían contra España y Francia. Nelson (inglés) ganó. Finalmente, y a través del río Támesis, un moderno barco de vapor trasladó el navío de velas hasta su triste destino, suceso que Turner observó en primera persona.
Su simbología La lectura abordaría el tema de la vejez Una visión bastante pesimista sobre el futuro y sus generaciones, ya que el Temerario, bello, cuasi perfecto, consecuente y dedicado sería remolcado o sucedido por un barco, de vapor, más efectivo y moderno, pero menos puro. El Temerario era remolcado y donde esperaría hasta su desguace. Turner siempre fue un paisajista y, bien es sabido, amaba los barcos, por lo que no es de extrañar que, tras sus largas horas en el puerto de Londres, presenciase la escena del Temerario remolcado y esta le impactase tanto como para inmortalizarla en un lienzo.
Lo sublime del paisaje de una tragedia sirve de denuncia. Su inquietud por la humanidad está presente en su rechazo a la esclavitud y al tráfico de esclavos en una época en la que aún probablemente funcionaba la plaza del mercado de esclavos de Liverpool. Su postura en esa causa, su disidencia, quedó documentada en la pintura El Barco de Esclavos ['Esclavistas tirando muertos y agonizantes por la borda' 1840]
.* *Tormenta de nieve junto al mar. (1842) .
Un diminuto barco a vapor, súbitamente inmerso en la tormenta, lucha por no hundirse. La nieve, el humo de las máquinas de la nave y el mar se mezclan en una masa agitada. Para llevar a cabo esta obra, Turner se ató durante cuatro horas al mástil de un navío,
Película interesante de su vida : Timothy Spall ( actor) como el pintor J. M. W. Turner. Premio al mejor actor en la última edición del Festival de Cannes. Estreno: 19 de diciembre 2014
Trayectoria.
Aportaciones e influencias,
características propias:
Contemporáneo de J.M. W. Turner, pero a diferencia de éste, viajero por Europa, nunca salió de un país cuya naturaleza adoraba sobre todas las cosas, sobre todo la región de Suffolk, que le vio nacer, y que fue el paisaje preferido de su vida. Su pintura , naturalista, es de una honradez sin par y contrasta fuertemente con el anti-naturalismo atmosférico de Turner.
-+ Estudió teoría del arte y en Londres. Se esforzó en retratar el efecto de la escena, suavizando a menudo los detalles físicos. Estaba fascinado por los reflejos en el agua, y por la luz sobre las nubes. Esto le llevó a producir muchos estudios del cielo. El pintor de nubes. Desde 1824 comienza a labrarse gran prestigio en Londres y en París después de "El carro de heno 1821". Medalla de oro de la academia de Bellas Artes de París en 1824. Comienza a hacer estudios de "Nubes" y comienza a anotar hora y fecha de las condiciones climatológicas.
+ Al morir su esposa, su pintura cambia,oscureciendo sus colores con una fuerte carga expresiva con cierta nostalgia. Luego es nombrado Presidente de la Royal Academy of London.
+ El paisaje es uno de los puntos fuertes de la pintura inglesa y el gran maestro del paisaje, coetáneo a los de la Escuela de Barbizon (Francia), es John Constable (1776-1837) Sus cuadros quieren recoger todo lo que impresiona la sensibilidad externa (visión realista), mezclado con lo que impresiona la sensibilidad interna del pintor ante la realidad.
Constable regresa a sus paisajes con una cierta mirada nostálgica idealizada y bucólica, muy alejada de la realidad de los campesinos de su época. Mostraba una naturaleza serena, amable, idílica con toques nostálgicos de algo que se va perdiendo con los avances de la revolución industrial.
+ John Constable, fue capaz de captar paisajes muy descriptivos, casi anecdóticos, utiliza colores brillantes destacando los reflejos en el agua, sobre nubes y árboles y claroscuros, provocando sensación de movimiento o cambio. Utilizaba el uso de manchas de diferentes colores, expresaba la grandeza de la naturaleza, situando figuras arquitectónicas y figuras humanas minúsculas , así exaltando aún más la majestuosidad de cielos, praderas, vegetación. Su virtuosismo se basaba en pintar al aire libre escenas de la naturaleza que varían meteorológicamente mientras eran plasmadas, de una forma muy cuidada con minuciosidad realista que caracteriza su pintura. Pintando casi siempre su Inglaterra natal, de hecho son los más famosos los pertenecientes a la zona rural en la que había crecido. Tiene un estilo muy libre que influyó en los pintores románticos franceses *
* influenciará a la coetánea Escuela de de Barbizon en Francia ( transición del romanticismo al realismo unos años más tarde, por el camino del paisaje, que terminará en la pintura impresionista , recordemos a Manet en las diferentes versiones de la Catedral de ROUEN ).
nota : La Escuela de Barbizon o escuela de 1830 y 1870 En 1824, el Salón de París exhibió una exposición de John Constable. Se ha especulado con la influencia que las escenas rurales del pintor inglés pudo tener sobre algunos artistas jóvenes; lo cierto es que abandonando todo formalismo y academicismo muchos de ellos abandonaron las academias para desarrollar su inspiración directamente en escenarios naturales.3 Siguiendo esa línea, durante las revoluciones de 1848, un grupo de artistas comenzó a reunirse en el entorno del pueblo de Barbizon.
Obras destacadas
La carreta de heno Se trata de un óleo sobre tela que mide 130,5 centímetros de alto por 185,5 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.
Medalla de oro de la academia de Bellas Artes de París en 1824, aunque el cuadro no fue aceptado por los críticos británicos cuando se expuso en Londres sin embargo gustó mucho a Gericault.
El cuadro representa la corriente estancada de Flatford, en Suffolk, y es uno de los lienzos más representativos del autor dentro de su etapa de explosión romántica que abarcó toda la década de los años veinte del siglo XIX. Como hemos referido anteriormente, se observa en la pintura que al autor no pretende buscar el modelado preciso y terminado, sino la espontaneidad y la luz, que se filtra a través del bosque y encandila la retina en efectos de fosforescencia casi impresionista. Las distintas atmósferas — agua en la superficie, encubierta frondosidad del margen izquierdo y oscilante cielo que parece desarrollar una tormenta — están magistralmente conectados en virtud a los efectos lumínicos sabiamente captados. Este cuadro llegó a ser del todo determinante en la evolución de la pintura paisajística en Francia, concretamente en la Escuela de Barbizon
-* La esclusa. 1824.
La esclusa se encontraba cerca de la aldea de Flatford, donde el padre de Constable tenía el molino de agua que también sería representado por el artista como parte de esta serie basada en el río Stour, La obra fue comprado el primer día de su exposición en la Royal Academy en 1824, luego fue adquirida en subasta el barón Thyssen, por 10,8 millones de libras, la cantidad más alta pagada hasta aquel entonces por una obra de arte inglesa hasta que Carmen Cervera, alegando «falta de liquidez» la puso a subasta en Christie's en 2012, obteniendo una puja de 22,4 millones de libras.
3) Escuela Romántica Francesa:
Influencias y grupos paralelos en Francia
= Influenciados por Rousseau, escritor, pedagogo, músico ( un ilustrado). Como veremos, Rousseau escritor, pedagogo, filósofo, músico. Es uno de los primeros representantes del prerromanticismo, de esta sensibilidad romántica revolucionaria, que también se da en Schiller, , en los poemas de Holderlin, Shelley ( casado con la escritora Mary Shelley. autora de Frankenstein o el moderno Prometeo (1818) y William Blake y las novelas de Victor Hugo.
Contexto artístico y social paralelo al romanticismo francés:
1-En 1830 ( Escuela de Barbizon).
Constable * influenciará a la coetánea Escuela de de Barbizon en Francia ( transición del romanticismo al realismo unos años más tarde, por el camino del paisaje, que terminará en la pintura impresionista
= 2- El Realismo-1850 ---
Nuevo Grupo en Francia, de donde surgirá el nuevo pensamiento realista.
Artistas románticos franceses, componentes:
Importante referencia🔺
1-En primer lugar destaca la recuperación del color. En la pintura neoclásica era el dibujo el protagonista, se diluyen ahora los contornos y la línea como frontera de las formas es sustituida por el color (eso lo había iniciado Leonardo con el sfumato en el Cinquecento y sería la base de la pintura barroca). Goya había demostrado ya la importancia del color.
2- Se recupera la luz y ésta, al igual que en la pintura barroca, va a dar intensidad al cuadro y protagonismo a algunas partes, volveremos, por tanto, a ver contrastes de luces y sombras.
3-Las composiciones son dinámicas, el movimiento vuelve a ser el protagonista de los cuadros: gestos dramáticos, violentos escorzos... todo en oposición a lo neoclásico.
4-En cuanto a los temas revolucionarios, se exalta la lucha de los pueblos por su libertad, la inmensidad de los paisajes, la naturaleza...
Vida:
Fue un pintor de corta vida y de temperamento ardiente y enérgico.
Sus temas suelen ser: caballos corriendo o en batallas, soldados, combates, máscaras de locos, guillotinados...
Su vida es parte de la obra de Théodore Géricault, figura casi novelesca: huérfano, de vocación tardía, se formó por libre en varios talleres de artistas, conoció Italia, fue amante de los caballos, y gran jinete. Su adiestramiento con la anatomía, destaca por su dramatismo y provocación. No busca la idealización, sino que da testimonio de la realidad.
obra
Documental y análisis diferentes de *"La balsa de la Medusa" 1819 .minuto 1:43 :Lo que acontece en la Balsa de la Medusa
La Balsa de la Medusa. 1819. 490 x 717 cm. Museo del Louvre. Su obra más famosa
Se parte de un hecho real del naufragio frente a las costas de Senegal de la fragata " Medusa" . El capitán y sus oficiales abandonan el barco en botes y dejaron a su tripulación en medio del océano.
Los supervivientes construyeron una balsa que en un primer momento ocuparon 150 personas sobreviviendo solo 15. Los supervivientes describieron escenas dantescas como el hambre, canibalismo que sugiere también un hacha ensangrentada y la locura que padecieron en esos 13 días antes de su salvamento.
Gericault buscó toda la información posible e hizo este cuadro de grandes dimensiones en el que se toma la libertad de presentar el dramatismo con los náufragos haciendo señales a un barco mientras las olas y el viento parecen amenazar a la frágil balsa.
Denuncia Gericault con este cuadro a su Gobierno francés por el abandono que estos tripulantes de la fragata - La Méduse- que encalla en la costa Mauritana, quedando en esta balsa a su deriva. Y de esta manera se posiciona en el Salón de París en 1819 recibiendo tantos elogios como condenas. Pero que con ello se consolidó su reputación.
Se puede considerar a este cuadro como un manifiesto de la pintura romántica. El tema que representa ocurrió en realidad, un naufragio de colonos franceses camino del Senegal, los supervivientes lograron construir una balsa, pero faltos de alimentos se comieron unos a otros.
Esto conmocionó a la opinión pública. No hay ni heroísmo ni gloria, sino desesperación y muerte, no hay triunfo, sino desastre. La realidad se revela atroz. El cuadro se compone de una multitud de cuerpos enredados, entrelazados, sufriendo una misma angustia, hay un crescendo desde los muertos del primer plano, los moribundos indiferentes del segundo y los reanimados del fondo que se levantan ante una vana esperanza.
Hay dos fuerzas en lucha: el viento empuja las velas hacia la izquierda y ellos creen ver un barco hacia la derecha.
El movimiento es ostensible, el retorcimiento evidente, el plano oscilante de la barca realza el dinamismo.
Analizando este cuadro vemos ya la gran distancia que hay con el Neoclásico. Para el estudio de las figura Gericault recurre a Miguel Ángel, al esclavo encadenado de su etapa manierista, o a los frescos del Juicio Final, el efecto de angustia es el mismo.
Vida y obra ▲ :
Es el gran protagonista de la pintura romántica francesa. Aunque tuvo una educación neoclásica pronto rechazó desde el primer momento las normas de la Academia y se verá influido por el color de los venecianos y por Rubens.
En 1817 conoce a Théodore Géricault que posa como uno de los náufragos de su espléndida obra La Balsa de la Medusa. Aquí comienza la relación de admiración y respeto que tendrá el joven pintor por el ya famoso Géricault.
Delacroix visita constantemente el museo del Louvre donde estudia y reproduce los cuadros de los grandes maestros de la pintura a los que, de una forma u otra, copiará y servirán de inspiración para sus propias obras.
Dentro de su afán de conocimiento por los grandes artistas, viaja a Inglaterra donde entra en contacto con la pintura colorista y paisajista que luego verá consolidada con su viaje al norte de África, territorio que por su luminosidad llamó su atención y determinó las futuras obras del pintor.
- - Sus obras sirvieron de inspiración a otros grandes pintores.
- Para él la libertad es un valor sagrado y muchos de sus cuadros giran en torno a esa temática.
Características de su obra:
Delacroix considerado como el continuador de Gericault y el máximo representante del Romanticismo.
Coloca en primer plano el gusto por el color y las imágenes exóticas, fruto de sus ya citados viajes por África y del profundo conocimiento de la obra de Constable y Turner cuyas obras le sugieren el uso de barnices gracias a los cuales se obtienen nuevos tonos más vibrantes que aportan una magnífica luminosidad a las composiciones. Así el color será el centro de toda la obra de Delacroix.
Las figuras humanas que aparecen en sus composiciones poseen una clara influencia de los modelos pictóricos y escultóricos de Miguel Ángel, atribuyendo al cuerpo humano unas proporciones casi perfectas en las que resalta cada músculo del cuerpo masculino y los atributos femeninos. Introduce Delacroix son las expresiones de sus personajes quienes conservan ojos llenos de sentimiento, expresiones de dolor y rabia, así como miedo y valentía.
La temática elegida por el autor ayuda a la grandeza de sus estructuras: los argumentos elegidos por este gran autor son principalmente dos: los históricos y los ambientados en el mundo oriental representando la realidad, evitada hasta entonces. Fueron las composiciones históricas las que le aportaron la fama y llevaron a su consagración como pintor.
-Obras importantes-:
La barca de Dante 1822. La barca de Dante, también conocida como Dante y Virgilio en los infiernos. La obra de Delacroix está basada en el poema de época medieval Alighieri. Concretamente la obra de Delacroix representa el descenso al infierno y al purgatorio de Dante acompañado de Virgilio.
-* La Matanza de Quíos (1824).
Los griegos se sublevaron contra el Imperio turco, apoyados por Gran Bretaña. Se produjo una larga guerra civil de diez años y, por fin, en 1829, Grecia obtuvo la independencia. Esta guerra tuvo un amplio eco en toda Europa y obtuvo el apoyo de muchos románticos e intelectuales, destacando Lord Byron, que allí perdió la vida.
Es una composición histórica. Se denuncia la desmesurada violencia ejercida por los turcos contra los griegos. Podemos sentir el dolor que transmiten las figuras que representan a los griegos y la altivez del soldado a caballo, satisfecho por la victoria.
-* La muerte de Sardanápalo (1827).395 x 495 cm. Museo Nacional del Louvre. Muerte de Sardanápalo
No fue bien recibido por la crítica del momento -y es que rompía con las tres unidades tradicionales- llama la atención la perfección en los detalles en la telas, los objetos, los adornos de los personajes, etc.
El rey asirio contempla cómo sus hombres dan muerte a las mujeres, luego se matarán ellos y el rey. Es una orgía de sangre. El retorcimiento es importante. La luz está tratada a la manera barroca, en diagonal. Recuerda este cuadro a Rubens .
El cuadro fue ignorado durante casi un siglo, hasta su compra para el Louvre en 1921.
La Muerte de Sardanápalo es ciertamente el lienzo más romántico de Delacroix. Los escritos de Lord Byron fueron una de las más importantes fuentes de inspiración para Delacroix. La obra donde se muestra con mayor relevancia esa influencia es la Muerte de Sardanápalo, cuando los esclavos matan a las concubinas del sátrapa antes de iniciar el suicidio colectivo para evitar el saqueo por parte de las tropas ocupantes de la ciudad, escena que es contemplada por Sardanápalo desde su lecho
Sardanápalo es un rey legendario de Nínive en Asiria que habría vivido de 661a.C. al 631a.C Sería una mitologización de Assurbanipal, un rey muy cultivado y poco belicoso.
Existe la posibilidad de que Sardanápalo fuera el hermano de Assurbanipal, siendo este último el encargado de gobernar Babilonia. Sardanápalo posteriormente conspiró contra Assurbanipal y para castigarle, este rey sitia la ciudad 650 a.C al 631 a.C
Cuando Sardanápalo intuye la derrota inminente, decide suicidarse con todas sus mujeres y sus caballos e incendiar su palacio y la ciudad, para evitar que el enemigo se apropiase de sus bienes.
-* La Libertad guiando al pueblo (1831). La pintura se encuentra actualmente en el Museo del Louvre en París, Francia. Mide 2,60 metros de alto x 3,25 metros de ancho.
Pero su obra más conocida y famosa es la Libertad guiando al pueblo. Exalta la revolución de 1830 (no la Revolución Francesa de 1789 como casi todo el mundo cree).Se reproduce un momento de la Revolución de París del 1830. La Mujer que hace ondear la bandera es, a la vez, Francia y la Libertad, junto a ella combate gente del pueblo, intelectuales, burgueses.
En él la Libertad es representada por una mujer con gorro frigio alzando la bandera tricolor republicana, mientras que dirige a una muy variada muchedumbre, situada en un segundo plano. El primero de los valientes es el mismo Delacroix quien, como harían pintores pasados, se autorretrataba en su obra. El tercero de los focos de atención en la composición son los cuerpos inertes de los guerreros muertos quienes, tendidos en el suelo, aportan el contraste junto con aquellos alzados. Gracias a este dualismo Delacroix consigue una gran sensación de movimiento y dinamismo.
Fue exhibida en el Salón de 1831 y fue adquirida por el rey francés Luis Felipe de Orleans, el rey burgués. Actualmente en el Louvre. Significa el triunfo de la revolución burguesa del 1830, mediante la cual los liberales franceses derrocaron al rey Carlos X, de la dinastía Borbón y provocaron la coronación de Luis Felipe de Orleans, el rey burgués.
Su origen e influencia es la Balsa de la Medusa, también aquí la base es inestable (vigas, maderos...). Las figura forman una argamasa que sube, en primer plano los muertos, pero aquí las masas van hacia adelante
Características propias de Delacroix son: el uso del color, exaltación de los sentimientos, las composiciones barrocas y dinámicas, la luz que subraya la emotividad, la agilidad en la factura (en la manera de pintar).
Durante su breve estancia en Argelia (25-28 de junio 1832) obra de gran realismo donde conjuga el azul local con todas sus variaciones y matices, centrados en la figura femenina, situada en el centro de la composición.
Fascinado por el ambiente, por la luz y los colores, tomó apuntes y trazó rápidos esbozos que luego elaboró en la tranquilidad de su estudio.
Las pinceladas comienzan a ser, en esta obra, algo más sueltas e imprecisas, técnica que inspirará a los impresionistas.
Picasso se sentirá también inspirado por este cuadro
Contexto Político en Francia desde Napoleón .
Resumen
Napoleón Bonaparte-1804--1815---( en España: Tras la derrota de Napoleón en 1815, las grandes potencias absolutistas (Prusia, Austria, Rusia y la Francia de Luis XVIII), reunidas en el Congreso de Viena ( con el objetivo de restablecer las fronteras de Europa tras la derrota de Napoleón Bonaparte y reorganizar las ideologías políticas del Antiguo Régimen.) y coaligadas en la Santa Alianza, se habían comprometido a intervenir ante cualquier amenaza liberal que surgiera en Europa contra los principios de la Restauración (absolutismo, antiguo régimen). Así, reunidas en 1822 un Congreso en Verona, las potencias acordaron la intervención en España. El 7 de abril de 1823 un ejército francés, conocido como los “Cien Mil Hijos de San Luis”, entró y, sin encontrar resistencia popular, conquistó fácilmente el país. Se puso fin al último foco de resistencia del gobierno liberal en Cádiz y repuso como monarca absolutista a Fernando VII. Imponiendo así la Restauración Absolutista en la persona de Fernando VII.) Con la derrota del ejército constitucional se puso fin al Trienio Liberal y se dio paso a la segunda restauración absolutista en España. Una parte del ejército francés permanecería en España hasta el año 1828.
--- Su Sucesor Luis XVIII en 1815 a 1824,------- Su Sucesor Carlos X monarca entre 1824 a 1830.
-----Revolución de 1830- al 1945: el rey Carlos X .
fue sustituido por Luis Felipe,-----Revolución de 1848,
Segunda República Francesa, 1848-1852.( Duró hasta 1852, cuando Luis Napoleón Bonaparte ( Napoleón III ) instauró el Segundo Imperio.)
--- La Tercera República Francesa fue el régimen republicano en vigor en Francia de 1870 a 1940 -
comienza explicación breve
+ Napoleón Bonaparte proclamación como emperador de los franceses el 18 de mayo de 1804, fue proclamado rey de Italia el 18 de marzo de 1805 hasta el 22 de junio de 1815. (Recordar que entró en España en 1808 nombrando a José Bonaparte que era nombrado rey de España , desencadenando la Guerra de la Independencia y salió definitivamente de España en el 1813)
+ Su Sucesor Luis XVIII en 1815 a 1824, el primer monarca de la restauración borbónica en Francia. Luis XVIII pasó veintitrés años en el exilio, 1791-1814, durante la Revolución francesa y el imperio napoleónico, y nuevamente en 1815, durante el periodo de los «Cien Días» al regreso de Napoleón de Elba, Del 1815 al 1824.
+ Su Sucesor Carlos X monarca entre 1824 a 1830. Hermano menor de Luis XVI y de Luis XVIII, sucedió a este último en 1824; a su alrededor se agruparon los ultras, partidarios de restablecer el absolutismo del Antiguo Régimen como si la Revolución no hubiera existido. Estos, los dos últimos Borbones se caracterizaron por intentar restablecer una monarquía con tendencias absolutistas y limitar el ya de por sí reducido poder de las cámaras. A partir de 1821, los gobiernos fueron dominados por ministros ultra monárquicos, provocando un descontento creciente tanto entre los monárquicos moderados como entre la burguesía liberal, y un repunte de las posturas republicanas. Por otro lado, las clases populares venían soportando una prolongada crisis económica y las hambrunas aún asolaban el país.
En esa época la sociedad estaba dividida en tres segmentos que eran: la iglesia, la monarquía y la población; a quienes se aplicaban leyes sin equidad ni justicia social pues la iglesia y la monarquía no pagaban impuestos, ni invertían en el desarrollo para el pueblo y por el contrario era el pueblo que mantenía a la iglesia y a la monarquía con el pago de tributos.
+ Revolución de 1830- al 1945: el rey Carlos X fue sustituido por Luis Felipe,
Los impulsores de esta revolución fueron la sociedad civil y liberal.
La- Restauración del Absolutismo- . La Falta de trabajo, Influencias Nacionalistas, petición de libertades y derechos democráticos sus motivos.
Esta revolución de 1830- al 1945, fue una revuelta de las clases medias y populares contra el rey Carlos X y su gobierno autocrático. Fue reemplazado por Luís Felipe, ( el rey burgués) de la misma familia pero de la rama denominada Borbón-Orleans. 1830 a 1845.
La Revolución de 1830 trajo consigo una Constitución que reconocía de nuevo la soberanía nacional. El Rey ya no lo es de Francia por derecho divino, sino de los franceses por voluntad de los mismos. Luis Felipe I de Orleans era el jefe del ejecutivo y compartía la iniciativa legislativa con las Cámaras.
Revolución de 1848, Segunda República Francesa, 1848-1852. El golpe maestro fue en con la revolución de 1848, Segunda República Francesa 1848-1852. Conocida como La república social y democrática que establece sufragio universal masculino y abolió la esclavitud, un cambio radical en la sociedad francesa.
La Segunda Revolución francesa de 1848 fue una insurrección popular que tuvo lugar en París del 23 al 25 de febrero de 1848. Obligó al rey Luís Felipe I de Francia a abdicar y dio paso a la Segunda República Francesa. Duró hasta 1852, cuando Luis Napoleón Bonaparte ( Napoleón III ) instauró el Segundo Imperio.
Napoleón III aceptó capitular ante los jefes militares prusianos el 2 de septiembre de 1870 y quedó como prisionero de guerra junto con varios miles de sus soldados en París. Tal decisión resultó crucial para la política de Francia, al quedar el país sin jefe de estado repentinamente.
Se Destaca que desde el 18 de marzo al 28 de mayo de 1871, se gobernó brevemente la ciudad de París, instaurando un proyecto político popular socialista autogestionario. resultando una revuelta sofocada cuyas causas habían sido la derrota francesa en la Guerra franco- Prusiana y caída de Napoleón III.
+ La Tercera República Francesa fue el régimen republicano en vigor en Francia de 1870 a 1940
Un periodo marcado por una fuerte identidad democrática, que las leyes sobre la educación, la laicidad, los derechos de huelga, de asociación y de reunión ilustran. La Tercera República es también una época en la que la vida de los franceses se apasionan por la política.
4 ) Romanticismo en España
Escuela Romántica Española: entre otros destacaremos el Romanticismo de GOYA:
A) sus grabados B) sus pinturas negras
Fue un fiel testigo de su época, vivió desde Carlos III con su absolutismo ilustrado ( despotismo ilustrado) y Carlos IV , Guerra de la independencia, Constitución de Cádiz, hasta la restauración borbónica de Fernando VII.
1789 muere Carlos III y su hijo Carlos IV asciende al trono. Carlos IV y María Luisa de Parma. Carlos IV eligió a Goya como pintor de cámara. Goya pintor de Cámara
Pasa de escenas costumbristas (cartones) alegres a ese Goya profundo crítico de la sociedad del momento.
Autorretrato Goya 1815
Comenzar y situar el Romanticismo de Goya en sus grabados :
A sus 47 años, una grave enfermedad que puso en peligro su vida le originó una profunda sordera, circunstancia que, unida a los acontecimientos históricos que le tocó vivir, condicionó un cambio notable en su carácter y temperamento, así como en su pintura, mucho más crítica y profunda a partir de entonces y más libre. En esta etapa comenzará a pintar para él mismo y no para encargos. Con una técnica más suelta fondos más oscuros.
*Los Caprichos. ( 1792 ) 80 estampas a partir de dibujos elaborados. Son auto encargos, " Cuadros de Caprichos e invenciones". No se identifican con el contexto académico. Considera el Arte como el hijo de la libertad. Estampas de la nueva moralidad burguesa frente a la sociedad de la corte. denuncia los abusos de la nobleza y el clero y sus pretensiones nobiliarias. Denuncia las actitudes falsas la ignorancia y supersticiones con pura fantasía. RECURSO EXPRESIONISTA A LO GROTESCO; el hombre deformado por sus vicios morales que desfiguran su cuerpo y su espíritu, pero sin dejar de estar cercano a la realidad. con Los Caprichos, Goya ALCANZA LA MODERNIDAD
EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS" Caprichos de Goya .1799. Técnica aguafuerte y aguatinta . .👈🏿. El propio Goya dormido y critica que cuando el hombre no oyen el grito de la razón todo se vuelve visiones , todo se vuelve delirios. ++TERCERA ÉPOCA (1792-1808 fecha de inicio de la guerra de Independencia).
*Los Desastres. (1810). 82 grabados. Critica y denuncia la guerra. 0:40 min- 1:10 y del 1:24 al 1:33 Critica la barbarie de la guerra, la hambruna y tremendo régimen represor de Fernando VII ▼ . Los 82 grabados. CUARTA ÉPOCA (1808-1819)
*TAUROMAQUIA"-" (a partir de 1815). Graba las suertes del toreo, faenas gloriosas y lidiadores heroicos. CUARTA ÉPOCA (1808-1819)
"Los Disparates " (1816-1823): **Los Disparates o Proverbios.1815-1816 y 1824.
22 grabados.(Colección de pesadillas, que evidencian lo absurdo de la existencia ). quizá la obra más personalista de Goya, una colección de pesadillas, que evidencian lo absurdo de la existencia. El artista recurre a lo monstruoso y deforme, creando seres embrionarios, a medio constituir, o constituidos con dos o tres caras. Los Disparates o Proverbios. 22 grabados al aguafuerte y al aguatinta con retoques a la punta seca y bruñidor entre 1815-1816 y 1824. Son visiones oníricas, presencia de violencia de los desastres de la guerra, de lo grotesco de la humanidad, ridiculiza y satiriza a las instituciones, quizá la obra más personalista de Goya, una colección de pesadillas, que evidencian lo absurdo de la existencia. El artista recurre a lo monstruoso y deforme.. QUINTA ÉPOCA (1819-1828).
Las enigmáticas pinturas negras de Goya . 👈🏿 (Personajes que nacen desde la sordera de Goya, aprisionados al otro lado del cristal).
Pinturas Negras. 1819-1823. 14 pinturas.** 👈🏿
Las enigmáticas pinturas negras de Goya . 👈🏿 (Personajes que nacen desde la sordera de Goya, aprisionados al otro lado del cristal).
El Romanticismo de Goya en las pinturas negras: Pintadas en su propia casa . Pinto todas las paredes. 14 obras que luego fueron trasladadas a lienzo en 1874. y que hoy están en el Museo del Prado ( Personajes que nacen desde la sordera de Goya, aprisionados al otro lado del cristal): caracterizadas por imágenes oníricas o fantasmales, brujas, aquelarres……… con rostros deformados. ( precedentes del surrealismo). Estas imágenes muestran su decepción durante su nueva enfermedad de 1819, la inclinación a lo macabro, al pesimismo, vuelve a dominarlo, y le incita a pintar en las paredes de la Quinta del Sordo escenas de vejez y muerte: un mundo de aquelarres, brujas, machos cabríos, viejas desdentadas y el duelo a garrotazos entre españoles. La pincelada es larga y gruesa. Hay un terrible expresionismo en todo este arte de las llamadas "pinturas negras". Estas pinturas rompen con la tradición pictórica anterior. Realiza estas pinturas para sí mismo y nos ofrece una visión profundamente pesimista y agresivamente irónica sobre el mundo y los hombres.
-"Saturno devorando a un hijo", una de las pinturas negras de Goya, realizadas durante el Trienio Liberal y que bajo una capa mitológica, alude a la frase de " La revolución devora a sus propios hijos).La culminación de su larga carrera. Actualmente montadas en lienzo en el Prado. Personajes que nacen desde la sordera de Goya, parecen que están aprisionados al otro lado del cristal. Entre las 14 pinturas destaco estas :
-"Una manola: doña Leocadia Zorrilla"
“Perro semihundido” - No hay paisaje, no hay perspectiva, no hay tema-, aparece la cabecilla de un perro hundiéndose entre una masa de arenas movedizas . Da mucho desasosiego, casi es un guiño a la abstracción. con esos tonos ocres . Nos transporta a un surrealismo. Importante la extrema libertad pictórica con la que se desarrolla el tema. Ensayo sobre Saura y el perro de Goya.--
Del (1820 a 1823) es el Trienio liberal en España, con el pronunciamiento de Riego. Pero Fernando VII conspira contra el trienio liberal , pidiendo ayuda a las monarquías de Europa para que se restaurarse el absolutismo enviando a los 100.000 hijos de San Luis.
En 1824 tras la intervención de los 100.000 hijos de San Luis para restaurar la monarquía de Fernando VII y ver la pérdida de las libertades tan anheladas por los españoles liberales, Goya elige voluntariamente el exilio.
Goya precursor del arte contemporáneo
Goya comienza con un estilo Rococó, luego pasa por el Neoclasicismo, por último destaca como Romántico, se caracteriza por su personalísima e inclasificable aportación a la historia del arte.
Constituye uno de los fenómenos más sorprendentes de la pintura ya que surge en el ámbito más decaído de nuestra tradición pictórica, dominada por un aburrido neoclasicismo, y anticipa algunos de los cambios radicales , va a experimentar la sensibilidad pictórica contemporánea: la ligereza de su pincelada preludia el Impresionismo, sus fantasías oníricas desembocan en el Surrealismo y su desgarrado mundo interior abre paso a la temática Expresionista.
Por otra parte, constante investigador, pasó por tecnicas variadas (la pintura mural, de caballete, los cartones para tapices y el grabado) y trató todos los Géneros: el bodegón, el cuadro religioso, histórico, el retrato y la escena costumbrista.
Finalmente, fue a través de su obra cómo extendió en Europa la “escuela española” (El Greco, Velázquez y Goya).
Nace en Fuendetodos (Zaragoza, 1746) y murió exiliado en Burdeos en 1828. Vive entre el siglo XVIII y XIX.
Su obra es un documento histórico de gran valor: Vive la Ilustración del reinado de Carlos III, los conflictos dinásticos entre Carlos IV y su hijo, Fernando VII, La Guerra de la Independencia, la vuelta al Absolutismo con Fernando VII y el exilio en Francia.
Su trayectoria artística está condicionada por tres grandes momentos:
El nombramiento A sus 43 años como pintor de cámara de Carlos IV en 1789. Usando el estilo Barroco- Neoclásico.
1792, la primera crisis personal, generada por una enfermedad que le deja sordo y que le lleva a la introspección. Comienza su Estilo Romántico
La Guerra de la Independencia de 1812 que le sumerge en una profunda tristeza (depresión) y en un mundo de temores y pesadillas, y este pesar le dura hasta que se va a Burdeos en 1824 . Pues recordar que tras la intervención de los 100.000 hijos de San Luis, Goya elige voluntariamente el exilio. En Burdeos recupera ya algo de su optimismo como se refleja en el colorido de *"La lechera de Burdeos"(1824). Goya tenía 82 años.
Características
Pintor libre, difícil de encuadrar en los movimientos artísticos del momento: Neoclasicismo, Romanticismo y Realismo.
Gran evolución artística.
Rica paleta cromática, suelta, sugerente.
Temática rica y variada: Pinturas religiosas, escenas costumbristas en los cartones, retratos, temas históricos, bodegones, tauromaquia, mitológicos, oníricos.
Domina todas las técnicas, texturas, paleta de colores y géneros.fresco, óleo sobre lienzo, cartones para tapices, grabados, litografías.. Domina la luz.
Gran observador, sabe plasmar los rasgos psicológicos con gran maestría.
Pintor muy concienciado con la época histórica que le tocó vivir: La influencia de la Ilustración, la vida de la corte, la lucha entre el Absolutismo y el nacimiento del Liberalismo, La Guerra de la Independencia…
Su pintura refleja su trayectoria vital, sus obsesiones, sus pasiones, sus miedos.
Admira a Velázquez y los grandes pintores del Renacimiento y Barroco
Ejerce una fuerte influencia en artistas posteriores y en las vanguardias:
En los Impresionistas con la pincelada suelta.
En los Expresionistas por su forma de interpretar la pintura, rompe con la composición tradicional, con el dibujo.
En los Surrealistas por el tratamiento del mundo onírico
La vida de Goya abarca mitad el siglo XVIII y la cuarta parte del siglo XIX: una época de grandes cambios políticos y sociales, y revoluciones culturales no menos importantes en las artes, las letras y las ciencias. Durante la vida del pintor, España salió del absolutismo ilustrado y pasó a ser monarquía constitucional en 1812 ( la constitución de 1812 ) , aunque hubo recaídas absolutistas se inicia el Trienio liberal ( 1814 y 1823), y aunque no hubo revolución al estilo francés, dos levantamientos trajeron cambios radicales durante la 1-- Guerra de la Independencia y 2- el trienio liberal constitucional de 1820 a 1823.
Restauración Absolutista en la persona de Fernando VII: 1823. Dura persecución contra los liberales y revive La Inquisición
También durante esos años, Goya convivió con una gran diversidad de estilos y corrientes artísticas imperantes: Rococó, Neoclasicismo, Romanticismo, aunque si algo lo caracteriza es su personalísima e inclasificable aportación a la historia del arte.
Podríamos hablar de cinco etapas en la vida y obra de Francisco de Goya-esquema:
▼PRIMERA ÉPOCA (hasta 1775).
Etapa de Formación
(primeras pinturas religiosas en Zaragoza, estilo barroco -clásico)
▼SEGUNDA ÉPOCA que se prolonga hasta 1775-1792.
---De Zaragoza a Madrid y luego -- Pintor de Cámara de Carlos IV--
+Goya se incorpora en Madrid a la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, recomendado por su maestro y ahora cuñado Bayeux. Aquí pintará cartones para luego ser pasados a tapices, ahora en el museo del Prado.
+ Un total de 63 cartones que le dan a Goya una posición social. Cartones:( ***La Vendimia, "El Quitasol," 1777, la Pradera de San Isidro, la Gallina Ciega, el Pelele, el Cacharrero ..).Tienen influencia del rococó y neoclásico. Celebran la alegría de la vida , lo festivo y lo galante. La mayor parte de los cartones de Goya, siempre realizados al óleo, tratan temas de contenido vital y optimista: escenas campestres, de diversión, cacerías, donde las figuras (nobleza y pueblo mezclados) están relacionadas con una naturaleza amable.
+1789 muere Carlos III y su hijo Carlos IV asciende al trono. Carlos IV y María Luisa de Parma. Carlos IV eligió a Goya como pintor de cámara. Goya pintor de Cámara
▼TERCERA ÉPOCA (1792-1808 fecha de inicio de la guerra de Independencia).
El paso de Goya al ROMANTICISMO:
+47 años, una grave enfermedad que puso en peligro su vida le originó una profunda sordera, circunstancia que, unida a los acontecimientos históricos que le tocó vivir, condicionó un cambio notable en su carácter y temperamento, así como en su pintura, mucho más crítica y profunda a partir de entonces y más libre. En esta etapa comenzará a pintar para él mismo y no para encargos. Con una técnica más suelta fondos más oscuros.
*Los Caprichos. 80 estampas o grabados. No son encargos, son auto encargos, " Cuadros de Caprichos e invenciones". En los que sostiene que el arte es hijo de la libertad y que no se debe de someter a reglas . No se identifican con el contexto académico. Van a estar poco tiempo a la venta pues los retira por miedo a la inquisición.
En 1797 realizó la serie grabada de Los Caprichos, a partir de dibujos elaborados desde 1792, donde su fantasía, imaginación y sentido crítico alcanzaron unos niveles de expresión no superados en el arte español. En general su contenido es de crítica ilustrada, de crítica de los errores y vicios de la sociedad. Es una autentica sátira social , arremete contra todos los estamentos sociales del momento, críticas a la Inquisición, a la prostitución, a personalidades concretas (Godoy), contra médicos y maestros ignorantes, críticas a los vicios (avaricia, lujuria, gula...) protagonizados por gentes de la Iglesia, y también hay un grupo de crítica más compleja contra las supersticiones y el mundo de las brujas y contra la incultura del pueblo.
Por otro lado, Goya añade a la intención crítica una voluntad de ejecutar la FANTASÍA DEL ARTISTA, la CREATIVIDAD, sirviéndose para ello de algunos ELEMENTOS ESTÉTICOS MODERNOS que darán paso al ROMANTICISMO: creación de ambientes inquietantes en que la principal protagonista es la noche, criaturas de la noche (diablos, duendes, gatos...), mundo irracional que puede ser real y terrorífico,...
Todos ellos, además, incorporan el RECURSO EXPRESIONISTA A LO GROTESCO; el hombre deformado por sus vicios morales que desfiguran su cuerpo y su espíritu, pero sin dejar de estar cercano a la realidad.
Podemos concluir que con Los Caprichos, Goya ALCANZA LA MODERNIDAD
--- EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS" Caprichos de Goya .1799. Técnica aguafuerte y aguatinta . El propio Goya dormido y critica que cuando el hombre no oyen el grito de la razón todo se vuelve visiones , todo se vuelve delirios.++
otras pinturas de esta época.:
*“La familia de Carlos IV" ,1800-1801. uno de sus cuadros más famosos. Como si se tratara de un homenaje a Velázquez de Las Meninas. La riqueza cromática de esta obra es excepcional. Al contrario de los modelos neoclásicos, aquí todo es una explosión de colores, dorados, azules y rojos de vivos contrastes.
"*"Retratos: a Moratín," "Jovellanos", "Godoy", "Duquesa de Alba", "Las Majas vestida "y "desnuda "presumibles retratos de la duquesa Cayetana de Alba, versiones del tema clásico de Venus recostada, pero sin ninguna diosa. Por estos cuadros tuvo que comparecer ante la Inquisición.
"Maja vestida" y la "Maja desnuda”, 1800. Encontrado en el gabinete personal de Godoy. Parece ser que fue un encargo de Godoy que era un retrato de Pepita Tudó ( amante de Godoy), parece ser que la cara corresponde con Pepita Tudó pero que el cuerpo no, sinó más bien con la amada duquesa de Alba de Goya . Composición Neoclásica, claramente inspirada en la Venus del espejo de Velázquez que veremos su influencia posterior en Manet ( la Olimpia). Es la primera vez que en un desnudo femenino ( no justificado como las venus desnudas ahora con rostro concreto, todo una aberración para su tiempo- muy polémica en la época- Pepita Tudó es la retratada y está desnuda para su contemplación). La inquisición persiguió a Goya por este cuadro , el cual se libró por sus buenas relaciones con la corte.
▼CUARTA ÉPOCA (1808-1819)
- Goya va seguir pintando para José Primero por el cual se dirá de Goya que era un Afrancesado. Goya nunca llegó a pronunciarse.
- Vuelve Fernando VII, y tiene que demostrar que no es un afrancesado y hará pinturas como * El 2 y el tres de Mayo.
La época de la guerra de independencia. (1808-1814).
A partir de 1808, con la invasión de las tropas francesas se precipitaron un cúmulo de acontecimientos que habrían de incidir significativamente en la persona y la obra de Goya.
Los años de permanencia en la Corte habían hecho del joven pintor llegado de Zaragoza una persona ilustrada, abierta a ideas nuevas y avanzadas, que en muchos aspectos concordaban con el pensamiento que Napoleón Bonaparte intentaba imponer en toda Europa. Esta actitud, y el haber servido durante cinco años a José Bonaparte en su puesto de pintor de cámara, le valió la calificación de "afrancesado". Pinta en 1814 Dos de Mayo, y Tres de Mayo sucesos del 1808, para demostrar que él no era afrancesado, era un pintor que sintió profundamente este momento que pasa el pueblo de Madrid.
** Dos de Mayo .1808. Composición muy Romántica. No hay héroes
** Tres de Mayo .1808. o los fusilamientos de la Moncloa. Vemos a personaje con los brazos en cruz , esta iconografía remite claramente a Cristo ( aquí estoy) vestido de blanco, simbolizando esta inocencia frente a un pelotón oscuro deshumanizado anónimo, pintado con duras líneas frente los personajes que van a morir, hombre frente la muerte, el miedo, el llanto. Solo hay la brutal injusticia de hombre que van a morir a manos de otro hombre.
** Los Desastres.1810. 82 grabados. Los 82 grabados. Crítica y denuncia la guerra. Crítica la barbarie de la guerra, la hambruna.
**"TAUROMAQUIA"-
▼QUINTA ÉPOCA (1819-1828).
- Época DE LA RESTAURACIÓN DEL ABSOLUTISMO 1814 por Fernando VII .
Volvió a caer gravemente enfermo y se retiró a una casa al lado del Manzanares que se llamó la Quinta del sordo. Pinturas Negras. 👈🏿 Pinturas Negras. 1819-1823 .14 pinturas.** .
- Se exilia Goya en Burdeos.
- MUERTE de Goya 1828.
* Los Disparates o Proverbios.1815-1816 y 1824 . 22 grabados.(Colección de pesadillas, que evidencian lo absurdo de la existencia ). quizá la obra más personalista de Goya, una colección de pesadillas, que evidencian lo absurdo de la existencia. El artista recurre a lo monstruoso y deforme, creando seres embrionarios, a medio constituir, o constituidos con dos o tres caras. Los Disparates o Proverbios. 22 grabados al aguafuerte y al aguatinta con retoques a la punta seca y bruñidor entre 1815-1816 y 1824. Son visiones oníricas, presencia de violencia de los desastres de la guerra, de lo grotesco de la humanidad, ridiculiza y satiriza a las instituciones, quizá la obra más personalista de Goya, una colección de pesadillas, que evidencian lo absurdo de la existencia. El artista recurre a lo monstruoso y deforme.
En estos destacan las visiones oníricas, la presencia de la violencia y el sexo y la puesta en solfa de las instituciones relacionadas con el Antiguo Régimen y en general, la crítica del poder establecido. Pero más allá de estas connotaciones las estampas ofrecen un mundo imaginativo rico relacionado con la noche, el carnaval, y lo grotesco que constituyen un enigma tanto estampa por estampa como en su conjunto
Pinturas Negras. 👈🏿 Pinturas Negras. 1819-1823 .14 pinturas.** .
Las enigmáticas pinturas negras de Goya . 👈🏿 (Personajes que nacen desde la sordera de Goya, aprisionados al otro lado del cristal).
El Romanticismo de Goya en las pinturas negras: Pintadas en su propia casa . Pinto todas las paredes. 14 obras que luego fueron trasladadas a lienzo en 1874. y que hoy están en el Museo del Prado ( Personajes que nacen desde la sordera de Goya, aprisionados al otro lado del cristal): caracterizadas por imágenes oníricas o fantasmales, brujas, aquelarres……… con rostros deformados. ( precedentes del surrealismo). Estas imágenes muestran su decepción durante su nueva enfermedad de 1819, la inclinación a lo macabro, al pesimismo, vuelve a dominarlo, y le incita a pintar en las paredes de la Quinta del Sordo escenas de vejez y muerte: un mundo de aquelarres, brujas, machos cabríos, viejas desdentadas y el duelo a garrotazos entre españoles. La pincelada es larga y gruesa. Hay un terrible expresionismo en todo este arte de las llamadas "pinturas negras". Estas pinturas rompen con la tradición pictórica anterior. Realiza estas pinturas para sí mismo y nos ofrece una visión profundamente pesimista y agresivamente irónica sobre el mundo y los hombres.
-"Saturno devorando a un hijo", una de las pinturas negras de Goya, realizadas durante el Trienio Liberal y que bajo una capa mitológica, alude a la frase de " La revolución devora a sus propios hijos).La culminación de su larga carrera. Actualmente montadas en lienzo en el Prado. Personajes que nacen desde la sordera de Goya, parecen que están aprisionados al otro lado del cristal. Entre las 14 pinturas destaco estas :
-"Una manola: doña Leocadia Zorrilla"
“Perro semihundido” - No hay paisaje, no hay perspectiva, no hay tema-, aparece la cabecilla de un perro hundiéndose entre una masa de arenas movedizas . Da mucho desasosiego, casi es un guiño a la abstracción. con esos tonos ocres . Nos transporta a un surrealismo. Importante la extrema libertad pictórica con la que se desarrolla el tema. Ensayo sobre Saura y el perro de Goya.--
Del (1820 a 1823) es el Trienio liberal en España, con el pronunciamiento de Riego. Pero Fernando VII conspira contra el trienio liberal , pidiendo ayuda a las monarquías de Europa para que se restaurarse el absolutismo enviando a los 100.000 hijos de San Luis.
En 1824 tras la intervención de los 100.000 hijos de San Luis para restaurar la monarquía de Fernando VII y ver la pérdida de las libertades tan anheladas por los españoles liberales, Goya elige voluntariamente el exilio.
Se autoexilia Goya en Burdeos.
En Burdeos recupera algo de su optimismo como se refleja en el colorido de:
** La lechera de Burdeos"1824 . Anuncia el impresionismo. 1- Aportaciones e influencias de esta última pintura en el impresionismo.
Con 82 años. Unos años antes de morir. Goya tenía 82 años. Retrato de Rosario Weiss. Chica que Goya apadrinó y enseñó a pintar. Rosario Weiss, una artista excepcional: de aprendiz de Goya a maestra de dibujo de Isabel II. Talento natural para el arte del dibujo y de la pintura la impulsó a un escalafón prácticamente cerrado a las mujeres del siglo XIX: el profesionalismo como artista. Su madre, Leocadia Zorrilla fue la ama de llaves, se trasladó a vivir con ella y su otro hijo a la casa del pintor aragonés en las afueras de Madrid, en la Quinta del Sordo.
Unos años antes de morir, Goya En este cuadro recobra el colorido, el efecto lumínico que hace vibrar la atmósfera repleta de inquietas y pequeñas pinceladas. Por sus características este cuadro anuncia el impresionismo. 1- Aportaciones e influencias de esta última pintura en el impresionismo.
Muere en 1828. Luego enterrado en el monasterio de San Antonio de la Florida (Madrid), en el cual había pintado la cúpula en su juventud.
En este cuadro recobra el colorido, el efecto lumínico que hace vibrar la atmósfera repleta de inquietas y pequeñas pinceladas. Por sus características este cuadro anuncia el impresionismo. 1- Aportaciones e influencias de esta última pintura en el impresionismo.
Muere en 1828. Luego enterrado en el monasterio de San Antonio de la Florida (Madrid), en el cual había pintado la cúpula en su juventud.
Nota *** Goya utiliza los manuales de Cesare Ripa (1555-1622) compilación de todos los elementos simbólicos , manual para los pintores de la época que para consultar iconología presentes en sus pinturas (recurriendo a una metodología también creativa). Los pintores también consultaron los Manuales de heráldica.
Momento histórico : Contexto documental
La Guerra de la Independencia. El nacimiento de la España Liberal. Las Cortes de Cádiz. La Constitución de 1812. El fin de la guerra. La vuelta de Fernando VII: la reacción. El exilio de los liberales.
Contexto histórico y social . Resumen:
Del 1808 a 1814 , 6 años dura la Guerra de la Independencia Española.
(*) Cádiz único lugar sin invadir por los franceses donde los Españoles sitúan su sede Nación y redactan la constitución de 1812 en las cortes de Cádiz, haciendo de Cádiz el centro cultural, político de la resistencia patriótica constituyendo la constitución más liberal de toda Europa.
Pero con la esperada vuelta del Rey Fernando VII , La Constitución de 1812 tuvo una vigencia efímera, imponiendo de nuevo su absolutismo.
De 1814. a 1820- a la Restauración de Fernando VII a su vuelta de Francia- Fernando VII la derogó, a su vuelta a España en 1814, implantando el más férreo absolutismo durante seis años.
Pero el pueblo que resistió le obliga Fernando VII a jurar la Constitución Española y acuerdos entre el pueblo: Momento del Trienio liberal.
Trienio liberal. (1820-1823)- el Rey se vio obligado a jurar la Constitución de 1812, iniciándose así el Trienio liberal. (1820-1823), tras el pronunciamiento de Riego en 1820.
Precisamente con las tropas que debían viajar a América del Sur para detener su emancipación ( reconduciendo se hacía la lucha por la independencia, conducida por los libertadores ).
Pero Fernando VII no pensaba lo mismo
El 7 de abril de 1823 un ejército francés, conocido como los “Cien Mil Hijos de San Luis”, entró, llamado por Fernando VII y, sin encontrar resistencia popular, conquistó fácilmente el país. Se puso fin al último foco de resistencia del gobierno liberal en Cádiz y repuso como monarca absolutista a Fernando VII. Imponiendo así la Restauración Absolutista en la persona de Fernando VII y pone fin al Trienio Liberal.
Fernando VII Fernando VII saldría y prometería defender la libertad alcanzada por los españoles con la Constitución de 1812 y a cambio se rendiría la plaza de Cádiz. Acordado con los franceses, Fernando VII salió de la ciudad, pero de forma inmediata se unió al invasor y el mismo 1 de octubre decretó la abolición de cuantas normas jurídicas habían sido aprobadas durante los tres años anteriores, dando fin al Trienio Liberal. también hace revivir La Inquisición que se ve en los Tribunales de Fe Diocesanos, instrumento creado por el ministro de Gracia y Justicia, para extender la represión a todos los órdenes.
Explicación más extendida:
El período en el que España es ocupada por las tropas francesas durante la guerra de la Independencia Española comprende desde las abdicaciones de Bayona, en las que Carlos IV rey de España y Fernando VII su hijo se ven obligados a abdicar la Corona de España en favor de Napoleón Bonaparte en 1808, hasta la restauración de Fernando VII en 1814
Durante esos años, el emperador de los franceses Napoleón impuso a su hermano José como rey de España que intentó mantener la Monarquía Española como un Estado al servicio de los intereses del Imperio Francés . Al tiempo, las autoridades españolas contrarias a los franceses declararon a Fernando VII legítimo rey y establecieron Juntas Locales y, más tarde, una Junta Suprema Central, con las que organizar la lucha contra los ejércitos napoleónicos.
El deseado, fue cómo le llamaron , entonces, a Fernando VII , duró este adjetivo hasta 1814 cuando vuelve de Francia.
Resultando:
1. El pueblo español es quien combatió contra los franceses en la Guerra de la Independencia contra Napoleón.
Enlace a una , coproducción hispano-francesa, estrenada por Televisión Española en 1983. • Dirección: Mario Camus.
2. las cortes de Cadiz constituyen la constitución más liberal de toda Europa. En efecto, la constitución de 1812 enlazaba con las Leyes tradicionales de la Monarquía española pero, al mismo tiempo, incorporaba principios del liberalismo democrático tales como a soberanía nacional y la separación de poderes.
La soberanía, poder pleno y supremo del Estado, que hasta entonces había correspondido al Rey, pasa ahora a la Nación.
La Constitución de 1812 tuvo una vigencia efímera. Fernando VII la derogó a su vuelta a España en 1814, implantando el más férreo absolutismo durante seis años. Tras el pronunciamiento de Riego en 1820, precisamente con las tropas que debían viajar a América para detener su emancipación ( reconduciéndose hacia la lucha por la independencia, conducida por los libertadores), el Rey se vio obligado a jurar la Constitución de 1812, iniciándose así el Trienio liberal. (1820-1823).
3.- Trienio liberal. (1820-1823). El Trienio Liberal permite llevar a la práctica las medidas que habían surgido en la primera experiencia de las Cortes de 1810 a 1814
Tras la derrota de Napoleón en 1815, las grandes potencias absolutistas (Prusia, Austria, Rusia y la Francia de Luis XVIII), reunidas en el Congreso de Viena y coaligadas la Santa Alianza, se habían comprometido a intervenir ante cualquier amenaza liberal que surgiera en Europa contra los principios de la Restauración (absolutismo, antiguo régimen). Así, reunidas en 1822 un Congreso en Verona, las potencias acordaron la intervención en España. El 7 de abril de 1823 un ejército francés, conocido como los “Cien Mil Hijos de San Luis”, entró y, sin encontrar resistencia popular, conquistó fácilmente el país. Se puso fin al último foco de resistencia del gobierno liberal en Cádiz y repuso como monarca absolutista a Fernando VII. Imponiendo así la Restauración Absolutista en la persona de Fernando VII.
4-Restauración Absolutista en la persona de Fernando VII: 1823
La labor del gobierno de Fernando VII se centró en la represión de los enemigos de la restaurada monarquía absoluta. Más de doce mil “afrancesados” tuvieron que exiliarse del país y se inició una dura persecución contra los liberales.
El mismo 1 de octubre de 1823, sintiéndose arropado por las tropas francesas, Fernando VII vuelve de nuevo a suspender la Constitución de Cádiz y declara ilegales y "nulos y de ningún valor"todos los actos de gobierno y normas dispuestas en el Trienio Liberal.
Se hace revivir La Inquisición se ve superada por los Tribunales de Fe Diocesanos, instrumento creado por el ministro de Gracia y Justicia, para extender la represión a todos los órdenes.
Saber más detalles de estos periodos:
1) PRIMERA ÉPOCA hasta 1775.
Desde su formación en la Academia Zaragozana de Dibujo y durante el “obligado” viaje a Italia, primeras pinturas religiosas en Zaragoza, mezcla de barroquismo y clasicismo, hasta su instalación definitiva en Madrid.
En 1798 decoró la bóveda de "San Antonio de la Florida", con bellísimos ángeles (ángelas) y figuras llenas de naturalismo y picardía, que nos ilustran acerca de esa manera tan realista de interpretar Goya lo religioso. Quizá el aspecto más notable de los frescos es su técnica, una mezcla continua de fresco y temple que le permitía añadir muchos toques y pinceladas de color después de haberse secado el revoque y que se adaptaba muy bien al modo de trabajar de Goya, en donde destacan las pinceladas sueltas, cuyo valor se aprecia sólo a la debida distancia.
**San Antonio de la Florida (Madrid), el el cual pinta su cúpula
2) SEGUNDA ÉPOCA que se prolonga hasta 1775-1792.
En 1780 ingresa en la Academia de San Fernando con "el Cristo en la cruz".
Es su juventud, su maestro fue entre otros Bayeux, nombrado director de la Real Fábrica de Tapices de Santa Barbara ( Madrid). Es la etapa en la que Goya se incorpora a la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, recomendado por su maestro y ahora cuñado Bayeux. Aquí pintará cartones para luego ser pasados a tapices, ahora en el museo del Prado.
+ Un total de 63 cartones que le dan a Goya una posición social.
+ Cartones: ***La Vendimia, El Quitasol, la Pradera de San Isidro, la Gallina Ciega, el Pelele, el Cacharrero ..). Tienen influencia del rococó y neoclásico. Celebran la alegría de la vida , lo festivo y lo galante. La mayor parte de los cartones de Goya, siempre realizados al óleo, tratan temas de contenido vital y optimista: escenas campestres, de diversión, cacerías, donde las figuras (nobleza y pueblo mezclados) están relacionadas con una naturaleza amable. En líneas generales podemos decir que Goya evoluciona durante estos años desde unos primeros cartones de composición muy convencional (piramidal), paleta de colores reducida y figuras con un silueteado excesivo, pero obligatorio para pasarlas luego al tapiz, hasta unos cartones finales de figuras más pequeñas y frágiles, paleta mucho más amplia y, sobre todo, pincelada mucho más suelta, toques que hacen su efecto a distancia a la manera de los de Velázquez, acentuando los afectos de luz y dejando muchas veces sin concretar los detalles.
+En 1789 muere Carlos III y su hijo Carlos IV asciende al trono. Carlos IV y Maria Luisa de Parma. Carlos IV eligió a Goya como pintor de cámara IV Su creciente éxito le permite conocer las colecciones de pintura de la Corte, realizando estudios de Velázquez, e iniciar su faceta de retratista. . Pinta muchos Retratos, disputado por las cortesanas para retratarse. Goya se considera el mejor Retratista de todos los tiempos.
+Desde muy pronto numerosos nobles posaron ante su caballete, al tiempo que le brindaron su amistad y le introdujeron en un ambiente social cada vez más rico en cultura y medios económicos. De esta manera logró atraerse el favor de la duquesa de Osuna y de la duquesa de Alba, conociendo entre 1783 y 1792 años de felicidad, y dedicándose al género que le iba a aupar a la fama definitiva: el retrato.
+ Gracias a su maestría ya en 1786 es pintor de Carlos III, convirtiéndose en 1789 en pintor de cámara de Carlos IV e iniciando la espléndida serie de retratos de la familia real.
+En los muy numerosos retratos de la década de los 80, los hay que todavía se encuentran dentro de una línea fría y señorial, con actitudes envaradas y distantes, propias del Rococó, otros adoptan las convenciones inglesas, elegantes y refinadas, pero en casi todos Goya utiliza los juegos de luces y sombras y una graduación de tonos y detalles muy velazqueños, para dar sensación de espacio, así como pastosas pinceladas que tienen un efecto abstracto vistas desde cerca, pero resultan totalmente convincentes a la debida distancia.
" Retrato de los Duques de Osuna"
Análisis del cuadro: FAMILIA DE CARLOS IV El museo del Prado y Goya.Goya utiliza de forma simbólica la alegoría de Hércules y Onfale (Jefe de Conservación del Área de Pintura del siglo XVIII y Goya del Museo del Prado, comenta La familia de Carlos IV, (1800) de Goya de la colección del Museo del Prado)
3) TERCERA ÉPOCA (1792-1808)
El paso al ROMANTICISMO:
Cuando contaba 47 años, una grave enfermedad que puso en peligro su vida le originó una profunda sordera, circunstancia que, unida a los acontecimientos históricos que le tocó vivir, condicionó un cambio notable en su carácter y temperamento, así como en su pintura, mucho más crítica y profunda a partir de entonces.
**--Los Caprichos. 80 estampas. 1797. No son encargos, son auto encargos, " Cuadros de Caprichos e invenciones". No se identifican con el contexto académico.
* "EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS" Caprichos de Goya .1799. Técnica aguafuerte y aguatinta .
Utiliza el buril o punta seca.Considera el Arte como el hijo de la libertad, el arte supeditado a la libertad del autor. El diario de Madrid anuncia la puesta en venta de una colección de las 80 estampas. Estampas de la nueva moralidad burguesa frente a la sociedad de la corte. denuncia los abusos de la nobleza y el clero y sus pretensiones nobiliarias, y las actitudes de pueblo (supersticiones y malas costumbres). Denuncia las actitudes falsas la ignorancia y supersticiones con pura fantasía.
En 1797 realizó la serie grabada de Los Caprichos, a partir de dibujos elaborados desde 1792, donde su fantasía, imaginación y sentido crítico alcanzaron unos niveles de expresión no superados en el arte español. En general su contenido es de crítica ilustrada, de crítica de los errores y vicios de la sociedad. Críticas a la Inquisición, a la prostitución, a personalidades concretas (Godoy), contra médicos y maestros ignorantes, críticas a los vicios (avaricia, lujuria, gula...) protagonizados por gentes de la Iglesia, y también hay un grupo de crítica más compleja contra las supersticiones y el mundo de las brujas.
1799 el diario de Madrid anuncia la puesta a la venta de una colección de 80 estampas de Goya. La fe en la razón, el odio de los vicios, la superstición, la ignorancia y los abusos sociales. Su arte está inspirado a la libertad del creador , no está sometido a ningún encargo ni determinación. Es el triunfo de la imaginación artística, esto hará que se conciba su modernidad.
Goya como el primer artista moderno en "Caprichos e invenciones"
+++++++Por otro lado, Goya añade a la intención crítica una voluntad de ejecutar la FANTASÍA DEL ARTISTA, la CREATIVIDAD, sirviéndose para ello de algunos ELEMENTOS ESTÉTICOS MODERNOS que darán paso al ROMANTICISMO: creación de ambientes inquietantes en que la principal protagonista es la noche, criaturas de la noche (diablos, duendes, gatos...), mundo irracional que puede ser real y terrorífico,...
Todos ellos, además, incorporan el RECURSO EXPRESIONISTA A LO GROTESCO; el hombre deformado por sus vicios morales que desfiguran su cuerpo y su espíritu, pero sin dejar de estar cercano a la realidad.
Podemos concluir que con Los Caprichos, Goya ALCANZA LA MODERNIDAD; pasa de ser un maestro neoclásico, que crea según un canon, un ilustrado que pone sus obras al servicio de una finalidad didáctica, a ser un genio que se sirve de nuevas categorías, cimiento de la estética del hombre moderno.
Por otra parte Goya reanuda el trabajo formal, pintando retratos de la familia real, aristócratas, generales, arzobispos y amigos. Sin disminuir el empaque y la categoría social de los notables que retrata, Goya les capta ahora de manera más directa y con mayor vitalidad que antes, retocando certeramente los rasgos de la cara, elaborando los vestidos con pasmosa rapidez y empleando un genial impresionismo que crea una perfecta ilusión de realidad. Este "ilusionismo" contrasta con la técnica más detallada empleada en los rostros, realizados con vivos y precisos toques, cuya exactitud nos convence plenamente a cierta distancia y que consiguen transmitir la personalidad del retratado.
++Podemos destacar el de “La familia de Carlos IV" ,1800-1801, documento histórico de incalculable valor y obra maestra de la pintura universal. Como si de una instantánea fotográfica se tratase se sitúa el plano en el que aparece la familia real sin ningún tipo de concesión. En el margen de la izquierda y en un segundo plano, Goya se autorretrata ejecutando el cuadro, como si se tratara de un homenaje a Velázquez de "Las Meninas". La riqueza cromática de esta obra es excepcional. Al contrario de los modelos neoclásicos, aquí todo es una explosión de colores, dorados, azules y rojos de vivos contrastes.
También de esta época son los cuadros de la "Maja vestida" y la "Maja desnuda”, presumibles retratos de la duquesa Cayetana de Alba, versiones del tema clásico de Venus recostada, pero sin ninguna diosa. Por estos cuadros tuvo que comparecer ante la Inquisición.
Se unen en esta etapa dos hechos muy importantes : la paralización de las reformas por miedo a la revolución y la SORDERA definitiva de 1792.
Su técnica cambia hacia una pincelada más suelta e importancia del color-luz .
4) CUARTA EPOCA (1808-1819)
A partir de 1808, con la invasión de las tropas francesas se precipitaron un cúmulo de acontecimientos que habrían de incidir significativamente en la persona y la obra de Goya. Los años de permanencia en la Corte habían hecho del joven pintor llegado de Zaragoza una persona ilustrada, abierta a ideas nuevas y avanzadas, que en muchos aspectos concordaban con el pensamiento que Napoleón Bonaparte intentaba imponer en toda Europa. Esta actitud, y el haber servido durante cinco años a José Bonaparte en su puesto de pintor de cámara, le valió la calificación de "afrancesado".
----Desde el punto de vista artístico, la guerra de la independencia fue traducida por Goya en la memorable serie de grabados de "Los desastres de la guerra”. Hasta ese momento, históricamente, la guerra había sido representada como un espectáculo bello, pero los horrores de la guerra, con las violaciones, fusilamientos, robos, sacrilegios, fueron caldo de cultivo propicio para una mente tan inclinada a la exaltación como la suya. Goya pinta, pues, una guerra distinta: un cúmulo de tragedias. Goya no toma partido por ningún bando, no hay escenas heroicas (románticas) ni justificación ideológica, no existe la idealización de la guerra. Todos son víctimas del terror, del miedo, de la perversa crueldad que anida en todos los seres humanos. En pocas ocasiones se ha llegado a plasmar con tan escalofriante dramatismo, como en los Desastres, los horrores de la guerra, sus nefastas consecuencias y, lo que aún es peor, la muerte de la esperanza. Habría que esperar a los actuales documentos cinematográficos para conseguir efectos parecidos a los logrados por esta serie goyesca.
Ya pasado el conflicto, en 1814, pintó Goya dos cuadros monumentales: * "LA CARGA DE LOS MAMELUCOS EN LA PUERTA DEL SOL" (2 DE MAYO) Y *"LOS FUSILAMIENTOS DE LA MONCLOA" (3 DE MAYO). A diferencia de los Desastres, hay en estos cuadros la especificidad de tiempo y lugar y corresponden al género más prestigioso de aquella época: el de historia. El lenguaje utilizado es, por tanto, más convencional y menos descarnado, dictado por el carácter oficial y patriótico de la obra, y existe una clara intención simbólica, subrayándose en uno los triunfos del levantamiento popular, y en el otro, los sacrificios, pero realzándose en los dos el heroísmo de muchos y la voluntad unida de todos. Probablemente Goya trataba de afianzar su posición en una época difícil, y acallar las voces que le señalaban como un colaborador complaciente de los franceses. No obstante lo anterior, renuncia también en estos lienzos Goya a resaltar las individualidades heroicas propias de los cuadros de historia, minimiza las referencias espaciales, y detalla con más dureza de la habitual determinados aspectos de ambas obras.
Vive los acontecimientos del dos de mayo en Madrid y sufre la contradicción entre sus ideas ilustradas y liberales y por tanto filofrancesas, y la realidad feroz de la violencia del invasor. Su modo de ver la guerra refleja la crueldad: de esta época es la serie de grabados de LOS DESASTRES, ejemplo de crítica y denuncia de la guerra; y en 1814 se ofrece a realizar dos óleos sobre los sucesos del 2 de mayo: “LA CARGA DE LOS MAMELUCOS” y “LOS FUSILAMIENTOS DE PRINCIPIO PIO, O FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO” que reflejan el patriotismo , tal vez para acallar las sospechas de afrancesado. Su TÉCNICA vuelve a evolucionar: composiciones dinámicas, trabaja especialmente con el color a veces solo rostros manchas, contrastes de luces y sombras y expresiones dramáticas
También durante este periodo Goya inmortaliza la fiesta de toros en una serie de grabados - la "TAUROMAQUIA"-, hecha a partir de 1815. Graba las suertes del toreo, faenas gloriosas y lidiadores heroicos.
5) QUINTA EPOCA (1819-1828)
DE LA RESTAURACIÓN DEL ABSOLUTISMO 1814 AL EXILIO Y MUERTE de Goya 1828 .
Con la restauración del absolutismo y persecución de los liberales de Fernando VII sus esperanzas de cambio se frustran y decide retirarse a una finca conocida como la Quinta del Sordo. Allí utilizando como novedad la técnica el óleo sobre el yeso de la pared, con tonos sombríos: humo negro, blanco, tierras, algo de rojo y azul, realiza "LAS PINTURAS NEGRAS".
** "LAS PINTURAS NEGRAS".(1819-1823) 14 pinturas caracterizadas por imágenes oníricas o fantasmales, brujas, aquelarres……… con rostros deformados. ( precedentes del surrealismo). Estas imágenes muestran su decepción durante su nueva enfermedad de 1819, la inclinación a lo macabro, al pesimismo, vuelve a dominarlo, y le incita a pintar en las paredes de la Quinta del Sordo escenas de vejez y muerte: un mundo de aquelarres, brujas, machos cabríos, viejas desdentadas y el duelo a garrotazos entre españoles. La pincelada es larga y gruesa. Hay un terrible expresionismo en todo este arte de las llamadas "pinturas negras". Estas pinturas rompen con la tradición pictórica anterior. Realiza estas pinturas para sí mismo y nos ofrece una visión profundamente pesimista y agresivamente irónica sobre el mundo y los hombres.
14 pinturas. La culminación de su larga carrera. Actualmente montadas en lienzo en el Prado. Personajes que nacen desde la sordera de Goya, parecen que están aprisionados al otro lado del cristal. Entre las 14 pinturas destaco estas :
-"Saturno devorando a un hijo", una de las pinturas negras de Goya, realizadas durante el Trienio Liberal y que bajo una capa mitológica, alude a la frase de " La revolución devora a sus propios hijos).
-"Una manola: doña Leocadia Zorrilla"
-"“Perro semihundido” -- Ensayo sobre Saura y el perro de Goya.--
Reflejo de esta misma desazón son los grabados de su última serie: "LOS DISPARATES", quizá la obra más personalista de Goya, una colección de pesadillas, que evidencian lo absurdo de la existencia. El artista recurre a lo monstruoso y deforme, creando seres embrionarios, a medio constituir, o constituidos con dos o tres caras.
**Los Disparates o Proverbios. 22 grabados al aguafuerte y al aguatinta con retoques a la punta seca y bruñidor entre 1815-1816 y 1824. Son visiones oníricas, presencia de violencia de los desastres de la guerra, de lo grotesco de la humanidad, ridiculiza y satiriza a las instituciones, quizá la obra más personalista de Goya, una colección de pesadillas, que evidencian lo absurdo de la existencia. El artista recurre a lo monstruoso y deforme
El 2 de mayo de 1824, Goya obtiene de Fernando VII autorización para desplazarse a Francia donde permanecerá hasta su muerte. En Burdeos, y a pesar de su avanzada edad y su desahogada posición económica, reemprendió su infatigable trabajo, estudiando las nuevas técnicas de la litografía y la miniatura sobre marfil. Utilizando la primera de las técnicas mencionadas comenzó a trabajar sobre un tema predilecto para él: la tauromaquia. Entretanto, Goya no abandona sus óleos y por esta época también hizo algunos retratos, de entre los que destaca la muy célebre "Lechera de Burdeos", un año antes de morir. En este cuadro recobra el colorido, el efecto lumínico que hace vibrar la atmósfera repleta de inquietas y pequeñas pinceladas. Por sus características este cuadro anuncia el impresionismo.
Resumen de obras de la 5ª etapa :
** Los Disparates o Proverbios. 22 grabados al aguafuerte y al aguatinta con retoques a la punta seca y bruñidor entre 1815-1816 y 1824. Son visiones oníricas, presencia de violencia de los desastres de la guerra, de lo grotesco de la humanidad, ridiculiza y satiriza a las instituciones, quizá la obra más personalista de Goya, una colección de pesadillas, que evidencian lo absurdo de la existencia. El artista recurre a lo monstruoso y deforme.
En estos destacan las visiones oníricas, la presencia de la violencia y el sexo y la puesta en solfa de las instituciones relacionadas con el Antiguo Régimen y en general, la crítica del poder establecido. Pero más allá de estas connotaciones las estampas ofrecen un mundo imaginativo rico relacionado con la noche, el carnaval, y lo grotesco que constituyen un enigma tanto estampa por estampa como en su conjunto.
** Pinturas Negras. 1819-1823. 14 pinturas. La culminación de su larga carrera. Actualmente montadas en lienzo en el Prado. Personajes que nacen desde la sordera de Goya, parecen que están aprisionados al otro lado del cristal. Entre las 14 pinturas destaco estas :
-"Saturno devorando a un hijo", una de las pinturas negras de Goya, realizadas durante el Trienio Liberal y que bajo una capa mitológica, alude a la frase de " La revolución devora a sus propios hijos).
-"Una manola: doña Leocadia Zorrilla"
de (1820 a 1823) es el Trienio liberal en España, con el pronunciamiento de Riego.
En 1824 tras la intervención de los 100.000 hijos de San Luis para restaurar la monarquía de Fernando VII y ver la perdida de las libertades tan anheladas por los españoles liberales, Goya elige voluntariamente el exilio. Se exilia Goya en Burdeos.
En Burdeos recupera algo de su optimismo como se refleja en el colorido de:
** “La lechera de Burdeos"(1824) Goya tenía 82 años. Retrato de Rosario Weiss. Chica que Goya apadrinó y enseñó a pintar. Rosario Weiss, una artista excepcional: de aprendiz de Goya a maestra de dibujo de Isabel II. alento natural para el arte del dibujo y de la pintura la impulsó a un escalafón prácticamente cerrado a las mujeres del siglo XIX: el profesionalismo como artista. Su madre, Leocadia Zorrilla fue la ama de llaves, se trasladó a vivir con ella y su otro hijo a la casa del pintor aragonés en las afueras de Madrid, en la Quinta del Sordo.
Un año antes de morir. En este cuadro recobra el colorido, el efecto lumínico que hace vibrar la atmósfera repleta de inquietas y pequeñas pinceladas. Por sus características este cuadro anuncia el impresionismo. 1- Aportaciones e influencias de esta última pintura en el impresionismo.
Muere en 1828. Luego enterrado en el monasterio de San Antonio de la Florida (Madrid), en el cual había pintado la cúpula en su juventud.
Actividades:
Sabías que.....
Una manola: doña Leocadia Zorrilla, más simplemente conocida como La Leocadia, es una de las Pinturas negras que formaron parte de la decoración de los muros de la casa de campo llamada «Quinta del Sordo», que Francisco de Goya adquirió en 1819 en las afueras de Madrid, amante de Francisco de Goya, con quien vivía en la Quinta del Sordo junto a dos de sus tres hijos: Guillermo y Rosario.
Enlaces interesantes:
Goya, precursor del Arte contemporáneo 8:20 a 10:00
documental interesante de Goya
Las enigmáticas pinturas negras de Goya
GOYA Y LAS PINTURAS NEGRAS . Las pintó, mientras vivía en la Quinta del sordo en (1819-1823 año en que se fue a Burdeos).
GOYA | SATURNO DEVORANDO 1 HIJO | ANÁLISIS | Le puso el título Antonio Brugada, pintor amigo de Goya, que hizo el inventario de a Quinta del sordo.
Duelo a garrotazos ( pinturas negras).
contesta y realiza estas pruebas
. Turner-Goya. Análisis comparativo.
2-Identifica, analiza y comenta las dos obras, desde un punto de vista comparativo.
AMPLIAR .Voluntario.
A) Infórmate y contesta: Explica el cuadro " Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga" Con sus tres niveles de análisis.
Goya también influirá en el Academicismo español
Obra maestra de toda la producción de Gisbert
Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga
1888. Óleo sobre lienzo, 390 x 601 cm.
Técnicamente es una obra academicista, de gran ejecución, Romántica, fuertemente influenciada por los Fusilamientos de Goya.
Constituye además uno de los grandes manifiestos políticos de toda la historia de la pintura española en defensa de la libertad del hombre aplastada por el autoritarismo, siendo uno de los contados casos en que su claro mensaje propagandístico fue inspirado directamente por la oficialidad gubernamental. En efecto, el cuadro no ingresó en el Prado tras su paso por las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, como era habitual, sino que fue encargado directamente para el museo durante la regencia de María Cristina de Habsburgo-Lorena por el gobierno liberal de Práxedes Mateo Sagasta (1825-1903.
Gisbert fue designado a través de un Real Decreto de 21 de enero de 1886 por el entonces ministro de Fomento, Eugenio Montero Ríos, para pintar un gran cuadro histórico que fuera ejemplo de la defensa de las libertades para las generaciones futuras, inmortalizado en el fusilamiento del general Torrijos y sus más allegados e incondicionales seguidores, que fueron protagonistas destacados del régimen constitucional durante el Trienio Liberal, al que pondría fin Fernando VII en 1823. Este monarca reinstauraría entonces el férreo absolutismo que caracterizó su reinado, ordenando la persecución, encarcelamiento y ejecución de los cabecillas y colaboracionistas del anterior gobierno.
Fueron apresados y fusilados en las playas malagueñas el día 11 de diciembre por el delito de alta traición y conspiración contra los sagrados derechos de la soberanía de S.M., tras unos días de infructuosa resistencia, y sin celebrarse previamente juicio alguno.
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Resumen : --------- el Romanticismo y Realismo ----------- Arte en el siglo XIX
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El escenario político internacional del momento, caracterizado por la brutalidad de hechos como la guerra del Vietnam, el apartheid sudafricano o las consecuencias de los deseos imperialistas, reverbera en la pintura de Golub como si se tratara de un murmullo imposible de silenciar. Es más, no se produce el aislamiento de la sociedad y del clima político, propio de la tradición pictórica moderna, sino todo lo contrario, apareciendo así constantes alusiones en sus pinturas a personajes, sucesos políticos y sociales concretos.
Durante cinco décadas, su obra pictórica transitó por diferentes etapas, en las que plasmó su mirada sobre la mujer y su relación histórica con la opresión, la tortura, la desigualdad, la guerra y la sexualidad. En 1972 fue cofundadora de A.I.R. Galería (Artistas en residencia) en el SoHo de Nueva York, la primera galería-cooperativa de mujeres artistas de Estados Unidos. Su trabajo está considerado a mitad de camino entre lo literario y lo pictórico.
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Video repaso de las características del Romanticismo..
Video. repaso de Goya.-- " Pinturas Negras 1819-1823." -
Mas tarde aparecerá: 1845. Resumen del realismo .Vídeo
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Artista Romántico . 2013.
Saul Leiter es uno de los fotógrafos artísticos más importantes de todo el siglo XX. Sin embargo, no fue hasta el final de su vida que obtuvo el reconocimiento que mercía. A través de su técnica y de su vida descubriremos cómo funcionan ciertas partes del mundo del arte oficial. Un artista total que sí o sí debes conocer y descubrir.