51_INFINITO

a cura di Valerio Michiorri

infinito (dal latino infinitus), ciò che non ha principio né fine e si protrae senza limiti. L‘infinito non è paragonabile a nessuna realtà presente nel mondo reale, è infatti concepibile solo attraverso la matematica, quindi l’uomo può raggiungerlo solo tramite il pensiero e il ragionamento, ci basti pensare a come L’infinito di Leopardi non sia un paesaggio sterminato, dato che la sua vista è bloccata dalla siepe, ma un infinito frutto dell’immaginazione, o a come Friedrich dipingeva i suoi sconfinati paesaggi, chiuso all’interno del suo studio, avvalendosi solo della mente. Possiamo però riferirlo non solo a un grandezza illimitata ma anche a un ciclo senza fine (infinito temporale), come nel caso del simbolo dell’infinito che può essere percorso senza soluzione di continuità.

Chi cerca l’infinito non ha che da chiudere gli occhi. Milan Kundera

CONNESSIONI TRASVERSALI

51.01

51.01_FRIEDRICHMonaco in riva al mare1810

L’opera, iniziata da Friedrich nel 1808 a Dresda, riprende il tema del paesaggio alla base di tutte le sue opere, ed è diventato, nel tempo, una delle immagini iconiche del periodo romantico. Ci accorgiamo appena della presenza del monaco, nonostante sia presente nel titolo; questo perché Friedrich voleva sottolineare la potenza della natura e quanto essa sia superiore all’uomo solo ed impotente. Per rendere questo concetto Friedrich riduce il dipinto a pochissimi elementi essenziali, lasciando gran parte del quadro alla natura, per lo più al cielo che rappresenta l’infinito naturale per eccellenza. Il senso dell’infinito è suggerito dall’evanescenza della linea dell’orizzonte, che va a sfumarsi per unire cielo e mare in un unico assoluto infinitamente grande e del tutto incommensurabile (sublime matematico). Friedrich dirà: «Può essere artista solo colui che ha una intuizione dell’infinito».

SOLITUDINE(TEMA PRECEDENTE)

NATURA

MARE

ORIZZONTE

SUBLIME

51.02

51.02_KAPOORDescensionBrooklyn Bridge Park, 2017

Descension è un installazione dell’artista indiano Anish Kapoor, che dal 2017 è collocata al molo 1 del Brooklyn Bridge Park. Quest’opera è costituita da uno specchio nero che modifica tutto ciò che lo circonda, coinvolgendo l’osservatore stesso, destabilizzandolo e inquietandolo con l’idea di vuoto che porta con se. La forma vorticosa e il colore scuro rimandano a un buco nero che ingoia tutto ciò che ha intorno, ma rappresenta anche l’immensità dell’universo che nel suo insieme appare all’uomo come un infinito vuoto in continua espansione e quindi senza limiti. Kapoor realizzando un foro virtuale, una sorta di portale spaziotemporale, inganna l’osservatore attraverso i suoi stessi sensi e le sue emozioni, facendogli cambiare non solo il modo di vedere ciò che lo circonda, ma anche il modo in cui vede se stesso. Baume lo definisce un oggetto attivo che risuona con i cambiamenti nella nostra comprensione ed esperienza del mondo.

OSCURITÀ

INQUIETUDINE

ACQUA

VUOTO

VORTICE

INGANNO

FORO

51.03

51.03_WRIGHTGuggenheim MuseumNew York, 1943-59

Il Guggenheim è uno dei simboli di New York grazie alle su forme, così diverse da quelle dai grattacieli circostanti, e che celano, al suo interno, alcune tra le più importanti opere prodotte dalle avanguardie, da Kandiskij a Mondrian. Il progetto del piccolo edificio di fronte a Central Park fu l’ultima sfida per Wright, quella di portare la sua architettura organica in città, sfruttando quindi la linea curva sia per riprendere la sua idea naturalistica sia per definire la funzione del museo attraverso la sua struttura: il corpo centrale è infatti costituito da una spirale e le opere sono esposte sia sui suoi muri che in delle piccole cavità adiacenti. La spirale, ripresa dall’arte barocca, essendo un elemento ciclico, richiama l’idea di infinito che per definizione è un plurale posto in un nome singolare e allo stesso modo le opere esposte all’interno essendo «non-oggettive» ci portano a infinite interpretazioni e altrettanti significati per un ogni singolo dipinto.

CONTRASTO

SPIRALE

MUSEO

CONTINUUM

CENTRO

NEW YORK

CENTRAL PARK

51.04

51.04_POZZOGloria di Sant'IgnazioRoma,1694

Questo enorme affresco barocco fu realizzato da Andrea Pozzo nel 1694 all’interno della chiesa di Sant’Ignazio di Loyola a Roma. L’opera è sicuramente uno dei più grandi capolavori prospettici mai realizzati, infatti grazie a un illusione ottica, Pozzo rompe il soffitto della chiesa e libera uno spazio infinito e divino, e l’osservatore ha la sensazione di far parte di questa grandezza, anche se si tratta solo di un illusione. Tutto punta verso l’alto, e questa prospettiva ascendente è rafforzata dalle raffigurazioni di archi, colonne e trabeazioni; gli innumerevoli personaggi presenti nell’opera sono anch’essi rivolti verso l’alto da dove proviene una luce divina, ma il punto da cui arriva la luce sembra posto all’infinito, come una meta irraggiungibile. Tutto questo infinito è immaginario, infatti la mente vede uno spazio enorme dove si trova invece un ostacolo.

ILLUSIONE

TROMPE-L'ŒIL

ASCESA

51.05

51.05_PISTOLETTOTerzo Paradiso2003

Nel 2003 Michelangelo Pistoletto disegnò per la prima volta il simbolo del terzo Paradiso e ne scrisse il manifesto. Il simbolo del Terzo Paradiso è un elaborazione del simbolo dell’infinito, in cui tra le due sfere che identificano l’artificiale e il naturale abbiamo la «sfera del Terzo Paradiso», dove artificio e natura coesistono in maniera bilanciata creando un ambiente autosufficiente e ecosostenibile. Riprende quindi il simbolo dell’infinito per riferirsi all’infinità delle risorse che la natura ci offre e alla possibilità di una vita serena e duratura con un giusto rapporto verso di essa, per questo le sue opere puntano a una sensibilizzazione verso il riciclaggio e la tutela dell’ambiente. Negli ultimi anni il Terzo Paradiso si è diffuso molto a livello mondiale e abbiamo molte collaborazioni tra Pistoletto e associazioni importanti come l’ONU e l’ESA, insieme a molte altre «ambasciatrici» del Terzo Paradiso.

NATURA

UNIONE

AMBIENTE

PARADISO

51.06

51.06_GURSKYBahrain II2007

Bahrain II è un opera fotografica realizzata dal celebre artista contemporanea Gursky nel 2007. L’opera, come quasi tutte le opere di Gursky, ha ormai ben poco della fotografia originale, ovvero il circuito di F1 di Bahrain, dato che per Gursky l’elaborazione al computer delle foto è un processo essenziale. Qui Gursky ha cambiato la collocazione originaria del tracciato spostandolo nel deserto, per confrontare questi due elementi accentuando e allo stesso tempo mitigando il contrasto tra l’artificiale e il naturale. Il deserto rappresenta un infinito a livello di estensione, al contrario il circuito essendo una linea chiusa che può essere percorribile infinite volte, rappresenta un infinto molto più a «misura d’uomo», infatti anche se non sono presenti figure umane, ne sentiamo la presenza tramite il circuito stesso e la pubblicità di una nota marca che Gursky ha volontariamente lasciato sul circuito.

DESERTO

VELOCITÀ

CIRCUITO

51.07

51.07_ESCHERMani che si disegnano1948

Escher è definito l’artista dei paradossi, cosa molto evidente in quest’opera, nella quale la perfetta simmetria e ciclicità del disegno confonde la nostra mente. L’opera punta a rompere le regole della realtà in vari modi, inizialmente notiamo la fuoriuscita delle mani dal disegno, che partono da un disegno piatto nei polsi e prendono poi tridimensionalità fino ad uscire dal foglio e sembrare reali; c’è poi l’ambiguità del dipinto dovuta alla sua perfetta simmetria, infatti è impossibile per la mente umana scegliere quale sia la vera mano, ovvero la mano che sta disegnando, pertanto la mente entra in uno stato di confusione, ma poi comprende la ciclicità delle opera interpretando il disegno come un infinito, infatti non c’è una mano principale o «iniziale», ma il disegno è un ciclo senza inizio ne fine che si compie all’infinito. Le mani sono anche simbolo dell’auto-creazione e aprono all’osservatore una nuova visione della realtà.

CREAZIONE

ILLUSIONE

CICLO

IMMAGINE NELL'IMMAGINE

DISEGNO(TEMA SUCCESSIVO)

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