La Edad Contemporánea

Durante la primera mitad del siglo XX continúan de manera imparable las grandes  transformaciones en todos los ámbitos que se operan en Europa y el resto del mundo y que  caracterizan la Edad Contemporánea (periodo histórico comprendido entre la Revolución Francesa  y la actualidad). Te recomiendo consultar: HMD 9.1. Contexto histórico y social (Punto 2.1., BLOQUE 2, prueba PEvAU)

• Sociedad. En la sociedad, la burguesía sigue afianzándose en el poder, mientras se generalizan los movimientos obreros por toda Europa. Desde finales del siglo XIX, Europa se abre definitivamente  al mundo, a través del fuerte colonialismo, especialmente británico y francés.

• Política. Desde el punto de vista político se produce la Revolución rusa (1917) y surgen los totalitarismos con la emergencia de los fascismos (fascismo italiano y el nazismo alemán). 

• Economía. En la economía sigue desarrollándose el capitalismo, que una fuerte crisis, tras los felices años veinte,  con la Crisis del 29 (o Gran Depresión) y  surge, a partir de las teorías marxistas de Marx y Engels, el primer estado comunista: la Unión  Soviética, a partir de la Revolución de octubre de 1917. 

• Relaciones internacionales. El fuerte colonialismo, la exaltación nacionalista y la debilidad de las democracias frente al ascenso de los totalitarismos serán  motivo de grandes tensiones entre los países europeos que, finalmente, desembocarán en dos  grandes guerras como nunca antes se había conocido: la Gran Guerra Europea o Primera Guerra Mundial (1914-1918) y la Segunda Guerra Mundial (1939- 1945).  

• España. En España, esta época coincide con el reinado de Alfonso XIII (1902-1931), la dictadura de Primo de  Rivera (1923-1930), la Segunda República (1931-1936), la guerra civil española (1936-1939) y la primera década de la dictadura  franquista.

• Artes. Toda esta época de cambios, crisis y guerras se materializará en una gran evolución en  las artes plásticas, la literatura, el cine y la música. Las primeras décadas del siglo XX se  consideran una de las etapas más brillantes y productivas de la Historia del Arte, con grandes  movimientos artísticos (cubismo, futurismo, expresionismo, art decó...) y creadores (Pablo Picasso,  Matisse).  

• Ciencias. En cuanto a las ciencias y el desarrollo tecnológico, su avance resulta imparable.  Podemos mencionar al gran físico Albert Einstein.  

Tres aspectos esenciales a destacar

Debemos destacar tres aspectos en esta introducción histórica por su estrecha relación con el tema:

• Apertura de Europa al resto del mundo. El  colonialismo desde finales del XIX, además de despertar un interés puramente económico, trae consigo avances culturales. Se empezarán a celebrar exposiciones universales, donde se daban a conocer las diversas realidades culturales  del planeta. De especial importancia para el nacimiento del impresionismo musical fue la Exposición Universal de París de 1889, donde los músicos pudieron apreciar y aprender otros sistemas musicales completamente alejados del occidental. 

• Impacto de las dos guerras mundiales. Será determinante en los cambios radicales que se produzcan en el panorama artístico a mediados del siglo XX. En el caso de la música, los efectos de la Primera Guerra Munidal (1914-1918) determinarán, por ejemplo, el movimiento expresionista alemán y, en general será el marco en le que desarrollarán las primeras vanguardias.  El final de la Segunda Guerra Mundial marcará el nacimiento de las corrientes contemporáneas de una segunda oleada de vanguardias, lo que supone una ruptura con las prácticas anteriores. 

• París: capital de las artes. Dentro del espectacular desarrollo que experimentan las grandes capitales europeas, resulta necesario destacar el papel fundamental que desempeñará la ciudad de París en el mundo de  las artes. Hasta, aproximadamente, los años 30 del siglo XX, será el punto de confluencia de todo tipo de artistas (literatos, pintores, escultores, músicos) y de corrientes artísticas (impresionismo, expresionsmo, modernismo y primeras vanguardias). 

HDM.10.2.1. Música nacionalista (1850-1950)

El concepto nacionalismo musical se refiere al uso en música de materiales o temas que son reconocibles como nacionales o regionales.​ Por ejemplo, el uso directo de la música folclórica (como en el caso de españa, el flamenco o la música tradicional, en las composiciones de Manuel de Falla (1876-1946) o Isaac Albéniz (1860-1909). También a el uso de melodías, ritmos y armonías inspirados por este tipo de música. El folclore también puede usarse como base conceptual, estética e ideológica de obras programáticas u óperas.

Existen rasgos del nacionalismo musical ya desde el siglo XVIII. Sin embargo, el nacionalismo suele relacionarse y estar emparentado con el romanticismo musical de mediados del siglo XIX hasta la pimera mitad del siglo XX (1850-1930).

Históricamente, el nacionalismo musical del siglo XIX ha sido considerado como una reacción contra el «dominio» de la música romántica alemana y fue adoptado por diferentes países. Analicemos algunos de los más importantes en cuanto a la cantidad y calidad de las aportaciones a este estilo por parte de sus compositores.

• Rusia. La Rusia imperial del siglo XIX y comienzcos del XX, la Rusia de los zares, es uno de los marcos referenciales del nacionalismo musical.

• Checoslovaquia.

• Polonia.

• Hungría.

• Noruega.

• Finlandia.

• España. Nos detendremos más en profundidad en la música y autores de nuestro país, dedicándole un apartado específico.

Nacionalismo musical español

El nacionalismo musical  español de la primera mitad del siglo XX no puede entenderse sin hacer una breve referencia a la segunda mitad del siglo XIX. Al igual que en otros países  periféricos de Europa, desde mediados del XIX muchos músicos españoles se interesaron por la  música de su país, intentando crear una música propia con toques personales. Se interesaron por la música popular española, tomando como base los cantos y danzas populares para alcanzar una “música clásica” propia o nacionalista. El resultado final fue una mezcla entre  música culta de tradición centroeuropea con música popular española, con especial incidencia  en la andaluza. 

Siglo XIX (1850-1900). Primer nacionalismo musical español. La zarzuela

El nacionalismo musical aparece a finales del siglo XIX como reacción al romanticismo alemán e italiano que condicionan la ópera europea. Felipe Pedrell encabeza los esfuerzos por conseguir una ópera española. Tras varios intentos fallidos en el mundo de la ópera, se creó la zarzuela decimonónica, entendida como un tipo de música escénica donde se intercalan partes habladas y cantadas, con  argumentos y tipos populares, ambientación en barrios madrileños castizos la mayoría de las  veces, con toques cómicos y con un aire español bastante notable en su música. Francisco Asenjo Barbieri, Federico Chueca o Tomás Bretón son algunos de los grandes nombres del momento.  

La zarzuela fue el gran género de la música nacionalista del siglo XIX y podemos afirmar que lo seguirá siendo durante las primeras décadas del siglo XX, con escaso protagonismo de la música  instrumental pura (con la excepción notable del gran violinista Pablo Sarasate).  

Te recomiendo consultar:

• HMD 7.2.3. Música vocal. La zarzuela

• HDM 7.3.3. Música vocal. Zarzuela. Autores y obras

Siglo XX (1900-1950). Segundo nacionalismo musical español

Conforme avanza el siglo XX se va imponiendo lo que se conoce como segundo  nacionalismo español, un nacionalismo musical más desarrollado, donde ya no se armonizan  simplemente los cantos tradicionales o se hacen alusiones directas al folclore, sino que nos  encontramos con obras más elaboradas, donde el elemento popular es menos explícito. 

Por otra  parte resulta complicado hablar de un lenguaje puramente nacionalista en los grandes maestros  españoles del momento, pues al mismo tiempo estarán presentes influencias del impresionismo musical  (presente en Albéniz, Granados, Falla o Turina) y, posteriormente, del neoclasicismo musical (presente en Manuel de Falla).

HDM.10.2.2. Música moderna (1900-1950)

Las primeras vanguardias. Música modernista.

El vanguardismo (también conocido por su nombre en francés, avant-garde)​, expresión militar que significa «el que va adelante» el que ocupa la primera línea de combate, se refiere a las personas y obras experimentales e innovadoras en el arte y la cultura. Alude al conjunto de movimientos artísticos y literarios que se formaron a comienzos del siglo xx en Occidente que rompieron con la tradición académica y buscaron la innovación.

En música, hablamos de modernismo musical o música modernista cuando nos referimos a la música de la tradición europea elaborada aproximadamente entre 1910 y 1950. Fue precedida por la música del romanticismo y sucedida por la música contemporánea.  

Impresionismo musical

El término impresionismo está tomado de la Historia del Arte (desde 1860-1870), más concretamente de la pintura. Fue usado a partir del comentario despectivo2 de un crítico de arte ante el cuadro Impresión, sol naciente del pintor Claude Monet.

Hoy en día se acepta este  término en música por plantear algunos aspectos comunes importantes con la denominada pintura impresionista. En el caso de la música, el impresionismo musical plantea algunos problemas, ya que es un término que no  gustaba demasiado a Claude Debussy (1862-1918), su principal representante y que, en cualquier caso es posterior  en el tiempo a los grandes pintores impresionistas 

Lo podemos fechar entre 1890-1910, aproximadamente y se trata de un fenómeno genuinamente francés, ligado sobre todo a la  ciudad de París. Se trata de una corriente musical de vanguardia. Supone una ruptura con el arte decimonónico (romanticismo musical)  abriendo las puertas al siglo XX. 

El impresionismo musical intenta representar la fugaz impresión de un momento. En la música impresionista los compositores buscan plasmar una imagen sonora. Similar a una imagen en la pintura impresionista, esta imagen sonora tiene la tarea de transmitir el estado de ánimo y la atmósfera de un momento al oyente, por lo que están en juego impresiones subjetivas y no propiedades materiales concretas. 

Entre las características generales del impresionismo musical destacamos:  

• Timbre. Se traslada el gusto pictórico por el colorido en la pintura extrapolado a la riqueza tímbrica en la orquestación (el "timbre" es el "color" de la música") y al uso de nuevos procedimientos armónicos, melódicos y de textura. La gran riqueza tímbrica en la orquestación se plasma en la utilización de todo tipo de instrumentos,  sobre todo de viento madera y con un nuevo tratamiento de los instrumentos utilizados anteriormente.  

• Forma. Se abandonan las grandes formas clásicas de tradición centroeuropea. La música fluye con gran libertad formal, sin esquemas y estructuras preconcebidas. 

• Armonía y melodía. Búsqueda de vías alternativas desde el punto de vista armónico. Se usan nuevas combinaciones de acordes (acordes de novena u oncena o trecena, denominadas tensiones armónicas), se utilizan de notas a modo de pedal  sobre las que se superponen acordes diferentes, se evita la cadencia perfecta. Bajo la evidencia de que el sistema  tonal clásico (tonalidad o práctica común) está agotado se recurre a una "tonalidad ambigua" o "armonía expandida" en muchos casos influida por un renovado concepto de modalidad, produciéndose una ampliación del concepto de tonalidad .

Estas innovaciones armónicas se realizarán en dos direcciones:

• • Hacia lo exótico y extraeuropeo (música oriental o asiática), con el uso de "escalas exóticas": escalas pentatónicas (formadas por cinco tonos y evitando el  semitono) o escalasde tonos enteros (escala de siete notas con distancia de un tono entre cada  una). 

  • Mediante una huída hacia lo antiguo, rescatando la vieja modalidad medieval  y renacentista o la sonoridad de la antigua escuela polifónica de la época de Notre Dame  (técnica del organum: movimiento de voces paralelo, uso de 4a, 5o y 8a, evitando las 3as y 6as). 

• Temáticas. Las nuevas texturas y timbres logran una música llena de  evocaciones, sensualidad y carácter descriptivo. Se trata de una música que busca la sensualidad y agradar a los sentidos. Se recurre mucho, por ejemplo, al tema del agua o de la bruma, a los cambios de luz y color, etc. En este sentido, se utilizan títulos evocadores y sugerentes como "Reflets dans l'eau" ("Reflejos en el agua"), "Brouillards" ("Brumas"), etc. 

Expresionismo musical

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos artísticos, como por ejemplo:

• Pintura: Paul Klee o Vasili Kandinsky.

• Literatura: Franz Kafka.

• Cine: Fritz Lang.

• Música: con Arnold Schönberg (1874-1951), Alban Berg (1885-1935) y Anton Webern (1883-1945), los compositores de la llamada Segunda Escuela de Viena.

Surgido como reacción al impresionismo, los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista. Se busca la «expresión» de la experiencia interior frente a la plasmación de la realidad exterior (la «impresión»). Esta vanguardia pretende la expresión del "yo interior", del inconsciente (Sigmund Freud), la liberación del "grito interior" (ver El Grito, Edward Munch). 

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos y a la negación de la belleza con objeto de expresar el yo íntimo del artista.

Entre las características musicales, las cuales implican una ruptura radical con la tradición musical precedente, podemos  destacar:  

• Música no-naturalista. Renuncia al ideal de belleza tradicional. Todas estas características se traducen en una música elitista, de difícil y escasa aceptación por parte del gran público. Como ocurrirá con los movimientos de vanguardia, el músico se  va alejando cada vez más del oyente medio.

• Atonalidad o negación de la tonalidad. Se trata de un sistema musical que carece de toda relación de funciones de acordes o tonalidades con un tono fundamental, dejando, por tanto, de estar estar sujeta a las normas de la tonalidad.

Supone, por tanto, la ruptura definitiva con el sistema tonal que ha reinado en la música europea entre 1600-1900 (llamado "tonalidad"o "práctica común"). Frente a la preeminencia de los grados tonales (I tónica, IV subdominante y V dominante), la  atonalidad busca una nueva organización sonora, aparentemente caótica y totalmente disonante.

Clúster

El concepto de acorde, en la música atonal, es sustituido por el de clúster. Un clúster consiste en tres o más notas contiguas tocadas al mismo tiempo, se trata, por tanto de un acorde compuesto de al menos tres semitonos cromáticos consecutivos distintos (por ejemplo, las notas do, do♯, re, re♯, mi y fa, sonando al mismo tiempo). Los clústeres tienden a ser oídos como muy disonantes.

• Dodecafónismo. Se trata de un sistema de composición que se basa en la combinación 12 sonidos, semitonos (en lugar de escalas convencionales de 7 sonidos, que alyternan tonos enteros y semitonos), en los que se evita la centralidad o e énfasis en ninguno de ellos mediante la aplicación de una serie de normas. El dodecafónismo es una evolución y sistematización de la atonalidad y supone un intento por dar mayor coherencia a la composición musical atonal. 

• Emancipación de la disonancia. El resultado sonoro de la música atonal es una música enormemente disonante como consecuencia de la "liberación" de los centros tonales de todo tipo de atracción, deja de existir una "centralidad", y ello, inevitablemente, lleva a la disonancia.

• Uso de otros elementos innovadores del lenguaje musical: se usarán complejas texturas, fuertes cromatismos y melodía de timbres (puntillismo musical).

• Abstracción musical y atematismo. Otra característica de la música atonal es la renuncia a los medios de articulación del tema usados en la música anterior (uso de la frase o tema musical). Son obras atemáticas, sin referencias claras para el oyente a este respecto,  donde cada compás supone una continua renovación. Comparándose con la pintura del  momento, podría definirse como música abstracta.

• Artes escénicas. El expresionismo se basa en la tradición teatral y musical alemana, encuentra sus mejores manifestaciones en el mundo de la ópera, el teatro  musical y el cabaret. Se desarrolla un nuevo tipo de recitativo donde son muy importantes las inflexiones de la voz. Se trata de un nuevo tipo de "canto hablado" que llamarán Sprechstimme. 

Neoclasicismo musical. 

Reacción ante las vanguardias y el romanticismo

El neoclasicismo es una corriente de la música de los siglos XX y XXI que se manifestó especialmente durante la primera mitad del siglo XX, en las décadas 1920 y 1940. 

En esta corriente, los compositores intentaron volver a los preceptos estéticos asociados con el concepto de "clasicismo" en un sentido amplio: orden, equilibrio, claridad, economía y contención emocional. 

Como tal, el neoclasicismo fue una reacción contra el emocionalismo desenfrenado y la falta de forma percibida del romanticismo tardío, así como una "llamada al orden" tras el fermento experimental de las dos primeras décadas del siglo xx

Sus características son:

• Retorno a los grupos instrumentales pequeños (de cámara) en lugar de la gran orquesta;

• Vuelta a un nuevo formalismo (se vuelve a usar la sonata, el concierto el cuarteto de cuerda, como moldes formales). Uso de la técnica del concerto grosso.

• Vuelta a la música pura: concentración en la música absoluta en contraposición a la música programática romántica.

• Uso de un armonía tonal actualizada o ampliada que, en ocasiones, incorpora sonoridades disonantes.

• Énfasis en el ritmo. Complejidad rítmica.

• Uso renovado y modernizado del contrapunto (nueva textura contrapuntística).

HDM.10.2.3. Música contemporánea (1900-1950)

La música (académica) contemporánea es la que se ha creado creado desués del modernismo musical (primeras vanguardias, a las que pertenecen el impresionismo o el expresionismo musical que hemos estudiado en el punto anterior). En ocasiones se suele incluir de forma más amplia en esta categoría a todas las formas de la música atonal creadas a partir de finales de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Algunos autores refieren como segundas vanguardias a las corrientes artísticas que integran este periodo.

Esta segunda oleada de vanguardias engloba numerosas corrientes artísticas. Mencionaremos solo algunas de ellas:

• Música concreta. Corriente musical contemporánea cuyos fundamentos teóricos y estéticos fueron enunciados y puestos en práctica por el compositor francés Pierre Schaeffer (1910-1995) en los estudios de la radiodifusión francesa en 1948. La música concreta está ligada a la aparición de dispositivos que permitieron la grabación y descontextualización de un sonido fijándolo en un soporte (en un principio analógico, como la cinta; posteriormente digital, como el CD). A ese sonido grabado, potencialmente manipulable, se le llama "objeto sonoro". Una vez grabado, el sonido puede usarse de manera separada y manipularlo cortándolo, pegándolo, superponiéndolo y finalmente combinando los sonidos resultantes de estas operaciones creando la obra musical.

• Música electrónica y/o música electroacústica. Se trata de una evolución de la anterior. Consiste en el uso o manipulación de "objetos sonoros" (sonidos grabados, ver arriba) o bien en el uso de sonidos sintéticos  mediante generados osciladores electrónicos (primero, desde el año 1950 del pasado siglo) y posteriormente, mediante el uso de ordenadores (a partir de los años 70 y 80 del pasado siglo). El "padre" de la música electrónica y/o electroacústica es Karlheinz Stockhausen (1928-2007)

• Música minimalista. En el mundo de la música, desde los años 60 del pasado siglo, el término minimalismo se aplica a la música que muestra alguna de las características siguientes (o todas):

• Repetición de frases musicales cortas, con variaciones mínimas en un período largo de tiempo, con ritmos cíclicos aparentemente infinitos o que no poseen final​. 

• En este sentido, la música minimalista supone una actualización contemporánea del concepto de ostinato. Una de las características principales de la música minimalista es el uso de los pequeños ostinati rítmico-melódicos (de pocas notas). Ostinato u obstinato (del italiano, "obstinado") es una técnica de composición consistente en una sucesión de compases con una secuencia de notas de las que una o varias se repiten exactamente en cada compás. De ahí su nombre en italiano, que significa ‘obstinación, empeño en repetir lo mismo’.​

• Énfasis y repetición sobre una armonía tonal/modal;

• Música repetitiva basada en un pulso constante.

• Éctasis (movimiento lento), a menudo bajo la forma de zumbidos y tonos largos;

HDM.10.3.1. Música nacionalista (1850-1930). Autores y obras

Destaquemos algunas figuras y obras esenciales del nacionalismo musical por países.

• Rusia. A Mijaíl Glinka se lo considera el 'padre' de la música rusa. Destacamos también el llamado grupo de Los Cinco, se refiere a un círculo de compositores que se reunieron en San Petersburgo, en los años 1856-1870. Destacamos las figuras de Modest Músorgski ("Cuadros de una Exposición") y Nikolái Rimski-Kórsakov ("Capricho Español").

• Checoslovaquia. Antonín Dvořák fue el más exitoso de los compositores nacionalistas checos con sus seis danzas eslavas.

• Hungría. Béla Bartók (1881-1945) fue un famoso compositor húngaro que arranca del nacionalismo para llegar en sus últimas creaciones a la abstracción musical. Recogió en sus obras ritmos exóticos y desconocidos. Usó un lenguaje atrevido que constituye una de las grandes revoluciones de la música en el siglo xx. Destacamos su "Concierto para piano nº1".

Nacionalismo musical español. Autores y obras

Siglo XIX (1850-1900). Primer nacionalismo musical español. La zarzuela

Te recomiendo consultar los autores y obras de esta sección:

• HDM 7.3.3. Música vocal. Zarzuela. Autores y obras

En lo  que respecta a la música  instrumental pura española de carácter nacionalista de la segunda mitad del XIX, en España, solo podemos mencionar a Pablo Sarasate (1844-1910), virtuoso del violín, compositor y director de orquesta navarro. Destacamos su obra "Zapateado", para violín solo.  

Siglo XX (1900-1950). Segundo nacionalismo musical español: Albéniz, Granados, Turina y Rodrigo.  Manuel de Falla

En este tema debemos mencionar a dos grandes pianistas y compositores de música para piano, como fueron Isaac Albéniz (1860-1909)  Destacamos su “Suite Iberia” . De Enrique Granados (1867-1916), destacamos su suite para piano, “Goyescas”. 

Te recomiendo consultar: Análisis de audición AMII.10.2.2. “El Corpus Christi en Sevilla”, de la Suite Iberia (1905-9). Isaac Albéniz. PEvAU HMD y AMII

Hay que mencionar también a Joaquín Turina (1882-1949), compositor sevillano que creó piezas orquestales como la “Sinfonía sevillana”. 

Por su parte, Joaquín Rodrigo (1901-1999) es un autor español que se vincula más a elementos tradicionales y folklóricos castellanos El “Concierto de Aranjuez”, para guitarra y orquesta es su obra más  conocida y probablemente, una de las obras para guitarra y orquesta más conocidas del repertorio a nivel global. Escucharemos la interpretación que realizó el gran guitarrista flamenco Paco de Lucía.

Manuel de Falla (1876-1946) es tal vez el músico español más importante de todos los tiempos.  Nacido en Cádiz, desarrolló la mayor parte de su carrera artística en París. La obra de este genial  músico va mucho más allá del nacionalismo musical, puesto que, formando parte de la vanguardia  europea, también incorpora en sus composiciones elementos del impresionismo musical para evolucionar posteriormente hacia el neoclasicismo musical. 

Podemos  señalar cuatro obras con influencias nacionalistas: 

• "La vida breve” (1913) es el título de la única ópera compuesta por Falla. Data de principios de siglo y en ellas se encuentran claramente reflejados las características de la música  nacionalista: argumento y personajes claramente españoles y andaluces (la historia transcurre en el Albaicín  de Granada), sabor puramente popular, con gran influencia de la danza y el cante flamenco.  

• “El sombrero de tres picos” (1919) es un ballet con música de Falla, a petición del empresario ruso Sergéi Diaghilev.. Basada en la novela de Pedro Antonio de Alarcón, los elementos populares de la música española son muy claros y abundantes. 

• "El amor brujo" (1913-25) tiene un marcado carácter andaluz, tanto en el argumento como en la música, como podemos observar en la “Danza ritual  del fuego”, la “Canción del fuego fatuo” y la “Danza del terror”.  

Te recomiendo consultar: Análisis de audición AMII.10.2.5. “Danza ritual del fuego”, de "El amor brujo" (1915-1925). Manuel de Falla. PEvAU HMD

• Las “Siete canciones populares españolas” (1914) son un ejemplo magnífico de música nacionalista, se trata de una armonización  y arreglo para voz y piano de siete canciones populares españolas. Escuchamos una de ellas, "El paño moruno".

HDM.10.3.2. Música moderna (1900-1950). Autores y obras

Impresionismo musical. Autores y obras

Claude Debussy

El principal y más importante representante de la música impresionista fue el francés Claude Debussy (1862-1918) . De su producción impresionista podemos comentar tres obras:  

• El “Preludio a la siesta de un fauno” (1894). En francés Prélude à l'après-midi d'un faune), evoca el mundo de la antigüedad y del  hedonismo pagano, en relación con le sensualismo francés. Esta música para orquesta presenta  los rasgos típicos de la orquestación impresionista, con el predominio de los instrumentos de viento madera como flautas, oboes y clarinetes y la utilización de dos arpas. Se emplean  arabescos melódicos, escalas de tonos enteros y pentatónicas, cromatismo libre, acordes  fuertemente disonantes con estructuras terceras superpuestas (tensiones armónicas) y sonoridad modal a lo largo de la  pieza. 

Te recomiendo consultar: Análisis de audición AMII.10.2.1. "Preludio a la siesta de un fauno" (1894). Claude Debussy. PEvAU HMD

• “El mar” (1903-1905). En francés, "La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre" (El mar, tres bocetos sinfónicos para orquesta). Debussy evitó usar el término más formal de «sinfonía». Se trata de una secuencia de tres impresiones. Es ampliamente considerada como una de las más grandes obras orquestales del siglo xx.

• “La catedral sumergida” (1910) es una de las piezas impresionistas para piano más famosas. Es una de las doce piezas del primer libro de los “Preludios”. El punto de partida de esta obra es una antigua leyenda según la cual una antigua catedral emerge del mar algunas mañanas, con las  campanas repicando y los sacerdotes entonando sus plegarias. La melodía tiene un sabor  gregoriano, en esa huída hacia el pasado medieval. Se emplean acordes paralelos que se mueven en bloque,  mediente cuartas y quintas paralelas y la arcaica armonía modal prevalece a lo largo de toda la  composición. 

Otros autores con influencias impresionistas

Pese a que el impresionismo musical se sustenta sobre la figura principal de Clausde Debussy, otros compositores contemporáneos al gran músico impresionista francés se vieron influidos por esta corriente y la plasmaron, en mayor o menor medida, en sus obras. Algunos ejemplos son:

• Erik Satie (1866-1925), con sus famosas gymnopédies y gnossiennes para piano, entre las que destaca el primer movimiento, Première Gymnopédie (1888).

• Manuel de Falla (1876-1946), en su ballet El sombrero de tres picos (1919) y, sobre todo, su obra más impresionista, las Noches en los jardines de España, para piano y orquesta (1876-1946).

• Maurice Ravel (1875-1937). De él destacamos sus "Jeux d'eau" (Juegos de agua), para piano (1901).

Expresionismo musical. Autores y obras

Arnold Schönberg (1874-1951) y sus discípulos Alban Berg (1885-1935) y Anton Webern (1883-1945) son los principales  representantes del expresionismo musical, en lo que se conoce como la Segunda Escuela de Viena. 

Arnold Schönberg

La producción de Schönberg suele dividirse en tres periodos. La segunda se denomina  atonal-expresionista. Destacan de este periodo:

• Tres piezas para piano op. 11 (1909). Primera obra atonal de la historia.

• Pierrot Lunaire. Ciclo de canciones para voz y piano que pone en escena 21 poemas escenificados. La soprano solista canta los poemas en el estilo Sprechstimme (canto hablado), novedosa forma de emisión vocal que realza el contenido de los poemas y sitúa las canciones en un registro que emula al utilizado por los cantantes de cabaret.

La tercera etapa, de 1923 hasta su muerte en 1951, es la etapa  donde desarrolla el dodecafónismo con obras como:

• Concierto para violín.

Alban Berg

En el mundo del teatro musical se encuentran las mejores manifestaciones del  expresionismo musical y Alban Berg (1885-1935) es su mejor exponente con obras como las óperas:

• "Wozzeck" (1925). Opera moderna y atonal, y probablemente la ópera del siglo XX más representada. Evita los estereotipos operísticos, siendo seria y directa al mismo tiempo. Su tema, la dureza y la explotación hacia los pobres, y las terribles secuelas de la Primera Guerra Mundial, está presente de forma brutal. Relata la historia de Franz Wozzeck, un antiguo soldado que ha tenido un hijo con Marie, una antigua prostituta. Sirve de cobaya de los experimentos de un médico y es víctima de alucinaciones que lo distancian de Marie. 

• “Lulú”  (1937). Berg escribió esta obra basándose en la técnica de la música dodecafónica. La ópera se articula como una serie de escenas de la escabrosa e indomable vida de Lulú, una prostituta callejera. La acción tiene lugar entre algún lugar indeterminado de Alemania y la ciudad de Londres, a finales del siglo XIX. 

HDM.10.2.3. Música contemporánea (1900-1950). Autores y obras

Música concreta

• Cinco estudios de ruidos; originalmente en francés, Cinq études de bruits (1948), Pierre Schaeffer (1910-1995)  Colección de cinco composiciones musicales que fueron las primeras creaciones de música concreta. Se trata, por tanto, de obras muy experimentales y vanguardistas que demostraron las posibilidades futuras de esta nueva música. Escucharemos el Étude aux chemins de fer (estudio de ruido de trenes).

Música electrónica o música electroacústica

• Canto de los adolescentes; en alemán, originalmente en Gesang der Jünglige (1955-1956), de Karlheinz Stockhausen (1928-2007). Esta es una obra electracústica, que mezcla la música concreta y la electrónica. descrita habitualmente como "la primera obra maestra de la música electrónica" es significativa en el sentido de que integra perfectamente los sonidos electrónicos con la voz humana mediante la combinación de resonancias de voz con tono con sonidos de fonemas creados electrónicamente. De esta manera, por primera vez, se reunieron con éxito los dos mundos opuestos del elektronische Musik alemán (generados sólo electrónicamente) y el francés musique concrète, que transforma las grabaciones de eventos acústicos. 

Música minimalista

• En la década de 1970, las obras de los compositores norteamericanos minimalistas Steve Reich y Philip Glass adquirieron cierta popularidad. Destacamos la banda sonora de la película, también minimalista, Koyaanisqatsi (1982), con música compuesta expresamente para la película por Philip Glass.

• El empleo, por primera vez, del término "música minimalista" se atribuye al compositor inglés Michael Nyman, famoso por la banda sonora de la película El Piano, cuya banda sonora, con rasgos netamente minimalistas, recibió un Oscar en 1993. Destacamos el tema principal de la BSO (banda sonora original), “The heart asks pleasure first”, que analizaremos en el tema 11.