contextos
Desde una óptica retrospectiva, el arte comienza a alcanzar autonomía en el siglo XIX. Desde la Edad Media hasta la Ilustración, el ser artístico no iba de la mano de la voluntad interna del artista, sino que estaba ligado a los círculos de poder que detentaban y ostentaban la cultura casi en todos sus ámbitos. Primaba más el significado de la obra que la sensibilidad del autor a la hora de plasmarla.
Por ejemplo, era más importante que una pintura o escultura enviase un mensaje religioso, representara a un rey o noble o recordara la moraleja de un pasaje mitológico, que la propia intención del artista y su mundo subjetivo a la hora de elaborarla. De hecho, hasta el Renacimiento, los artistas ni siquiera tienen conciencia de sí mismos, hasta que empiezan a rubricar las obras con su nombre.
Existían entonces toda una serie de condicionantes externos, que vienen definidos por el contexto histórico, en el que la producción de arte está sometida a una temática concreta, como la religión y la mitología, y a unos modelos de composición, forma y usos de materiales determinados.
Pues bien, en el XIX se empiezan a superar estas barreras. El artista, consciente de sí mismo, comienza a plantearse términos como “democratización del gusto”, que supone la consideración como obras de arte a producciones que quizá no encajen tanto en unas mentes pero sí en otras, o “genio”, refiriéndose al don natural del artista que le empuja a realizar obras de arte. Con la Ilustración se empiezan a ver atisbos de esta autonomía y con el romanticismo, contrario al sometimiento del arte a las directrices de la razón , se encuentra el genio artístico en los sentimientos del propio pintor, escultor o arquitecto.
+El Romanticismo alemán, o Sturm und Drang (“tormenta e ímpetu”), contribuyó en gran medida a desarrollar esta autonomía del arte y la democratización del gusto. Para muchos teóricos alemanes, y otros de distintas nacionalidades que los siguieron, el producto artístico venía dado por la motivación personal y espontánea del artista que, impulsado por su genio interior, plasmaba su mundo interno en las obras que creaba. Algo muy alejado de las estrictas normas impuestas por la Academia de París.
Todas estas ideas estallaron definitivamente con el surgimiento de élites, como ya hemos citado, que reivindican esta autonomía del arte y, con ello, reclaman para el artista no sólo la voluntad de crear el objeto artístico, sino también la plena libertad en el uso de los materiales, la elección de la temática, las características formales como la composición, la perspectiva, el color, etcétera.
Clasificación de las vanguardias artísticas históricas.
+La enorme cantidad de “ismos” que surgen a finales del siglo XIX y a lo largo del XX suelen superponerse en el tiempo. Algunos de ellos nacen en una fecha determinada y terminan por agotarse, mientras otras tienen tal trascendencia que aún en nuestros días tienen seguidores. Algunas son verdaderamente efímeras y están localizadas en un ámbito geográfico muy restringido. Además, no todas se desarrollaron en todas las disciplinas del arte; algunas sólo se desarrollaron en la arquitectura, la pintura o la escultura, pero sí suele haber redes de influencia entre unas y otras.
+La división en dos grupos de vanguardias suele ser la más aceptada, y se corresponden con dos “oleadas“, una que abarca de 1847 a 1945, aunque con diferentes matices según los autores, y una segunda que se desarrolla en la segunda mitad del siglo XX.
+Aquí proponemos nuestro propio criterio de clasificación que, para orientar al lector, pretende centrarse en los períodos históricos más importantes en que nacen y/o se desarrollan. Se presentan así mismo las fechas aproximadas de su aparición, como la realización de las primeras obras de cada movimiento o la publicación del primer manifiesto, así como los principales representantes:
Oleadas impresionistas (algunos autores los eximen del grupo de las vanguardias, clasificándolo como un movimiento independiente):
Impresionismo (1874): Manet, Degas, Renoir, Monet, Pissarro, Cézanne
Neoimpresionismo o puntillismo (1884): Georges Seurat, Paul Signac
Postimpresionismo (1910): Van Gogh, Gauguin, Toulouse-Lautrec
Hasta el estallido de la I Guerra Mundial (1914):
Fauvismo (1905): Henri Matisse, Gustave Moreau
Expresionismo (1905): Ernst Ludwig Kirchner, Munch, Klee, Kandinsky
Cubismo (1907): Pablo Picasso, Georges Braque, Louis Marcoussis, Juan Gris
Futurismo (1909): Filippo Tommaso Marinetti, Giacomo Balla, Gino Severini
Durante la I Guerra Mundial (1914-1918), período de entreguerras (hasta 1936) y II Guerra Mundial (1936-45):
Constructivismo (1913): grupo de De Stijl
Dadaísmo (1916): Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Georges Grosz
Neoplasticismo (1917): Piet Mondrian
Surrealismo (1924): Salvador Dalí, Man Ray, René Magritte
Segunda mitad del siglo XX:
– Tendencias informalistas y abstracción: expresionismo abstracto, pintura matérica, Nueva Escuela de París…
– Tendencias racionalistas: sobre todo en arquitectura (Mies van der Rohe, Le Corbusier, Walter Gropius, grupo de la Bauhaus), aunque surgen en diversas épocas y muchos desarrollan sus trabajos en períodos anteriores a la II Guerra Mundial, estas tendencias e influencias aún perviven en la actualidad.
Tendencias de la nueva representación: Pop Art (Andy Warhol), Land Art (Robert Smithson, Christo…), Happening, Performance…
Artísticamente surgen Las Vanguardias Europeas:
En los primeros años del siglo, los de la Paz Armada, ven surgir: -----Las primeras Vanguardias : el Fauvismo, Cubismo, Expresionismo y Futurismo.
Durante la Primera Guerra 1 G.M.1914- 1918 los artistas manifiestan su oposición al hecho bélico a través de la provocación (Dadaísmo) o la búsqueda de una serenidad perdida (pintura Metafísica).
Resurgen -las vanguardias del caos de la guerra, en los felices años 20.
Se radicalizan las vanguardias en los años 30, en el marco de la crisis económica y toman partido ante el enfrentamiento ideológico que antecede a la segunda Guerra mundial.
Segunda Guerra mundial. 2 G.M 1939-1945 surgen -más Vanguardias : Abstracción, Dadaísmo y Surrealismo.
Entre el -Periodo comprendido entre 1905 y 1949
- se desarrollan las mayores rupturas de la tradición artística: * la época de las vanguardias históricas.* La creación se abre a nuevos horizontes de una complejidad desconocida.
- Las primeras vanguardias fueron movimientos artísticas renovadores que se produjeron en las primeras décadas del siglo XX en Europa.
Se buscaba la renovación radical del arte en la formas y contenidos para sustituir las tendencias anteriores consideradas obsoletas.
Porqué:
Cambia porque la sociedad de esa época cambia y con ella la tecnología y la industria. La revolución industrial del XIX barrió toda Europa y América, cientos de fábricas fueron construidas por la incipiente clase media y la gente empezó a trabajar en ellas, comenzando la nueva era de la industria de la transformación.
Miles de kilómetros de vías férreas, grandes redes de canales surcaban los países, puentes de hierro elevaban sus estructuras por encima de valles y ríos
La invención de la fotografía capturó todas estas imágenes para el registro de los tiempos.
La burguesía aumentó su influencia y su poder económico y las ciudades se hicieron más habitables.
Se prolongó el tiempo de ocio, paseos , teatros cafés, viajes....reuniones literarias, políticas , musicales... La sociedad urbana sentía que participaba en un era de renovación progreso y expansión.
Las revoluciones industriales del XIX, llevarona una nueva organización del trabajo ya que las actividades manuales del trabajador imprescindibles en el sistema artesanal eran innecesarias ante las máquinas, la clase obrera emergente, el proletariado, se vio completamente subordinada a los patronos, horarios excesivos que apenas garantizaban la supervivencia. El acero se emplea para la construcción de ferrocarriles y barcos de vapor llevan el comercio europeo por todo el mundo pero también para armas.
+En 1914 pocas zonas quedaban por explorar y dominar en el mundo y las potencias se creían con derecho a explotar saquear y controlar al resto.- La carga del hombre blanco-
Mas de 40 millones de personas emigraron de Europa entre 1850 y 1914, la mayoría se dirigen al Canadá, EEUU y América latina, descontentos con la vida en la ciudad del proletariado europeo o clase obrera.
1914 Sarajevo. El heredero del trono de Austria- Hungría fue asesinado. Austria declara la guerra a Serbia Comienza la primera guerra mundial.
Rusia apoya a Serbia de forman dos alianzas: los imperios centrales Alemania , Austria y Rumanía --contra -los aliados Francia e Inglaterra.
Intereses Políticos, económicos dominan el mercados mundial, viejas rivalidades, creciente espíritu nacionalista que llevó a la xenofobia.
En 1936 España se convierte en el primer campo de batalla de las ideologías opuestas.
1939 al - 1945 segunda guerra mundial.
los tres grandes debaten sobre el orden Europeo de la posguerra Stalin, Churchill y Truman. El nuevo orden conduce al desplazamiento de millones de Europeos.
Una paz que no dura mucho, Berlín se convierte en el centro de la guerra fría entre el este (La república democrática Alemana y el pacto de Varsovia) y el oeste ( la república federal alemana y la OTAN) y la ciudad queda bloqueada por un telón de acero. Hasta 1989 que se cae el telón.
-El plan Marshall es un dinero enviado por EEUU a Europa para la reconstrucción escuelas, calles y luego para hacer tratos económicos.
La Segunda Guerra Mundial (1939-1945) marcó un antes y un después en las conciencias del siglo XX.
Antes de la guerra 2. G. M. Hablamos de una Europa de las vanguardias históricas en la primera mitad del siglo XX, donde habían surgido numerosas corrientes artísticas que deseaban renovar y transformar la visión del arte tradicional que había persistido a lo largo de los siglos. La llegada al poder de los fascismos en el periodo de Entreguerra rompió con este proceso creativo. Los artistas fueron rechazados por los totalitarismos, y estos consideraron estas obras renovadoras como - arte degenerado- poco patriótico. Los artistas tildados como degenerados sufrieron sanciones. El Tercer Reich lo definía como “productos enfermos de locura”. Nombres conocidos como Marc Chagall, Edvard Munch, Emil Nolde, e incluso Pablo Picasso estaban bajo esa etiqueta.
El fin del conflicto de II Guerra Mundial supuso que salieran a la luz los horrores de la guerra. No solo la destrucción material, sino los millones de pérdidas humanas, y no solo en batalla. La existencia de los campos de concentración fue la muestra de uno de los exterminios más despiadados que se recuerdan en la humanidad. La sucesión de imágenes, fotografías y documentales mostraban esta despiadada crudeza, que denunciaron algunos artistas. Destacamos por ejemplo el conocido *Osario de Picasso, 1945 en referencia a los campos de concentración y a la masacre de los inocentes. Esta II Guerra Mundial supuso una ruptura traumática en el modo de pensar y en la conciencia europea. La ocupación de París por los alemanes desde 1941 y la persecución nazi.
En 1948 se reúnen en el congreso de la Haya para construir una nueva Europa basada en valores de paz y libertad. y se crea en Consejo de Europa en Estrasburgo.
CONTEXTO HISTÓRICO y artístico Repaso
a) Europa: la Europa de las- vanguardias artísticas Europeas-
b) Rusia: La nueva imagen de Rusia - el Constructivismo Ruso- vanguardia rusa. Antoine Pevsner
c) EEUU: La nueva imagen de la EEUU - 2º vanguardias americanas : el Expresionismo Abstracto-
CONTEXTO específico del Constructivismo ABSTRACTO. RUSO. Repaso: Video
El estado soviético en el 1917, con su estratégia política, promociona a los artistas para su modernización. El constructivismo es un arte para el pueblo con diseño, joyería, arquitectura, pintura y escultura inspirado en los principios Suprematistas (abstracto geométrico) de Malevich, en Cubistas y Futuristas. Ello Impactó en el desarrollo de la Bauhaus y en el arte y el diseño de occidente y en su arquitectura. Entre otros artistas destacamos a Tatlin, Antoine Pevsner y Naum Gabo.
Antoine Pevsner y Naum Gabo, hermanos. Rusos pero que desarrollaron su actividad en Alemania después del 1923, en Francia, Inglaterra y EEUU, construirán uno de los ejes más firmes del constructivismo internacional pues defendieron la idea del "Arte por el Arte" en sus obras, enunciado por ellos, en su manifiesto Realista de 1920.
Mientras tanto en el estado soviético, otros artistas, tienen otra idea del arte como Tatlin, enunciaron el sentido utilitarista del arte. Estos, los artistas del estado sovietico, entienden que el arte, sirve para promocionar la modernización del estado.
2.1) Constructivismo abstracto. La vanguardia Soviética. Rusa: Características generales. . Es un término que aparece en 1920 en el Manifiesto realista de Antoine Pevsner y Naum Gabo.
Tendrá, el Constructivismo Abstracto, gran impacto el constructivismo en todas las artes en Europa y América, comenzando por la escuela de la Bauhaus, sobre todo en el segundo período, o segunda época 1923-1925 ( incorporación como docente de L. Moholy-Nagy), que a mediados de los años 20, en Dessau, la escuela dio cabida a todas las tendencias suprematistas y constructivistas de la época a través Neoplasticismo holandés de Mondrian, Theo van Doesburg en De Stijl y la incorporación de L. Moholy-Nagy.
Gran impacto en la arquitectura funcionalista. Con W. Gropius (1883-1869): "Edificio de la Bauhaus " (1919) Weimar y Dessau. Con Mies Van der Rohe , arquitecto y director de escuela de Bauhaus en su Tercera época 1925-1933 (Mies Van der Rohe la traslada a Berlín). Con Le Corbusier Suiza (1887-1965), conocido por su definición de" vivienda como la máquina para habitar" (*" Villa Saboya" (1930)).
📍Antoine Pevsner 1888-1962 Le interesa y estudia la Incorporación del espacio en su obra. Denominación: Constructivismo abstracto.
1) El dinamismo de las esculturas de Pevsner está más en potencia que en acto.
2) llega al punto de introducir una rigurosa simetría. -le interesa : la lógica y el rigor, reflexión y cálculo, sobriedad y mesura, economía de recursos y rechazo del efecto, odio a lo imprevisto y pasíon por la disciplina y necesidad de ideas claras y del lúcido ejercicio de una voluntad soberana.
Eran una transformación de sus esculturas en seres vivientes cuya palpitación y aliento hacen vivir los planos y los volúmenes. Pero también era una trasmutación en poemas y sinfonías, se prestaba más al ritmo. Poema y música es el arte de Pevsner, pero es todavía más. Es metafísica y mística por que es liberación de la naturaleza, impulso hacia el infinito, búsqueda de lo absoluto.
J. Oteiza y E. Chillida diálogo en los 50-60 obras. Video.
LA GENERACIÓN DE LOS ESCULTORES VASCOS:
Son Seguidores del constructivismo ruso de Antoine Pevsner y ºNaum Gabo.
Son sucesores de las innovaciones de los españoles Julio González y Gargallo.
📍JORGE OTEIZA.1908-2003 : El hueco. Inició su actividad en los años 20 en San Sebastián en contacto con jóvenes artistas influenciado por el cubismo, primitivismo.
Reivindica el Neo -Plasticismo y el Constructivismo soviético. Realiza una escultura abstracta, siente admiración por el Suprematismo de Malevich y el Constructivismo ruso. Se basa en la experimentación matemática y geométrica de las formas que envuelven el vacío. Representa el espacio y la desmaterialización.
Sus obras son fruto del análisis objetivo, racional y la abstracción geométrica. Juega con el volumen y el espacio para representar lo espiritual, lo humano y lo abstracto. Las obras que realiza adquieren dimensiones arquitectónicas. Anuncia el minimalismo.
Destacamos :
* Propósito o Laboratorio Experimental (1955). Título con el que se presenta su obra en la Bienal de São Paulo (1957), donde obtiene el premio extraordinario de escultura. Oteiza investiga la escultura como masa a la escultura como energía. Es decir la escultura entendida como desocupación activa del espacio. Trabajó en el estudio del movimiento y la dinámica basándose en las líneas de fuerza que dió origen a las esculturas presentadas en la Bienal de Saö Paulo 1957.
Jorge Oteiza dejó dicho que hasta el siglo XX -en particular, hasta él- la escultura tradicional se limitaba a ocupar un espacio, pero que a partir de entonces su tarea consistía en generar un espacio. De ahí que en sus trabajos la forma física es menos significativa que el espacio que ésta alberga, el vacío interior que se nos hace presente por los materiales, los cuales vienen a ser como su piel exterior, constructiva y geométrica.
Es el resultado de años de investigación y trabajo sobre estas ideas: ejemplo de fuerza y pureza, de la elevación espiritual a través del arte. La única forma de lograrlo es despojando al arte de todo lo mundano.
📍EDUARDO CHILLIDA . 1924-2002 San Sebastían. El hueco. Maximo representante de la escultura informalista en España.Muy premiado también fuera de España. En 1951, Chillida lleva a cabo un cambio importante en su obra, introduce el hierro trabajando con un herrero en la forja, allí el maestro encuentra sus orígenes , sus raíces, las tradiciones Vascas propias de una sociedad rural , materiales tradicionales y encuentra también la artesanía de esa sociedad Vasca, instrumentos de labranza que dejan de ser esto para convertirse en escultura . Destaca por la monumentalidad de sus obras en hormigón e hierro; lo podemos considerar una continuidad de Gargallo y J.González. Es el mejor representante de la abstracción y el expresionismo subjetivo en España. En la escultura de Chillida, el espacio interior dará lugar al aspecto formal, enlaza con la vena expresionista del arte español. Esculpe bloques de hierro o madera donde aparece una mezcla de arquitectura y escultura, como en "EL PEINE DEL VIENTO " y " ELOGIO DEL HORIZONTE".
"El peine del viento". 1976 . Acero corten. Ubicada en la Playa de San Sebastián.
📍AGUSTÍN IBARROLA. 1930. Representante del Constructivismo Ruso.
Muy comprometido política y socialmente. Destaca la monumentalidad, colorido y el expresionismo de sus obras. Se inspira en la naturaleza.
"El Bosque de Oma" 1983-1987. Se ubica cerca de Guernica.
J. Oteiza y E. Chillida diálogo en los 50-60 obras. Video.
SEGUNDAS VANGUARDIAS.
1-EXPRESIONISMO ABSTRACTO. EEUU. La vanguardia Americana
Características generales:
El movimiento, eclosionó a finales de los 40 transformando el panorama del arte moderno, otorgando a N.York la capitalidad del arte y la cultura.
Una de las grandes revoluciones que trajeron consigo los expresionistas abstractos fue el tamaño de las obras, su cambio de escala, donde ahora pesa tanto la intelectualidad como lo físico. El espectador siente que las obras lo envuelven, que engendran cambios de conciencia humana. Ellos querían que los espectadores se acercaran a sus pinturas y se sumergieron en ellas.
+ Lo realmente novedoso, es que sus cuadros son enérgicos, espirituales, expresivos, emocionales y de ese modo aprendiera del espíritu de esa época trágica, a la que ya no le era suficiente con la representación.
“El expresionismo abstracto es un movimiento que nace en Estados Unidos hacia 1947, fecha en la que la mayor parte de los artistas más importantes de esta corriente se apartan del lenguaje figurativo y crean un nuevo estilo en donde se fusionan : abstracción y surrealismo. De éste, toman el automatismo, además de experimentar con nuevas técnicas practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista.
La época de mayor auge de este movimiento coincide con el momento en que el arte americano logra alcanzar su propia identidad y desvincularse de la influencia del arte europeo.
Artistas relevantes:
📍JACKSON POLLOCK. 1912/1956. Crea el expresionismo abstracto. 1º estilo artístico genuinamente norteamericano. Esposo de Lee Krasner. 1908-1984. Estadunidense. Pintora Expresionista Abstracta.
📍Mark Rothko. 1903-1970. LA PINTURA DE SUPERFICIE-COLOR:+ (color field-painting).
Se trata de superficies llenas de color en las que las manchas se superponen a modo de veladuras, aumentando así la gama cromática de la obra. Este tipo de pintura, en el que priman las relaciones cromáticas, deriva de los experimentos espaciales de los cubistas. Se trata de una plasmación del mundo interior del artista, algo que debe hacer meditar al espectador, algo totalmente basado en la expresividad. Los cuadros de Mark Rothko, enormes, muestran amplios campos de color rectangulares con unos límites indefinidos entre ellos. Son colores borrosos, que flotan suspendidos en el lienzo, estimulando unas sensaciones místicas bastante interesantes.
La capilla de Houston de Mark Rothko, (Minuto 13:21).
2- NUEVA FIGURACIÓN EN EL SIGLO XX, escuela de Londres:
El аrte europeo tras la Segunda Guerra Mundial, muestra un duelo como respuesta a la guerra y sus consecuencias.
A la par del Expresionismo Abstracto se genera otro Expresionismo mas figurativo.
Pero ahora lo que predomina es la gestualidad, la violencia expresiva del trazo, el valor de la carga.
Ocupa un lugar central en la figuración europea de posguerra Francis Bacon ya que no son deformes sus figuras sino que crea un espacio psíquico para describir la imagen solitaria del individuo, convertido en una masa informe de carne donde se percibe el drama de la existencia.
Reivindican la pintura figurativa frente a la abstracción, a través de la que exploran la fragilidad del cuerpo humano, ellos se adentran en la violencia de la existencia humana. Estos son los principales lazos de unión de los artistas englobados en la polémica etiqueta de Escuela de Londres- Artistas: Francis Bacon y Lucian Freud. Ellos tienen una amistad muy cercana que dura hasta la muerte de Bacon en 1992.
La diferencia es que mientras Bacon adopta la violencia como un discurso y metodología para la elaboración de sus obras, Lucian Freud adopta un discurso de la Metapintura basada en los materiales con una cercanía emocional en todos sus modelos. Muy matérica con empastes
Para estos artistas que son "muy conscientes" de la historia de la pintura, acuden a los museos londinenses a estudiar a los maestros ingleses como Turner, le interesan también los grandes autores del renacimiento y el Barroco, como a Diego Velázquez y Rembrandt, presente en las colecciones de la National Gallery-,
Influencia sobre todo en Bacon la figura de Picasso que es un referente e influencia para su trabajo.
Artistas representantes:
Es autor de 584 pinturas y alrededor de 600 dibujos en los que utiliza lo impreciso e inquietante la deformidad y ambigüedad como recurso creativo. Bacon compara a los seres humanos con animales y sus caras suelen tener la boca gritando silenciosamente y en los dos tanto en Bacon como Froid , los seres humanos aparecen aislados y solitarios.
.Tiene el mérito de volver a situar en pleno siglo XX la figura humana en el centro de la creación plástica y de reflejar como pocos la ansiedad y la morbidez y lo inquietante del ser humano contemporáneo a través de la visión oscura de la carne. Bacon se distingue de cualquier otro autor post picassiano por forzar los límites de la figuración y revelar el contenido emocional de la deconstrucción, la deformación y la desintegración de la subjetividad. Se sirve para ello de la borrosidad -un sfumato contemporáneo- con el que delinea rostros y cuerpos convulsos y torturados, un código proveniente quizás de las serigrafías sobre lienzo y de las fotos desenfocadas, borrosas y estresadas que estaban de moda en el Londres de los años 60 y 70.
-* "Tres estudios de figuras al pie de una Crucifixión. Óleo sobre tablero, 94 x 73.7 cm (cada tabla). c. 1944. Tate. 1944-1988 Tríptico, Esta obra marca el principio de su discurso creativo donde muestra el instinto autodestructivo y sádico junto a la vulnerabilidad humana.
Se obsesionó con los retratos, el suyo y el de otras personas, solo pintaba a las personas que quería, dedicaba 12 meses a cada pieza y siempre buscaba la individualidad de cada persona y cada cuerpo.
Observaba atentamente los cuerpos desnudos, que plasmaba a través de las carnes plegadas, fofas, en tonos crudos y sin piedad. ""Quiero que un cuadro funcione como la piel y que esta piel tenga alma. Mi idea del retrato viene de la insatisfacción con lo retratos que se parecen a la gente. Quiero que mis cuadros sean sobre las personas, no como ellas". Trayectoria y obra
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto.El movimiento urbano que constituye el Arte Pop, al contrario que el Expresionismo abstracto, pretende unir arte y vida mediante el enfriamiento de las emociones. Tiene el propósito de reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de masas en sus obras, es decir, coge productos de consumo accesibles para todos y los representa. Con esto destaca la inexpresión y la impersonalidad del objeto, alejándose de cualquier tipo de subjetividad del artista. Destacado representante entre otros:
Hockney ha experimentado con numerosas técnicas a lo largo de su carrera:
su empleo de la acuarela y el acrílico; sus diseños de escenografías para óperas, como El progreso del libertino (1951), de Igor Stravinsky, o La flauta mágica (1791), de Wolfgang Amadeus Mozart; su uso de medios fotográficos, y ópticos para representar la perspectiva; y su interés por las nuevas tecnologías, como el iPhone y el iPad.
El Hiperrealismo se daría a conocer finales de los 60 en EEUU, evolucionando a partir del arte POP, reaccionando frente la pintura expresionista abstracta que estaban tan de moda en América.
En España esta tendencia fue seguida por Antonio López pero a diferencia de los artistas norteamericanos no utiliza la cámara, se aproxima a la realidad lentamente, por lo que sus obras no son tan frías
📍ANTONIO LÓPEZ. 1936 Abarca desde vistas madrileñas, retratos de la familia, objetos de uso cotidiano o elementos de la naturaleza. Temática: panorámicas de Madrid, interiores, objetos domésticos, naturalezas muertas, la figura humana (la familia), flores en la etapa más reciente. Muy interesado en el árbol , su huerto particular, y la figura humana.
obras destacadas:
"EL SOL DEL MEMBRILLO". 1992. El cineasta Víctor Erice y el pintor Antonio López hablan de 'El sol del membrillo', la película documental que recoge el proceso creador del artista que recibió el Premio Especial de Jurado en el Festival de Cannes en 1992. Reportaje emitido en el programa 'Días de cine' el 7 de junio de 1992.