* "EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS" Caprichos de Goya .1799. Técnica aguafuerte y aguatinta , utiliza el buril o punta seca.
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método - del Encaje _
Hay varias cuestiones que debes tener en cuenta a la hora de dibujar o "encajar":
Con el encaje debemos conseguir, con los medios del dibujo a mano alzada, representaciones plásticas que posean el efecto espacial de objetos construidos a partir de sus formas geométricas básicas: Cubo cilindro, prisma, esfera, etc.
Utilizaremos distintos tipos de líneas y medios auxiliares que posteriormente borraremos conforme avancemos en el desarrollo de nuestro dibujo, tales como líneas horizontales y verticales, diagonales, ejes de simetría, etc. La transparencia resultante, transmite de manera convincente la sensación de volumen de los objetos que queremos dibujar . Puedes combrobarlo en estos dos ejemplos característicos de la Escuela de Artes Aplicadas de Basilea antes mencionada:
El carboncillo, herramienta habitual en el aprendizaje artístico, así como indispensable en los dibujos y bocetos preparatorios de cualquier proyecto.
Manfred Maier - Procesos elementales de proyectación. Artes aplicadas de Basilea ( Suiza).
Manual de Dibujo Artístico I de la Escuela de Basilea.
Metraje de animación: “la armónica de cristal”
En 1968, una lata de metraje llegó a la sede del partido comunista en Moscú
"Manos orando" o "Praying Hands", 1508
Tinta sobre papel azul 29,1 x 19,7 cm
La obra se conserva ahora en el Museo Albertina de Viena, Austria. Durero creó el diseño utilizando la técnica de resaltar tinta blanca y negra sobre papel de color azul que él mismo hizo. El dibujo muestra un primer plano de dos manos masculinas unidas para orar. También se muestran mangas parcialmente enrolladas.
CALENDARIO IES Politécnico 1o BACHARELATO
Inicio clases: 16 setembro
Avaliación de seguimento
1a Avaliación: 28-29 novembro. ___54 días
2a Avaliación: 06-07-08-marzo- ___ 53 días
Avaliación Final ord. : 05-06-07 xunio. ___57 días
Avaliación Final Extr. : 23-27 xunio.
Adxuntamos as listas de palabras desta convocatoria e a ligazón á nosa publicación principal: https://www.instagram.com/p/CjFdIs9MToS/?igshid=YmMyMTA2M2Y=
Comencemos con un Documental del mundo contemporáneo y con elementos que intervienen en toda composición, a continuación.
Unidades del curso:
U.D. Bloque 1. Concepto e historia do debuxo
Criterios de avaliación Obxectivos.
CA1.1. Identificar o debuxo como forma de coñecemento, comunicación e expresión, reflexionando con iniciativa sobre a súa presenza en distintas manifestacións culturais e artísticas e comparando de forma autónoma o seu uso nestas. OBX1
▪ CA1.2. Comparar as múltiples funcións do debuxo a través da análise autónoma do seu uso en producións de distintos ámbitos disciplinares. OBX1
▪ CA1.3. Valorar a pluralidade cultural e artística relacionándoa coa liberdade de expresión, argumentando a opinión propia de forma activa, comprometida e respectuosa e analizando os usos do debuxo en diversas manifestacións artísticas. OBX1
▪ CA1.4. Analizar a linguaxe, as técnicas e os procedementos do debuxo en diferentes propostas plásticas entendendo os cambios que se produciron nas tendencias ao longo da historia e utilizando a terminoloxía específica máis adecuada. OBX2
▪ CA1.5. Analizar distintas manifestacións culturais e artísticas comprendendo a función que desempeña o debuxo nestas e valorando o enriquecemento que supoñen para a sociedade os retos creativos e estéticos. OBX2
▪ CA1.6. Identificar os referentes artísticos dunha obra determinada describindo a influencia que exercen e as relacións que se establecen entre eles e en diferentes ámbitos disciplinares. OBX5
▪ CA1.7. Expresar ideas, opinións, sentimentos e emocións a través de creacións gráficas e debuxos propios incorporando, de forma guiada, procedementos ou técnicas utilizados en referentes artísticos de interese para o alumnado. OBX5.
Contidos
O debuxo como proceso interactivo de observación, reflexión, expresión, imaxinación, representación e comunicación.
▪ O debuxo na arte: desde a Antigüidade ata o Romanticismo. Obras máis representativas de diferentes creadores e creadoras.
▪ O debuxo como parte de múltiples procesos artísticos e técnicos. Ámbitos disciplinares: artes plásticas e visuais, deseño, arquitectura, ciencia e literatura.
U.D.Bloque 2. A expresión gráfica e os seus recursos elementais
U.D. Bloque 3. Percepción e ordenación do espazo .
U.D. Bloque 4. A luz, o claroscuro e a cor
U.D. Bloque 5. Tecnoloxías e ferramentas dixitais .
U.D.Bloque 6. Proxectos gráficos colaborativos
Dibujo Artístico I
Obxectivos
OBX1 . Comprender o debuxo como forma de coñecemento, comunicación e expresión, comparando o uso que se fai del en manifestacións culturais e artísticas de diferentes épocas, lugares e ámbitos disciplinares e valorando a diversidade de significados que orixina para apreciar a importancia da diversidade cultural e a relevancia da conservación e da promoción do patrimonio.
OBX2. Analizar con actitude crítica e reflexiva, utilizando a terminoloxía específica adecuada, producións plásticas de distintas épocas e estilos artísticos, recoñecendo a linguaxe, as técnicas e os procedementos, a función significativa e a expresividade do debuxo presentes nelas, para desenvolver a conciencia visual e o criterio estético e ampliar as posibilidades de gozar da arte.
OBX3. Analizar, interpretar e representar a realidade, utilizando os recursos elementais e a sintaxe do debuxo, para ofrecer unha visión propia desa realidade, potenciar a sensibilidade e favorecer o desenvolvemento persoal e artístico.
OBX4. Experimentar con diferentes materiais, técnicas e soportes, incluído o propio corpo, e analizar a importancia deste nas propostas artísticas contemporáneas para descubrir o xesto do debuxo e a apropiación do espazo como medios de autoexpresión e aceptación persoal.
OBX5. Utilizar a práctica do debuxo como medio de expresión de ideas, opinións, sentimentos e emocións, investigando os referentes culturais das novas creacións como parte inherente a estas, para ampliar o repertorio artístico e enriquecer as producións propias.
OBX6. Realizar producións gráficas expresivas e creativas valorando a importancia dos elementos da linguaxe gráfica e a súa organización na definición dun estilo persoal, para progresar na execución técnica e nas calidades comunicativas e expresivas das producións propias.
OBX7. Experimentar coas técnicas propias do debuxo identificando as ferramentas, medios e soportes necesarios e analizando o seu posible impacto ambiental, para integralas de forma creativa e responsable na realización de producións gráficas.
OBX8. Adaptar os coñecementos e as destrezas adquiridas desenvolvendo a retentiva e a memoria visual para responder con creatividade e eficacia a novos desafíos de representación gráfica.
OBX9. Crear proxectos gráficos colaborativos contribuíndo de forma creativa á súa planificación e realización e adaptando o deseño e o proceso ás características propias dun ámbito disciplinar, para descubrir posibilidades de desenvolvemento académico e profesional e apreciar o enriquecemento que supoñen as propostas compartidas.
EVALUACIÓN
EVALUACIÓN inicial
Data prevista de realización. Principio del curso. Se realizará en cuanto se comente el material.
EVALUACIÓN continua:
+++65% de la nota es el promedio de las notas de los ejercicios . Teniendo en cuenta - 50% traballos da aula
y -15% por traballos da casa.
++ 25% de la nota por el Examen o pruebas escritas mensuales.
++10% participación, interés e actitude .Tendo en conta a limpeza dos traballos, do posto de traballo e o comportamento do alumno.
Examen tipo
DEDUXO ARTÍSTICO 1ºBACHILLERATO DE ARTES
NOMBRE: GRUPO:
Exercicio: Tomando como modelo a escultura proposta o idea propuesta, representarla, tendo en conta os seguintes aspectos;
1. Encaixe do debuxo no papel Ingres, formato 50x70cm, facendo uso dunha escala intuitiva.
2. Medidas adecuadas, conservando as proporcións reais do modelo.
3. Debuxo da mancha a carboncillo/grafito; estudio das luces e as sombras, creadas por unha fonte de luz lateral, para dotar de sensación de volume á figura.
4. Creatividade; introdución de partes do debuxo en cor que intégrese á representación anterior. Utilizarase para elo a barra de greta de cor sepia ou sanguina.
Nota: este examen tipo pode variar dependendo dos contenidos a evaluar, pero sempre comentarase previamente ao alumnado.
Materiales
Materiales
El profesor pedirá en cada evaluación los materiales necesarios
DIBUJO ARTÍSTICO 1º BACHILLERATO DE ARTES
MATERIAL BÁSICO DE DIBUJO
Carpeta de gomas tamaño DIN- A-3
Cuaderno de dibujo tamaño DIN-A-3 (Block para Esbozo “STUDIO” de Guarro)
5 papeles diferentes para acuarelas, pasteles, tinta china tamaño DIN-A-4
2 acetatos del mismo tamaño anterior (láminas de plástico transparentes, finas)
Rotulador permanente negro de punta media (Staedtler M Lumocolor Permanent)
Cúter
Lápices de grafito 2B , 4B y 6B ó 8B (Faber Castell
Goma de borrar blanda (Milán o similar), opcional un porta gomas y un lápiz goma.
Sacapuntas y un trozo de papel de lija de grano medio.
Difumino medio o grueso, un trozo de fieltro y bastoncillos de algodón (para difuminar)
Algodón y alcohol (Grupo)
Escuadra, cartabón, regla graduada de más o menos 30 cm y compás (Faber Castell, son los mejores, sobre todo si piensas estudiar Dibujo Técnico, Diseño…)
Materiales dibujo carboncillo.
Barras carboncillo grosor medio y fino.
Lápiz conté negro y sanguina
Trapo de algodón blanco.
Trapo de fieltro.
Difumino medio.
Goma maleable (tipo chiche)
4, Papeles Ingres 50 x 70
El material, es individual e intransferible, será obligatorio para poder asistir a clase.
Acuarelas y pinceles para acuarelas 3 tamaños.
Papel para acuarela.
Acetatos
Guache.
tinta china negra.
Bienvenida a los alumnos
Estudiaremos dibujo1_a partir de las obras de artistas ubicados a lo largo de la historia del arte:
1- Evaluación.
Trabajo de Alumnos en equipo: Representar, copiar, imaginar estudiar, interpretar a los artistas, mediante tus trabajos de aproximación a su Vida, contexto, obras. Puedes hacer versiones propias. Piranesi (1720/1778) en contraposición - Toulouse- Lautrec(1844/1901)- en contraposición Goya (1746/1828).
2-Evaluación.
*VANGUARDIAS ARTÍSTICAS: CRONOLOGÍA y RESUMEN | ARTE CONTEMPORÁNEO
Fauvismo con Matisse, recortando papel.
Bauhaus, enseñanzas: análisis de taller.
Surrealismo para dibujo, con Max Ernst ( 1925 inventó el Frottage) Dadá - fotomontajes con Hannah Höch.
Caligramas con Apolinaire. Poemas objeto con Joan Brossa.
Surrealismo de Daí (sección aurea). La geometría en el arte: Trabajo de investigación.
Dibujar del natural
Trabajo de Alumnos , Haz valer el dibujo anatómico si te hace falta. y las técnicas que te hacen falta, investiga y pregunta en clases. Puesta en común.
3- Evaluación.
El POP art Roy Lichtenstein y el cómic.
Hiperrrealismo con Chuck Close ( americano).
nota: Estudiaremos las características relevantes de los autores con sus aportaciones mediante la observación e investigación de las obras de cada uno de estos artistas ubicados en diferentes épocas de la historia, así mismo haremos hincapié en la composición y las leyes de la Gestal.
Master Hare (1789). Joshua Reynolds.
Pintura académica.
Se llama así en general a la pintura que respeta todas las reglas dictadas por las academias de las artes, las “guardianas” de la tradición artística, que cuidan rígidamente las normas clásicas de representación.
Tengamos en cuenta que las academias surgen en una época donde todavía no se impone la subjetividad del artista, su manera particular de ver el universo. Todavía el objeto de la pintura es la representación de la “naturaleza” (el mundo exterior al artista, no su mundo interior). De ahí la convicción que se puede hacer arte a partir de reglas, de fórmulas, de convenciones, de manera profesional.
El academicismo pinta esa naturaleza de manera ideal. No “soporta” el realismo naturalista. Considera que la realidad está llena de fealdades que no vale la pena representar. El mismo Reynolds (autor del cuadro que elegimos, primer presidente de la Royal Academy de Londres -desde 1768 hasta 1792, año de su muerte) argumenta que no hay que “copiar servilmente” a la naturaleza, sino que hay que buscar una forma generalizada e ideal.
Los patrones de belleza no son descubiertos por el artista a partir de su experiencia directa, le son “dictados” en las salas de la Academia, y suelen ser del gusto de la mayoria, clásico. Pero si hay algo que nos enseña el arte es que la vida es hermosa en todo su caos y sus imperfecciones.
Es natural entonces que las academias se vuelvan controversiales. Al imponer los cánones de belleza, las reglas a seguir, “lo que le debe gustar al artista y al público”, justamente terminan promoviendo todo lo contrario a la creatividad. Es así como entonces y sin quererlo, se convierten en “inspiración” de artistas y movimientos enteros, que se dedicarán a destruir sus convenciones.
Albrecht Dürer (Alberto Durero), realizó en 1515 un grabado con la imagen de un rinoceronte indio, basándose en una descripción escrita y en un boceto de un artista desconocido.
Realmente, nunca llegó a ver al animal, y a pesar de sus inexactitudes anatómicas creó la imagen más famosa de un rinoceronte de la historia, además de la representación más realista de un rinoceronte hasta bien entrado el siglo XVIII.
En 1514, Alfonso de Alburquerque, gobernador de la India portuguesa en Goa, envió dos embajadores al palacio del sultán de Cambay (Gujarat moderna), solicitando permiso para construir un fuerte en la isla de Diu. El sultán no accedió, pero despidió a los portugueses con regalos prestigiosos, entre ellos un rinoceronte junto a su adiestrador.
A diferencia de los rinocerontes africanos, el rinoceronte indio (Rhinoceros unicornis) tiene un solo cuerno y su espalda está cubierta con parches gruesos de piel.
albuquerque envió este curioso regalo a Portugal –para la colección de animales de exóticos del rey Manuel I– en la nao «Nossa Senhora da Ajuda» bajo el mando de Francisco Pereira Coutinho.
El barco dejó a Goa en enero de 1515, junto a otros dos barcos, con rumbo a Lisboa. Hizo paradas en Madagascar, en la isla de Santa Elena y en las Azores. El animal fue alimentado con paja, heno y arroz cocido. Tras un viaje de cuatro meses (hasta el 20 de mayo), la «flota india», cargada de especias y tesoros, llegó al puerto de Lisboa. Pero fue, sin duda, el rinoceronte lo que causó la mayor impresión.
En los días que siguieron, el rey exhibió a la bestia en varios desfiles por las calles de Lisboa. El 3 de junio, día de la fiesta de la Santísima Trinidad, Manuel organizó una pelea entre el rinoceronte y uno de sus jóvenes elefantes; pero el elefante se asustó y regresó corriendo a su cuadra, declarando campeón de sus animales al rinoceronte, por abandono.
A finales de 1515, el rey, decidió obsequiar al Papa Leon X con el exótico ejemplar. Buscaba su apoyo para garantizar los derechos de Portugal en los nuevos territorios americanos (Brasil). No era la primera vez que le regalaba un animal, el año anterior le había enviado un elefante conocido como «Hanno». Acompañó el animal de otros regalos, como una vajilla de plata y un valioso cargamento de especias.
Toda Europa estaba pendiente de la llegada a Italia del rinoceronte. La fama era tal que el rey de Francia, Francisco I, se desplazó para ir a ver al animal mientras el buque portugués recalaba en la isla de If, en frente de Marsella.
El barco partió hacia Roma tras esta escala, pero una repentina tormenta, cerca de Porto Venere (costa de Liguria) echó a pique la embarcación. El rinoceronte, encadenado a bordo, no pudo nadar y se ahogó. Pero su fama no terminó con su muerte, con su periplo se convirtió en el animal de moda, siendo representado en las pinturas de la época en Roma por Rafael y Giovanni da Udine.
Un rinoceronte vivo solo se verá nuevamente en Europa cuando llegue un segundo espécimen indio a Lisboa en 1577 .
¿Cómo recibió Durero la información sobre el rinoceronte?
¿Cómo recibió Durero la información sobre el rinoceronte?
Muchos humanistas portugueses enviaron cartas, junto a ilustraciones, a diferentes puntos de Europa, se conservan varias recibidas en Italia y alguna otra escrita en alemán. Se cree que una de las alemanas, recibida en Nuremberg, pudo haber inspirado a Durero.
Inicialmente, Durero, hizo un boceto a pluma, o dos. Este dibujo, titulado RHINOCERON 1515 , sin firmar, pero atribuido a Durero, se encuentra ahora en el Museo Británico. Poco después efectuaría el grabado en madera, esta vez sí firmado con su monograma habitual: «AD» .
Ver vídeos:
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Vídeo : estética medieval. Fernando Castro.
Renacimiento Vídeo fernando castro. Debate.
Artistas:
Diseñadores
Arquitectura
Danza- performer
La Ribot Video Fernando Castro.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778). Interiores de una prisión Punta seca y aguafuertes.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778). Arqueólogo, arquitecto, artista gráfico y grabador italiano.
Transformo las ruinas romanas en fantásticos y desmesurados calabozos dominados por enormes y oscuros pasadizos, empinadas escaleras a increíbles alturas y extrañas galerías que no conducen a ninguna parte. Estos grabados ejercieron una enorme influencia en el romanticismo del siglo XIX del surrealismo e incluso en los decorados para el cine de terror.
Mariano Fortuny y Marsal. 1838/ 1874.
1858 se trasladó por primera vez a Roma con una pensión de la Diputación de Barcelona. Esta pensión tuvo una estricta restricción, pues Fortuny tenía que enviar constantemente algunas de sus obras a la Diputación para demostrar sus progresos y justificar su estadía.
En 1860 estalló la Primera Guerra de Marruecos, y la Diputación de Barcelona encargó a Fortuny que viajara a este país con el fin de convertirse en cronista gráfico.África va a suponer un descubrimiento para Fortuny, deslumbrado por la luz norteafricana y encandilado por las planicies abiertas, las luces y los habitantes de Marruecos, llegando incluso a aprender nociones de árabe para integrarse mejor. Se liberará desde este momento de convenciones y academicismos, sintiéndose atraído intensamente por los temas orientales.
evaluación inicial y 1ª evaluación:
evaluación inicial y 1ª evaluación:
Tratar el Romanticismo de Goya: a nivel formal y compositivo
Porqué esconderlos
TERCERA ÉPOCA de GOYA (1792-1808)
Cuando contaba 47 años, una grave enfermedad que puso en peligro su vida le originó una profunda sordera, circunstancia que, unida a los acontecimientos históricos que le tocó vivir, condicionó un cambio notable en su carácter y temperamento, así como en su pintura, mucho más crítica y profunda a partir de entonces.
**Los Caprichos. 80 estampas. No son encargos, son auto-encargos, " Cuadros de Caprichos e invenciones". No se identifican con el contexto académico. Considera el Arte como el hijo de la libertad, el arte supeditado a la libertad del autor. El diario de Madrid anuncia la puesta en venta de una colección de las 80 estampas. Estampas de la nueva moralidad burguesa frente a la sociedad de la corte. denuncia los abusos de la nobleza y el clero y sus pretensiones nobiliarias. Denuncia las actitudes falsas la ignorancia y supersticiones con pura fantasía.
En 1797 realizó la serie grabada de Los Caprichos, a partir de dibujos elaborados desde 1792, donde su fantasía, imaginación y sentido crítico alcanzaron unos niveles de expresión no superados en el arte español. En general su contenido es de crítica ilustrada, de crítica de los errores y vicios de la sociedad. Críticas a la Inquisición, a la prostitución, a personalidades concretas (Godoy), contra médicos y maestros ignorantes, críticas a los vicios (avaricia, lujuria, gula...) protagonizados por gentes de la Iglesia, y también hay un grupo de crítica más compleja contra las supersticiones y el mundo de las brujas.
Por otro lado, Goya añade a la intención crítica una voluntad de ejecutar la FANTASÍA DEL ARTISTA, la CREATIVIDAD, sirviéndose para ello de algunos ELEMENTOS ESTÉTICOS MODERNOS que darán paso al ROMANTICISMO: creación de ambientes inquietantes en que la principal protagonista es la noche, criaturas de la noche (diablos, duendes, gatos...), mundo irracional que puede ser real y terrorífico,...
Todos ellos, además, incorporan el RECURSO EXPRESIONISTA A LO GROTESCO; el hombre deformado por sus vicios morales que desfiguran su cuerpo y su espíritu, pero sin dejar de estar cercano a la realidad.
Podemos concluir que con Los Caprichos, Goya ALCANZA LA MODERNIDAD; pasa de ser un maestro neoclásico, que crea según un canon, un ilustrado que pone sus obras al servicio de una finalidad didáctica, a ser un genio que se sirve de nuevas categorías, cimiento de la estética del hombre moderno.
Grabados de Goya en sus distintas etapas.
+ Las 80 estampas -de los Caprichos-, desde 1792 ( 3º etapa). Analiza su contexto-. Elige alguno y haz una versión DIN-4
+ Los 82 grabados de -los Desastres de la guerra -( a partir del 1808 ( 4º etapa)). Analiza su contexto-. Elige alguno y haz una versión DIN-4.
+ La Tauromaquia (a partir del 1815). Elige alguno y haz una versión DIN-4.
+ Los 22 grabados aguafuerte y al aguatinta con retoques a la punta seca y bruñidor entre 1815-1816 y 1824 de - Los Disparates- ( quizás la obra más personal , pesadillas y monstruos, deformidades etc.
Imágenes relacionadas con los Caprichos de Goya que critica entre otras cosas la superstición como a la beatería.
Crítica a la Inquisición española, que sabemos que estuvo vigente en tiempos de Goya, para pasar a ser, definitivamente, abolida en 1.834.
*La Inquisición.
Brujería.
Los Caprichos (su primera edición data de 1799 pero fue retirada enseguida porque Goya fue denunciado a la Inquisición española, debido a su patente hostilidad hacia el tribunal como lo muestra el último grabado que se titula Ya es hora que, según el antropólogo español Julio Caro Baroja, “parece una alusión a la hora en que inquisidores y frailes dejen de actuar en el país”) y en las Pinturas Negras (cinco de ellas aluden a la creencia en brujas: la 755, conventículo campestre; la 756, dos brujas volando; la 757, cuatro brujas por los aires; la 761, aquelarre; y la 762, bruja comiendo con su familia).
Arte y Tecnología. Procreate, el nuevo lenguaje del arte
Arte y Tecnología. Procreate, el nuevo lenguaje del arte
Gustav Klimt y sus obras cobran vida en la fotografía de Inge Prader. Las obras de Inge Prader capturan todo el simbolismo del Art Nouveau y los tonos dorados originales de Klimt.
El periodo de Oro de Klimt es la etapa comprendida entre 1902 y 1903. Esta etapa dio lugar a un Klimt más creativo y prolífico, que, ya desde 1899 había descubierto su estilo definitivo, pasando a una obra mas provocadora y abiertamente sensual.
Gustav Klimt. A cada tiempo su arte. A cada arte su libertad. Gustav Klimt (1862- 1918) es uno de los máximos representantes del modernismo europeo.
Los paisajes de Gustav Klimt, otra faceta del pintor.
Una de las joyas más apreciadas y caras del arte. La última obra de arte que se vendió el 27 de junio pasado y que ha marcado una fecha histórica dentro del mundo de las subastas de arte adquiriendo un valor de 99,2 millones de euros en Londres, ha sido Dama con abanico de Gustav Klimt.
El Trampantojo, ilusión y realidad fundidas en una obra de arte.
Libro de Sunni Brown: La revolución de los garabatos. Sunni Brown presenta el “doodling” que significa “garabatos”, como herramienta básica para aprender y enseñar.
Libro de Sunni Brown: La revolución de los garabatos. Sunni Brown presenta el “doodling” que significa “garabatos”, como herramienta básica para aprender y enseñar.
arabato = técnica poderosa para ayudarnos a pensar
¡Garabatear permite a tu cerebro mantenerse activo y concentrado!
El garabato El arte del garabato está subestimado como una forma de arte. Es una forma divertida de expresarse, pero también es una forma brillante de experimentar y aprender a dibujar. Los garabatos brindan una visión única de su estilo artístico, transmitiendo partes de su personalidad que no se muestran a través de otros medios artísticos.
La noche de Hong Kong de Mr Doodle (Crédito de la imagen: Mr Doodle)
Sus doodles, casi siempre en blanco y negro, llenos de detalles y complejos patrones, dan nombre profesional al británico y también definen su personalidad creativa. Más de 2,4 millones de seguidores observan sus creaciones a través de su cuenta de Instagram.
Sagaki Keita
Sagaki Keita
Kerby Rosanes el que nos ha llamado la atención por su capacidad de ligar elementos dispares para la creación de una composición compleja y visualmente hipnótica.
(se abre en una pestaña nueva)
es un artista extraordinariamente talentoso que, mientras su mente divaga, inscribe en tinta algunas imágenes realmente surrealistas y llamativas
(se abre en una pestaña nueva)
es un artista ganador de múltiples premios con sede en Londres. Un talento natural con la pluma y la tinta, el arte de los garabatos
Ted Leonid "Lei" Melendres , también conocido como Leight , es un ilustrador y artista de garabatos profesional independiente de 24 años de Filipinas.
EL ROTO-
Premio Nacional de Ilustración 2012, que este año ha recaído en Andrés Rábago : -EL ROTO-
George Grosz
George Grosz
George Grosz 1930.
(Nueva Objetividad), inaugurado con una exposición en y precisiones particulares, formando una estructura a la vez exaltada y visionaria. Sus dibujos, muchos de los cuales están realizados con tinta o acuarelahan contribuido notablemente a la imagen que muchas personas tienen de la Alemania de los años 1920.
Otto Dix
Otto Dix
La mayor parte de su obra se halla expuesta en el Museo de Arte de Stuttgart.
Marc Chagall
Marc Chagall
Marc Chagall
Marc Chagall
El estilo poético, figurado de Marc Chagall le hizo uno de los artistas modernos más populares, mientras que su larga vida y variada producción hicieron de él uno de los más reconocidos. Igualmente, muchos de sus compañeros persiguieron ambiciosos experimentos que condujeron a menudo a la abstracción. Sin embargo, la distinción de Chagall se encuentra en su constante fe en el poder del arte figurativo, que mantuvo a pesar de las absorbentes ideas del fauvismo y el cubismo. Nacido en Rusia, Chagall se trasladó a Francia en 1910 y se convirtió en una figura prominente en la Escuela de París. Más tarde pasó un tiempo en los Estados Unidos y Oriente Medio, viajes que reafirmaron su imagen como un arquetipo “judío errante”
REINO UNIDO
John Everett Millais, “Ofelia”. Óleo sobre tela, 1852
John Everett Millais, “Ofelia”. Óleo sobre tela, 1852
Ofelia es una pintura que pertenece totalmente al ámbito del prerrafaelismo.
Ofelia, el trágico personaje del drama Hamlet de Shakespeare es la protagonista de esta pintura.
La prometida del atormentado Hamlet, príncipe de Dinamarca, perdió la razón cuando aquel mata a Polonio, su chambelán y padre de Ofelia. Algunas escenas después, esta pobre joven, ensimismada y profundamente afligida, se pasea junto a un lago recogiendo flores y al subirse a una rama, ésta se quiebra y la muchacha cae al agua ahogándose. Su trágico fin nos golpea profundamente, como ocurre cuando alguien tan joven muere inesperadamente y de esa forma se convierte en una presencia intangible, cuya imagen nos evoca la más profunda tristeza y desolación
2 evaluación.
2 evaluación.
.Incidir en :
1A FORMA. ESTUDO E TRANSFORMACIÓN y
2 A EXPRESIÓN DA SUBXECTIVIDADE.
+los elementos compositivos: punto , línea , plano. Sintaxis.
+.Composición a través del Guernica
composición a través del cómic. información , puesta en escena y elaboración de un cómic propio.
Como dibujar luces y sombras:
Clases de sombreado: cómo dibujar sombras
En un objeto hay DOS MUNDOS, dos familias: las LUCES y las SOMBRAS; entre ambos mundos se encuentra la zona de los bordes, muy importantes también para ayudar a crear ilusiones ópticas, tales como reflejos, aspecto artificial o natural, texturas, etc.
En el mundo de la LUCES tenemos infinitas tonalidades en gradación, lo que hace imposible abordarlas pictóricamente. Necesitamos simplificarlas para manejarlas, así que trabajaremos con un número limitado de valores. Cuando trabajemos en las luces, obtengamos siempre sus 3 valores fundamentales:
LUCES (3):
– Brillos (highlight): consecuencia de la incidencia directa de la luz; no siempre se resaltan, dependen de la naturaleza del objeto: no brilla igual un metal que la piel, o la madera…
– Medianas (average): es la del auténtico color del objeto, ya sabes, COLOR LOCAL o PROPIO, no siempre evidente, como dijimos (el tallo lejano de una flor en una zona sombría…)
– Semitonos o transiciones (halftone): realizan la transición entre el color medio (average) y la sombra, por lo que finalmente conecta con ésta creando un borde, de importantísima ejecución.
La extensión de estas zonas depende mucho de la intensidad de la luz, de la forma del objeto y de su naturaleza, como era de esperar.
En el mundo de las SOMBRAS tenemos menos matices pero debemos resumirlos en 2 fundamentales:
SOMBRAS (2):
– La sombra propiamente dicha (core shadow)
– La luz reflejada (reflected light), que ya hemos comentado.
BORDES
En la zona que ambos mundos se juntan están los bordes (edges) como hemos insistido, y hay que poner sumo cuidado en su ejecución. Los objetos no reflexivos (normalmente naturales o de materiales naturales) tienen bordes difusos, degradados, transicionando entre la luz y la sombra. Los objetos reflexivos (normalmente artificiales) tienen bordes definidos, cortantes, sin transición, con un salto de la luz a la sombra. Esto nos ayudará para crear efectos. Es un mundo aún por explorar para mí, aunque he hecho mis pinitos, como ya sabes. Pero iremos ampliándolo aquí.
Estos son los matices en el objeto propiamente dicho. Pero, ¿cómo se estructura la sombra? Todos sabemos que un objeto, al recibir la luz, no sólo deja una zona de sí mismo en sombra, sino que también arroja sombra sobre lo que le rodea. Bien, pues ya está todo dicho –tan intuitivo es-, la sombra se estructura en:
estudio de Claroscuro:
esfera:
La técnica del claroscuro consiste en la realización de un juego de luces y sombras para poder dar la sensación de volumen y profundidad en un dibujo bidimensional .
La técnica consiste en aplicar distintas zonas, unas iluminadas y otras de sombra.
El paso de la zona más iluminada a la sombra, debe ser progresivo en intensidad y sin dejar cortes bruscos, a no ser que se trate de representar un modelo anguloso.
Zona iluminada: Es la zona donde la luz incide directamente. Máxima claridad en el objeto.
Zona de penumbra: Es parte de la zona iluminada pero al llegar la luz de manera más oblicua, resulta algo más oscura que la anterior.
Zona de sombra propia: Es la zona donde no se recibe la luz. Al ser una forma redondeada, la oscuridad se va haciendo más intensa poco a poco y tras la zona de máxima sombra, existe una zona algo más clara llamada reflejo, que sería la luz proyectada de otros objetos cercanos o de la superficie donde apoyan.
Zona de sombra proyectada: es la sombra que el objeto proyecta sobre otros cuerpos, como suelo, pared...
Este juego de luces se puede realizar tanto en blanco y negro como a color. Una muestra del claroscuro la tenemos en la pintura Barroca que se dio en España y Europa a lo largo del siglo XVII.
valores tonales
-Determina de dónde procede la luz y también ayuda a crear la ilusión de forma. Siempre está en el ángulo del que viene la luz respecto del cual miramos nosotros el objeto, y obliga a crear el resto de traza lumínica, así como las sombras.
Observa la naranja, por ejemplo: mira en su parte baja derecha cómo hay una franja ascendente más clara, dentro de la sombra (en la manzana de la derecha se ve muy bien). La luz, al incidir en la mesa, sale reflejada por ésta y da en la parte baja de la naranja, aclarando esa zona de sombra: memoriza que ese tono nunca será tan claro como los que están expuestos directamente a la luz: será siempre más apagado, pues como dicen los artistas para simplificar “la luz es luz y la sombra es sombra”, pero ese es el color reflejado y siempre es notorio en los objetos esféricos o similares, ayudando mucho al artista a crear tridimensionalidad; al estar en la zona de sombra siempre está en el lado opuesto del cual viene la luz. Causa un magnífico efecto de realismo en los retratos, al matizar este reflejo por ejemplo en la parte baja de la barbilla, la zona horizontal del ‘gaznate’ que va hacia el cuello. Observa también la luz incidente más alta, la que hay en la parte superior izquierda: determina de dónde procede la luz y también ayuda a crear la ilusión de forma. Siempre está en el ángulo del que viene la luz respecto del cual miramos nosotros el objeto, y obliga a crear el resto de traza lumínica, así como las sombras. De hecho, puedo determinar la dirección de la luz uniendo puntos…mira:
Composición:
0:49 esquema.- - minuto 16:09 esqueleto estructural y movimientos sacádicos del ojo. -minuto 30:43 mancha .
38:55 al 50:47. orden compositivo
1:01 esquema al - 13:07 Niveles de significación
del 13:07 - al 18:51 Pares (equilibrio estático y dinámico).
-27:41 al 43:30 Método inductivo generativo: ej El Collage.
1:16 esquema y esquema 1:57. -5:00 empatía y conciencia.
15:32 esquema. - Nivel figurativo: apropiaciones 20:32 hasta 35:31. del 39:32 al 44:37.
Arzach ha prevalecido como una figura de culto en los cómics. Montado en su fiel pterodáctilo, explora el desierto B, un mundo paralelo poblado por criaturas extrañas, que se encuentra en las fronteras del sueño y la realidad. El magnífico dibujo de Moebius, junto con unos argumentos que él mismo define como “sin pies ni cabeza” y la ausencia de palabras, dan al lector la posibilidad de sumergirse en un mundo distinto. El propio Moebius ha confesado que el dibujo de Arzach fue algo muy personal para él, pues está basado en sus propios sueños.
Moebius es Jean Giraud, un historietista e ilustrador francés que se dio a conocer con el seudónimo Gir y el western El Teniente Blueberry en 1964, para luego revolucionar la historieta de ciencia ficción de los años 70 y principios de los 80 con el seudónimo de Moebius y obras como ‘El Incal’. En 1974 formó el grupo de los “Humanoides Asociados” con otros autores como Druillet, Dionnet y Farkas. Juntos editarían la revista “Métal Hurlant”, donde publicaría en 1975 obras de fantasía y ciencia ficción tan influyentes como ‘Arzach’.
Apoyos teóricos:
Renacimiento Durero
Romanticismo con Grabados de Goya.
Orientalismo español: Fortuny
Modernismo : Alfons Mucha, Leonetto Cappielo, Toulouse- Lautrec -al Art- Decó: Cartel
Paradigma del XX : Picasso. linea (La Suite Vollard).
Estudio anatómico de las manos, dibujado con tinta negra y blanco de plomo (Albayalde), sobre papel azul, por Alberto Durero en 1508. También conocido como "Estudio de las manos de un apóstol".
Mariano Fortuny y Marsal nació en Reus (Tarragona) el 11 de julio de 1838. Estilo minucioso y detallista que se preocupa por la luz, el dibujo y el color.
anímate a probar las técnicas secas
mira los enlaces siguientes:
1- INTRODUCCIÓN A LAS CLASES DE CROQUIS
1- INTRODUCCIÓN A LAS CLASES DE CROQUIS
PRÁCTICA: MANO ALZADA
La práctica a mano alzada forma parte de nuestras acciones diarias, es una actitud de diseñador.
El desarrollo de su práctica debe darse de la manera más amplia y continua posible para lograr la destreza que nos permita desenvolvernos en ese aspecto.
Debes practicar siempre que puedas, aunque lo que dibujes “a mano alzada” no se corresponda con los ejercicios exactamente. Algunos alumnos ya vendréis con el talento ejercitado, otros es la primera vez que os enfrentaréis a ello. Practicando lograrás un nivel medio importante.
¿Cómo comenzar?
Dibujando líneas rectas lo más largas posibles preferentemente con un TRAZO firme, sin empalmar ni repasar, ya que originaría lo que llamamos el empaste.
Sobre cualquier papel harás líneas horizontales, verticales, diagonales… (superpuestas no importa), con la hoja en la misma posición, moviendo el brazo con el que dibujas. No hagas trampa, si lo haces, la trampa será par ti mismo y tu futuro inmediato; tu dibujo.
Las líneas verticales también es posible que al principio las hagas inclinadas, pues nada más fácil que con una escuadra dibujar una y luego copiarla simplemente esta vez ya sin escuadra.
Siempre es más placentero por su fácil deslizamiento y los resultados son más aptos si elegimos lápices Blandos, barras de grafito, etc.
La velocidad tiene su protagonismo en este juego, pues si antes de dibujar piensas qué harás, cuan larga será tu línea recta y cuáles son los puntos de inicio y final de la misma, el dibujo en si te llevará menos tiempo y el resultado será satisfactorio.
Si lo haces demasiado despacio, el pulso corre el riesgo de temblar y parecer “calcado”.
Para dibujar: levanta el brazo, el codo principalmente ya que si no el codo actuará como eje y tus líneas saldrán curvas. No es necesario que las líneas rectas sean perfectamente RECTAS. La seguridad con que están dibujadas es lo que cuenta.
No podemos Dibujar sin Pensar, y hay que saber pensar como así también saber VER.
Debes intensificar el Observar que debería transformarse no solamente en una costumbre sino en un constante ejercicio imprescindible para Dibujar.
El Dibujo es un lenguaje, nuestra herramienta de comunicación visual y por lo tanto deberemos poder alcanzar un nivel de expresión tal que todo aquello que imaginemos pueda ser leído fácilmente.
PENSAR + saber VER + OBSERVAR + PRÁCTICA + elección de herramientas = DIBUJO.
TIPOS DE DIBUJOS
A grandes rasgos citaremos el DIBUJO PERCEPTIVO (de lo que vemos) con el cual se comenzará observando, siendo el Pensamiento el que maneja en un papel lo que percibimos, estando seguros de que lo que dibujamos es como lo vemos, como lo pensamos.
Percibir es comprender, descubrir, adivinar, sentir, ver, notar, distinguir; donde lo racional y lo subjetivo interaccionan entre sí.
Si lo pautamos nos estamos refiriendo al DIBUJO PREFIGURATIVO (lo que ideamos, desde nuestra creatividad) sea figurativo, con modelos reconocibles, o abstracto.
Ante la ansiedad de comenzar a dibujar te propongo que realices con un lápiz muy blando 6B /4B tu primer Dibujo Perceptivo, simplemente observando y dejándote llevar con soltura por el lápiz. Nadie te mira, nadie te fiscaliza. Te quedará este dibujo como referente de tu principio en este camino.
ejercicio 💪:
Elige un objeto que desees dibujar -Obsérvalo - Copialo
INTERESA CONOCER LAS LIMITACIONES DE TU INICIO
................el objetivo: comenzar a OBSERVAR , saber de tu nivel de Dibujo
PENSAR, es en realidad la herramienta para manejar el Dibujo, como cualquier materia que curses. Parece obvio pero es importante tenerlo presente.
Al principio practica en función de lograr BUENOS TRAZOS “SIN PELOS”
Las Curvas constrúyelas de muchos tamaños, diferentes.
Hay muchos tipos de curvas: circunferencias, óvalos, elipses, espirales y otras.
Ambos tipos de líneas (rectas y curvas) deben tener fuerza en su expresión.
Practica, practica, practica. Sobre cualquier papel, el tiempo que te lleve lograr los trazos descritos.
2-DIBUJO AL CARBONCILLO
2-DIBUJO AL CARBONCILLO
DIBUJO AL CARBONCILLO
EL CARBONCILLO
El carboncillo se fabrica en bastones de unos 13 a 15 cm por un diámetro que va desde la ramita de 5 mm. a la rama de hasta 1,5 cm.
Otras variantes del carboncillo son:
El lápiz carbón; de carbón vegetal o artificial, comprimido, en algunos casos mezclado con arcilla y añadiendo siempre sustancias aglutinantes. Cabe destacar las minas redondas con mezcla de arcilla de un negro intenso, mate, inalterable e incluso difícil de borrar; así como los bastones, barras y cretas en barra (Conté), todos ellos máximos exponentes del dibujo al carbón.
Hay que mencionar, también, el carbón en polvo, debiendose siempre aplicarlo mediante difuminos... y dedos.
Cretas blancas, es la barra o el lápiz que utilizamos para realzar blancos en un dibujo al carbón o a la sanguina sobre papel de color.
TÉCNICAS DE CARBONCILLO Y LÁPIZ CARBÓN
1º- El hecho de dibujar con una punta que difícilmente puede mantenerse aguda y constante como la del lápiz grafito, obliga a dibujar de manera más libre, menos precisa y, a una escala más amplia; con el carboncillo no pueden dibujarse miniaturas.
El tamaño más grande y la realización más libre condicionan también la manera de coger el carboncillo.
2º- El carboncillo y el lápiz carbón son medios especialmente indicados para el estudio y la resolución de efectos de luz y sombra, de modelado, de volumen utilizando la técnica del esfumado con difumino y con dedos.. Es conveniente, púes, elegir modelos y formas de iluminación que permitan realzar este factor.
El carboncillo se borra con facilidad. Pasando un trapo por encima del dibujo desaparece..., pero no del todo: si el trazo dibujado es intenso queda una señal débil, difícil de eliminar totalmente, aun borrando con la goma de plástico (maleable o “goma chicle”)
La inestabilidad del carbón y del carboncillo hace necesaria la fijación del dibujo una vez terminado. El fijador es una capa de líquido pulverizado que al secarse forma una película que cubre y protege el dibujo. Es posible fijar con azúcar disuelto en agua y alcohol; también es posible fijar con un aerosol de laca para el cabello.
Forma de coger el carboncillo o lápiz carbón:
1. La inestabilidad del carboncillo no permite apoyar o rozar con las manos las partes dibujadas; esto obliga a dibujar con el palo del carboncillo dentro de la mano.
2. Para agrisar, degradar o ennegrecer es corriente romper un trozo de carboncillo y dibujar de lado, logrando trazos anchos y en cierto modo regulares.
3. Dibujando con un trozo de carboncillo plano, pero separándolo del papel un poco, se consiguen trazos amplios y degradados de gran efecto y espontaneidad.
Peculiaridades del carboncillo
El carboncillo se borra fácilmente; soplando con fuerza y de repente sobre una mancha negra, desaparece parte del polvo dejado por el carboncillo, rebajando el tono que queda de color gris oscuro.
Pasando el dedo limpio por encima de una mancha negra, el dedo se lleva gran parte del carboncillo «pintando» una franja netamente más clara.
Por último, frotando con cierta energía con un trapo, una mancha de carboncillo, el trapo se lleva todo el carbón, ensuciando las zonas adyacentes, quedando, sin embargo, la referencia de la mancha en un tono gris claro. Tratando de borrar con la goma ese gris claro, se rebaja el tono, pero nunca se llega al blanco absoluto del papel.
Generalidades y prácticas con carboncillo
Para concebir un dibujo por medio de manchas es necesario abstraerse de la forma lineal de las imágenes y representarlas recurriendo a las manchas de tono, más o menos oscuras con diferentes formas. Estas manchas presentes en dibujo final, y en la propia concepción artística, no eliminarán de manera absoluta la posibilidad de realizar el encaje previo con líneas, como habitualmente se lleva a cabo.
Diferencias entre las diversas técnicas de dibujo
El lápiz de grafito; consigue la sensación de mancha, aunque resulta mucho más útil para dibujos de línea.
El carboncillo; tiene muchas limitaciones para poder efectuar líneas precisas y su aplicación más generalizada es la de manchar. Empleadas de forma plana, las barras de carboncillo permiten manchar a gran velocidad en la superficie del papel, en tanto que el lápiz de grafito para conseguir una mancha semejante necesita insistencia y, por ello, mucho más tiempo.
La sanguina; de características similares al carboncillo, es un medio sumamente eficaz para representar los dibujos artísticos por medio de manchas de tono.
EL DIBUJO CONCEBIDO COMO MANCHA
Desarrollo, paso a paso, de un jarro ejecutado por medio de las manchas que produce el carboncillo. Fundamentalmente se trata de un ejemplo en cuya ejecución no es necesario llegar a un acabado muy perfecto, puesto que sólo pretendemos iniciarnos.
LA CABEZA
La cabeza es el elemento más importante y expresivo de la figura humana. Por ello constituye un tema de constante interpretación en el arte, ya que reúne y manifiesta todas las sensaciones que nos identifican. La cabeza es la parte del cuerpo que más tiempo contemplamos, pues ella es quien nos mira, nos habla y, en suma, nos comunica los sentimientos y la propia personalidad del individuo con mayor precisión que cualquier otro elemento del cuerpo.
Un estudio importante para el dibujo de la cabeza es el análisis de las proporciones generales. Sin embargo, será el trabajo a partir del natural el que dote al dibujante de la necesaria experiencia para conocer y dominar esta parte del cuerpo.
La cabeza en el adulto
. El canon más conocido de las proporciones de la cabeza del hombre es el que se representa en estos dibujos, visto de frente y de perfil.
Observando la cabeza frontalmente, y partiendo de un módulo, F, obtenido al tomar como medida el alto de la frente, comprobaremos que esta medida se repite también en la parte que va desde la ceja al final de la nariz y desde aquí al final de la barbilla. El ancho total de la cabeza, así vista, vendrá definido por dos módulos y medio.
No obstante, si apreciamos la cabeza de perfil ésta queda inscrita en un cuadrado, situándose los ojos a la mitad de la altura total.
En el niño
En el caso del niño el volumen de la frente es ahora muy superior. Las cejas, por su parte, quedarán justo a la mitad del rostro.
Los esquemas aquí expuestos responden a un canon ideal de proporciones, con el que será preciso buscar semejanzas y diferencias en cada caso real.
LAS PARTES DEL ROSTRO
El mejor camino para dibujarlas con perfección es practicar estudios a partir de modelos diferentes y en distintas posiciones.
La nariz
Es un apéndice de menor relevancia que los ojos o los labios, pero que al ser un rasgo sobresaliente colabora en la expresividad general del rostro humano, al tiempo que cobra una enorme trascendencia en la representación de la cabeza de perfil.
Los ojos
Constituyen el elemento más importante del rostro humano, ya que reflejan con bastante fidelidad la personalidad del individuo. Juntamente con los labios, son a modo de ventanas, a través de las cuales pueden aflorar los sentimientos más diversos y los estados de ánimo más complejos. Cada mirada es diferente a las demás y también es distinta la manera en que en ella se refleja el estado de ánimo. Es necesario distinguir las distintas partes: párpados, cejas, pupilas, etc.
La boca
🔴 Anatomía y movimiento del cuerpo humano, en las guías podrán ver representaciones y ejemplos gráficos de los principales movimientos de cuerpo y las formas del cuerpo.
Fundamentos de la Anatomía Humana: Aprender a Ver y Dibujar Energía
ver video :
ENKI BILAL,
- Psicología del color 🎨 en el cine.
8 MUJERES QUE SE RÍEN DEL MUNDO MUY EN SERIO
8 MUJERES QUE SE RÍEN DEL MUNDO MUY EN SERIO
Conoce a las viñetistas que lo están petando y descubre las caras que se esconden detrás de las viñetas que te hacen reír y sonreír cada día en revistas, redes sociales e internet. ¡Talento a raudales, constancia, ingenio y nombres de mujer!
Raquel Córcoles,
Raquel Córcoles, aunque todos la conocemos como “Moderna de Pueblo”, el famoso personaje de esta catalana nacida en Reus que se ha inspirado en las vidas de los modernos del barrio barcelonés de Gracia y del madrileño Malasaña para crear sus viñetas. Tras su debut en el mundo del cómic con Soy de Pueblo, vuelve a las librerías con Los capullos no regalan flores, donde nos cuenta historietas de jetas y caraduras que no dejan indiferente a nadie. Su éxito es enorme y a día de hoy, parece que no queda nadie que no conozca los dibujos de una moderna chica rubia con grandes gafas de sol.
Portugal - Cyril Pedrosa- Norma Editorial
El dibujo se amplía :
Apoyos teóricos:
Vanguardias : Fauvismo con Matisse, recortando papel.
Surrealismo para dibujo, con Max Ernst ( 1925 inventó el Frottage) Dadá . JEAN ARP, - fotomontajes con Hannah Höch. Dalí ( sección áurea)
Caligramas con Apolinaire.
Poemas objeto con Joan Brossa. Metaforas visuales de Chema Madoz
Henri Matisse: Biografía, influencia y obras (1869- 1954)
Henri Matisse: Biografía, influencia y obras (1869- 1954)
La línea (concepción intelectual y racional)
reduce los objetos a los esencial
reduce el numero de objetos representados
simplificación como consecuencia de un proceso de análisis
El color (concepción pensional y óptica).
intenso, estridente y arbitrario. Violento.
vehiculo de expresión.
el color va a servir para estructurar el cuadro. Esta forma de estructurar el cuadro esta en el polo opuesto de las perspectivas líneas y aéreas tradicionales
la luz es la consecuencia del choque de intensidades de color
Henri Matisse. Desnudo Azul II. Año 1952
Jean (Hans) Arp
Jean (Hans) Arp
En su estilo predominan: composiciones arbitrarias, hechas al azar (lanzaba recortes de papel y según caían los dejaba / orden del azar), collages tridimensionales, líneas curvas, sinuosas, sin aristas y de formas abstractas. Establece equilibrios entre vacíos y volúmenes.
Rectángulos ordenados según las leyes del azar. JEAN ARP, 1916-17. THE MUSEUM OF MODERN ART, NEW YORK
técnicas:
Video teórico de KANDINSKY. necesario
Kandinsky taller color y abstracción .
material recortes de revista colores planos
Técnicas surrealistas Web personal.
3ª Evaluación
3ª Evaluación
Incidir en el color.
3- evaluación. Apoyos teóricos:
Bauhaus, enseñanzas: análisis de taller.
El POP art Roy Lichtenstein y el cómic.
Hiperrrealismo con Chuck Close ( americano).
Cómic
Pink Panther, 1964. Ganó el premio Óscar al mejor cortometraje animado. La Pantera Rosa puede ser definida como un gentleman británico: elegante hasta en el último de sus gestos. Es un felino antropomórfico, de aspecto físico delgado, con la particularidad de ser de color rosa y aparentemente mudo ―en dos de los episodios de la serie original sí habla, así como en la serie de 1993 (decisión que no agradó a los fans más tradicionales del personaje)―; un personaje bastante metódico, con una capacidad intelectual muy elevada y de genio bastante alegre y muy simpático.
encargó al prestigioso animador Friz Freleng (1906-1995, creador de Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales, entre otros) que crease un dibujo animado con tal fin, y solo le pidió tres cosas: que fuera gracioso, mudo y de color rosa.
Poesías visuales. Metáforas visuales
"no es un escritor
ni un pensador,
es un mirador,
la única facultad
verdadera y aérea: mira.
Nada más"
Ramón Gómez de la Serna
visualizar este enlace:
"Chema Madoz descubre lo extraordinario dentro de lo cotidiano".
propuestas y ejercicios para estudiantes de Dibujo Artístico
2. Expresiones: la cabeza y el rostro en distintas poses y ángulos
3. Comenzar a dibujar el cuerpo humano.
CÓMO DIBUJAR el CUERPO HUMANO
CÓMO DIBUJAR el CUERPO HUMANO
4. Proporciones diferentes edades.
Micromegas es un cuento filosófico de Voltaire que apareció en 1752. Ha sido considerado retrospectivamente como una de las primeras obras de ciencia ficción.
El cuento describe la visita a la Tierra de un ser originario de un planeta de la estrella Sirio llamado Micromegas, y de su compañero del planeta Saturno.
Trisha Brown. Movimiento fluido
Trisha Brown ( ballet de l'Opéra de Lyon). 2023.
El jardín de las delicias" de Jheronimus Bosch
Claude Monet La pintura o cómo capturar el instante de luz
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