La ESCULTURA VANGUARDISTA

 CARACTERíSTICAS GENERALES:

La escultura contemporánea experimenta una revolución radical en el siglo XX. Las  tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo a la pintura, aunque la ruptura en escultura es más tardía, posiblemente porque los artistas están más atados a la tradición que marcan sus clientes y el coste del material es más elevado que en pintura.

• El precursor, a finales del siglo XIX, fue A. Rodin quien aplica los principios impresionistas a la escultura alejándose de las pautas academicistas. 

• Pero la ruptura definitiva la realiza el Cubismo. Los escultores buscarán un nuevo lenguaje expresivo. Como sucede en la pintura, es difícil clasificar a los escultores en un movimiento u otro porque están en continua evolución.

• Temática. La figura humana pierde su omnipresencia. Los temas se inspiran en las formas geométricas, en la naturaleza, escultura biomórfica, representan  la abstracción, el movimiento, la antimateria, el espacio, el vacío.

• El lenguaje escultórico es expresionista, a través de sus obras transmiten  angustia, inquietud, rechazo, desesperación ante los momentos históricos que les toca vivir.

• Las innovaciones plásticas  están basadas en la masa y su deformación, en el volumen (abierto/cerrado).

• Representan el movimiento unido a la energía. Esculturas-máquinas o cinéticas (Calder- móviles)

• Están en permanente experimentación con materiales nuevos como hierro, plásticos, plexiglás, sintéticos, resinas, etc.

• Los artistas están en continua  evolución. Pasan de un movimiento a otro (González del cubismo al surrealismo/ Calder del surrealismo a la abstracción cinética/etc.)

Recordar la época años 20 ( desde minuto 2:47)😆

Escultores  Vanguardistas  años 20 : Escuela de París

Escuela de París, especie de “cajón de sastre” que aglutina a pintores y escultores de difícil adscripción a un estilo determinado o que muestran en sus producciones varias tendencias simultáneamente. Estos artistas:

Constantin Brancusi, rumano,  y  Pablo Gargallo, español,  tienen muchos puntos en común.

• Son dos de los escultores  que aun siendo muy diferentes, muestran puntos en común y en algún caso se acercan al Art Déco.

• Son dos de los escultores más emblemáticos del siglo XX. Para muchos, los pioneros de la vanguardia escultórica. Innovan en todos los campos (temática, formas, materiales, técnicas, etc); buscan un nuevo lenguaje expresivo.  

•  Se establecen  y viven en París , ambos conocen la obra de Rodin ( el precursor de la escultura contemporánea). Entran en contacto con artistas y los distintos movimientos artísticos

• Brancusi y Gargallo. Pioneros de la vanguardia escultórica.

• Brancusi y Gargallo: análisis comparativo de obras

📍 Gargallo (1881-1934)

Trayectoria

Pablo Gargallo La escultura luminosa Vïdeo de Vida

Pablo Gargallo, el genio del vacío, está considerado como uno de los escultores más importantes del siglo XX.

• Hijo de un herrero, Pablo Gargallo nació en un pueblo de Aragón, Maella y murió en Reus (Cataluña) en 1934.

•  Cuando el pequeño Pablo contaba siete años se traslada con su familia a vivir a Barcelona y allí aprendería los primeros rudimentos del arte con su maestro Eusebio Arnau, uno de los artistas más destacados de su tiempo. Con Arnau empezó de aprendiz y años después colaboraría con él en la realización de diversos encargos escultóricos. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja ( Barcelona), donde Venancio Vallmitjana fue su profesor de escultura. En sus inicios realiza un arte realista. Asiduo a las tertulias del café -Els Quatre Gats-, allí conoce a Nonell, Canals y Picasso, involucrándose en los círculos modernistas de la ciudad condal. 

• A inicios del siglo XX, se instala en París durante un año gracias a una beca. En París le impactó la obra de Rodin y en la Ciudad de la Luz conoce al poeta y pintor Max Jacob. Se deja influir por el arte de vanguardia, en particular el Cubismo. En Madrid trabajó como medallista y en Barcelona realizó las esculturas que decoran el Hospital de Santa Cruz y San Pablo.

• En París pasó temporadas donde entró en contacto con Pablo Picasso, Manolo Hugué, Juan Gris y Apollinaire entre otros. También diseñó y realizó joyas. 

• Murió con tan solo 53 años cuando estaba en la cumbre de su carrera. En Zaragoza se halla un museo enteramente dedicado a su obra, abierto en 1985. 

 Características propias de Gargallo.

Video de su técnica, obra

• Escultor  Vanguardista  años 20 : Escuela de París

• Pablo Gargallo, el genio del vacío, está considerado como uno de los escultores más importantes del siglo XX.

• La aportación de Gargallo a la escultura contemporánea es la introducción del nuevo concepto de espacio escultórico. Sugiere la materia en su ausencia, completa la obra en el espacio mediante la adecuación de los contrarios, el vacío y el lleno.

•  Le interesa : el hueco, la antimateria escultórica por excelencia, forma parte de sus obras y adquiere una  nueva dimensión. las máscaras, las siluetas, las obras recortadas en chapa metálica, se adueñan desde entonces de la producción del aragonés.

•  investiga en sus piezas el  CUBISMO, HUECO Y la  EXPRESIÓN

• Gargallo, con sus coetáneos Picasso y Julio González, son los máximos representantes españoles de la escultura de vanguardia e investigan en técnicas y materiales, en especial con el hierro, convertido, gracias al desarrollo industrial en todo un material simbólico. 

• Gargallo destacó en el empleo del metal en sus esculturas –bronce, hierro, incluso plomo y cobre- siendo sus obras un juego entre lo lleno y lo vacío. 

• Son muy innovadoras e ingeniosas sus máscaras y rostros en chapa metálica. 

• En general obras predomina la investigación vanguardista, a caballo entre el cubismo y el expresionismo, como se aprecia en su obra cumbre: El profeta, fechada en 1933. La pugna entre masa-vacío es una de sus características más esenciales e innovadoras como se aprecia en sus esculturas dedicadas a las bailarinas, el David, la actriz Greta Garbo, Kiki de Montparnasse, el Profeta y muchas otras.

• Su técnica :

• Habitualmente usaba plantillas de cartón para hacer las esculturas de chapa metálica. Con los cartones recortados podía hacer varias versiones de una misma obra y calcular la cantidad de metal que necesitaba. A partir daba forma a las piezas de hierro en caliente, golpeando el metal con un yunque. Para terminar unía las distintas piezas mediante soldadura.

• De Julio González aprendió la técnica de la soldadura autógena. Sus últimos diez años de vida los pasó en París aunque eventualmente viajaba a Barcelona a realizar diversos encargos.

 2 -Aparte de las vinculadas o cercana al Art Déco, destaca  " El Profeta"de sobremanera : 

Obra relevante de Gargallo:  * " EL PROFETA" 1933

----Copia la ficha técnica  y el análisis del siguiente enlace

UN EJEMPLO DE COMENTARIO DE OBRA ESCULTÓRICA :

En esta primera aproximación al comentario de obras de arte, es preferible no abusar de la información que internet o cualquier otra fuente nos pueda proporcionar. Resulta mucho más útil para el aprendizaje de la técnica de comentario el intentar seguir las pautas establecidas para el mismo, y hacerlo de un modo personal teniendo en cuenta los elementos propios del lenguaje artístico (escultura, pintura, arquitectura, etc.). Sólo cuando hayamos realizado el comentario de forma personal, podremos profundizar en el conocimiento de la obra o su autor consultando otras fuentes de in formación.

1-Análisis formal “El beso” de Rodin (1898) y “El beso” de Brancusi (1908).

EL BESO de Rodin, el gran escultor del s.XIX, admirador de Miguel Angel y como él, apasionado y dramático en su concepción plástica del hombre. 

Descripción material y formal· Conjunto escultórico realizado en mármol mediante la técnica de la talla o esculpido sobre el bloque de dicho material.

· La tipología es “bulto redondo”, si bien las dos figuras entrelazadas reposan sobre una parte del bloque de mármol que apenas ha sido desvastado.

· Las formas representadas: se trata de un hombre y una mujer desnudos que se abrazan y besan apasionadamente

Análisis estético-estilístico· Los cuerpos han sido esculpidos de forma naturalista y existe una evidente idealización en el tratamiento de la anatomía.

· La superficie pulida y brillante del mármol permite que la luz resbale por las blancas formas y realce la belleza anatómica de los cuerpos entrelazados.

· La figura masculina, más robusta y poderosa, presenta una actitud serena, protectora (la mano sobre la pierna de la mujer); mientras que la mujer se curva y abraza con pasión. Hay un gran dinamismo en la composición que subraya lo apasionado de la escena, su vital dramatismo. Su grandiosidad miguelangelesca.

¿QUÉ SIGNIFICADOS CONTIENE LA OBRA?Su famosa escultura El Beso, elaborada entre 1886 y 1890.

 El Beso, se encontraba incluida dentro de las esculturas que formarían parte de las puertas del Paraíso  obra encargada por el museo de artes decotativas de PARÍS , obra que le ocupó toda su vida y que quedó inconclusa. Representa a dos personajes de la Divina Comedia de Dante Alighieri, Francesca y Paolo. Francesca se enamoró perdidamente del hermano de Paulo, quien a su vez estaba casado. Rodin representa el momento en que Paolo y  Francesca se besan apasionadamente mientras leían la historia de Ginebra y Lanzarote que él sostiene en la mano. Es justo en ese momento que  los amantes son descubierto por el marido de ella, quien los manda ejecutar juntos.

 El tema estaba relacionado con todo el programa iconográfico  que cubría las famosas puertas.

El artista tubo tanto exito que decidió realizar la escultura de manera independiente. y el gobierno francés encargo a Rodin  una versión en marmol de gran tamaño

 Corresponde al momento en que Rodin trabaja junto con Camille Claudell. Esta experiencia de una relación en la que el goce de la unión física se unía a una camaradería de tipo espiritual, posiblemente contribuyó a un cambio en su concepción del amor que es evidente en las obras del período. Del amor culpable manifiesto en los grupos de Las Puertas del Infierno donde las parejas se unen en la maldición del pecado compartido, se pasa a una representación visual del amor en la que una fuerza interna une en audaces enlaces y abrazos a seres que así manifiestan la expansión de su energía vital, de la felicidad compartida. Esta desmitificación y la representación del amor como parte del comportamiento de todo ser humano provocó una fuerte reacción en sus contemporáneos que juzgaron como crudamente realista e impúdica a El Beso (escena aceptada y gozada siempre que se diera un contexto mítico o literario). En este sentido, Rodin habría operado una especie de democratización de la sensualidad erótica. No obstante, la obra gozó de notable aceptación popular. Supone a un tiempo la apoteosis de la belleza y el movimiento, con la multiplicación de planos y la suave ondulación de la superficie

.EL CONTEXTO HISTÓRICO: Auguste Rodin (1840-1917), el gran escultor del s. XIX, fue un gran admirador de Miguel Ángel y como él, apasionado y dramático en su concepción plástica del hombre. Dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura. En 1875, viajó a Italia, donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel. Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura, el otro está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma.

EL BESO de Konstantin Brancusi, escultor de la vanguardia de la 1ª mitad del s.XX.

Descripción material y formal· El material utilizado es piedra (mármol) mediante la técnica de la talla o esculpido.

· Tipología: bulto redondo. El artista apenas traza las formas anatómicas sobre el bloque cúbico de mármol, que queda claramente definido en su contorno geométrico.

· Formas representadas: un hombre y una mujer desnudos abrazados mientras se besan.

· La apariencia de la obra es de una extrema sencillez y simplicidad, esquemática.

Análisis estético-estilístico· Los cuerpos han sido esculpidos de forma plana, esquemática. Hombre y mujer aparecen fundidos sin que haya apenas elementos diferenciadores (el pecho rehundido del hombre frente a la ligera curva del pecho o vientre femenino).

· Las cabelleras de ambas figuras han sido labradas mediante líneas paralelas de gran simetría, así como los ojos.

- La superficie de la piedra apenas ha sido pulida, de modo que presenta un aspecto frío, haciendo uso de la técnica del "non finito".

· No existe intención alguna de mostrar los cuerpos de forma naturalista. Hay un evidente primitivismo en la representación, como si la escultura estuviera en sus albores. Se trataría de una vuelta a los orígenes, de un despojamiento de la forma de todo aquello que pueda ser superfluo. De ir a lo esencial, reduciendo las figuras humanas a su simple esquema.

· Se trata de representar el concepto “El beso” y sugerir que sea el espectador el que deduzca las emociones que ese hecho pudiera suscitar. El antinaturalismo conceptual es, por tanto, la clave de la representación. Esto es típico de las vanguardias del s. XX, que rompieron con el lenguaje academicista que había dominado la escultura durante milenios y que tratarán de abrir nuevos caminos para expresar las viejas emociones.

EL COMENTARIO HISTÓRICO

Brancusi, Constantin. Nacionalidad: Rumania. Pestisani Gorj 1876 - París 1957.

Inició sus estudios artísticos en la Academia de Bucarest, trasladándose en 1899 a Viena para ampliar su formación, que continuaría en Munich y París, ciudad a la que llegó en 1904. En la capital francesa se relacionará con Mercié y Rodin y realizará su obra El beso, escultura que supone un importante giro en su manera de trabajar, abandonando el romanticismo y el naturalismo iniciales para introducirse en una mayor estilización formal y volumétrica, acercándose a las formas puras e impersonales gracias a la eliminación de lo accesorio. En 1908 toma contacto con Modigliani y Duchamp, iniciando en estas fechas su interés hacia el primitivismo, como se pone de manifiesto en las obras realizadas hasta el estallido de I Guerra Mundial. El final del conflicto militar le conducirá a una mayor admiración por la abstracción, sin renunciar a conocer la escultura egipcia, cicládica y mejicana. Todas estas influencias serán asimiladas en un estilo personal. A partir de 1926 realizaría una serie de viajes que le llevarían a Estados Unidos y la India, trabajando en ambos países. Trabajará hasta su muerte en la más absoluta soledad, renunciando a participar en las diferentes exposiciones y rechazando honores y recompensas.

2- Brancusi:- * "Musa durmiendo" (1909-10) 

Ejemplar en bronce, nos recuerda también a otras piezas de  Gargallo-. La forma ovoide de la musa para Brancusi era lo absoluto. La modelo y comitente de la obra fue una aristócrata, la baronesa Renée-Irana Francos. El sueño nos remite al Simbolismo y al Surrealismo, tema capital en ambos movimientos. Se ha interpretado como una reflexión sobre la realidad presente más en el interior del ser humano y en el sueño que en el mundo exterior. El refinamiento extremo de esta obra nos remite a otras culturas, principalmente asiáticos que Brancusi había contemplado en el Museo Guimet de París.

La búsqueda de la esencia de las cosas, refleja la afinidad de Brancusi con lo sagrado, cósmico y mítico.

Cabeza sin cuerpo de forma oval, que representa a una musa durmiendo.

Brancusi fue a la escultura lo que Kandinsky a la pintura. Sus aportaciones en el campo de la abstracción dieron como resultado nada menos que la modernidad en el arte.

Buscando siempre la esencia de las cosas, sobre todo en su amado cuerpo humano, sus investigaciones escultóricas dieron como resultado piezas como esta, cada vez más esquemáticas y pulidas.

Si no fuera por esa nariz y unos rasgos apenas sugeridos, la musa de cabeza reclinada sería un puro ovoide.

El huevo fue para él una de las formas más primigenias, más arquetípicas. Remite claramente al origen de todo.

Y cómo llegó al punto de rechazar todo lo accidental, lo accesorio, al final buscó sólo la forma pura, absoluta, por lo que en definitiva es inevitable que llegara a la abstracción,aunque por su mala leche lo mejor era no decírselo a la cara:

“…hay imbéciles que dicen que mi obra es abstracta; eso que ellos llaman abstracto es lo más realista, porque lo que es real no es el exterior sino la idea, la esencia de las cosas”.

Como todo buen artista moderno de la escuela de París, Brancusi se enamoró de la escultura arcaica del Trocadero y en ella se basó para realizar piezas como esta “Musa durmiente”, de la que haría otras versiones con bronce pulido, mármol negro, amarillo o azul, alabastro…

3-"La Columna del Infinito, el obelisco de Brancusi.

Link " la columna del infinito". Obras 

Padre de la escultura moderna, Brancusi, el que llegaría a ser considerado uno de los padres de la escultura moderna, dejó su tierra con 28 años y se marchó a París, el mejor y quizá casi el único lugar para que “se hiciera” un gran artista de principios del siglo XX. Actualmente su taller  íntegramente reconstruido, se exhibe en París como una de las joyas del Museo Pompidou de arte moderno.

Pero Brancusi fue de esos pocos artistas que también triunfó en su tierra, ya era conocido internacionalmente, cuando fue llamado para realizar un grupo escultórico en su Târgu-Jiu (cerca de la aldea de Hobiţa (donde había nacido), homenaje a los  héroes rumanos caídos durante la I Guerra Mundial. Pero el grupo escultórico no se limita a la columna, consta de tres elementos: la “columna del infinito”, “la puerta del beso” (poarta sãrutului) y la “mesa del silencio” (masa tãcerii), todas distribuidas en una línea recta de 1.275 metros. Se considera la Columna Infinita la " voluntad espiritual " de Constantin Brancusi 

 ► importante link:         Comentario de :

P. Gargallo ." Kiki de Montparnasse"   1928. Bronce pulido, soldadura, Reina Sofía.

 Brancusi. " Musa dormida. 1910, Bronce pulido.