Durante los años más oscuros de la dictadura chilena, Raúl, un modesto maquetista, permanece replegado en la rutina silenciosa de su hogar. Su universo cotidiano gira en torno al cuidado de su madre postrada, el mantenimiento de un canario y la meticulosa construcción de maquetas arquitectónicas. Esa existencia, en apariencia tranquila y ordinaria, se ve abruptamente alterada con la llegada de nuevos vecinos. A partir de entonces, inquietantes sonidos comienzan a filtrarse desde la casa contigua. Lo que antes era un refugio se transforma lentamente en un territorio invadido por el horror y la paranoia. Armado con un micrófono rudimentario conectado a una grabadora de casete, Raúl empieza a registrar lo que nadie más se atreve a denunciar.

Patio de Chacales, primer largometraje de ficción de Diego Figueroa, es una obra formalmente impecable y emocionalmente devastadora. Aunque se inscribe dentro de la tradición del cine político chileno, ofrece una mirada renovada: en lugar de consignas o discursos explícitos, apuesta por una exploración que transita lo sensorial, lo psicológico y lo simbólico. El terror no irrumpe de forma directa; se infiltra lentamente, se arrastra con sigilo, y se cuela por las rendijas de lo cotidiano.

Desde lo visual, la película construye una belleza opresiva. La fotografía se basa en encuadres fijos y composiciones precisas, donde cada plano sugiere una amenaza latente. La luz tenue, la paleta apagada y los juegos de sombras refuerzan una atmósfera claustrofóbica. El uso simbólico de los espejos —que duplican y distorsionan— anticipa la fragmentación de la identidad del protagonista. La dirección de arte, liderada por Karla Molina, destaca por una reconstrucción meticulosa del Santiago de 1975. Todo está cuidadosamente elegido para situar al espectador en la época. Cada objeto y locación aporta a una ambientación realista y evocadora, que respira la época y la vuelve tangible.

Sin embargo, el mayor logro de la película reside en su diseño sonoro. Aquí, el horror no se ve: se escucha. Gritos que atraviesan las paredes, golpes, súplicas apagadas e incluso música que intenta cubrir lo inaceptable, componen una atmósfera cargada de tensión y dolor. Cada sonido nos sitúa junto a Raúl, en su encierro y desconcierto. La violencia —sexual, física, psicológica— no se muestra de forma directa, pero se insinúa con tal intensidad que resulta difícil de soportar.
 

El micrófono que Raúl emplea inicialmente para grabar sonidos de aves y calmar a su madre se transforma, poco a poco, en un instrumento de memoria. Lo que comienza como un gesto íntimo adquiere un valor político: lo que registra no es solo una prueba del horror, sino también una forma silenciosa de resistencia. La película plantea, desde ahí, una reflexión ética que le da sentido y profundidad a todo su relato.

El guion sobre el que se construye la película está cuidadosamente elaborado, con una narrativa sutil y bien desarrollada. Su estructura evita lo explícito y apuesta por una progresión pausada, donde cada elemento suma tensión desde lo no dicho. Lejos de ofrecer certezas, propone una experiencia abierta a la interpretación, que involucra activamente al espectador y prolonga su efecto más allá del cierre.