Electric Ladyland

…Et les dieux firent l’amour : de cette étreinte naquit Jimi Hendrix, qui leur rendit au centuple, en leur offrant Electric Ladyland.
Pour la première fois, Hendrix est véritablement aux commandes, même si, perfectionniste pointilleux, il reviendra de manière mitigée sur son rôle de producteur :
"c’était plutôt Eddie Kramer et moi. Mon rôle était d’être là, de m’assurer que les bonnes chansons étaient là et que le bon son était là. On cherchait un son particulier. Malheureusement, on l’a perdu, car on est parti en tournée avant d’avoir fini. J’ai entendu le disque et je trouve le son un peu brumeux."
Le Band Of Gypsys ne trouvera pas plus grâce à ses yeux.
"Je l’ai observé en studio pendant qu’il faisait "Electric Ladyland". Il allumait les amplis, il avait une paire de Marshall, et c’est tout, les pistes initiales étaient déjà réalisées, et c’était étonnant de le voir travailler. (…) Il travaillait sur les vocaux et les re-recordings de guitare pour "House Is Burning Down", et le même soir, il avait jammé avec Stevie Winwood, de Traffic, avec pour résultat ce long blues..."
Comme Larry Coryell le souligne ici, Hendrix tire au maximum profit des progrès technologiques hallucinants de l’époque : Electric Ladyland est le premier album enregistré sur un 12 pistes, laissant à son créateur une liberté orchestrale alors inespérée.
La première plage, …And The Gods Made Love, est une extrapolation électroacoustique où le studio devient l’instrument.
Introduction révolutionnaire au titre Have You Ever Been (To Electric Ladyland), une ode à l’amour de sa vie, la Fender Stratocaster standard de droitier, Il a son type de guitare comme certains ont un type de femme.
Hendrix taquine la basse… et il est important de noter que Redding passa plus de temps dans les pubs avoisinants à boire de la bière qu’à enregistrer…
Hendrix revient à ses racines : la soul d’un Curtis Mayfield, voire d’un Marvin Gaye, il assume enfin son chant, et ses parties de guitares sont magnifiques : Little Winguienne en rythmique (si on peut encore appeler ça de la rythmique !), la partie soliste évite les écueils harmoniques faciles.
Selon Jimi, les singles sortaient pour rapporter du fric. "On a fait un LP parfaitement agencé, et tout à coup, ils sortent "rosstown Traffic"en single, et ça vient de nulle part, d’un tout autre truc, tu vois, ce LP a été pensé d’une certaine manière, l’ordre des titres correspond à certaines raisons, alors, c’est un péché pour eux de sortir quelque chose de ça qui serait représentatif de ce qu’on fait en ce moment.
Tout ça parce qu’ils veulent faire plus d’argent. En plus, ils sortent toujours les mauvais."
Pour autant, Crosstown Traffic est une décharge funky-rock-pop de la meilleure facture, la batterie de Mitch Mitchell propulse littéralement le titre, pour l’anecdote, les mélodies répondant au refrain sont jouées… au kazoo ! Et le chant de Jimi est tout simplement irrésistible ! Urbain en diable…
"On a souvent parlé de Son House et des vieux bluesmen, mais ce qui l’épatait, c’était les vieux disques de Muddy Waters et de John Lee Hooker où la guitare est énormément amplifiée et boostée par le studio pour lui donner une présence qu’elle n’avait pas en réalité. Il connaissait tout ça : on peut entendre tous les trucs de John Lee Hooker et Muddy Waters sur la version longue de Voodoo Chile.

Mike Bloomfield :
"Le flux énergétique allait de l’un à l’autre (NDR : Jimi et Steve Winwood), j’aurais bien voulu entrer là-dedans et jouer avec Jimi, mais il disait déjà tout, et un autre guitariste n’aurait fait qu’entraver son chemin.
Sur cette prise, je me souviens qu’il utilisait sa wah wah. Il travaillait vraiment sa wah wah, et ce n’était pas uniquement un gimmick, c’est le premier à l’avoir abordée sérieusement et à y avoir passé des heures de pratique."

Larry Coryell :
Voodoo Chile est alors l’œuvre la plus magistrale jamais enregistrée par Jimi, il part du blues, mais à l’image du texte onirique, sa guitare se fraye un chemin dans le fantastique.
La prestation de Winwood à l’orgue est tout simplement extraordinaire : il se hisse au niveau d’intensité de jeu développé par Jimi.
Le drumming de Mitch libère les solistes dans une frénésie carrément jazz là où Jack Casady tente de recadrer une base rock pourtant lointaine.
A l’image d’un John Coltrane quelques années plus tôt, Hendrix pousse le blues dans ses derniers retranchements, dépasse le genre… mais malheureusement le clôt, Hendrix, en puisant dans les racines les plus anciennes de la musique noire, paradoxalement, dépasse tous ces idiomes et rejoint la liberté des high energy players qui marquèrent ces années d’une fertilité à mon sens jamais retrouvée : John Coltrane, Pharoah Sanders, Albert Ayler…
Le titre suivant est une concession : Little Miss Strange est une composition de Noel Redding, qui a l’outrecuidance d’imposer en plus sa voix bien maigre, et là, on se rend compte du génie de Jimi : partant de rien (la compo est proche du néant), il crée une symphonie pour guitares, réinventant chaque instant le morceau de Redding jusqu’à lui donner un sens, des parties harmonisées du premier solo jusqu’à la valse finale, Hendrix prouve qu’en matière de rock, avec un interprète génial, on transforme le plomb en or.
Long Hot Summer Night s’éloigne à grands pas de la pop facile de Redding, les harmonies sont autrement plus subtiles, voire difficiles pour un public rock, composition originale, dans une large mesure injouable Live en power trio (ainsi que le reste de l’album, qui connaîtra une postérité scénique inférieure à Are You Experienced, car trop compliqué ou injouable Live).
La composition, évolutive, est servie par de belles harmonies vocales et des ornements guitaristiques digne du maître.
Larry Coryell prétend avoir suggéré à Jimi de reprendre le Come One de Earl King, cette première reprise est une décharge Live en studio d’une puissance à ce jour inégalée, le chant de Jimi n’a jamais été aussi efficace, le solo atomise tout ce que les guitaristes de blues ont pu faire avant ou après lui.
Hendrix fait l’inventaire de son instrument, en trois cycles de douze mesures, il joue le solo blues ultime, insurpassable, rythmiquement, c’est une véritable tuerie : Hendrix rebondit sur la fureur de l’Experience, parfois la rejoint…
Gypsy Eyes… ou comment Chas Chandler jeta l’éponge, Hendrix, peu conventionnel dans sa manière de travailler, conviait qui voulait bien venir dans le studio… où les ingénieurs du son devaient presque s’excuser de prendre leur place ! Pour autant, Gypsy Eyes est rempli d’une poésie, d’une force incroyable, la rythmique se suffirait à elle seule… mais Jimi nous gratifie de superbes parties solistes : un titre inoubliable.
Burning Of The Midnight Lamp, qui clôt le premier disque, est en fait un vieux titre paru en single en août 1967 (couplé à The Stars That Play With Laughing Sam's Dice, la solitude est le thème de ce titre au développement harmonique travaillé, la partie de clavecin, une merveille d’écriture, est jouée par Jimi, le plan de sixtes joué sur la fin du titre fera l’objet de développements ultérieurs (sur Night Bird Flying par exemple).
Le disque deux s’ouvre sur une ambiance jazz, que Jimi voulait proche du guitariste Kenny Burrell, Jimi affronte un sax (joué par Freddie Smith) dans une atmosphère de club enfumé, Buddy Miles, sans bassiste, assure le groove tranquille de Rainy Day, Dream Away avant… que le titre ne bascule dans un groove enflammée, avec une transition où Jimi fit le bonheur des possesseurs de chaînes stéréo de l’époque. A suivre… en début de face 4.
1983… (A Merman I Should Turn To Be)"/"Moon, Turn The Tides… Gently Gently Away est, avec Voodoo Chile, l’autre titre majeur d’Electric Ladyland, mais là où Voodoo Chile montrait Hendrix guitariste improvisateur, 1983 est le sommet de Jimi en tant qu'auteur/créateur/compositeur.
Le texte est un des plus forts de toute sa carrière : il préfère renaître en Atlante plutôt que de vivre avec ses contemporains, dont la violence guerrière justifie son choix, la composition de 1983, avec ses accords en chromatismes descendants est une des plus brillantes, avec Little Wing, de toute sa carrière, même le solo est écrit cette fois : plage harmonisée en prélude à un boléro… nous menant à une longue plage modale (avec parties de guitares inversées en sus), que certains qualifieront (à tort) de psychédélique, Hendrix n’a jamais été aussi proche de Miles Davis.
La batterie de Mitch Mitchell insuffle une liberté incroyable au solo méditatif, en son clair, de Jimi, parcouru de fulgurances hallucinées, mais ce coup-ci, c'est Chris Wood de Traffic qui vient prêter main forte à Jimi.
Jimi nous honore d’un solo de basse pour le moins original, précédant un passage où sa guitare se fait violence avant de replonger (pour le coup !) dans l’ultime passage chanté du titre, les guitares sursaturées balaient enfin tout sur leur passage, y compris les conventions musicales… et le titre se meurt comme une comète poursuivant son chemin dans l’infini.
La face D s’ouvre sur la suite de la jam avec Buddy Miles : Still Raining, Still Dreaming, Hendrix a rajouté quelques voix pour rendre le titre plus présentable, mais c’est en fait un prétexte à une orgie guitaristique boostée en diable par l’orgue de Mike Finnegan.
Pour ceux qui douteraient encore : Hendrix montre l’étendu de son génie instrumental avec une classe sans égal.
"Dans House Is Burning Down, on a fait sonner la guitare comme si elle était en feu, les dimensions changent constamment, et, tout en haut, cette guitare taille dans la masse."
Le titre est une alternance étrange de rythmes tango sur les couplets et rock funky sur les refrains... où la sauce prend à merveille, la maîtrise des effets par Jimi est totale.
Suit la meilleure reprise de la musique rock : All Along The Watchtower, d’un titre folk où l’harmonica se bat avec la guitare et le chant de Dylan, Hendrix réinvente le titre pour créer le plus lyrique qu’il n’ait jamais enregistré.
Dave Mason joue la douze cordes acoustique, et Jimi se charge de la basse une fois de plus, chaque solo est un miracle en soi, mais le solo de guitare central montre Hendrix à son apogée : en son clair dans un premier temps, mélodique, il dévie sur une plage en slide méditative avant d’attaquer avec une wah wah plus agressive cédant la place un solo purement rythmique (en 9èmes pour les musiciens) en son clair : tout est dit.
Les qualités vocales de Jimi ont parfois été décriées : quel cinglant démenti à ceux qui prétendaient qu’il ne savait pas chanter !
Pour Voodoo Child (Slight Return), ça s’est passé pendant un tournage. On a fait trois prises, car ils voulaient nous filmer en studio, le style : "Faites comme si vous étiez en train d’enregistrer les gars…" ce genre de plan tu vois… Donc, "OK, on y va en E, ah One, ah Two, ah Three" et on a fait "Voodoo Child"."
Hendrix n’en plomba pas moins la plus célèbre intro rock… avant de nous faire sombrer dans une violence tellurique… où le blues de la version lente s’est mué en une déclaration définitive : Hendrix n’est pas de ce monde, les esprits habitent son jeu, le transcendent… Jimi aborde sa propre mort dans un blues surréaliste, et son jeu est lui-même métaphysique. En comparaison des versions Live qui suivront, ce n’est pourtant qu’une mise en bouche.
Hendrix reconnaissait le rôle primordial de Mitch Mitchell, pour l’aspect free "parce que tout vient de là, de la batterie…"
"Electric Ladyland" est une œuvre d’espoir, marquant un renouveau artistique que jamais plus le Rock ne connaîtra.
Il se transformera dramatiquement en simple apogée : c’est l’ultime album studio sorti par Jimi Hendrix.
L’aventure ne s’arrête dieu merci par là pour les amateurs du Maître : ce dernier sortira un unique Live, Band Of Gypsys, et avancera dans une très large mesure sur son testament musical : First Rays Of The New Rising Sun.