🔴 Expresionismo abstracto Norteamericano.
El EXPRESIONISMO Abstracto Norteamericano, representativo de las segundas vanguardias, es la propia vanguardia de Norteamérica, como representación de este país.
Reacciona con las vanguardias sucedidas en Europa y Rusia anteriormente.
El EXPRESIONISMO Abstracto Norteamericano, desarrollado tras la Segunda Guerra Mundial ( 1939-1950) y paralelamente al informalismo Europeo. Este EXPRESIONISMO Abstracto Americano de los 50 a los años 70, es tambien como el arte informalista europeo, arte abstracto que evolucionó bajo –y en respuesta a– los años represivos del Macartismo y de la guerra fría" .
Significa la reivindicación de un arte norteamericano. Norteamérica , ahora, ya tiene su propia vanguardia: El EXPRESIONISMO Abstracto Norteamericano.
Con el EXPRESIONISMO Abstracto Americano: La galería de Peggy Guggenheim, Art of This Century, exhibió la obra de artistas abstractos americanos, como J.Pollock, De Kooning, Rothko, Motherwell, Baziontes y Gorky. Esta galería se convirtió en mecenas y promotora de la abstracción, además de unir al grupo de artistas expresionistas Abstractos con los artistas surrealistas (Miró, Mark Ernst...)que llegan a EEUU desde Europa.
Características generales formales del Expresionismo Abstracto.
-- Clement Greenberg ( 1909-1994) , fue un influyente crítico de arte estadounidense muy relacionado con el movimiento abstracto en los Estados Unidos. En particular, promovió el movimiento del Expresionismo abstracto y tuvo relaciones muy estrechas con el pintor Jackson Pollock.
En el EXPRESIONISMO ABSTRACTO, se fusionan : 1-abstracción y 2-surrealismo
Pueden señalarse como características formales de este estilo:
Se caracterizan por el ALL-OVER, consiste en cubrir toda la superficie del cuadro.
Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración.
El espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.
El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian.
Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto.
El expresionismo abstracto tiene sus raíces en el surrealismo europeo, una vanguardia que desplazaría al dadaísmo en París a principios de los años 20.
El surrealismo se basa en la exaltación del subconsciente, de la individualidad y trata de expresar, según escribe André Breton en el “Primer Manifiesto Surrealista”, el verdadero funcionamiento del pensamiento. Cuando comienza la guerra, muchos de los artistas de esta corriente (como Max Ernst o Salvador Dalí) se ven obligados al exilio y acaban viviendo en la ciudad de Nueva York, donde muchos artistas locales se interesan por su obra.
Sentían como los europeos, que la civilización había fallado. Querían devolver a su audiencia la primitiva realidad , el arte como signo mágico* *
Así Pollock, años antes de echar la pintura directamente sobre el lienzo, se interesa por introducir el arte de los indios del suroeste en sus pinturas, estudia sus los pictogramas en la roca etc.. recordando al mito, investiga su antropología, estudia y convive con los indios chamanes del suroeste, se interesa por sus curaciones y sus mitos ancestrales .
a) Los indios Norteamericanos, Para Pollock, eran como los artistas religiosos sin un contexto.
lb) Los surrealistas como ya sabemos se interesan por el inconsciente.
Pollock observa el ritmo chamánico de los indios Norteamericanos, busca exortizar ( rescatar, curar) sus sentimientos inconscientes mediante el gesto pictórico sobre los grandes lienzos sobre el suelo.
Los Expresionistas abstractos fueron los últimos románticos, tenían un sentimiento exaltado del papel del artista, creían que el arte tenía el poder de cambiar las condiciones de vida objetivas, entrando en la subjetividad propia de cada uno y liberándolos sus crisis.
En el expresionismo podemos distinguir dos clases de pinturas dentro de él: la primera será gestual, cuyo máximo representante es Jackson Pollock o Kooning; la segunda será más calmada formalmente, se centrará en el color y un claro ejemplo de ella serán las obras de Mark Rothko.
2 vertientes :
A) LA GESTUAL O PINTURA DE ACCIÓN (ACTION PAINTING): La pintura como acción, un lugar de arena, como un lugar de lucha.
Componentes: 📍 JACKSON POLLOCK. Otros como: LEE KRASNER, DE KOONING, KLINE. MOTHERWELL, GORKY , HOFFMANN.
Pollock: " Número 1 ". 1950.. * "Eco nº 5" (1948.)
B) LA PINTURA DE SUPERFICIE-COLOR (color field-painting): El color contemplativo. Algo le ha sucedido en la escuela en 1950 y llega a una solución pictórica que repite 20 años hasta 1970, su muerte, en el que repite el formato, dandole a los títulos de los cuadros el título del color, creando una empatía con la escala de la pieza, verticalidad y sus 7 ingredientes para su obra 10% la esperanza ( habla de saber la vocación de uno mismo, de la sensibilidad o sensualidad hacia las cosas, le interesa la ironía para que el artista se aleje de la propia obra, la tensión de la obra de arte como juego, lo efímero .
Componentes: 📍 MARK ROTHKO. Su tema es la tragedia y lo sacro.
Pintar al oleo para él era una experiencia positiva, sus capas diáfanas de color que parece que flota sobre otras capas sobre tela, para inducirnos a un estado contemplativo.
Influido por Rembrandt y Vermeer, la música y la poesía clásica.
- Otros pintores field-painting : BARNETT NEWMAN., CLYFFORD STILL.
Obras. MARK ROTHKO. "No.5/No.22 " y . "Sin título. Azul, verde y marrón" (1952).
Capilla Rothko 1970 - 1971.
investiga sobre la Actualidad:
el Fauvismo en MILTON AVERY Y SALLY MICHEL
MARK ROTHKO. EL ARTE COMO RELIGIÓN. DOCUMENTAL. Principal exponente del Expresionismo abstracto
Video opinión sobre Mark Rothko.
Clement Greenberg ( 1909-1994) fue un influyente crítico de arte estadounidense muy relacionado con el movimiento abstracto en los Estados Unidos. En particular, promovió el movimiento del Expresionismo abstracto y tuvo relaciones muy estrechas con el pintor Jackson Pollock.
contexto
+ En un repaso del contexto histórico, todos los artistas de esta época vivieron en tiempos de la 1GM, la gran depresión, la Guerra Civil española, y la 2GM. Dados que nos muestran que hubo un espíritu de confusión en el contexto social, civil y económico. Fue un momento con sensación desalentadora, una suerte de Existencialismo, pero también, hubo una sensación de compromiso por contener este horror.Robert Motherwell pintó infinidad de cuadros con el título *" Elegía a la guerra civil española, o *" las medallas de deshonor" del gran escultor de esta época de D.Smith criticando los bombardeos a la población civil.
+ El expresionismo abstracto, se fue cociendo a fuego lento, durante muchos años, en una actividad de artistas, escritores, galeristas que se juntaban en sus estudios o en clubes.
+ Una de las grandes revoluciones que trajeron consigo los expresionistas abstractos fue el tamaño de las obras, su cambio de escala, donde ahora pesa tanto la intelectualidad como lo físico. El espectador siente que las obras lo envuelven, que engendran cambios de conciencia humana. Ellos querían que los espectadores se acercaran a sus pinturas y se sumergieron en ellas.
+ Lo realmente novedoso, es que sus cuadros son enérgicos, espirituales, expresivos, emocionales y de ese modo aprendiera del espíritu de esa época trágica, a la que ya no le era suficiente con la representación.
+ “El expresionismo abstracto es un movimiento que nace en Estados Unidos, fecha en la que la mayor parte de los artistas más importantes de esta corriente se apartan del lenguaje figurativo y crean un nuevo estilo en donde se fusionan: abstracción y surrealismo. De éste, toman el automatismo, además de experimentar con nuevas técnicas practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista.
+ El movimiento, eclosionóhacia 1947 transformando el panorama del arte moderno, otorgando a N.York la capitalidad del arte y la cultura.
+ La época de mayor auge de este movimiento coincide con el momento en que el arte americano logra alcanzar su propia identidad y desvincularse de la influencia del arte europeo. La presencia de importantes artistas de las vanguardias europeas en Nueva York tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, y en especial la del grupo surrealista en pleno, determina e influye de manera decisiva en el nacimiento de esta nueva corriente.
En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías:
1) + la gestual o pintura de acción (action painting) En la pintura de acción encontramos artistas como Pollock, de Kooning, Kline, Motherwell, Gorky y Hoffmann. Estos artistas conciben la creación pictórica como un verdadero ritual y utilizan la pintura para dar rienda suelta a sus estados de ánimo
2) +la pintura de superficie-color (color field-painting). Se centra su interés en las diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies generalmente de grandes dimensiones. Mark Rothko, Clyfford Still y Barnett Newman aparecen vinculados a esta vía.”
Documental: El museo Guggenheim Bilbao en colaboración con La Royal Academy of the Arts de Londres, presenta Expresionismo Abstracto, la mayor exposición dedicada en el continente europeo a este fenómeno clave que transformó radicalmente el arte de nuestro tiempo. 1917.
Familiarizarse con las obras de: *" Mural" , (1943). Pollock ,
A) LA GESTUAL O PINTURA DE ACCIÓN (ACTION PAINTING).
Fue catalogado como: “El mejor pintor que Estados Unidos de América había tenido jamás“. Creador del expresionismo abstracto. Primer estilo artístico, genuinamente norteamericano. Alcanzó la fama y el éxito, sin embargo, su vida también estuvo marcada por “tintes negros” debido a su creciente alcoholismo y sus cambios drásticos de humor. Sus hadas madrinas fueron Peggy Guggenheim, le dio un sueldo mensual, le consiguió la casa de Long Island y lo lanzó a la fama, y LEE Krasner pintora, decidió irlo a visitar su estudio. A partir de entonces, iniciaron una relación; en 1945 contrajeron matrimonio y se trasladaron a Springs, en Long Island.
-trayectoria
Decíamos que la figura más representativa de esta corriente artística expresionismo abstracto, es Jackson Pollock.
Pollock hizo de la action painting una manera de expresión libre, rompiendo con el típico arte de usar lápiz, de usar sólo el pincel para retocar y pintar de forma perfecta. Él nos hace ver por medio de sus obras esa libertad de expresar esa emoción de caos, de desorden, de una mezcla de muchas inquietudes.
Jackson Pollock nació el 28 de enero de 1912, en el estado de Wyoming y estudió en la Art Students League de Nueva York junto a Thomas Hart Bent. En sus primeros años de creación resaltaba el estilo naturalista y la representación de típicas escenas estadounidenses de forma realista.
En 1936 vive su primer experimento pictórico en el taller del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros en Nueva York, donde aprende a usar la bomba de aire y el aerógrafo como herramientas, así como pigmentos sintéticos industriales.
Influido por el surrealismo, el artista adopta un estilo más libre y abstracto y en 1943 logra exponer su primera muestra en la galería Art of this Century de la Gran Manzana.
En 1945, LEE Krasner también Artista en 1945 contrajeron matrimonio y se trasladaron a Springs, en Long Island.
*** A partir de 1947 la obra de Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto, desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre enormes lienzos sin tensar en el piso. Pero debemos de decir aquí que no fue el primero en trabajar con este técnica. Janet Sobel (1893–1968) artista, inspirada en roles domésticos femeninos fue la primera en usar la técnica de la action-painting o dripping .
Para 1949 el trabajo de Pollock está en su máximo apogeo e incluso cuenta con el mecenazgo de Peggy Guggenheim. Por aquellos años Peggy ayudaba al gobierno norteamericano a posicionar a Nueva York como el nuevo centro artístico del mundo, destronando a París. Para cumplir con ese plan, los Estados Unidos necesitaba de artistas novedosos; y Pollock les vino como anillo al dedo.
El artista decide entonces enumerar sus obras en vez de ponerles un título descriptivo.
Un año después Pollock transforma su estilo una vez más, al retomar la figuración en blanco y negro dentro de un estilo muy virtuosista.
El pintor perdió la vida el 11 de agosto de 1956 en un grave accidente automovilístico en Springs, Nueva York, causándole su muerte.
Técnica : Action Painting, Pollock utilizará la técnica del Dripping
-Técnica y características propias:
Dentro de la corriente de Action Painting, Pollock utilizará la técnica del Dripping, salpicando de forma espontánea y energética la pintura encima de un lienzo.
Se caracterizan por el ALL-OVER, consiste en cubrir toda la superficie del cuadro.
El DRIPPING o chorreado de la pintura sobre la tela.
Los LIENZOS GIGANTESCOS, puestos en el suelo para trabajarlos.
NUEVOS MATERIALES y usos de ellos (pinturas sintéticas, esmaltes. que los hacía servir directamente de los botes ).
El artista ponía el lienzo sobre el que iba a pintar –una tela grande, de unos dos, tres o cuatro metros de largo– sobre el piso; y después iba caminando y saltando a su alrededor, tirando pintura como quien tira chorreaduras o manguerazos, usando para eso pinceles y latas agujereadas. Las pintaba desde sus cuatros costados, a las obras, Pollock; por eso ellas no tenían ni derecho ni revés hasta el final. Y el estado en el que él realizaba estos trabajos era de mucha concentración, como de trance fluido, porque durante el proceso el pintor tenía que liberarse, soltar. “Cuando estás trabajando y dejas de lado tu inconsciente”, decía Pollock, “emergen figuras limitadas”. Para salirse de esa limitación, el pintor tenía que chorrear la tela como si el propio inconsciente estuviera fuera de su cuerpo.
Esta forma de pintar se realiza mediante un movimiento semiautomático que sólo está regido por el azar y así, se convierte el espacio en acción. Las reglas y normas de estética que normalmente se deben seguir para realizar una obra se han dejado de lado esto permite la creación cien por ciento propia, por lo tanto, esto es una oposición al artista intelectual porque, no representa ni expresa ninguna realidad. Esta corriente permite la libre expresión del artista como por ejemplo la tensión.
Nada de perspectiva, de figuración académica ni de escalas cromáticas. Muy por el contrario, en sus obras todo es casualidad, destino, aparente caos y una estructura de pensamiento super-compleja. “Mis pinturas son formas de llegar a una declaración”, decía.
“Los colores que emplea son los que fabrica la industria, esmaltes sintéticos, pinturas metalizadas... Pollock los utiliza como materia viva que fluye en forma de pequeños hilos, regueros, manchas y gotas coaguladas, rompiéndose en mil salpicaduras…. Utilizando un bote agujereado donde se vierte la pintura, o un simple palo goteando, no se sitúa ante la tela, sino que dispuesta en el suelo, gira entorno a ella, se excita con los colores y traslada a sus movimientos con la materia esa excitación hasta que la pintura le impone su ritmo, transformando los sentimientos del artista en acción visible mas allá de los limites del soporte.
Además el Action Painting se caracteriza por tener una ausencia de toda relación con lo objetivo. Un rechazo de todo convencionalismo estético. Una expresión libre y subjetiva del inconsciente. También por tener una ejecución totalmente espontánea. Tiene una valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo. Una intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido. Un predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo. Y por último el empleo de manchas y líneas con ritmo.
+“Mis pinturas no vienen de un caballete. Prefiero fijar el lienzo nuevo a una pared o en el suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más tranquilo. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y literalmente “estar” en la pintura.
+Continúo alejándome de las herramientas tradicionales de los pintores como los caballetes, las paletas y pinceles, etc. Prefiero varitas, palas de jardinero, cuchillos y pintura diluida o impasto con arena, vidrios rotos o cualquier otro material añadido.
"-----Cuando estoy “dentro” de mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Tan solo después de un periodo de “aclimatación” me doy cuenta de lo que ha pasado. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla salir. Es sólo cuando pierdo contacto con la pintura cuando el resultado es un desastre. De lo contrario es armonía pura, un sencillo dar y recibir, y la pintura resulta bien”.----
“------Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y estar literalmente en la pintura. Esto es propio de los métodos de pintura en arena de los indios del Oeste”---- Pollock (1956)
mira este enlace ▼con algunas obras de J. POLLOCK
analiza estas obras de J. POLLOCK:
Guíate por estos enlaces :
*J. POLLOCK. One : número 31
La obra que vamos a comentar recibe el título "Eco nº 5" y fue realizada por el pintor americano Jackon Pollock en 1948. Esta obra pertenece a la corriente de la Abstracción pictórica.
Lee Krasner. 1908-1984. Estadunidense. Pintora Expresionista Abstracta.
Lee Krasner vivió siempre bajo la alargada sombra de su marido Jackson Pollock, pese a que la pintora tenía igual o incluso mayor talento que él. Ambos fueron figuras claves del expresionismo abstracto norteamericano.
Este año 2020 en el Museo Guggenheim Bilbao.
Lee Krasner (1908─1984), cuyo nombre original era Lena Krassner, nació en Brooklyn y creció en el seno de una familia de emigrantes rusos, judíos ortodoxos. Con 14 años de edad decidió dedicarse al arte y fue de las primeras creadoras de Nueva York que adoptó un planteamiento totalmente abstracto, convirtiéndose en pionera del Expresionismo Abstracto. En 1942 sus obras se incluyeron en la exposición colectiva French and American Painting y, dado que el único de los artistas incluido en aquella muestra a quien no conocía era Jackson Pollock, Krasner decidió ir a visitar su estudio. A partir de entonces, iniciaron una relación; en 1945 contrajeron matrimonio y se trasladaron a Springs, en Long Island.
Analiza:
Pintura: Pollock y Bacon
Guíate por estos enlaces :
FRANCIS BACON. CARACTERÍSTICAS ARTÍSTICAS DE UN PINTOR INCLASIFICABLE.
---* "Figure with Meat"(1954)--Francis Bacon,
Para saber más: - otros pintores expresionistas Abstractos -:
📍 Mark Rothko 1903-1970.
MARK ROTHKO. "No.5/No.22 " : " ....Si solo te conmueven las relaciones de color, entonces no entiendes el punto. Estoy interesado en expresar las grandes emociones: tragedia, éxtasis, fatalidad..."
Lik.👍
Mark Rothko, el juego constante con la espiritualidad ...link
Pintor del silencio, representado en su pintura mediante estratos horizontales de color. Se centró en las emociones humanas individuales.También podemos recordar su trabajo posterior para la Capilla Rothko, aconfesional .
👁 Video: La oscura capilla que Rothko nunca vió terminada.
B) LA PINTURA DE SUPERFICIE-COLOR:+ (color field-painting).
Se centra su interés en las diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies generalmente de grandes dimensiones. Mark Rothko, otros artistas Clyfford Still y Barnett Newman aparecen vinculados a esta vía.”
Mark Rothko (1969) link. Serie de vídeos didácticos en arte contemporáneo . ver
MARK ROTHKO, fue junto a Pollock el máximo representante de la abstracción americana. Con su pintura quiso conseguir una ambiciosa utopía: expresar las más básicas emociones universales. Y para muchos lo consiguió.
Marcus Rothkowitz nació en Lituania. De familia evidentemente judía, emigró a Oregón en 1910, probablemente huyendo del antisemitismo por el que tantos cerebros escaparon.
Estudió arte en los años 20, pero se consideraba un autodidacta. Cultivó antes de la Segunda Gran Guerra la figuración expresionista y se empapó del espíritu de las vanguardias que veía en las exposiciones organizadas por el MoMA. Comienza siendo expresionista en los años 30 y también se verá atraído por el surrealismo en los 40,
Tras la guerra empezó a investigar el color field painting (pintura de campos de color) abandonando poco a poco toda referencia figurativa y en los 50, con el expresionismo abstracto ya establecido, inició la personal abstracción que definiría desde entonces su pintura. Su pintura se simplifica para centrarse en el color, un estilo que se conocerá como “Color Field Painting”. Se trata de superficies llenas de color en las que las manchas se superponen a modo de veladuras, aumentando así la gama cromática de la obra. Este tipo de pintura, en el que priman las relaciones cromáticas, deriva de los experimentos espaciales de los cubistas. Se trata de una plasmación del mundo interior del artista, algo que debe hacer meditar al espectador, algo totalmente basado en la expresividad individual.
+ Los cuadros de Mark Rothko, enormes, muestran amplios campos de color rectangulares con unos límites indefinidos entre ellos. Son colores borrosos, que flotan suspendidos en el lienzo, estimulando unas sensaciones místicas bastante interesantes.
A partir de ahí, Mark Rothko se convertiría en una institución del arte americano. Protegido de Peggy Guggenheim, sus éxitos serán notables.
En 1964, encomendaron a Mark Rothko, una serie de obras de gran formato para una “capilla” en Houston, Texas, al sur de los Estados Unidos. La capilla sería un espacio dedicado al ecumenismo con dos vocaciones principales: la contemplación y la acción. En ella se podría rezar y meditar, tanto como celebrar ceremonias religiosas de cualquier credo. Rothko se entusiasmó con el proyecto e inició y terminó sus pinturas mucho antes de lo previsto. Supervisaba también el proyecto, y discutía con los arquitectos asignados, hasta temas como la iluminación adecuada para el interior de la obra. La capilla resultó ser una gran obra de arte moderno. En sus paredes se exhiben las catorce pinturas en diferentes tonalidades de negro, realizadas todas por el artista, quien desgraciadamente no logró verla terminada...
A causa de una fuerte depresión se suicidó en 1970 en su estudio de Nueva York, un año antes de su inauguración en el 1971 A partir de entonces se le conoce como la Capilla Rothko, y se ha convertido en un centro ecuménico de primera, en un lugar sagrado, abierto a todas las religiones y también a los que no pertenecen a ninguna.
[…] No me interesan las relaciones entre colores y formas […] Sólo estoy interesado en expresar las emociones básicas del ser humano (tragedia, éxtasis, fatalidad…) y el hecho de que mucha gente se descomponga y llore ante mis cuadros demuestra que he conseguido comunicar esas emociones básicas. Cuando la gente llora ante mis cuadros están teniendo la misma experiencia religiosa que yo mismo tuve cuando los pintaba. Y si usted, como dice, sólo se emociona por la relación entre los colores, es que no lo ha entendido." -Mark Rothko-
*" Mark Rothko, Naranja y amarillo" (1956), Albright-Knox Art Gallery, Buffalo. Los cuadros de Rothko no hablan al intelecto, sino a los sentimientos. Su finalidad es provocar sensaciones en el espectador. Sus obras más conocidas, pintadas sobre lienzos enormes, están formadas por bloques de color rectangulares que parecen flotar sobre un fondo liso. Esta técnica recibió el nombre de color field painting (pintura de campos de color). Los contornos de Rothko suelen estar difuminados, para permitir que nuestra vista pueda desplazarse suavemente, sin rupturas ópticas, de un color a otro.
*"Mark Rothko: "Sin título. Azul, verde y marrón" (1952)
Lee estas OBRAS COMENTADAS
1- Mark Rothko: amarillo y rojo. Título original ( Sin título) (1952–53).
2-A) Mark Rothko: -* "Sin título. Azul, verde y marrón"- (1952) ▼
ESTILO: Expresionismo abstracto. Pintura del campo o plano de color.
Contexto de esta obra.
Rothko pinta esta obra en 1952. Nos encontramos por tanto en pleno periodo de la Guerra Fría que sucedió a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Los Estados Unidos (en este momento bajo la presidencia de Harry S. Truman) han consolidado su predominio absoluto en el mundo capitalista y han llevado a cabo la creación de la OTAN;
A) Análisis técnico:
* FORMA: Pintura al óleo sobre lienzo. 105 x 84 cm.
* MÉTODO: obra realizada al óleo mediante esponja.
* DESCRIPCIÓN GENERAL: El cuadro que nos ocupa se encuentra dominado por la presencia del color azul que alcanza toda su superficie, con alguna variedad en el tono del color por la distinta saturación de pintura en la esponja, al pasarla por la superficie del lienzo. En el tercio inferior del cuadro, y en sentido horizontal, aparecen dos franjas de color. La superior presenta un tono verde apagado y se extiende prácticamente de lado a lado del cuadro. La inferior, más gruesa, es de color marrón y no alcanza hasta los extremos laterales del lienzo. Al igual que en el caso del fondo azul, estas franjas de color no son uniformes. Además, la posición de las dos franjas produce la impresión de que se encuentran flotando sobre el conjunto del fondo azul que caracteriza al cuadro. Por último, por debajo de la franja marrón corre otra prácticamente del mismo tono del fondo del cuadro, con el que casi llega a confundirse.
B) Análisis simbólico:
El propio Mark Rothko nos explica el porqué de este tipo de obras: "mi arte es abstracto, vive y respira", aunque de igual modo afirmaba que, ante sus obras "callar es bastante acertado". Hace referencia el autor, con ambas ideas, a la necesidad de que sea el propio espectador el que construya la significación de la obra. Por eso el cuadro es algo vivo, porque no va a dejar insensible al espectador, el cual se identificará con la obra o la rechazará, como nos ocurre con la música. Por eso mismo, el cuadro no tiene una explicación objetiva, dependerá en cada caso del observador que lo contemple.
En definitiva, el cuadro simboliza el propio deseo del artista de conseguir, en palabras de Rothko, "expresar las emociones humanas más elementales. La tragedia, el éxtasis, la fatalidad del destino..." Se trataría, por tanto, de obtener una reacción próxima a aquella que se produce ante determinadas ceremonias religiosas. En conclusión, los campos de color son aquí el vehículo que emplea Rothko para simbolizar la necesidad de que el espectador indague en sus propias emociones. La obra de arte tiene entonces un sentido de búsqueda del propio yo, de invitar a la reflexión y a la introspección. El abstracto, en este caso, busca el alma de quien contempla el cuadro. Rothko pinta esta obra en 1952. Nos encontramos por tanto en pleno periodo de la Guerra Fría que sucedió a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Los Estados Unidos (en este momento bajo la presidencia de Harry S. Truman) han consolidado su predominio absoluto en el mundo capitalista y han llevado a cabo la creación de la OTAN; sólo tienen enfrente a la Unión Soviética (de donde eran originarios la familia de Rothko y el propio artista, emigrado a EE.UU en 1913). Dentro de ese país, la ciudad de Nueva York se ha convertido en la auténtica capital del mundo capitalista, no sólo a nivel financiero y empresarial, sino también en lo que respecta a las cuestiones culturales y, más concretamente, a las artísticas. La sociedad neoyorquina se muestra receptiva a las novedades y en su seno existe una amplia élite interesada en el coleccionismo de obras de arte. Nueva York cuenta además con numerosas galerías de arte y con museos específicamente dedicados a la exhibición del arte moderno.
Mark Rothko: * "Sin título" (1948)▼
B) Mark Rothko: -* "Sin título" (1948)- ▼
En definitiva, el cuadro simboliza el propio deseo del artista de conseguir, en palabras de Rothko, "expresar las emociones humanas más elementales. La tragedia, el éxtasis, la fatalidad del destino..." Se trataría, por tanto, de obtener una reacción próxima a aquella que se produce ante determinadas ceremonias religiosas.
En conclusión, los campos de color son aquí el vehículo que emplea Rothko para simbolizar la necesidad de que el espectador indague en sus propias emociones. La obra de arte tiene entonces un sentido de búsqueda del propio yo, de invitar a la reflexión y a la introspección. El abstracto, en este caso, busca el alma de quien contempla el cuadro.
Análisis sociológico:
Rothko pinta esta obra en 1952. Nos encontramos por tanto en pleno periodo de la Guerra Fría que sucedió a la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Los Estados Unidos (en este momento bajo la presidencia de Harry S. Truman) han consolidado su predominio absoluto en el mundo capitalista y han llevado a cabo la creación de la OTAN; sólo tienen enfrente a la Unión Soviética (de donde eran originarios la familia de Rothko y el propio artista, emigrado a EE.UU en 1913).
Dentro de ese país, la ciudad de Nueva York se ha convertido en la auténtica capital del mundo capitalista, no sólo a nivel financiero y empresarial, sino también en lo que respecta a las cuestiones culturales y, más concretamente, a las artísticas. La sociedad neoyorquina se muestra receptiva a las novedades y en su seno existe una amplia élite interesada en el coleccionismo de obras de arte. Nueva York cuenta además con numerosas galerías de arte y con museos específicamente dedicados a la exhibición del arte moderno.
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✒️▼--*" La Capilla Rothko" - 1971 en Texas.
👁 Video: La oscura capilla que Rothko nunca vió terminada.
Video: La capilla de Houston de Mark Rothko, (Minuto 13:21).
En 1964, le encomendaron a Mark Rothko, una serie de 14 obras de gran formato para una " capilla" en Houston, Texas, al sur de Estados Unidos. La capilla sería un espacio octogonal dedicado al ecumenismo con dos vocaciones principales: La contemplación y la acción.
En ella se podrá rezar y meditar, tanto celebrar ceremonias religiosas de cualquier credo, actividades en defensa de los derechos civiles y eventos ecuménicos o culturales.
Mark Rothko se entusiasmó con el proyecto e inició y terminó sus pinturas mucho antes de lo previsto, supervisaba también el proyecto y discutía con sus arquitectos asignados hasta de temas como la iluminación adecuada para el interior de la obra.
La gente llora ante mis cuadros vive la misma experiencia religiosa que yo sentí al pintarlos y si usted, tal como ha dicho, sólo se siente atraído por sus relaciones de color, entonces se le escapa lo decisivo.
Mark Rothko
La capilla de Houston, construcción octogonal minimalista, reúne muchas de las búsquedas y de los logros de Mark Rothko, quien quiso ofrecer al público, seguimos las palabras de Annie Cohen-Solal, “no solo una pintura sino también todo un entorno; no una simple visita, sino una experiencia auténtica; no un momento fugaz sino una revelación genuina”.
Sus 14 pinturas en diferente tonalidad de negro, realizadas por el artista.
+ La técnica consistía en provocar un efecto específico “Al permitir al espectador entrar en su obra, Rothko inició una investigación sofisticada alterando sus medios y utilizando métodos elaborados, casi de alquimia, que no se comprenderían hasta mucho después de su muerte”.
La capilla Rothko se inauguró en 1971. la idea original pretendía crear un espacio para la meditación.
Desde el año 1973 la Capilla Rothko incorporó a sus actividades iniciales la celebración de coloquios destinados a fomentar la justicia y la libertad en todo el mundo, atrayendo a personalidades de todos los rincones del mundo para darse cita allí. En 1981 se instituyen los Premios Capilla Rothko de Compromiso con la Verdad y la Libertad .
El artista no logró verla terminada... A causa de una fuerte depresión se suicidó en 1970 en Nueva York, un año antes de su inauguración..
A partir de entonces se le conoce como la Capilla Rothko.
Exterior Capilla Rothko
analiza y compara:
La capilla de Houston 1971. Mark Rothko
y
"Nenúfares", 1916-1923. Capilla Sixtina del Impresionismo. Monet
Ampliación- saber más. Voluntario.
notas de actualidad
El arte de Eliasson procede de su interés por la percepción, el movimiento, la experiencia física y las sensaciones. Entre las claves de su práctica se incluyen su preocupación por la naturaleza, inspirada por el tiempo que pasó en Islandia; su investigación sobre la geometría; y sus indagaciones en curso sobre cómo percibimos, sentimos y damos forma al mundo que nos rodea.
Convencido de que el arte puede tener un poderoso impacto sobre el mundo trascendiendo las fronteras del museo, Eliasson ha creado lámparas solares para comunidades sin electricidad, ha concebido talleres artísticos para refugiados y solicitantes de asilo, ha ideado instalaciones artísticas cuyo fin es incrementar la concienciación sobre la emergencia climática y en octubre de 2019 fue nombrado Embajador de Buena Voluntad del Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo. Según Olafur Eliasson, “el arte no es el objeto, sino lo que el objeto hace al mundo”.
notas de actualidad
En 1982, la artista de origen húngaro Agnes Denes, pionera del arte conceptual y del arte medioambiental, negoció los derechos temporales sobre un terreno de 0,72 hectáreas en un vertedero del bajo Manhattan, a 200 metros de Wall Street y encarado a la Estatua de la Libertad.
" Un campo de trigo en Manhattan" El grano cosechado viajó a 28 ciudades en la exposición de El Salón Internacional de Arte para el Fin del Hambre Mundial y el heno sobrante sirvió para alimentar a los caballos del Departamento de Policía de Nueva York.
Larry poons.👁
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👁 documentales interesantes en relación del : expresionismo abstracto
- Joan Mitchell perteneciente a la "segunda generación" del expresionismo abstracto, además de estampadora. Una parte importante de su carrera transcurrió en Francia.1 Junto a Lee Krasner, Grace Hartigan, Helen Frankenthaler, Shirley Jaffe, Elaine de Kooning, y Sonia Gechtoff, fue una de las pocas pintoras aclamada en su época por crítica y público. Su trabajo está presente en las colecciones y museos más importantes de Estados Unidos y Europa. En 2014 se convirtió en la mujer pintora más cotizada en un subasta hasta el momento
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