Roy Lichtenstein (1923-1997). 2¨de biografía. 👈🏿
David Hockney *" The Splash" », «A Little Splash» «A Bigger Splash» 1967.
Comencemos por unas pocas características generales:
El Arte POP, es comúnmente interpretado como una reacción en contra de los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto NORTEAMERICANO
El movimiento urbano que constituye el Arte Pop, al contrario que el Expresionismo abstracto americano: va a trabajar con las cualidades perceptivas de los objetos, sus colores , su percepción y en ese sentido tiene una dimensión estética.
Pretende unir arte y vida mediante el enfriamiento de las emociones.
Propósito de reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de masas en sus obras, es decir, coge productos de consumo accesibles para todos y los re-presenta.
Destaca la inexpresión y la impersonalidad del objeto, alejándose de cualquier tipo de subjetividad del artista.
El arte pop se contextualiza en el pleno proceso de conformación de la sociedad de consumo, cuyo impulso definitivo tuvo lugar tras la segunda guerra mundial. Con la llegada de la televisión, la nueva invasora de los hogares.
Enlace seguimiento del Tema 10
Arte post 1945: pop. Video min 28:54. 👁. a min 47👈🏿
ACTUALIDAD.
El infinito en torno al círculo: Yayoi Kusama. Kusama ha explorado continuamente los temas de la enfermedad mental, la repetición, obsesión, creación, destrucción, el sexo y el feminismo a través de sus pinturas, esculturas, collages, dibujos, filmes, poesía y obras de arte de moda y de performance.
1) EN EL REINO UNIDO- El arte Pop.
El movimiento Pop como tal, surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y una década más tarde a finales de los años 1960, llega a los Estados Unidos.
El arte pop temprano, de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los artistas estadounidenses como ANDY WARHOL, ROY LICHTENSTEIN, Tom Wesselmann, BASQUIAT (más tarde) , entre otros se inspiraban en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura, la cultura Norteamericana.
A) EN EL REINO UNIDO. PRECURSORES del Arte Pop:
El Dadá: El pop art encuentra su primer pilar, en sus raíces, en el Dadá de quién extrae la idea de unir arte y vida, es decir, de anular la separación abismal que existía entre la vida cotidiana de las personas y el arte, exclusivo por entonces de unos pocos. Además del DADA, aprendieron las posibilidades de la fotografía, del collage, el assemblage y el fotomontaje.
y el Independent Group- 1952 . 👁 En este grupo participaban muchos artistas. Sin embargo, fue el italiano Paolozzi quien se convirtió en una referencia fundante del pop art tras la primera sesión del IG. En esta, Paolozzi proyectó varios collages que había hecho a partir de revistas por medio de un proyector de opacos. La primera imagen fue el collage I was a Rich Man's Plaything (Yo fui el juguete de un hombre rico), en el cual se utiliza por primera vez la palabra "pop", de donde el movimiento tomaría su nombre.
B) Artistas POP Ingleses iniciales:
RICHARD HAMILTON (Londres, 1922) :¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? " 1956.
Este será el manifiesto del pop art británico. Son todo objetos que llegaban a Inglaterra de la joven América, elementos de la nueva sociedad americana de masas, con una pin-up (chicas de revista) y su pareja que es un culturista, y metidos en un hogar. El culturista sujeta un chupa-chups donde pone la palabra POP, que es un fragmento de una marca de caramelos, la «American Tootsie Roll Pop». Además, aparecen también elementos de esa baja cultura, de esa cultura de masas, como una televisión, el logotipo de ford, un cómic…
📍DAVID HOCKNEY.1937.
Visualizar 👉..The Splash" » 1967. :Video de D. Hockney
2) EN NORTEAMÉRICA (1960)
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A) PRECURSORES : NEO- DADA AMERICANO: sirvieron de enlace entre los expresionistas abstractos americanos (más veteranos) y los jóvenes artistas POP norteamericanos: Artistas destacados : JASPER JOHNS Y Robert Rauschenberg
B) Artistas POP Norteamericanos: ROY LICHTENSTEIN. ANDY WARHOL. Tom Wesselmann, ( 1970), Jean Michel Basquiat (- 2 minutos de arte).
indagar sobre : BASQUIAT.
3) EN ESPAÑA: Equipo Crónica - Museo de Bellas Artes de Bilbao
El Equipo Crónica. (1964-1981). Equipo Realidad. Juan Genovés
--en la actualidad: El alma pop de Villalba--
1) EN EL REINO UNIDO- El arte Pop.
El movimiento Pop como tal, surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y una década más tarde a finales de los años 1960, llega a los Estados Unidos.
El arte pop temprano, de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los artistas estadounidenses como ANDY WARHOL ROY LICHTENSTEIN, Tom Wesselmann, BASQUIAT, entre otros se inspiraban en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura, la cultura Norteamericana.
A) PRECURSORES del Arte Pop: El Dadá y el Independent Group- 1952
B) Artistas POP Ingleses iniciales:
- RICHARD HAMILTON, Londres 1922. (¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?).este será el manifiesto del pop art británico. Son todo objetos que llegaban a Inglaterra de la joven América, elementos de la nueva sociedad americana de masas, con una pin-up (chicas de revista) y su pareja que es un culturista, y metidos en un hogar. El culturista sujeta un chupa-chups donde pone la palabra POP, que es un fragmento de una marca de caramelos, la «American Tootsie Roll Pop». Además, aparecen también elementos de esa baja cultura, de esa cultura de masas, como una televisión, el logotipo de Ford, un cómic.
y además, un año después, el propio Hamilton definirá este arte como un «arte popular, transitorio, fungible, de bajo coste, producido en serie, joven, ingenioso, atractivo, efectista, glamuroso y de las grandes empresas»
-Artista Pop que estudiaremos es :
📍DAVID HOCKNEY.1937.
Visualizar 👉..The Splash" » 1967. :Video de D. Hockney
Fue un importante contribuidor del movimiento de Arte Pop en la década de 1960 en Inglaterra. Pintor, dibujante, fotógrafo y escenógrafo inglés. Estrechamente relacionado con el sur de California , donde vivió desde 1963 a 2005, luego se trasladó a Londres.
Buscó crear un idioma visual comprensible en el contexto de una nueva figuración. Su enfoque no es ilusionista y sus figuras son signos pictóricos abreviados. Destaca su placer por contar historias. Su obra se inspiró en Dubuffet, Picasso, Matisse, y por supuesto conoció a Andy Warhol en los 60
Siempre deja patente su punto de vista, haciendo converger las líneas de perspectiva explícitamente para que se vea quién es el artista, el observador.
La combinación de colores y de técnicas, con zonas perfectamente definidas y otras muy esquemáticas, es un un poderoso imán para nuestros ojos, véase en 2018 su obra * *- "Retrato de un artista "(piscina con dos figuras) es ya oficialmente la obra más valiosa de un artista vivo. 1972 ( 79,7 millones de euros). *" The Splash" », «A Little Splash» «A Bigger Splash» 1967, que plasma de manera recurrente: lo efímero de la vida.
El verdadero tema, como el de toda gran obra de arte, es la vida misma. Es conocida la frase del artista sobre esta obra: “Me llevó dos semanas pintar un evento que dura dos segundos”. Y así es la vida, insistimos.
1).- Escenografías.
2).- años 60 y 70 y el protagonismo de las piscinas. Hockney fue uno de los primeros artistas en hacer un uso extensivo del acrílico
« *" The Splash" », «A Little Splash» «A Bigger Splash» 1967. el tema real es el momento de una fracción de segundo del chapoteo, congelado en el lienzo.
Sunbather "de 1966 Sin ir más lejos, la forma personalísima empleada por Hockney para reflejar la incidencia de la luz sobre el agua ondulante mediante sinuosas líneas blancas entrecruzadas,
3).- en los 80 , Hockney comenzó a producir "Joiners", que son collages, hechos de fotografías. Son Polaroids compuestas que muestran múltiples puntos de vista en una sola obra de arte. Son una innovación en su método, desde la década de los 1970, de componer múltiples instantáneas para planificar pinturas 👈🏿 Link. Ejemplo:
"Autopista Pearblossom, 11-18 de abril de 1986".. Es el cubismo de Picasso lo que le interesa después de ver una exposición suya. Multiplicar el ángulo de una mano, por ejemplo, es para él mucho más real que la perspectiva clásica de representación. El paralelismo de Hockney y Picasso es constante. Su segundo gran maestro del siglo XX es Henri Matisse, una referencia fundamental para él por el color y la expresión de esa alegría visual que también traslada a sus paisajes.
Still Life with Blue Guitar (Joiner de 1982) (Naturaleza muerta, con guitarra azul).
David Hockney.*" Henry Moore" 1982.
* “Pearblossom Highway, 11–18th April 1986 #2”, de David Hockney
Tecnicamente su dificultad bastante elevada reside en la planificación de las tomas y en su posterior selección y composición, ya que las imágenes individuales no albergan una gran complicación técnica, e incluso el procesado de las fotografías no siguió un revelado profesional con lo que esto puede implicar a nivel de calidad de imagen y color.
2011 - La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire, en 2011 (dos mil once) [The Arrival of the Spring in Woldgate, East Yorkshire, in 2011 (twenty-eleven), una obra formada por 52 partes, 51 dibujos realizados con iPad y un óleo, sobre 32 lienzos, puede considerarse como un desarrollo de esa visión escénica, ya que esta inmensa obra también presenta cierta cualidad cinematográfica
El arte POP, se concibe en una época de posguerra, 1939-1945, una generación impulsada por el desarrollo industrial y el consumismo. Estados Unidos es el único país que no sufre la guerra en su territorio, se ve ampliamente favorecido después del conflicto y pone en marcha un plan diseñado para ayudar a los países más afectados, el plan Marshall. Este interés de USA por la recuperación de Europa no solo consistía en ayudas económicas, sino también industriales,comerciales, también en cuanto a su maquinaria, materias primas, alimentos, etc.
Todo ello provocó un deseo vehemente de cambiar la vida y también de renovar el lenguaje artístico, surgen las segundas vanguardias. La sociedad de consumo y el capitalismo se desarrollan, el coleccionismo se dispara y el arte se convierte en un objeto de especulación.
Surge tendencias en contra de estos aspectos especulativos. El Expresionismo abstracto nace con la voluntad de utilizarlo como medio para exteriorizar los sentimientos del artista. La ironía y el sentido del humor aparecen en el arte con movimientos como el Arte Pop, mientras que por otra parte se exaltan los materiales de desperdicio de la sociedad de consumo en el Arte Povera. El Arte Conceptual o Minimal, tiene la voluntad de intelectualizar el arte, de llegar directamente al intelecto del espectador .
Por otra parte, la Unión Soviética, quien hizo su parte, para ayudar a derrotar a la Alemania Nazi, no fue aceptada como parte integrante de la OTAN, surgirá así, como el principal enemigo de los Estados Unidos (abanderado del capitalismo). Conflicto que se convertiría posteriormente, en la Guerra Fría.
Nuevas ondas culturales surgen en la década de 1950, como ejemplo de ello es el nacimiento de un nuevo género musical, el Rock and Roll y Elvis Presley como uno de sus primeros exponentes. El Rock ‘n Roll se hizo popular gracias a su mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense como el Blues y el Country, aparte de ser muy seguida por los adolescentes en busca de nuevas sensaciones.
También, la mujer decidió liberarse de los tapujos impuestos por la sociedad en décadas, no sin cosificaciones hacia su cuerpo, ejemplo de ello, en 1953, en Chicago Illinois, nace la revista especializada en entretenimiento para adultos, Playboy, y con ella la difusión de los “modelos de belleza” femenina.
Por otro lado los “modelos masculinos de belleza” no se quedaron atrás, el fisio-culturismo tuvo su apogeo en la época con la salida de aparatos de gimnasio más sofisticados y la fama de los superhéroes de las historietas cómicas.
El discurso en esta época estaba cambiando, los ideales de las personas ya no eran los que se tenían a principios de siglo, es el momento del mensaje persuasivo. Esto finalmente va ser lo que inspira a los autores del arte pop de Europa y Estados Unidos, una sociedad consumista.
+ El pop art, conocido en español como arte pop, es un movimiento plástico que tuvo su origen en la década de 1950. Nació entre Gran Bretaña y Estados Unidos, pero fue este último el país que se convirtió en el abanderado del movimiento. Sin embargo, el arte pop generó una onda expansiva en todo el mundo, tanto en Europa como en América Latina, Asia y Oceanía.
Contexto
+ El arte pop se contextualiza en el pleno proceso de conformación de la sociedad de consumo, cuyo impulso definitivo tuvo lugar tras la segunda guerra mundial y la llegada de la televisión, la nueva invasora de los hogares.
Objetivo
+ Este estilo artístico nació como un intento de hacer un arte que tomará en cuenta el universo de símbolos y temas de interés masivo, es decir, los símbolos "populares" a los cuales la élite cultural parecía dar la espalda y negar su movilizadora penetración en el imaginario colectivo.
Características del arte pop
+Los artistas pop acudirían a objetos cotidianos que se estaban convirtiendo en los nuevos símbolos de "civilización": ídolos mediáticos, figuras políticas, objetos fabricados en serie, tiras cómicas (cómics), carteles, embalajes y toda clase de imágenes simbólicas (señales de tráfico, collages, etc.).
1) Ampliación de la noción de belleza al repertorio de símbolos pop: El pop art comprendía que incluso los objetos de la cultura de masas podían contener elementos de belleza, y no solamente las Venus y Madonas de la Antigüedad. Claro que esto no dejará de ser también una provocación para el entorno intelectual, aspecto que los artistas pop aprovechan muy bien a su favor.
2) Descontextualización: Una de las estrategias del pop art fue tomar los objetos prestados y descontextualizar los. Por ejemplo, sacar de su contexto una lata de sopa, un cuadro famoso o una fotografía, intervenirlos y transformarlos en una obra o una nueva obra. Algo semejante habían hecho los dadaístas con su técnica ready made desde que Marcel Duchamp creó su famosa Fuente: un urinal intervenido con la firma del artista, bajo el seudónimo R. Mutt, y que fue presentado como una obra museística.
3) Negación del virtuosismo: Estos artistas no preconizaban el virtuosismo como un valor. Con esto, el arte pop rompía con la idea de una obra de arte como resultado de un proceso complejo, largo y difícil, lo que favorecía el principio de reproducción múltiple.
Por ello, implementaron técnicas absolutamente inusuales en el campo de las bellas artes, como la serigrafía, el cómic con sus viñetas y estilo de la línea, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva, además de collages y fotografías.
Algunos artistas fueron más radicales y produjeron happenings y espectáculos interactivos, lo que asestaba un golpe contra el coleccionismo y la mercantilización del arte.
4) Incongruencia: El universo de símbolos que ofrecía el arte pop no era muy fácil de asimilar para los intelectuales de la vieja escuela, y, además, los artistas pop tampoco tenían una única posición frente a lo que representaban, lo que dificulta las cosas. Sus propósitos no necesariamente estaban claros. ¿Criticaban el consumo? ¿Validaron el consumo? ¿Sacaban provecho de las circunstancias? Creaban así imágenes aparentemente incongruentes y provocadoras.
5) Humor: Como no pretendía ser un arte intelectual, el arte pop fue también un movimiento cargado de humor y guiños cómplices al espectador. los artistas pop ironizaba y reían del orden circundante. Quizá era un modo diferente de hacer crítica.
6) Provocación : Todo esto hizo del arte pop un arte provocador, incitante, polémico. Por ejemplo, al cuestionar la idea de originalidad, cuestionan también la superioridad del genio creador, figura a la que se le rendía tributo desde el renacimiento. Cuestionaban asimismo el papel de los críticos, de los historiadores del arte, el concepto de los museos, los criterios de selección, los principios de la museografía...
Pero más allá de todo lo que hace interesante al pop art, es evidente que nada surge por generación espontánea, y que, antes de que los artistas pop se formularán este programa estético, generaciones previas fueron creando las condiciones para esta auténtica revuelta de los signos artísticos. Veamos cuáles fueron sus antecedentes y qué relaciones tenía el arte pop en el contexto creativo de los años 50.
El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc.
Más características del Pop
El pop art encuentra su primer pilar, en sus raíces, en el Dadá de quién extrae la idea de unir arte y vida, es decir, de anular la separación abismal que existía entre la vida cotidiana de las personas y el arte, exclusivo por entonces de unos pocos. Además del DADA, aprendieron las posibilidades de la fotografía, del collage, el assemblage y el fotomontaje.
El segundo pilar del Pop es Duchamp, quien es conocido por aislar la esencia artística o utilitaria de cualquier elemento del entorno. Así, para Duchamp y más tarde para Warhol, lo importante no es la realización manual de la obra de arte sino la elección del objeto, que lo es por su propio valor artístico. Así sus obra se reduce a una simple elección aparentemente banal pero que encierra un sentido irónico y crítico hacia el materialismo, la popularidad, el dinero y la fama.
Andy Warhol, Bajo una crítica a la cultura de masas, a la impersonalidad cada vez mayor de la sociedad americana y a la sociedad de consumo, elige o representa elementos de ese capitalismo que repite de una forma casi obsesiva, multiplicando en hileras, con ligeras diferencias de impresión, por lo que el ojo tiene que seguir la línea de repetición y captar la distorsión que puede llegar hasta la manipulación y la destrucción. Las dos imágenes elegidas relevantes fueron la lata de sopa Campbell (1964) y los botellines de Coca-Cola, símbolos ambos de la modernidad y los nuevos tiempos.
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto americano. El movimiento urbano que constituye el Arte Pop, al contrario que el Expresionismo abstracto, pretende unir arte y vida mediante, el enfriamiento de las emociones. Tiene el propósito de reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de masas en sus obras, es decir, coge productos de consumo accesibles para todos y los representa. Con esto destaca la inexpresión y la impersonalidad del objeto, alejándose de cualquier tipo de subjetividad del artista.
Por otro lado, la repetición y el tamaño de la obra son características técnicas que abundan en este movimiento ya que en los medios de comunicación la publicidad se usan como método tanto como para crear iconos como para anestesiar a la sociedad sobre problemas graves. Por lo tanto, en este punto de la historia del arte, el arte ya no imita la vida, sino que es la vida que imita el arte o la imagen.
Arte Pop. Un irónico y novedoso código de percepción de la realidad, un código que aún sigue vigente en el arte de nuestros días.
El arte pop capturó de inmediato la imaginación popular. Su aparición a finales de los años 1950 y comienzos de los 60 fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte; y no solo resultó atrayente para el gran público, sino que la radicalidad de su desafío cautivó también a numerosos círculos intelectuales.
El arte pop proponía a las nuevas generaciones todo un excitante mundo en el que ya no existían límites entre la alta y la baja cultura, entre lo artístico y lo profano. Para el pop toda imagen era reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte y su verdadero propósito, que el tiempo ha demostrado que lograron, era ofrecer una nueva interpretación de la imagen de la cultura contemporánea.
- 1) EN el REINO UNIDO 1955
A) Precedentes: -
1-El Dadaísmo: El pop art encuentra su primer pilar, en sus raíces, en el Dadá de quién extrae la idea de unir arte y vida, es decir, de anular la separación abismal que existía entre la vida cotidiana de las personas y el arte, exclusivo por entonces de unos pocos. Además del DADA, aprendieron las posibilidades de la fotografía, del collage, el assemblage y el fotomontaje.
2- IG (Independent Group) 1952-1955:IG (Independent Group). El IG surgió en 1952 en el Institute of Contemporary Art de Londres y estuvo activo hasta 1955. Durante este período Gran Bretaña, al igual que otros países plenamente industrializados en Europa, experimentaba el crecimiento de una cultura popular urbana distinta, tras el racionamiento y la austeridad que supuso la segunda guerra mundial.
En este grupo participaban muchos artistas. Sin embargo, fue el italiano Paolozzi quien se convirtió en una referencia fundante del pop art tras la primera sesión del IG. En esta, Paolozzi proyectó varios collages que había hecho a partir de revistas por medio de un proyector de opacos. La primera imagen fue el collage I was a Rich Man's Plaything (Yo fui el juguete de un hombre rico), en el cual se utiliza por primera vez la palabra "pop", de donde el movimiento tomaría su nombre.
.Eduardo Paolozzi. Reino Unido, La primera obra de Pop-Art. *" Yo fui el juguete de un rico" .1947." I was a Rich Man's Plaything .". collage .
Richard Hamilton *" ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? " 1956.
-manifiesto del pop art británico-.
👁 " ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? " 1956. RICHARD HAMILTON (Londres, 1922)
Este será el manifiesto del pop art británico. Son todo objetos que llegaban a Inglaterra de la joven América, elementos de la nueva sociedad americana de masas, con una pin-up (chicas de revista) y su pareja que es un culturista, y metidos en un hogar. El culturista sujeta un chupa-chups donde pone la palabra POP, que es un fragmento de una marca de caramelos, la «American Tootsie Roll Pop». Además, aparecen también elementos de esa baja cultura, de esa cultura de masas, como una televisión, el logotipo de ford, un cómic…
CONTEXTO HISTÓRICO DE LA PINTURA
El famoso collage sobre la familia estadounidense y la sociedad de consumo, realizado por Richard Hamilton en 1956, estrenó para el arte una corriente audaz e ingeniosa; además de "muy sexy, tramposa, fascinante, un gran negocio", según el propio autor.
Simbolizaba la gran cuestión sobre si el mundo es capaz de existir únicamente en función de la "publicidad" que de él se hace en otro mundo. Sumido en ese gran simulacro, el artista debía interrogarse sobre la complejidad de la realidad, qué procesos la estructuran y con qué medios podemos comprenderla. Creada en 1956 como cartel para ilustrar la exposición Esto es mañana, en la Whitechapel de Londres, y en la que el Independent Group -que formaba Hamilton junto a Eduardo Paolozzi y otros - se presentaba como el enterrador del Expresionismo Abstracto, ¿Qué es eso que hace tan diferentes...? fue considerada con el tiempo un hito en la historia del arte, a la altura de Fuente, de Duchamp, o de las Señoritas de Avignon, de Picasso.
B) Artistas Pop ingleses (1956)
1- RICHARD HAMILTON (Londres, 1922)
Hamilton va a ser sobre todo inspiración e influencia para artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein o Robert Rauschenberg, éste último moviéndose entre el expresionismo abstracto americano y el arte pop. Además, su uso de las imágenes sobre la cultura consumista en el arte, influirá a David Hockney, artista inglés.
Se le suele atribuir la paternidad del pop art, el movimiento artístico inspirado en la cultura popular. La pintura y los collages de Hamilton se hicieron famosos en prácticamente en todo el mundo por ser uno de los mas célebres diseñadores gráficos.
En el año 1948 James Joyce y Marcel Duchamp se convertirán en claras influencias sobre su pensamiento Pero también fue precursor del apropiacionismo, de la instalación y de muchas otras tendencias que fueron sorprendiendo según avanzaba el siglo XX y arrancaba el XXI. Hijo artístico de Duchamp, la ironía y el juego forman parte de sus reflexiones críticas y de sus permanentes investigaciones.
Todo esto les llevará a que en el año 1956 hicieran una exposición en la Whitechapel Art Gallery que se tituló «This is tomorrow» y la foto que puso para la exposición Hamilton fue lo que marcó el comienzo de este nuevo Pop Art:
obra: *" ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? " 1956.▲
David Hockney en Wikipedia en español.
David Hockney el pintor de piscinas y fotógrafo panografico.
David Hockney, el último cubista, o la realidad fragmentada.
Fue un importante contribuidor del movimiento de Arte Pop en la década de 1960. De los artistas británicos más influyentes del siglo XX del arte POP de la década de los 60.
Pintor, dibujante, fotógrafo y escenógrafo inglés, célebre por sus pinturas satíricas, su obra gráfica, sus dibujos magistrales y sus agudos retratos de personalidades contemporáneas.
Las obras de Hockney son alegres, coloristas, vivas. Es famosa su serie sobre piscinas en los 60 en el sur de California . Trasluce un poco disimulado erotismo. Hockney es decididamente militante en sus convicciones, tanto homosexuales, como pacifistas, como progresistas, al que le gustan poco las prohibiciones.
Estrechamente relacionado con el sur de California , donde vivió desde 1963 a 2005, luego se trasladó a Londres. Un artista que plasma su realidad contemporánea, aparentemente frívola y superficial, pero cargada de sutiles matices.
+ David Hockney se formó en el Royal College of Art y adoptó en sus comienzos un estilo faux-naif tomado de caricaturas de prensa y dibujos infantiles de cuidada ironía.
Buscó crear un idioma visual comprensible en el contexto de una nueva figuración. Su enfoque no es ilusionista y sus figuras son signos pictóricos abreviados. Destaca su placer por contar historias.
Su obra se inspiró en Dubuffet y Picasso, y por supuesto conoció a Andy Warhol en los 60. A diferencia de este que siempre se agachó en su armario, Hockney fue uno de los primeros artistas abiertamente homosexuales, y decidió trasladarse a una sociedad más desinhibida que la inglesa,encontrándose en California, una tierra prometida de la que había leído en revistas y anuncios (de nuevo, ahí está la influencia pop).
Son características sus superficies planas, anónimas, brillantes, pintadas con el acrílico (otra vez, un cliché pop) y la influencia de la fotografía que también utilizará, no sólo como para su proceso pictórico sino también en collages.
Siempre deja patente su punto de vista, haciendo converger las líneas de perspectiva explícitamente para que se vea quién es el artista, que es el observador.
Hoy está interesado en las nuevas tecnologías, realizando arte con su teléfono móvil.
El 15 de noviembre de 2018 su obra * *- "Retrato de un artista "(piscina con dos figuras) es ya oficialmente la obra más valiosa de un artista vivo. 1972 ( 79,7 millones de euros).
2018, pinta vidrieras : La ventana de la reina en la Abadía de Westminster. David Hockney. En respuesta al -profundo afecto y conexión con el campo y con la Reina , Hockney ha creado una vívida escena campestre para sus vidrieras, que inicialmente dibujó en su iPad. La imagen está inspirada en el condado natal de Hockney, Yorkshire, y presenta espinos en flor, un arbusto que el artista sintió que era el aspecto más festivo del paisaje.
Para celebrar los 65 años de reinado de la Reina, la Iglesia de Inglaterra encargó al artista británico de 81 años que creará una ventana para el transepto norte de la Abadía de Westminster.
El encargo era simple: crear una imagen simbólica que representara al artista y fuera reconocible como su propio trabajo. Siempre se ha sentido atraído por el idilio rural de su amado Yorkshire, que es tan brillantemente evidente en este encargo.
* Son unas vidrieras utilizando técnicas tradicionales. En su primera creación de vidrieras, Hockney quería evocar una simplicidad similar al enfoque de Matisse y se usó un bloque de color fuerte sobre esmaltes o grabados.
Hockney ha experimentado con numerosas técnicas a lo largo de su carrera:
su empleo de la acuarela y el acrílico; sus diseños de escenografías para óperas, como El progreso del libertino (1951), de Igor Stravinsky, o La flauta mágica (1791), de Wolfgang Amadeus Mozart; su uso de medios fotográficos, y ópticos para representar la perspectiva; y su interés por las nuevas tecnologías, como el iPhone y el iPad.
1). Escenografías
Un aspecto importante pero no demasiado conocido de la producción artística de David Hockney está ligado a sus escenografías. El artista nació con sinestesia y en consecuencia ve colores sinestésicos en respuesta a estímulos musicales. Esto no se ve reflejado en sus pinturas ni trabajo fotográfico, pero es uno de los principios que utiliza para el diseño de escenografías para óperas y ballet; él basa los colores del fondo y la iluminación en los colores que ve mientras escucha las piezas musicales.
Su primer diseño lo realizó para la ópera El progreso del libertino (1951), de Igor Stravinsky, en 1975. A partir de entonces, el teatro se convierte en una gran influencia en su arte y en su concepción estética.
En 1987, creó la escenografía para -Tristán e Isolda, de Richard Wagner.
en 1992 y 1993, diseñó la de -Turandot, de Giacomo Puccini .
en 1993 y 1996, ideó la de -La mujer sin sombra, de Richard Strauss.
Los colores brillantes, audaces, de estos trabajos escenográficos, así como su gran dimensión, constituyen un anticipo de -las pinturas de Yorkshire, que fueron realizadas algunos años más tarde y pueden verse en la exposición :
2011 - La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire, en 2011 (dos mil once) [The Arrival of the Spring in Woldgate, East Yorkshire, in 2011 (twenty-eleven)], una obra formada por 52 partes, 51 dibujos realizados con iPad y un óleo, sobre 32 lienzos, puede considerarse como un desarrollo de esa visión escénica, ya que esta inmensa obra también presenta cierta cualidad cinematográfica.
Para la temporada 2012-2013 de la Vienna State Opera, él diseñó en su iPad una pintura a gran escala (176 metros cuadrados) como parte de una exhibición llamada "Cortina de Seguridad".
en 2018, pinta vidrieras : La ventana de la reina en la Abadía de Westminster.▲ David Hockney celebra el reinado de la reina con vidrieras en la Abadía de Westminster. David Hockney. En respuesta al “profundo afecto y conexión con el campo” de la Reina , Hockney ha creado una vívida escena campestre, que inicialmente dibujó en su iPad. La imagen está inspirada en el condado natal de Hockney, Yorkshire, y presenta espinos en flor, un arbusto que el artista sintió que era el aspecto más festivo del paisaje.
Para celebrar los 65 años de reinado de la Reina, la Iglesia de Inglaterra encargó al artista británico de 81 años que creara una ventana para el transepto norte de la Abadía de Westminster.
El encargo era simple: crear una imagen simbólica que representara al artista y fuera reconocible como su propio trabajo. Siempre se ha sentido atraído por el idilio rural de su amado Yorkshire, que es tan brillantemente evidente en este encargo. Son unas vidrieras utilizando técnicas tradicionales. En su primera creación de vidrieras, Hockney quería evocar una simplicidad similar al enfoque de Matisse y se usó un bloque de color fuerte sobre esmaltes o grabados.
2). años 60 y 70 y el protagonismo de las piscinas
“el pintor de las piscinas”utiliza pinturas acrílicas (solubles en agua).
- En los 60 y 70: Cuando Hockney llegó a California a los Ángeles, dejó de pintar con óleo y comenzó a utilizar pinturas acrílicas (solubles en agua), que utilizó durante un considerable período de tiempo. Esta técnica que acababa de desarrollarse le permitía reflejar la calidad de la luz y el soleado ambiente de Los Ángeles: empleó los vivos colores de este tipo de pinturas para crear sorprendentes efectos en sus cuadros de duchas, piscinas y aspersores de los años sesenta y setenta.
Hockney es abiertamente homosexual y ha explorado abiertamente la naturaleza del amor gay dentro de sus retratos.
Hablar de David Hockney como “el pintor de las piscinas” no hace justicia a su magnífica obra. Y aún así, no cabe duda que los vasos azules de aguas cristalinas que descubrió desde el avión la primera vez que voló a California supusieron un punto de inflexión en su trayectoria. A partir de los años 60 las piscinas se convierten en protagonistas absolutas de muchos de los cuadros más importantes de Hockney, como el ya mencionado.
En estas obras, Hockney explora cómo crear espacio con apenas unas líneas. Con respecto a la técnica, bajo la pintura no hay trazos de lápiz; además, Hockney ejecuta estos trabajos “con el menor número de pinceladas posible” y con una paleta limitada —a veces, de tan solo cuatro colores—.
Estas obras son:
*"Retrato de un artista" .1972, El trabajo es considerado como "una de las mejores obras de arte de la era moderna". Se ha convertido en una de las obras de culto de David Hockney. La pintura corresponde al "apogeo" de los dos temas más famosos del británico, gran maestro del pop art, según explicó: las piscinas y el doble retrato, de dos personas que interactúan. En este lienzo, un hombre elegante, de pie junto a la piscina, mira cuidadosamente a otro que nada bajo el agua en su dirección, con un paisaje idílico de árboles y montañas de fondo. El hombre de pie es el ex amante y musa de Hockney, Peter Schlesinger, quien fue uno de sus estudiantes en la UCLA en Los Ángeles. Su relación tuvo lugar desde 1966 a 1972. La pintura se realizó en 1972 cuando terminó su aventura y, según Rotter, el nadador podría ser el nuevo amante de Peter.
Alcanzó un precio récord de una obra de un artista vivo, (80 millones de euros), con tasas e impuestos incluidos, en una subasta de Christie's en Nueva York.
Los colores de Hockney se hacen más vivos y brillantes, acercándose más al pop art americano pero siempre manteniendo esa cualidad clásica que pervive en toda su obra.
« *" The Splash" », «A Little Splash» «A Bigger Splash» 1967.
Aunque es una representación seductora de un lugar de ensueño, A Bigger Splash no se trata solo de eso. Según Hockney, el tema real es el momento de una fracción de segundo del chapoteo, congelado en el lienzo.
Hockney pintó la imagen de una fotografía de una salpicadura tomada por otra persona. Más tarde comentó cómo había pasado mucho más tiempo pintando el chapoteo que la casa detrás de él, a pesar de que un chapoteo dura dos segundos y un edificio está permanentemente allí. Esta contradicción lo fascinaba.
Son grandes pinturas llenas de color y calor, marcadas por una modernidad que todavía hoy nos sorprende y que incluyen innovaciones pictóricas llenas de interés.
Pero Hockney, en cambio, usó pequeños pinceles para reproducir minuciosamente las salpicaduras de la fotografía: las formas creadas por la creciente cascada de agua, las diferentes áreas de transparencia y los detalles y rastros de los pequeños goteos. Le tomó dos semanas lograr que el chapoteo se viera bien.
técnica, en esta obra▲
Su técnica: El acrílico era un tipo, relativamente nuevo, de pintura disponible comercialmente por primera vez para artistas en Estados Unidos a principios de la década de 1950. (No llegó a Europa hasta una década después). Es soluble en agua y se puede usar de manera espesa para una superficie opaca, o al agregar agua u otros medios se pueden usar para crear lavados delgados. La belleza de la pintura acrílica sobre la pintura al óleo es que se seca mucho más rápido, por lo que los artistas no tienen que esperar años para que se sequen las secciones de pintura antes de volver a trabajar en ellas.
Hockney fue uno de los primeros artistas en hacer un uso extensivo del acrílico. Al ser de secado rápido, se adapta a su técnica de pintar grandes áreas de color plano y luego agregar detalles. También sintió que la pintura acrílica de secado rápido era más adecuada para retratar los paisajes suburbanos de California, de contorno limpio y con luz solar que la pintura al óleo de secado lento.
No dibujó la imagen en el lienzo primero, sino que pintó los bloques de color directamente sobre ella. Para lograr la superficie plana y uniforme del cielo, el edificio y la piscina Hockney utilizaron un rodillo de pintura, aplicando dos o tres capas de pintura para que quedara opaco. Luego pintó los pocos detalles, los árboles, la hierba, la silla, los reflejos en la ventana, y la salpicadura más importante, en la parte superior de los bloques de color con un pincel pequeño.
Hockney dejó un borde ancho alrededor de la imagen sin pintar. (El color amarillo que se ve alrededor del borde de A Bigger Splash es el lienzo en bruto). Este borde de lienzo en bruto se desarrolló a partir de su estilo anterior de mantener en bruto grandes áreas del lienzo. También sugiere el borde de una fotografía polaroid, quizás insinuando su uso como fotografías como fuente para la pintura. También dejó una línea estrecha de lienzo en bruto en el borde superior de la piscina que podemos ver en los detalles.
--Sin ir más lejos, la forma personalísima empleada por Hockney para reflejar la incidencia de la luz sobre el agua ondulante mediante sinuosas líneas blancas entrecruzadas, que queda perfectamente plasmada en estas otras de sus obras, como en : * " Sunbather "de 1966 ▼.
Sunbather "de 1966
"Retrato de un artista" .1972.
En 1972, David Hockney trabajó 18 horas al día durante dos semanas para crear esta obra en acrílico, que gira alrededor de dos temas recurrentes en su trabajo artístico: Las piscinas de Los Ángeles y las composiciones con dos personajes.
En Retrato de un Artista podemos observar a dos figuras: un hombre vestido de forma elegante está de pie al lado de una piscina, observando a otro que nada sumergido en ella, cuyo rostro no podemos percibir.
David Hockney creó esta composición partiendo de distintas fotografías: El hombre de pie era su expareja Peter Schlesinger, un estudiante de arte diez años menor que él. La piscina y el paisaje de fondo corresponden a una de las fotografías que tomó durante su estancia en Saint-Tropez durante vacaciones. Uniendo estas dos fotos Hockney prefiguró la idea de la que sería una de sus obras más importantes.
Dice Hockney (de la misma edad que el propietario de la obra) que la idea del lienzo le surgió cuando se yuxtapusieron dos fotografías, una de un joven nadando y otra de un niño que miraba fijamente desde arriba el interior de una piscina. Se obsesionó con ello, mezcló ambas visiones y pintó la obra. Lo que suceda a partir de noviembre puede hacer historia.
El cuadro es impactante, la combinación de los paisajes, el extrañamiento que provocan, un toque un tanto surrealista cercano a algunas obras de Magritte, las dos figuras de tamaño casi real, trasmiten la fuerte tensión latente y palpable que hay entre los personajes. Sin quitar la atención del espléndido paisaje de fondo, la obra nos cuenta una historia, contiene una fascinante narración de esa relación entre las dos figuras, una estática, vestida y más ajena al ambiente que la circunda y la otra, más difusa y lejana al espectador, en un perfectamente insinuado movimiento bajo el agua cristalina.
Hockney nos habla de la distancia que imponen las rupturas, donde al final el sujeto termina convirtiéndose en un espectador de la llegada de nuevas personas a la vida del otro.
3).- en los 80 , Hockney comenzó a producir "Joiners", son collages hechos de fotografías:
Entre los trabajos de David Hockney, su producción de fotocollages destaca por su potencia innovadora. Bautizadas por su creador como joiners (ensambladores), son obras creadas a principios de los años 80 con una cámara Polaroid al principio, y con impresiones comerciales de 35 mm posteriormente.
Los trabajos muestran imágenes de un mismo sujeto, reunidas y colocadas ordenadamente en grandes superficies para crear un efecto similar al de un pixelado digital, lo que de nuevo convierte a Hockney en un precursor. Los joiners muestran dos de los temas más queridos al artista: paisajes naturales y retratos. Durante esta época la fotografía tuvo para Hockney una relevancia importante (hasta el punto de abandonar la pintura), pero al final abandonó la disciplina por las limitaciones creativas que terminó por encontrar en ella.
El trabajo fotográfico que David Hockney realiza durante los finales de los años 70 y 80 es, sin lugar a dudas, el más importante a lo largo de su obra. Sus investigaciones con la fotografía múltiple.
Estos collages fotográficos, que recuerdan a la fragmentación cubista, están influidos por la obra de Pablo Picasso, a quien Hockney admira enormemente. Durante el período de creación de estas obras, trabajó de manera incansable imágenes compuestas, utilizando estas fotografías ordenadas de manera irregular.
hizo más de 100 fotografías Polaroid y más de 200 collages fotográficos elaborados con imágenes tomadas con una Pentax 110 y una Nikon de 35 mm.
Las obras "joiners" ( son collages hechos de fotografías):
Still Life with Blue Guitar (Joiner de 1982) (Naturaleza muerta, con guitarra azul).
David Hockney.*" Henry Moore" 1982.
* “Pearblossom Highway, 11–18th April 1986 #2”, de David Hockney ▼
La mayoría de los fotógrafos piensan que las reglas de la perspectiva están integradas en la naturaleza misma de la fotografía, que no es posible cambiarlas en absoluto. Para mí, fue un proceso largo darme cuenta de que esto no tiene por qué ser así:
Al hacer sus dos fotocollages de Pearblossom Highway, David Hockney se colocó más cerca o más lejos de sus sujetos, eligiendo qué elementos de la escena deberían ser grandes y cuáles pequeños. Al volver a ensamblar vistas desde múltiples perspectivas, aplicó ideas prestadas de la pintura cubista para producir una imagen rica y compuesta que considera "un asalto panorámico a la perspectiva de un punto del Renacimiento".
Hockney hizo este trabajo como estudio preparatorio para la versión final, Pearblossom Hwy., 11 - 18 de abril de 1986, #2, que mide aproximadamente seis y medio por nueve pies (1.98 m x 2,7 m)
.▲ Tecnicamente su dificultad bastante elevada reside en la planificación de las tomas y en su posterior selección y composición, ya que las imágenes individuales no albergan una gran complicación técnica, e incluso el procesado de las fotografías no siguió un revelado profesional con lo que esto puede implicar a nivel de calidad de imagen y color.
Desde un punto de vista morfológico, esta composición representa un paisaje desértico al sur de California. Concretamente, muestra la representación de un tramo de carretera justo en el momento de su encuentro con la carretera estatal “Route 138”, la cual recibe el nombre de “Pearblossom Highway” a su paso por la ciudad de “Pearblossom”.
*"“ Pearblossom Highway, 11–18th April 1986 ”. David Hockney ▲
Autor: David Hockney
Fecha de realización: 1986.
Es un fotomontaje de aproximadamente 750 fotografías, La fotocomposición está construida a partir de fotografías realizadas a distintas horas del día y en distintos días. La obra muestra una un tramo de carretera justo en el momento de su encuentro con la carretera estatal “Route 138”, la cual recibe el nombre de “Pearblossom Highway” a su paso por la ciudad de “Pearblossom”.
Se puede observar en su composición la vegetación de la zona por los árboles típicos del lugar. Alrededor de la ruta se encuentran residuos de distinta índole.
Además en la fotografía podemos ver carteles típicos de una ruta. El cruce es el que domina la estructura interna de funcionamiento de la imagen. El cruce funciona como punto de fuga de la imagen construida. Y dota de importancia por su proximidad en el plano imagen al otro de los puntos principalmente significativos de la composición: la señal de STOP. Cuya figura reconocible y situación la presentan prácticamente como piedra angular de la estructura tanto compositiva, como semánticamente. Este punto de fuga se ve reforzado por el otro de los elementos: la línea, plasmada en este caso en la línea de separación de los carriles en el asfalto.
El lugar donde se encuentra la señal de STOP, presenta una ligera curvatura hacia la derecha. Los márgenes de la carretera a su vez, funcionan también como líneas auxiliares que refuerzan este mecanismo.
Este fotomontaje posee características cubistas. Se puede distinguir un primer plano en el que estarían representados distintos desperdicios cercanos a la carretera y dos señales de “STOP AHEAD y un plano a una distancia media que contendría el resto de señales carreteras; por último un plano lejano formado por la línea del horizonte perfilada con unas montañas y una carretera que se aleja en la distancia.
Textura: en elementos como el asfalto y la arena, las grietas de la madera y de algunas señales, o en otros elementos del entorno.
Nitidez: gran profundidad de campo.
Uso del color y del movimiento artístico Pop
*" Still Life with Blue Guitar (Joiner de 1982) (Naturaleza muerta, con guitarra azul) ▲ es una Polaroid compuesta de David Hockney. - Composite Polaroids- es la creación de un mosaico para hacer una imagen compuesta utilizando un número variable de instantáneas Polaroids de un solo objeto.
Hockney ha fotografiado alrededor de la propia guitarra, y este sujeto ha sido tomado a diferentes distancias y desde diferentes ángulos. Esta imagen simboliza claramente la visión de Hockney de fotografiar la escena completa, desde diferentes perspectivas.
David Hockney se ha inspirado en Picasso a lo largo de su carrera. Desde alrededor de 1980, ha asumido la teoría del cubismo como una base importante tanto para su pintura como para su fotografía. La influencia de Picasso emerge en el desarrollo artístico de Hockney de manera tan repetida y consistente que casi brinda una narrativa a la carrera del joven artista.
Utilizó copias regulares de 35 mm para crear collages de fotografías, compilando una imagen 'completa' a partir de una serie de detalles fotografiados individualmente. La idea detrás de las cuadrículas de Hockney era inyectar múltiples puntos de referencia en la fotografía, en definitiva, hacerla cubista.
-Las Fotocopiadoras
Las fotocopiadoras, fueron otra herramienta que le permitió crear numerosas impresiones que enviaba por fax, con esta técnica, podía trabajar aislado del resto del mundo y a gran velocidad. El uso de estos aparatos abrió nuevos horizontes a su proceso artístico.
David Hockney Entre 1999 y 2000. investiga la técnica de autores como Caravaggio o Vermeer, y sus investigaciones le llevan a descubrir, las tecnicas secretas, investigación de los artefactos que utilizaban los antiguos maestros
Investiga el modo en que los antiguos maestros utilizaron lentes, espejos y otros artefactos ópticos, como la cámara lúcida, patentada en 1807. Quería experimentar por sí mismo cómo la cámara lúcida habría ayudado a los artistas del pasado; así pues, usó esta herramienta para concebir más de 280 retratos entre 1999 y 2000.
Ejemplo de esto, en estos estudios recientes que hace David Hockney nos dicen , que los autores como Caravaggio o Vermeer, utilizaban medios mecánicos para realizar sus pinturas ( en concreto : la cámara oscura , ayudado por un intrincado sistema de espejos). Mira el video: El conocimiento secreto
4)- iPhone en 2009, el iPad en 2010. Recuerda a la técnica pictórica de los impresionistas.
Desde el 2009, Hockney ha pintado cientos de retratos, bodegones y paisajes utilizando la brushes app para IPhone y IPad , las dibuja y envía a sus amigos.
Hockney se ha mostrado siempre radical en su empleo de tecnologías poco frecuentes en la creación de arte, desde la cámara Polaroid, pasando por el fax, hasta llegar al iPhone en 2009, el iPad en 2010 y la tecnología DVR de alta definición más recientemente. En cierto modo, con el iPad se suple la necesidad de un cuaderno de apuntes. El pintor ha afirmado que le maravilla la inmediatez que permite esta herramienta, con la que puede registrar rápidamente los cambios de luz y de las condiciones atmosféricas de una escena. El artista emplea la aplicación del iPad denominada Brushes para trabajar del natural. En cierta manera, este modo de crear recuerda a la técnica pictórica de los impresionistas, que pintaban a “plein air” el mismo motivo, en un emplazamiento concreto, en distintos momentos del día y del año. Hockney pasa largas horas pintando al aire libre, con diferentes técnicas, en cualquier época del año. El uso del iPad permite a Hockney producir dibujos de muy diferentes tamaños y abre un mundo lleno de nuevas posibilidades para el arte.
*" Bigger Trees Near Warter ", de 15x40 pies, fue colgada en la galería más grande de la Royal Academy en su exhibición anual de verano. Este trabajo es de una escala monumental. D.Hockney nativo de Yorkshire. Está pintado sobre 50 lienzos individuales y la mayor parte había sido pintado in situ a lo largo de cinco semanas el invierno anterior.". En el 2008, él donó esta pintura a la Tate Gallery en Londres -En junio de 2007, la pintura más grande de Hockney:
Bigger Trees Near Warter Or/Ou Peinture Sur Le Motif Pour Le Nouvel Age Post-Photographique (2007).
2011 - La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire, en 2011 (dos mil once) [The Arrival of the Spring in Woldgate, East Yorkshire, in 2011 (twenty-eleven), una obra formada por 52 partes, 51 dibujos realizados con iPad y un óleo, sobre 32 lienzos, puede considerarse como un desarrollo de esa visión escénica, ya que esta inmensa obra también presenta cierta cualidad cinematográfica.▼
La Llegada de la Primavera en Woldgate Yorkshire del Este en 2011 es una obra compuesta por un monumental óleo sobre 32 lienzos (cada uno de 91.4 x 121.9 cm) y 51 dibujos de iPad impresos en papel. Fue mostrada al público por primera vez en 2013 como parte de la exhibición ‘David Hockney: A Bigger Picture’ en la Real Academia de las Artes (Royal Academy) en Londres.
Hockney empezó a usar su iPhone para hacer bosquejos que enviaba a sus amigos; así descubrió la versatilidad de los dispositivos iOS e integró el iPad como medio para trabajos como Llegada de la Primavera.
Por un lado el majestuoso óleo de 365.8 x 975.4cm, donde Hockney plasma su estilo pop con formas bien definidas y un aire a cómic. También se pueden identificar aspectos modernistas que evocan los paisajes de Cézanne y la gama de colores de Gauguin.- y los paisajes y pinceladas de Vincent Van Gogh
Por otro lado, en los 51 dibujos hechos en iPad, Hockney echa mano de tecnología del siglo XXI y la lleva al terreno de las bellas artes. El iPad da un sello distintivo, las ‘pinceladas’ tienen una definición digital y los colores adquieren tonos sorprendentemente brillantes.
2011 - La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire, en 2011 (dos mil once) . Óleo sobre 32 telas de lienzos. 365,6x 975,2 cm.
East Yorkshire in 2011 (twentyeleven)] – (FRAGMENTO)
Influencias y características
Su obra se inspiró en Dubuffet y Picasso, y por supuesto conoció a Andy Warhol en los 60, a diferencia de este que siempre se escondió en su armario, Hockney fue uno de los primeros artistas abiertamente homosexuales, y decidió trasladarse a una sociedad más desinhibida que la inglesa, encontrándose en California, una tierra prometida de la que había leído en revistas y anuncios (de nuevo, ahí está la influencia pop).
Picasso está presente en toda su trayectoria, pero sobre todo su influencia se refleja en las obras de Hockney hechas con Polaroids a partir de un mismo modelo al que fotografía desde múltiples ángulos hasta que sintetiza todas esas visiones en una sola imagen. Es el cubismo de Picasso lo que le interesa.
Su segundo gran maestro del siglo XX es Henri Matisse, una referencia fundamental para él por el color y la expresión de esa alegría visual que también traslada a sus paisajes. El paralelismo de Hockney y Picasso es constante: pero el color y la alegría visual son herencia de Matisse.
T. Van Gogh, le interesan las pinceladas de T. Van Gogh y sus encuadres al aire libre ( a plein air).
Fascinado también por la pintura china, Hockney retrata el paisaje que ve en el camino en coche que hace a diario a su casa de Los Ángeles como lo hacían los grandes paisajistas chinos, que pintaban en movimiento.
Son características sus superficies planas, anónimas, brillantes, pintadas con el acrílico (otra vez, un cliché pop) y la influencia de la fotografía que también utilizará, no sólo como para su proceso pictórico sino también en collages.
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2) EN NORTEAMÉRICA (1960).
a) PRECURSORES : NEO- DADA AMERICANO:
JASPER JOHNS Y ROBERT RAUSCHENBERG: sirvieron de enlace entre los expresionistas abstractos americanos (más veteranos) y los jóvenes artistas POP norteamericanos.
b) artistas POP Norteamericanos
el arte pop comenzaría su andadura en Estados Unidos los primeros años de la década del 60-
ROY LICHTENSTEIN.
Tom Wesselmann
EN NORTEAMÉRICA (1960).
a) PRECURSORES : El NEO- DADA AMERICANO:
JASPER JOHNS Y ROBERT RAUSCHENBERG
- Los Neo -dadaístas americanos :
JASPER JOHNS Y ROBERT RAUSCHENBERG: sirvieron de enlace entre los expresionistas abstractos americanos (más veteranos) y los jóvenes artistas POP norteamericanos.
Inició su carrera de pintor bajo la égida del expresionismo abstracto, pero a mitad de su vida comenzó a explorar el lenguaje y las posibilidades del arte pop, hasta convertirse en uno de sus más importantes representantes. Se destacó con la combinación de materiales inusuales en las artes plásticas, que podían implicar, incluso, combinar pintura con escultura, fotografía grabado y performance. Esta técnica se conoció como combines. Entre sus obras más famosas, se encuentran: la serie Factum y la serie Retroactive.
Monograma : Tendía a trabajar con lo que sobraba, como los surrealistas, pero el iba a la basura a recoger los materiales tirados de objetos cotidianos de su barrio que los trataba en la tela con chorretones de pintura. " Monograma" es el más celebre de todos sus combinados con un macho cabrío entrelazado con un neumático (los animales son testigos inocentes supervivientes en la cultura).
Las pinturas de Rauschenberg tienen relación con los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, y demuestran una preocupación por las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en crear arte con materiales efímeros, con los que representaba acontecimientos de actualidad con los que los estadounidenses convivían día a día, lo que dotó a sus obras de una calidad única.
Jasper Johns (1930) (minuto 12:34'')..
video. 2 minutos de arte
JASPER JOHNS pinta banderas de los Estados Unidos a la encáustica en la década de 1950. Otros símbolos, como letras, números y dianas, aparecen recurrentemente en sus pinturas y grabados
Dice" no quiero que mi obra sea una exposición de mis sentimientos" puede o no haber una idea y el significado seria que la pintura existe como cualquier cosa. Le dieron la oportunidad de alejarse de la obra, de sentirse neutral ante ella, se involucra en el hacer pero no en juzgar la obra. La actividad de hacer, el proceso, era lo primordial en JASPER JOHNS.
Describió sus banderas y objetos como cosas que ya la mente conoce. Mucho contraste con el expresionismo abstracto ( expresión emocional) y J.Johns propuso una alternativa interesante. Usando cosas reales como punto de partida pero solo como una herramienta formal. Luego vinieron las letras y los números que le dieron la misma oportunidad de alejarme de la obra , de sentirse neutral (dice el ) ante ella. El usa objetos de dos dimensiones , aplastándolos, eran tan pregnantes y tan hermosas sus obras , a él le funcionaban.
JASPER JOHNS Y ROBERT RAUSCHENBERG rechazaron la abstracción en favor de las imágenes reales.
ROBERT RAUSCHENBERG combinaba imágenes altamente cargadas por sus significados.
Sus obras marcaron el fin de la dominación del arte abstracto en America y prepararon el suelo para el Pop Art y el Minimalismo.
La introducción de la bandera americana , fue un elemento de lo absurdo del Dada, Duchamp claramente llamó la atención de JASPER JOHNS, así como el filósofo Wittgenstein que hablaba de las imágenes como modelos de la realidad, donde las cosas parecen reales pero no lo son.
b) artistas POP Norteamericanos
el arte pop comenzaría su andadura en Estados Unidos los primeros años de la década de los 60.
ROY LICHTENSTEIN.
ANDY WARHOL
Tom Wesselmann.
( 1970) BASQUIAT.
obras. 3´de biografía👈🏿
Fue un importante artista plástico, ilustrador y cineasta norteamericano. Fue responsable de aplicar principios del marketing y la publicidad a la esfera del arte. Con ello, abrió los caminos para el desarrollo del arte pop.
Acuñó una de las frases más famosas de la historia del arte, que hoy se cumplen gracias a las nuevas tecnologías de la información: “En el futuro, todo el mundo será famoso por 15 minutos”. Entre sus obras más destacadas podemos mencionar la serie Latas de sopa Campbel y los retratos en serigrafía de figuras públicas como Marylin Monroe, Mao Tse Tung y él mismo
Andy Warhol se convirtió en artista a través de la publicidad y del cómic. Después de trabajar como ilustrador y publicista para revistas como Glamour o Harper's Bazaar, o para la firma de zapatos Miller Shoes, en torno a 1960 y por caminos paralelos, tanto él como Roy Lichtenstein comienzan a representar personajes de cómics en sus pinturas, agrandando los dibujos de las viñetas y convirtiéndolos en obras de gran formato. Utilizando las imágenes y técnicas de las comic strips (la característica trama de puntos estarcidos o técnica Benday pero aplicada manualmente) Lichtenstein anulaba la textura y el gesto pictórico de sus predecesores abstractos y exploraba a la vez las complejas conexiones entre el arte y la cultura popular. Aunque a simple vista sus obras parecen simples viñetas agrandadas, al ser analizadas detenidamente, observamos un personalísimo retrato de la nueva América. logra transformar imágenes banales en auténticas obras de arte.
Andy Warhol fue un verdadero cronista de su tiempo: la llegada del hombre a la Luna, o el asesinato de Kennedy a través de la imagen de su viuda, Jackie, son algunos de los ejemplos reunidos en la sala. El patriotismo que desencadenó la voluntad de reforzar la identidad americana durante la posguerra o el precario equilibrio del mundo.
Nadie estudió tanto el concepto de fama como él. Creador, consumidor, crítico de la fama, este artista empaquetó y vendió la marca Andy Warhol como un producto más de la sociedad de consumo. Y lo hizo tan bien, que los quince minutos de fama a los que tiene derecho todo el mundo, le duraron décadas.
Warhol fabricó iconos transformando la identidad de sus personajes en una imagen congelada y despersonalizada a través de la manipulación de la fotografía. En sus retratos de Marilyn Monroe y otras celebrities, convertidas en mitos por el gran público, realizó una novedosa propuesta sobre la relación entre imagen y prototipo a través del nuevo procedimiento de la serigrafía fotomecánica. Además, como vemos en Marilyn Monroe en blanco y negro (Veinticinco Marilyns), la permanente repetición de la imagen potencia aún más la figura del mito, convirtiéndolo en motivo de veneración.
WARHOL niega cínicamente toda carga espiritual intencionada en su obra, que es frívola y a la vez poética. Busca imágenes populares y resalta su aspecto banal o Kitsch de algún elemento cultural, a menuso a través del uso de la cultura.
Con la irrupción del pop asistimos a una nueva reinterpretación del retrato. Los media y los procedimientos mecánicos cambiaron las relaciones entre la subjetividad individual y la conciencia de masa, y los artistas rebasaron los límites del original al reinterpretar imágenes preexistentes; un nuevo y deliberado compromiso con la propia idea de imagen que podría interpretarse como el cuestionamiento de la individualidad a favor del estereotipo o del anonimato.
La profunda transformación de actitudes y normas sociales que trajo consigo la revolución sexual contagió todas las esferas del mundo occidental. Como consecuencia de ello, los medios de comunicación se inundaron de metáforas eróticas protagonizadas por mujeres seductoras y hombres atractivos que, inmediatamente, se incorporaron al repertorio plástico del pop.
Warhol fue pues, un hombre del renacimiento en una época culturalmente saturada de elementos. Un visionario sobre que se olió en qué se convertiría el mundo a la larga: en una serie de modas de usar y tirar, subculturas que se vuelven culturas, prensa amarilla sustituyendo a la información y reallity shows sustituyendo a la vida misma.
2´de biografía. 👈🏿
Pintor, artista gráfico y escultor. Aplicó la técnica del cómic a las artes plásticas convencionales, logrando con ello el reconocimiento de la nueva cultura visual en el mundo artístico. También utilizó otras técnicas como la serigrafía y el collage.
Son particularmente famosas sus obras
y Wham!.
Características : Roy Lichtenstein (1923-1997).
Uno de los temas más recurrentes será el de la imagen de la mujer como reclamo publicitario y objeto de consumo.
Lichtenstein se inició en el expresionismo abstracto de moda, pero pronto se unió al resto de la guerrilla pop para rebelarse contra lo abstracto y utilizar la figuración. Además, una figuración cuanto más popular y mecánica, mejor.
Desde luego no existía en 1958 nada más popular y mecánico que un cómic, así que Lichtenstein decidió que iba a crear imágenes comerciales de producción masiva.
Lichtenstein fue un artista de todo menos gestual: no utilizaba sombreados ni contrastes expresivos, sus obras tienen siempre gruesas y sólidas líneas negras para delimitar los objetos al estilo de un cómic.
Su obra la convierte en algo plano, sin ningún rastro de la pincelada o la mano del artista. Hasta hace su típica referencia a la impresión mecánica de puntos Ben-Day, Eso sí… se reproduce a mano lo que parece que hizo una máquina.
Esas imágenes eran fieles retratos de la sociedad de consumo y de la cultura de masas, que pueden ser o no una crítica del mundo contemporáneo, una idealización o una sátira de la sociedad capitalista occidental.
Esa ambigüedad entre la crítica y la admiración, entre la burla y el respeto es típica del arte pop, que juega cínicamente a una mascarada.
-- EN ESPAÑA: El Equipo Crónica. Equipo Realidad. Juan Genovés
En España, la falta de legitimidad democrática del régimen franquista desencadenó una progresiva conflictividad política y un descontento social que tuvo también su reflejo en el arte.
Equipo Crónica se apartó del arte informal para cultivar una pintura figurativa dentro de la tendencia Pop art.
Sus obras son auténticos reportajes o crónicas de denuncia sobre la situación política de España y la historia del arte del momento. Se inspiró en obras clásicas como el Guernica de Picasso o Las Meninas de Velazquez
Fue una respuesta al Ministerio de Información y Turismo de Manuel Fraga, para mostrar la España real, mas sobria y siempre ulilizando el recurso de la ironìa.
El objetivo de Equipo Crónica fue el de transmitir un mensaje crítico y social de carácter antifranquista y contra el individualismo imperante. Para ello, con la intención de facilitar la lectura, utilizaron un estilo figurativo directo y claro.
Técnicas:
Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas como Andy Warhol (que hizo famosas en todo el mundo las latas de sopas Campbell). Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein mezclaron diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.
Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más industrializada.
Incluyeron además esculturas, así como tiras de cómic, latas de sopa, cerveza o señales de tráfico. Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.
caracteristicas
Evocan la atmósfera visual de una época. El grupo surge como una de las propuestas más coherentes del movimiento figurativo que, a principios de los sesenta, intenta dejar atrás la pintura informalista española.
Equipo Crónica lo forman en los inicios Rafael Solbes (Valencia, 1940-1981), Manuel Valdés (Valencia, 1942) .
Artistas:
Equipo Crónica (Manuel Valdés [Valencia, 1942]; Rafael Solbes [Valencia, 1940-1981])
El trabajo de Solbes y Valdés se inscribe en el debate global sobre la figuración que se produce a finales de los años cincuenta, desde el Arte Pop hasta el Realismo crítico.
“la afirmación de una vía objetivadora, e incluso satírica, para proponer contenidos éticos”. Para ello, utilizan imágenes de los medios de comunicación y un lenguaje plástico radicalmente renovado. La serie es el recurso fundamental, el punto de vista del artista pasa a un segundo plano y surge la ironía ante las imágenes.
1) La primera serie corresponde al Periodo Inicial (1964-1966), destacan las tintas planas y las tonalidades reducidas sobre la madera como soporte y supone el comienzo del uso de la iconografía de los medios de comunicación.
2) A continuación, La recuperación (1967-1969), se centra en imágenes de la alta cultura de la pintura española del Siglo de Oro
3) En la serie Guernica 69 (1969) la referencia es la emblemática obra de Pablo Picasso.
Al igual que en Autopsia de un oficio (1969-1970) donde se toman prestadas imágenes del Surrealismo. El oficio de pintor es la temática, con tintas planas y la pintura clásica como telón de fondo .
Los grandes formatos aparecen en Policía y cultura (1971), con escenas donde es constante la presencia de la policía junto a imágenes emblemáticas del arte contemporáneo
La Serie Negra (1972) se expone a continuación, cargada de violencia y acción y repleta de objetos cotidianos típicos de la posguerra. En esta serie predominan el negro y el gris, igual que en Retratos, bodegones y paisajes (1973), que recupera el tema del Siglo de Oro y las vanguardias históricas.
El cartel (1973) utiliza los grandes formatos y señala la crisis de la separación entre cartel y pintura, entre panfleto y arte.
En Oficios y oficiantes (1973-1974) se continúa la reflexión sobre la actividad artística mediante la repetición de imágenes y composiciones de apariencia “no realista”. El realismo crítico llega con La subversión de los signos (1974), donde aparecen pintores históricos en cada uno de los cuadros. El paredón (1975-1976) es una serie provocada por los fusilamientos del 27 de septiembre de 1975. A ella le sigue La trama (1976-1977) para la que se utilizan signos de una obra conocida, pero pintados con el método de otro pintor célebre.
El billar se plantea como metáfora para cuestionar los límites de la pintura en La partida de billar (1976-1977), donde la pintura acrílica, las tintas planas, las sombras y los colores brillantes determinan el estilo. La vuelta al óleo se produce en Paisajes Urbanos (1978-1979), una serie con enfoque sociológico, vinculada a la ciudad y sus habitantes. Grandes formatos en óleo y signos y referencias a las vanguardias históricas forman la serie Los viajes (1980).
Para cerrar la exposición, destaca la serie Lo público y privado (1981) donde el autorretrato del artista Rembrandt van Rijn y la interpretación de la obra La balsa de la medusa (1818) de Théodore Géricault adquieren connotaciones de reivindicación política.
EL ALMA POP DE VILLALBA:
Premio en la Bienal de Sao Paulo creados entre 1973 y 1974 .
EL ALMA POP DE VILLALBA: ENCAPSULADOS Y OTROS
Los encapsulados de Darío Villalba se reúnen por primera vez en la Sala Alcalá 31, un año después del fallecimiento del artista. Este 23 de mayo se inaugura la exposición Pop Soul. Encapsulados & otros, que podrá verse hasta el 28 de julio, comisariada por María Luisa Martín de Argila y cuya preparación comenzó en vida del propio Villalba. En esta muestra se pueden ver por primera vez juntos nueve de sus encapsulados rosas y doce de sus encapsulados negros y blancos. Los primeros, realizados a finales de los 60 y que estuvieron en la XXXV Bienal de Venecia; los segundos, creados entre 1973 y 1974 y con los que obtuvo el Gran Premio en la Bienal de Sao Paulo. Además, la selección de obras se completa con varias piezas en referencia a la piel, un tema recurrente en la trayectoria del artista que siempre sostuvo: «el ser humano tiene dos pieles: una la de siempre; otra su invento, su industria, su propio tejer». Por otro lado, también se incluyen algunos de sus emblemas, piezas consideras como su firma, sus señas de identidad.
Villalba se sintió pronto atraído por el arte conceptual y pop, del que se apropió para construir su propio lenguaje y aplicarlo a la fotografía reinventada en pintura. Warhol llegó a decir de él que era «el artista pop del alma» por ser capaz de encapsular los sentimientos y la profundidad del ser humano. Sus encapsulados se convirtieron pronto en el eje central de su obra a partir de su exposición en la Bienal de Venecia de 1970. En estas cápsulas intenta reflejar y nombrar lo innombrable: la condición humana, el alma, la redención. Tras las primeras obras realiza una segunda serie de encapsulados en los que evita el color rosa e introduce el negro insertando imágenes cargadas de emocionalidad. Ahora se pueden ver en Madrid en homenaje a lo que él siempre quiso: ver todas estas obras reunidas.
Darío Villalba, La espera blanca, 1973
Darío Villalba, Hombre, 1965
Documentales para saber más ......
La historia de Edward Bernays, sobrino de Sigmund Freud, que apoyándose en las ideas de su tío creo la sociedad de consumo tal y como la conocemos. Forjó el entramado mental a partir del cual la felicidad se consigue consumiendo. Fue el inventor de la teoría de la propaganda y las relaciones públicas.
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ACTUALIDAD.
Nunca dejaría la artista de trabajar en torno al infinito y la nada, con lunares que son espacios negativos dentro de una red y viceversa, y sus últimas Redes del infinito las ha vinculado a las fuerzas naturales, como si fueran nubes ondulantes o campos de estrellas jamás finitos. Al Guggenheim ha llegado también Transmigración (2011), cuatro paneles de colores vivos que remiten a los ciclos eternos de vida de la naturaleza, en tierra y en los océanos.
Otro año clave en la andadura de esta autora fue 1988, el de su despegue: continuaba trabajando en su estudio de Tokio con la misma dedicación que siempre, pero sus exposiciones crecían y también se amplificaba la recepción de sus novelas. Desde entonces, y hasta ahora, el eje temático de su obra ha sido la fuerza de la vida y la citada virtud sanadora del arte sobre toda la humanidad (ella misma incluida).
Pauline Boty fue maestra del pop art británico y una de las artistas más activas en el feminismo de los años 60. Fue injustamente olvidada debido al machismo de la época y a una trágica vida que acabó con sus cuadros olvidados en un granero durante casi 40 años.
Maurizio Cattelan. Vídeo Un artista provocador coloca en el antiguo gueto de Varsovia una escultura de Hitler rezando