• Contexto histórico y periodo artístico. Estilo musical.

La rumba "Entre dos aguas", perteneciente al cuarto álbum en solitario de Paco de Lucía (1947-2014), titulado Fuente y Caudal, de 1973, inmortalizó a su autor  y fue interpretada en todos sus conciertos. En su momento, llegó a alcanzar las 300.000 copias vendidas, lo cual era un hecho insólito en el mundo del flamenco. 

Se cree que esta canción se improvisó en el propio estudio de grabación, aunque Paco de Lucía ya partía de una idea previa. El hecho de que nunca se volvió a tocar igual que en la versión del disco corrobora la idea anterior. 

Esta obra fue publicada en el final de la dictadura del general golpista Francisco Franco en España (que muere en el año 1975), periodo que a menudo se denomina tardofranquismo. La obra está, por tanto, enmarcada en los comienzos de la década de los años 70, muy cerca del periodo de la Transición española (1975-1982), que inaugurará la llegada de la democracia y la consiguiente expansión y apertura a nuevas libertades, que también traerán consigo "un soplo de aire fresco". Ello se manifiesta en el arte y la cultura como un periodo de rupturas político-sociales y creativas, en las que esta obra se enmarca. 

Estamos ante una obra innovadora, rompedora, y mestiza, que fusiona lo flamenco con la negritud musical, con Cuba y África; además de unificar el presente de aquella época (rock, pop) con el pasado (tradición flamenca) para proyectarlo al futuro (inaugura lo que será denominado nuevo flamenco).

Por si lo anterior fuera poco, además cosechó de un éxito comercial apabullante: esta rumba fue tan popular que lideró, por primera vez en el caso de una obra flamenca, las listas de ventas de 40 Principales e, incluso, se bailaba en las discotecas de moda de la época. Con ella, el flamenco salió de su “círculo cerrado” de lo tradicional, folklórico, popular o étnico, para acercarse a un público más amplio, haciéndose más accesible y comercial, inaugurando el subgénero de la fusión flamenca o flamenco fusión y abriendo las puertas a lo que hemos comentado arriba, el nuevo flamenco.

• Forma y estructura.

Al analizar la forma de una obra flamenca debemos referirnos al palo flamenco al que pertenece. Estamos ante una rumba (rumba flamenca).  La rumba es un palo flamenco que contiene influencias afro-cubanas. Se trata de uno de los palos calificados como "de ida y vuelta", que, como su nombre indica, se originó a partir de la mezcla del flamenco con la guaracha y rumba cubanas. Este tipo de ritmo, en España, se hizo popular en teatros y espectáculos de variedades desde el siglo XIX, desde donde la adoptarían los intérpretes flamencos. Se trata de un palo festero, de celebración comunitaria ("rumba" significa "fiesta" o "bullicio"), que hereda una vinculación originaria a la danza de origen afro-cubano.  

Encontramos tres partes en esta obra (obra tripartita):

• Parte A (c.c. 1-106). Se subdivide en 13 subsecciones de 8 compases cada una, más dos compases de coda. Se caracteriza por usar la progresión característica (obstinato en el bajo y obstinato armónico en la progresión) y por contener el material melódico más conocido de la obra (lo podemos denominar "tema principal" o "estribillo"), cuyo inicio proviene, probablemente, de la canción Te estoy amando locamente" de  Las Grecas.

• Parte B (c.c. 107-202). Se puede subdividir en 12 partes de 8 compases cada una. Se incrementa el tempo. Progresión armónica: mi menor / mi menor / Re Mayor / Re Mayor / Do Mayor / Do Mayor / Si 7 / Si 7. Esta secuencia de acordes se define en música como cadencia andaluza o cadencia frigia.

• Parte C (c.c. 203-294). Se subdivide en 23 subsecciones de cuatro compases cada uno con la armonía: mi menor / mi menor / Re Mayor / Re Mayor /

•  Ritmo. Compás binario, con acentuación en las partes 2 y 4, y tempo vivo. Se trata de un compás binario transcrito en 4/4, aunque realmente debido al tempo y la distribución acordal de la armonía, lo que suena se acerca más a un 2/2 (Pérez 2005, 114).

El tempo es rápido, alrededor de 176 pulsaciones por minuto (blanca = 86 bpm) y se produce un efecto de aceleración rítmica conforme cambiamos de sección, ya que la figuración rítmica es cada vez menor. Los acentos se producen en los tiempos 2 y 4 del compás, característica inequívocamente afro-cubana (marcados por la guitarra y, especialmente, por los bongos), lo cual es característico también, no solo de la rumba, sino también de estilos como el pop y el rock. 

• Aspectos melódicos y armónicos. Textura.

  • Melodía. 

La obra está caracterizada por una sencilla melodía en la tonalidad de si menor sobre la progresión armónica recurrente (obstinato armónico) que aparece en la introducción y parte A (ver apartado de forma musical, arriba).

En la melodía, en general (como en el ritmo), encontramos reminiscencias de la guaracha cubana, donde es habitual acompañar la melodía por una segunda voz o por un coro responsorial.

En la melodía del tema principal encontramos un "guiño" a otra rumba de éxito de la misma época, icono del flamenco-rock y psicodélico de Las Grecas, Te estoy amando locamente (lanzado al mercado en 1974, pero que quizá Paco de Lucía escuchó antes). Podemos, en ese sentido comentar el procedimiento de la parodia musical (una composición musical realizada a partir de otra preexistente, permaneciendo en la nueva pieza alguna relación evidente con la original).

La interválica general se basa en el uso de las segundas y terceras, dejando únicamente intervalos más amplios para señalar momentos especialmente importantes. Con ello se consigue una melodía cantable y pegadiza.

• Armonía. 

La tonalidad general de la obra es si frigio (si menor frigio).  Algunos autores lo denominana una tonalidad modal andaluza o simplemente modo flamenco. Es la más característica de este género artístico. Encontramos inflexiones modales, tanto al modo frigio menor como el llamado frigio mayor, estableciéndose una fluctuación entre los modos (bimodalidad).

"Entre dos aguas" está construida prácticamente sobre tres acordes distintos pertenecientes al modo de si frigio menor, con empleo de ♭VIIm y las tónicas Im y I, propia del frigio mayor (escala andaluza, en realidad, un modo menor armónico que comienza en el Vº).

• • Primera sección (A): Am7 (2 compases) – Bm7 (2 compases) – Am7 (2 compases) – B7 (2 compases).

  • Segunda sección (B): Em (2 compases) – D7 (2 compases) – C7 (dos compases) – B7 (2 compases). Se trata de la famosa cadencia andaluza, pero enriquecida por el uso de las séptimas

  • Tercera sección (C): D7 (2 compases) – Em (2 compases)

• Textura. 

La instrumentación utilizada es totalmente novedosa e innovadora, fruto del mestizaje y las influencias diversas de esta obra: la veremos en la sección "timbre" (a continuación).

La textura es de melodía acompañada que podemos dividir en cuatro estratos, planos o líneas:  

• • • Melodía. La guitarra flamenca solista desempeña la melodía principal (a efectos de textura, "suplanta" a la voz y se produce un trasvase idiomático desde la guaracha cubana a la versión de rumba flamenca instrumental).

    • Relleno armónico. Acordes de la guitarra acompañante, en estilo rasgueado y percusivo típico del flamenco.  La segunda guitarra la toca Ramón de Algeciras, hermano del autor. 

    • Bajo. Interpretado por el bajo eléctrico (sustituyendo al contrabajo, típico en la guaracha cubana).

    • Percusiones.  Realizadas por un instrumento netamente afro-cubano, los bongós, que desarrollan un patrón rítmico constante (obstinato rítmico) de rumba cubana (soporte rítmico, aporta estabilidad y coherencia), combinado con variaciones rítmicas de carácter improvisatorio (que aportan variedad e interés).

• Timbre, dinámica y otros aspectos expresivos e interpretativos.

  • Timbre. La instrumentación y los timbres elegidos denotan el carácter mestizo, fusionado e innovador de esta música (nadie hasta entonces había utilizado una instrumentación de este tipo en el flamenco). Es la siguiente: guitarra solista, guitarra rítmica (instrumentos típicamente flamencos), bongós (instrumento afrocubano que sustituyen las tradicionales palmas flamencas y gracias a los cuales se pueden hacer veloces repiqueteos) y bajo eléctrico (que añade un nuevo timbre eléctrico absolutamente novedoso en el flamenco, influencia del pop o rock).

  • Dinámica. La obra, en general, se desarrolla en un rango dinámico que oscila entre el mezzoforte de la introducción, al forte y fortissimo de determinados pasajes. Ello es característico de toques y cantes festeros flamencos como este (una rumba flamenca), de carácter alegre, dancístico y festivo. El rango dinámico de la guitarra solista Paco de Lucía, por otra parte, es extremadamente rico y contrastante, la ejecución melódica basada en picados (punteados, solos de guitarra), rasgueos intercalados, y diversos matices de articulación y fraseo confieren a la guitarra de Paco de Lucía un carácter único, lleno de energía, temperamento y "duende" flamenco (magia) que seduce al espectador de inmediato.

  • Aspectos expresivos e interpretativos. La melodía del tema, que la lleva la guitarra solista de Paco de Lucía, se caracteriza por imitar, en cierto sentido, la voz humana. Para ello el guitarrista hace uso de diversas técnicas e innovadores efectos expresivos guitarrísticos como glissandi, mordentes, ornamentos rápidos, apoyaturas, etc.

• Contexto histórico y periodo artístico. Estilo musical

La bulería por soleá es una de las principales variantes de la bulería. Las bulerías son un palo que se caracteriza por su estilo vibrante y espontáneo. Admite improvisaciones métricas y musicales de todo tipo, una versatilidad que es necesaria para provocar su carácter espontáneo. Se trata de un paso intermedio entre ambas. La soleá, por su parte, tiene un tempo lento y pesado, aunque su compás es igual que el de las bulerías, pero con otro carácter (más sosegado y solemne). Podríamos decir que las bulerías por soleres con "bulerías para escuchar". Conservan la pureza y compás de las soleares, pero se aligeran en su ejecución.

Los primeros ejemplos palos, llamados "palos boleros", en el caso de la bulería, especialmente, se remontan al siglo XIX (Romanticismo musical y nacionalismo musical español, época de la primera zarzuela) y están conectados con  profundo proceso de mestizaje fruto de procesos de colonización y migraciones "de ida y vuelta" (todo en el contexto, a su vez, de la primera revolución industrial). Lo anterior trasmite a la música una profunda expresión emocional y una conexión con la vida, el trabajo y los problemas de las clases humildes (muy presente en el caso de la soleá), que se desarrolló originariamente en Andalucía a partir de esta época.

Esta obra se enraiza en esa tradición, pero ha sido interpretada y grabada a finales del siglo XX desde el respeto y la referencia al cante jondo (instrumentación, interpretación y tratamiento tradicional y ortodoxo del cante y toque flamenco). En la actualidad, gracias a artistas de la talla de Carmen Linares el flamenco sigue evolucionando desde la segunda mitad del siglo XX a la actualidad para convertirse en universal.  Carmen Linares ha llevado el flamenco por los cinco continentes. 

En noviembre de 2010 la Unesco lo declaró el flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad​ a iniciativa de las comunidades autónomas de Andalucía, Extremadura y Murcia. Además es Patrimonio Cultural Inmaterial Etnológico Andaluz.

• Forma y estructura.

Al analizar la forma de una obra flamenca debemos referirnos al palo flamenco al que pertenece. Estamos, como hemos dicho arriba ante una bulería por soleá. 

En lo referente al texto y versificación, se desarrollan coplas (estrofas) de tres o cuatro versos octosílabos.

•  Ritmo.

El ritmo responde con el "compás" (en el flamenco se llama así al ritmo) de la soleá. En su interpretación como bulería por soleá se ejecuta a ritmo más rápido de lo que lo haría una soleá, renunciando al carácter solemne, pesado y lento de la misma. Este cante que es producto de la intensificación del ritmo de la soleá o de la desaceleración del de la bulería. 

Según el concepto de compás manejado en el mundo del flamenco, el esquema rítmico que escuchamos es 1 2 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 (indicando las cifras en negrita los pulsos fuertes). Se trata de uno de los compases de 12 tiempos (12/8) tan usados en algunos palos flamencos. Podríamos transcribirlo como el compás de amalgama de  3/8  + 3/8 + 2/4 + 2/4  + 2/4 (comenzando en la anacrusa del último 2/4). 

• Aspectos melódicos y armónicos. Textura.

Melodía y armonía basada en lo que algunos autores denominan tonalidad "modal andaluza", conocida como también como modo frigio o simplemente modo flamenco. La armonía que realiza la guitarra se basa en la cadencia andaluza, modal, y se realiza sobre la posición de "la mayor", lo que en el lenguaje flamenco se llama «tocar por medio». 

Cante en dialecto andaluz, repleto de expresiones populares que pertenecen al habla andaluza tradicional y rural. Tratamiento ocasionalmente melismático de la silabización del texto, con  inflexiones expresivas microtonales, recursos vocales y melódicos, típicos y característicos del flamenco como quiebros, adornos de un semitono o jipíos, quejíos o aspiraciones.

La melodía vocal de la obra comienza con un quejío (ay).

La armonía se suele tocar en la guitarra, con cejilla o sin ella, con la postura básica de "mi mayor" ("tocar por arriba", lo llaman los flamencos) o con la de "la mayor" ("tocar por en medio"), como dijimos antes.

Textura de melodía acompañada. Carmen Linares (voz, melodía), guitarra flamenca (acompañamiento), palmas (percusión mediante obstinato rítmico con variaciones o modificaciones) y jaleos ocasionales. La guitarra desempeña en momentos determinados ambas texturas (en el temple o introducción o en la falsetas, breves interludios instrumentales), siempre como un complemento y contraste al cante.

• Timbre, dinámica y otros aspectos expresivos e interpretativos.

Timbre.  

La voz y el timbre de Carmen Linares enraízan con el cante jondo, y sus gestos y puestas en escena, muy emotivos y expresivos, lo reafirman. Su voz potente, expresiva y llena de sentimiento le ha valido el reconocimiento de crítica y público. Carmen Linares está considerada como una de las cantaoras más completas y con mayor conocimiento de estilos flamencos, se trata de una leyenda viva del flamenco y ha sido reconocida con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2022. Es la única mujer del flamenco que ha ganado el Premio Nacional de Música de España en la categoría de interpretación.

Aspectos expresivos e interpretativos.

En la voz de Carmen Linares, es esta obra, escuchamos un compendio de los mejores rasgos interpretativos y expresivos del cante jondo:  quiebros y jipíos (vibratos), quejío (ya hemos mencionado el "lamento cantado" del "Ay" inicial), aspiraciones, interesantes y creativas variaciones rítmicas e inflexiones microtonales, todas ellas características del auténtico y profundo flamenco. Te recomiendo consultar: Manifestaciones musicales flamencas. El cante, el toque, el baile.

RITMO:

• Tipo de ritmo: ritmo de seguiriya. Se trata de un ritmo lento y solemne, libre y adaptado al cante. Ritmo de carácter sosegado y contenido.

• Compás: se trata de un palo de 12 tiempos (12/8), generalmente anotado y medido mediante un compás de amalgama de 3/4 + 6/8 expresado por los flamencos en cinco partes: 1 (dos corcheas), 2 (dos corcheas), 3 (tres corcheas), 4 (tres corcheas), 5 (dos corcheas). Podríamos transcribirlo como el compás de amalgama de 2/8 + 2/8 +  3/8 + 3/8 + 2/8.

• Tempo: tempo lento, pausado acorde con lo solemne de la letra y de este tipo de cante. 

• Otras observaciones de interés: La métrica es una especie de inversión o desplazamiento del compás de otros palos de 12 tiempos como la bulería, 6/8 + 3/4.

MELODÍA:

• Tipo de melodía: Melodía modal, melismática y expresiva.

• Otras observaciones de interés. 

1. • Melodía basada en lo que algunos autores denominan tonalidad "modal andaluza", conocida como también como modo frigio o simplemente modo flamenco. 

   • La armonía que realiza la guitarra de Paco de Lucía se basa en la cadencia andaluza, modal, y se realiza sobre la posición de "la mayor" (en tonalidad de re menor frigio), lo que en el lenguaje flamenco se llama «tocar por medio». La introducción de guitarra se realiza sobre rasgueos largos y de gran expresividad, preludiando el dramatismo del cante. 

   • Tratamiento melismático de la silabización del texto, con  inflexiones expresivas microtonales, recursos vocales y melódicos, típicos y característicos del flamenco como quiebros, adornos de un semitono o jipíos, quejíos o aspiraciones.

   • La letra está llena de quejíos: encontramos uno tras en el temple de la guitarra, en la intruducción.

   • Todo lo anterior hace que se considere a la seguiriya en general, y a esta obra en particular,  como cante jondo puro, precedente de los cantes de palo seco (sin guitarra).

TEXTURA

• Tipo de textura: melodía acompañada.

• Otras observaciones de interés. Camarón de la Isla (voz, melodía), Paco de Lucía y Ramón de Algeciras (guitarras, acompañamiento). La guitarra desempeña en momentos determinados ambas texturas (en el temple o introducción o en la falsetas, breves realizaciones o interludios instrumentales de guitarra solista). 

Como complemento a la melodía, se producen jaleos flamencos (ocasionales intervenciones orales, expresivas, en andaluz, de los músicos).

Hay que destacar la ausencia de palmas u otro tipo de percusiones, exceptuando la que realiza el ocasionalmente el guitarrista sobre el golpeador de la tapa de la guitarra (estamos ante un cante jondo, serio y austero).

TIMBRE

• Voz, instrumento, conjunto vocal o instrumental: Ver arriba,

• Otras observaciones de interés. La voz afilá (terminología flamenca para referirse a voz ronca, como la de Camarón de la Isla en esta grabación) es la ideal para cantar por seguiriyas.

FORMA:

• Forma. Se trata de una seguiriya.

• Otras observaciones de interés.  

Sobre la seguiriya en general:

La seguiriya es un palo solemne y muy emocional, en el que se otorga mayor importancia al sentimiento del cantaor que a la propia estructura de la pieza. 

El origen de la seguiriya es incierto, aunque hay cierto consenso en que puede proceder de las plañideras, mujeres contratadas para expresar pena y dolor en los velatorios y entierros. Las primeras señales de este cante se encuentran en Cádiz y Sevilla, los Puertos, Jerez y el barrio de Triana, derivados de las tonás primitivas.

Antiguamente se interpretaban a capella y, aunque hoy día suele acompañarse con la guitarra, continúa siendo un palo serio, sin ornamentación, lo que lo convierte en un cante muy difícil de interpretar, plagado de cambios de tono y matices.

Sobre la estructura:

Primera sección. Introducción. El cante se inicia con un temple largo y quejumbroso que dará paso a la letra. Tiene lugar la entonación y es la parte introductoria de preparación de la voz para entonar mediante los ayeos.

Segunda sección. Corresponde al desarrollo de la primera copla del cante.

Tercera sección. Se desarrolla la segunda copla del cante, o el estribillo si lo hubiera.

Cuarta sección o macho (coda). Las distintas secciones vocales se van sucediendo, según el número de estrofas que contenga el cante, hasta concluir en la última copla. Finaliza con la guitarra, que marca el compás de forma insistente.

GÉNERO MUSICAL: 

• Género: obra vocal, flamenco, palo de seguiriya playera (o plañidera); también denominada seguiriya de Cádiz.

• Otras observaciones de interés:  El origen de este palo data de principios del siglo XIX, surgiendo probablemente a partir de los cantos de plañideras, por lo cual se conoce este palo también como seguidillas playeras, posiblemente por deformación de plañidera. El tema fúnebre de esta obra

PERIODO ARTÍSTICO Y CRONOLOGÍA: 

• Periodo artístico: Flamenco moderno (en realidad, estilísticamente, es cante jondo tradicional, pero grabado en 1969)..

• Cronología: 1969, segunda mitad del siglo XX.

• Otras observaciones de interés. Esta obra pertenece al álbum Al verte las flotes lloran (1969), primer trabajo discográfico de Camarón de la Isla. El nombre oficial del álbum es El Camarón de la Isla con la colaboración especial de Paco de Lucía, pero fue llamado Al verte las flores lloran debido a que entre los aficionados se dio la costumbre de llamarlo por el nombre de la primera canción.

TÍTULO:

• Título: Si acaso muero (seguiriyas), pertenece al álbum Al verte las flotes lloran (1969).

• Otras observaciones de interés. Al verte las flores lloran (oficialmente El Camarón de la Isla con la colaboración especial de Paco de Lucía) es el primer álbum del cantaor español Camarón de la Isla. Fue grabado y publicado en 1969. Como guitarrista presenta a Paco de Lucía, quien ya había iniciado previamente su carrera como guitarrista solista. 

AUTOR Y/O INTÉRPRETE: 

• Autor:  no conocemos la autoría original de la obra, probablemente trasmitida de manera oral y de autor-as anónimo-s.

• Intérpretes: Camarón de la Isla (voz) , Paco de Lucía (guitarra principal), Ramón de Algeciras (segunda guitarra).

• Otras observaciones de interés. 

Camarón de la Isla. José Monge Cruz (San Fernando, Cádiz, 5 de diciembre de 1950-Badalona, Barcelona, 2 de julio de 1992), conocido artísticamente como Camarón de la Isla o simplemente Camarón, fue un cantaor español considerado por muchos como el mejor cantaor de flamenco moderno y una de sus más importantes figuras. Fue un artista innovador y revolucionario, pero sin dejar de lado los cánones antiguos y la esencia pura del cante jondo gitano andaluz.

Paco de Lucía. Francisco Gustavo Sánchez Gómez (Algeciras, España; 21 de diciembre de 1947-Playa del Carmen, México; 25 de febrero de 2014),​ más conocido como Paco de Lucía, fue un músico y compositor español considerado el mejor guitarrista de flamenco de toda la historia y un virtuoso del instrumento a nivel mundial.

RITMO:

• Tipo de ritmo: marcado (inspirado en el ritmo del palo flamenco de farruca) y de carácter dancístico (basado en el el baile de la zambra). El ritmo marcado se ve a menudo matizado por recursos expresivos de agógica (acelerando, ritardando, tenuto, rubato), siempre en relación con el texto y su expresión. Lo anterior está también conectado con el carácter dancístico, muy expresivo, de la obra.

• Compás: 2/4, compás binario de subdivisión binaria.

• Tempo: andante.

• Otras observaciones de interés: 

El ritmo se base en un obstinato (rítmico) característico que se repite recurrentemente en toda la obra (marcado por la percusión, caja)

A comienzos del estribillo se aprecia un ritmo tenuto, un rallentantando y posterior acelerando que produce una intensificación de la emoción dramática expresada en el texto. De la misma manera, abunda el tratamiento rubato del ritmo, especialmente entre secciones (finales de estrogfa o copla, transición a estribillo). 

El ritmo se inspira en una farruca  (en lo musical) y en la zambra (en lo dancístico), dos de los palos flamencos más recientes. 

• Sobre la farruca. Su origen se encuentra en el folclore del norte de España, y fue llevado a Andalucía a mediados del siglo XIX por la emigración. Sería después adaptada por los músicos andaluces, que la aflamencarían. La manera flamenca de este cante se popularizó enormemente durante el siglo xx gracias a la copla andaluza, como en este caso.

• Sobre la zambra. También conocida como zambra mora, es un palo flamenco originario de los gitanos de Granada. Se cree que es resultado de la evolución de anteriores danzas moriscas. La zambra mora tiene algunas similitudes con la danza del vientre y es especialmente parecida a la danza flamenca de los cantes por taranto de Almería.

MELODÍA:

• Tipo de melodía: melodía de carácter exótico, flamenco y orientalizante, con reminiscencias moriscas, que alterna lo éxotico u oriental (menor armónico, con aire netamente "exótico", en la estrofa o copla) con lo tonal (modo mayor en el estribillo).

• Otras observaciones de interés. 

  • Parte A (estrofa o copla): modo menor armónico (menor). Esta es una escala típicamente flamenca, a la que se conoce, desde el Vº como "modo flamenco mayor". 

  • Parte B (estribillo): modo mayor.

  • Se produce una modulación menor-mayor entre las melodías (y armonía) de estrofa y estribillo. Este contraste entre el modo menor (de las coplas o estrofas) y el modo homónimo mayor (de los estribillos) es una característica presente en la música académica desde los comienzos del Romanticismo (Franz Schubert), ahora asimilado como un recurso "sentimental" y dramático en el teatro musical de finales del siglo XIX (y posterior cine musical de mediados del siglo XX). 

  • El modo mayor del estribillo (acompañado del marcado ritmo tenuto de comienzos del estribillo) produce una intensificación de la emoción dramática expresada en el texto. No debemos olvidar que la copla andaluza posee un carácter y esencial netamente teatral (la copla es un micro-relato en sí  mismo, cuenta una historia, además de estar incluida, habitualmente, como en este caso, en una obra escénica de mayores dimensiones: una película musical)

  • La canción describe y expresa de manera desgarrada la tristeza de la intérprete (Lola Flores) ante la lejanía de su amado, atrapado en un incierto infortunio.

TEXTURA

• Tipo de textura: melodía acompañada.

• Otras observaciones de interés.

  • Melodía: voz de mujer, soprano (Lola Flores).

  • Acompañamiento: conjunto instrumental de cuerda frotada, viento madera y viento metal (pequeño conjunto orquestal) y percusión (caja y platillos).

TIMBRE

• Voz, instrumento, conjunto vocal o instrumental: Voz de mujer, soprano (Lola Flores), pequeña orquesta de cuerda frotada, viento madera y viento metal  y percusión (caja y platillos).

• Otras observaciones de interés. El timbre elegido para esta orquestación denota la fusión entre lo popular (voz aflamencada de Lola Flores) y los instrumentos clásicos (cuerda frotada) combinados con las maderas - clarinete, oboe - y metales - saxofones), cuya combinación y empaste son propios del estilo popular radiofónico y cinematográfico del cine musical de la época (mediados del siglo XX). Este tipo de orquestaciones, a su vez, proceden de la tradición de los espectáculos musicales de finales del XIX y principios del XX ( tonadilla, el teatro de variedades, la zarzuela, la ópera flamenca y el cuplé).

FORMA:

• Forma. Se corresponde con una forma de canción estrófica, con estribillo e introducción.

• Otras observaciones de interés. Estructura: Introducción instrumental (danza), copla 1 (estrofa), estribillo 1, interludio instrumental 1 (danza, sobre la música de la introducción), copla 2 (estrofa), estribillo 2, interludio instrumental 2 (danza, sobre la música del estribillo), estribillo 3. Podemos resumirla en el esquema: Intro, A, B, Interludio 1 (Intro), A, B, Interludio 2 (sobre B), B final.

A. Copla 1

(a1)

Si en el firmamento poder yo tuviera,

esta noche negra lo mismo que un pozo,

con un cuchillito de luna, lunera,

cortara los hierros de tu calabozo.

(a2)

Si yo fuera reina de la luz del día,

del viento y del mar,

cordeles de esclava yo me ceñiría

por tu libertad.

B. Estribillo

(b1)

¡Ay pena, penita, pena, pena,

pena de mi corazón,

que me corre por las venas, pena,

con la fuerza de un ciclón.

(b2)

Es lo mismo que un nublao 

de tiniebla y pedernal.

Es un potro desbocado

que no sabe donde va.

(b1')

Es un desierto de arena, pena,

es mi gloria en un penar, 

¡ay, penar, ay, penar!

¡Ay pena, penita, pena!

A. Copla 2

(a1)

Yo no quiero flores, dinero, ni palmas,

quiero que me dejen llorar tus pesares

y estar a tu vera, cariño del alma,

bebiéndome el llanto de tus soleares.

(a2)

Me duelen los ojos de mirar sin verte,

reniego de mi,

que tienen la culpa de tu mala suerte,

mi rosa de abril.

GÉNERO MUSICAL: 

• Género: música vocal, copla española o copla andaluza, música popular de carácter folklórico y dancístico.

• Otras observaciones de interés. 

  • Esta obra pertenece al periodo de la copla clásica (1930-1960), cuando este género adquiere una gran popularidad gracias a su inclusión y difusión a través del cine. Durante este periodo se mantuvo como el género más importante de la música popular española, aportando muchas y exitosas películas dentro del género del cine musical español, algunas de ellas, de calidad.

  • Debemos destacar también, en esta interpretación, el carácter dancístico de esta obra. Esta obra nos remite a la zambra mora, un tipo de danza flamenca, de origen morisco, sensual y sugerente, asociada al palo flamenco del mismo nombre (zambra).

La danza de esta copla permite la insinuación erótica y la alusión, sin palabras, a temáticas tabúes, prohibidas durante el franquismo (dictadura), que eran aquí insinuadas eludiendo la censura (violencia contra las mujeres, relaciones extramatrimoniales o prostitución). 

PERIODO ARTÍSTICO Y CRONOLOGÍA: 

• Periodo artístico: Copla clásica (periodo 1930-1960), segunda mitad del siglo 

• Cronología: La canción fue compuesta en 1951; la versión de la banda sonora que escuchamos, data de 1953. En ambos casos, durante la España de la posguerra (1939-1959).

• Otras observaciones de interés. Esta obra pertenece al periodo de la copla clásica (1930-1960), cuando este género adquiere una gran popularidad gracias a su inclusión y difusión a través del cine. Durante este periodo se mantuvo como el género más importante de la música popular española, aportando muchas y exitosas películas dentro del género del cine musical español, algunas de ellas, de calidad.

TÍTULO:

• Título: ¡Ay, pena, penita, pena!

• Otras observaciones de interés.

  • Sobre la canción:  ¡Ay, pena, penita, pena! es una copla andaluza compuesta en 1951 para el espectáculo del Teatro Calderón de Madrid La Copla Nueva, que interpretaban Manolo Caracol junto a su hija. 

  • Sobre la película. La canción dio título a un película musical hispano mexicana de 1953, protagonizada por la artista Lola Flores.  ¡Ay, pena, penita, pena!! fue la primera de los nueve musicales que interpretó la artista jerezana en México entre 1953 y 1964 y una de sus películas que la hicieron muy popular. La película gira en torno al papel que interpreta Lola Flores, caracterizado por su procedencia andaluza, denotada en el habla, la vestimenta y adornos que luce al igual que sucede en otros musicales folclóricos de esos años. En la historia, una cantante gitana que se gana la vida vendiendo billetes de lotería, entabla conversación con dos pobres hermanos mexicanos y deciden comprar un billete de lotería, que resulta premiado. Viajan a México, donde ella terminará triunfando como cantante. 

AUTOR Y/O INTÉRPRETE: 

• Autor:. Antonio Quintero, Rafael de León (letristas), Manuel Quiroga (compositor).

• Intérprete:  Lola Flores (cantante).

• Otras observaciones de interés. 

  • Los letristras Antonio Quintero, Rafael de León y el compositor Manuel Quiroga fueron los autores más prolíficos y populares de la copla clásica (1930-1960).

  • Lola Flores, fue una actriz, bailaora y cantante de copla española clásica (1930-1960). Como actriz, interpretó más de 35 películas, muchas de ellas ambientadas en el folclorismo andaluz.​ Se convirtió en un símbolo y un tópico de una época en la España del siglo xx. Fue una de las primeras mujeres en la España de la posguerra (1939-1959) en hablar libremente de temas considerados tabú como la violencia contra las mujeres, las relaciones extramatrimoniales o la prostitución.