Flamenco. Definición

El flamenco es un género musical español de carácter popular, resultado de un profundo proceso de mestizaje, caracterizado por una profunda expresión emocional y su conexión con la vida, el trabajo y los problemas de las clases humildes, que se desarrolló originariamente en Andalucía a partir de la segunda mitad del siglo XVIII, especialmente en las zonas de: 

• Cádiz y sus puertos, San Fernando, Jerez de la Frontera (lugar donde se encuentra el primer vestigio escrito de este arte).

• Sevilla y los pueblos de su provincia como Lebrija y Utrera.

• Huelva, Granada y Córdoba.

También es autóctono de algunas zonas de:

• Extremadura.

• Región de Murcia.

• Castilla-La Mancha..

Flamenco. Contexto histórico y social

Hacer un recorrido por el contexto histórico y social que recopile un fenómeno cultural tan transversal, mestizo y enraizado como el flamenco no es fácil. No tratamos en este tema un periodo de la historia sino una manifestación cultural transversal en el tiempo. Mencionaremos, en primer lugar aquellos hechos y referencias histórico-sociales que, a lo largo de los tiempos, han sido considerados precedentes o antecedentes de este género musical. Posteriormente, lo haremos también con el flamenco pleno. Tal y como lo conocemos hoy en día, el flamenco data, remontándonos muy atrás en el tiempo, de finales del siglo XVIII y principios del XIX. 

Existe controversia sobre el origen del flamenco. Aunque hay distintas opiniones y vertientes, ninguna de ellas ha podido ser comprobada de forma histórica. El diccionario de la RAE lo asocia a la cultura popular andaluza y a la notable presencia del pueblo gitano en aquella, pero es más que perceptible la fusión de las distintas culturas que coincidieron en Andalucía a lo largo de la historia. 

De todas las hipótesis sobre el origen del flamenco y las influencias históricas, sociales y culturales que recibe, la tesis más extendida y verosímil es la que expone un origen diverso. Respondiendo a esa complejidad y diversidad, vamos a abordar el contexto bajo el análisis de las diversas influencias que recibe y pueden haber contribuido, en mayor o menor medida, a configurar lo que hoy día llamamos flamenco:

Contexto e influencias antiguas y medievales. Antecedentes del flamenco

Podemos señalar, en primer lugar, algunas de estas posibles y diversas influencias antiguas y medievales:

• Influencias remotas de la Antigüedad:

  • Griegos:   los primeros colonos griegos al sur de la península ibérica durante la época arcaica, o colonización arcaica griega (s. VIII a.C.- VI a.C.) llegan. En escritos griegos encontramos el estilo melismático como característica típica del  canto del sur de España. Este estilo es una de las señas de identidad del cante flamenco. 

  • Romanos. La conquista romana de la península ibérica comenzó en siglo II a.C. De la época romana, se conocen reseñas históricas documentadas sobre las puellae gaditanae, jóvenes bailarinas procedentes de Gades, la colonia que fundaron los fenicios en el territorio de la que hoy es Cádiz (ciudad que  también tenía una cultura griega bastante asimilada). Estas bailarinas, acompañadas por músicos, llegaron a ser muy apreciadas en los círculos de la aristocracia y alta burguesía romana. En los relieves aparecen las puellae gaditanae con  castañuelas, y con posiciones de pies y de brazos idénticas a las del flamenco actual. 

• Influencia judío-sefardita. Se tiene conocimiento de la existencia de comunidades judías en el sur de la penínsul ibérica desde tiempos remotos (desde el siglo VII a.C.). Los sefardíes o sefarditas son aquella parte del pueblo judío que vivió en la península ibérica hasta su expulsión por los Reyes Católicos de las coronas de Castilla y de Aragón (1492). Palos flamencos como la seguiriya y el fandango encuentran, según algunas teorías, su posible origen en la liturgia semita. 

• Influencia árabo-andalusí o morisca. Se remonta a la Edad Media, en la época de la España musulmana, llamada Al-Andalus (que existe, ampliamente, desde el año 711, siglo VIII) hasta la posterior Reconquista y expulsión de los árabes y judíos tras la Caída de Granada (siglo XV, 1492). La música andalusí, será la resultante de la fusión de  la musulmana procedente del norte de África, con la cristiana y judía, ya existentes en la  península. 

El origen de la palabra flamenco podría estar en la expresión árabe usada en Marruecos fellah-mangu, que significa "los cantos de los campesinos". Más concretamente, según el político y "padre" del andalucismo, Blas Infante, el flamenco es la música de los fellah min gueir ard (en árabe), los campesinos moriscos sin tierra. 

Está demostrada la influencia de las jarchas hispano-mozárabes-judías en el cante, métrica y las temáticas flamencas. Palos flamencos como la granaína con su indiscutible origen moruno, o la zambra, que es un vocablo que originalmente designaba las antiguas reuniones de músicos andalusíes, son claros exponentes de esta influencia. 

• Influencia castellana. Coincidiendo con el final de la Reconquista (1492), desde el siglo siglo XV en adelante, se produce la expansión del romance por toda la península ibérica. Se trata de un tipo de poema característico de la tradición literaria española. Te recomiendo consultar: HDM 3.5.2.-4. Romance.

La conexión entre el romance y el flamenco está documentada por los estudiosos. La estilización del romance castellano medieval de cuartetas o de tres versos dio lugar a las tonás primitivas; probablemente, este fue uno de los antecedentes del cante flamenco que aún se manifiesta en palos como romances flamencos, saetas o martinetes.

• La influencia gitana en el flamenco es evidente e indiscutible y la encontramos tanto en el baile como en la música. El pueblo gitano llega probablemente a la península ibérica hacia el siglo XV. Existen hipótesis que apuntan a la influencia en el flamenco de tipos de baile provenientes del subcontinente indio, zona de origen del pueblo gitano. También los ritmos flamencos diferentes a los europeos tienen caracteres que hoy sólo  encontramos en la música india. 

Algunos autores consideran que el nombre "flamenco" deriva de a los gitanos se les conoce también como "flamencos". Esta teoría sostiene que "flamenco" deriva de flamancia, palabra que proviene de "flama" y que en germánico se refiere al temperamento fogoso de los gitanos.

• Influencia africana. Recientes estudios etnomusicológicos revelan lo que muestra el documental Gurumbé, canciones de tu memoria negra (2016): la influencia africana en los ritmos y coreografías del flamenco. La película muestra la presencia africana en España entre los siglos XV y XIX (época de expansión del Imperio Español por África y América, así como de intensos intercambios comerciales y culturales). Algunos estudiosos defienden el esencial componente africano la cultura musical española, en general, y, sobre todo, en el flamenco.

Contexto e influencias modernas. El flamenco pleno

En segundo lugar, analizaremos brevemente el contexto socio-cultural en el que ha evolucionado el flamenco desde su eclosión (finales del siglo XVIII) a la actualidad:

• Siglos XVIII-XIX. La existencia del flamenco, tal como lo  conocemos hoy día, se remonta al periodo 1765 y 1860 (siglo XVIII y XIX). En esta época encontramos tres focos de importancia: Cádiz, Jerez de la Frontera, y el barrio de Triana, en Sevilla. Es a partir de esta  época cuando el baile flamenco, empieza a tener un sitio entre los bailes españoles que se  desarrollan en las escuelas, representándose frecuentemente en patios, ventas y salones  privados cuando se celebraban fiestas. Te recomiendo consultar: HMD 6.3.6. La danza clásica. El ballet clásico y la escuela bolera española. Autores y obras

• Siglos XIX y principios del XX. Entre 1860 y 1910 se ingresa en una época más prolífica que se ha llegado a llamar la "Edad de Oro del Flamenco". En esta época florecen los cafés cantantes, desarrollando el flamenco  todas sus facetas (toque, cante y baile), hasta fijar definitivamente lo que pudiéramos considerar un clasicismo de lo "jondo".

• Primera mitad del siglo XX. Entre 1910 y 1955, el cante está marcado por lo que ha llegado a llamarse la etapa de la Ópera Flamenca; se imponen los cantes más ligeros como los fandangos y cantes de ida y vuelta (de influencia sudamericana, que trajeron los cantaores que habían sido emigrantes en Latinoamérica). 

El flamenco comienza a tener un papel en la música culta y es foco de atención del nacionalismo musical español de autores como Albéniz, Granados o Falla. En En 1922, un grupo de intelectuales, liderados dos por Manuel de Falla (1876-1946) y otros artistas de la Generación del 27, como Federico García Lorca, crean en  Granada el primer Concurso Nacional Flamenco, con la finalidad de buscar nuevos valores que cultiven el cante jondo  auténtico. Te recomiendo consultar:

• Nacionalismo musical español

• Nacionalismo musical español. Autores y obras

• Análisis de audición AMII.10.2.5. “Danza ritual del fuego”, de "El amor brujo" (1915-1925). Manuel de Falla. PEvAU HMD

• Análisis de audición AMII.10.2.2. “El Corpus Christi en Sevilla”, de la Suite Iberia (1905-9). Isaac Albéniz. PEvAU HMD y AMII

• Segunda mitad del siglo XX. A partir de 1955 nos encontramos con un renacimiento del Flamenco. El baile en esta época se desarrolla en los tablaos, que son los herederos de los cafés cantantes anteriores, contando con verdaderas personalidades del baile, que alternan sus  actuaciones también en teatros, festivales y otros escenarios. Los guitarristas, acompañando al cante y al baile adquieren un mayor protagonismo,  alcanzando este arte su madurez solista.

• Actualidad. El flamenco sigue evolucionando desde la segunda mitad del siglo XX a la actualidad para convertirse en universal.  De un lado notamos nuevas tendencias de mestizaje con otros estilos musicales. De otro lado, importantes artistas han llevado el flamenco por los cinco continentes. En noviembre de 2010 la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad​ a iniciativa de las comunidades autónomas de Andalucía, Extremadura y Murcia. Además es Patrimonio Cultural Inmaterial Etnológico Andaluz.

Copla. Definición

La copla, copla andaluza, canción española o canción folklórica es un género artístico de la música de España, concebido originalmente como escénico-dramático, que conjuga música, letra e interpretación. Enraizado en el folklore español, la copla recibe influencias de la tonadilla tradicional, del teatro de variedades, la zarzuela, la ópera flamenca y el cuplé.

La copla es parte del floklore español y andaluz, parte de un conjunto diverso de expresiones culturales que reflejan la rica historia y la mezcla de influencias culturales en la región. La copla y el flamenco son dos expresiones musicales distintas, aunque comparten ciertas raíces culturales. 

Copla. Contexto histórico y social

La copla española existe desde principios del siglo xx y se mantuvo vigente incluso durante la Guerra Civil española (1936-1939) y la posguerra (1939-1959). A partir de 1950 tuvo una fuerte presencia en el cine musical español y en el teatro popular español. 

A partir de la década de los años 70, ya durante el periodo de la Transición española (1975-1982), comenzó un ligero declive con la popularización en España de otros estilos musicales. Sin embargo, su fuerte arraigo en la identidad cultural del país y el compromiso de muchos artistas han permitido que la copla siga vigente en el siglo XXI. 

HDM.12.2.1. El flamenco

Manifestaciones musicales flamencas. El cante, el toque, el baile

El flamenco es un arte que se presenta en dos variantes: música y baile. En la música, el cante y la guitarra flamenca ocupan el papel fundamental, aunque existen otros instrumentos (como la percusión, con el cajón flamenco, o el acompañamiento con palmas flamencas o los "jaleos"). 

En los principios del flamenco (segunda mitad del siglo XVIII) todo giraba en torno al baile. A medida que avanzaba el tiempo, en el naciente espectáculo escénico romántico (principios del XIX), el cante  ocupó de un modo paulatino el sitio de honor, haciendo del flamenco una historia cantada y  narrada en primera persona. Era frecuente entonces que el propio cantaor o la cantaora se  acompañara con la música de guitarra. Así aparece el toque, que también creció: el  guitarrista reclamó paulatinamente un lugar proporcionado a sus logros individuales. 

Baile, cante y guitarra se vincularon entonces en espectáculos unificados, primero en los cafés cantantes (finales del XIX-principios del XX); posteriormente, en los  tablaos (segunda mitad del siglo XX)  con cada elemento más pulido y perfeccionado, hasta hacer del arte flamenco lo que hoy es (patrimonio de la humanidad y parte esencial de la cultura universal).  

Analizaremos por separado las principales manifestaciones o facetas, cada una de ellas con sus propias características, técnicas, tradiciones y normas, y aprovecharemos, para analizar las características musicales de este arte:

El cante

Según la Real Academia Española, se denomina "cante" a la "acción o efecto de cantar cualquier canto andaluz", definiendo "cante flamenco" como "el canto andaluz agitanado". Al intérprete de cante flamenco se le llama cantaor en vez de cantante.

Se denomina cante jondo al el canto más genuino andaluz, de profundo sentimiento.  Se caracteriza por su intensidad emocional y su conexión con las experiencias más profundas de la vida. El cante jondo aborda temas como el amor, la pérdida, el sufrimiento y la pasión. A menudo se realiza con un estilo vocal melancólico y apasionado. 

Manuel de Falla consideraba que el cante jondo era el cante flamenco antiguo, mientras que el cante flamenco era el moderno.

Algunos cantes flamencos, por ejemplo, la saeta flamenca, se interpretan a palo seco (a capella), sin acompañamiento de guitarra.

La melodía en el flamenco

El cante flamenco posee una serie de características que lo hacen peculiar y único: uso del vibrato, uso del falsete, velocidad, peso, fluidez, nasalidad, rugosidad, brillo, potencia, cante melismático o silábico, etc. 

Analizaremos a continuación algunas de las propiedades de la melodía en en flamenco:

• Tratamiento melismático. La melodía del cante flamenco, en general, y el cante jondo en particular, tiene un tratamiento, no solo silábico, sino en ocasiones melismático de la silabización del texto.

• Dialecto andaluz. El texto está en dialecto andaluz repleto de expresiones populares que pertenecen al habla andaluza tradicional y rural. El cante flamenco, sus poemas y lírica, es portadora de la profundidad de las tradiciones y el legado de siglos de una enraizada cultura popular.

• Modal. Se trata de una melodía a medio camino entre lo tonal y lo modal, del modo frigio (modo construido con notas naturales sobre a nota "mi") o de otros modos o escalas (como la escala menor armónica, con su característico giro melódico de segunda aumentada; o de otros modos o escalas exóticas de origen oriental).  Algunos autores denominan a lo anterior tonalidad "modal andaluza", conocida como también como modo frigio o simplemente modo flamenco. 

• Microtonalimo. La melodía flamenca es característica por producirse en ella inflexiones microtonales. En la música tradicional occidental, una octava se divide en 12 semitonos iguales. La microtonalidad o microtolnalismo implica la utilización en música de intervalos musicales menores que un semitono. En el microtonalismo se utilizan, por tanto, más notas, que llamamos microtonos. 

Lo anterior, es sin duda, una rémora de los precedentes e influencias antiguas orientales y no-occidentales de esta música que analizamos en el punto HMD 12.1. Contexto histórico y social. (Punto 2.1., BLOQUE 2, prueba PEvAU).

• Melodía con un componente improvisatorio. A pesar de ser un arte codificado bajo las normas y tradición formal, armónica, melódica  y rítmica de los palos flamencos, el cante y melodía flamenca tiene una faceta netamente creativa e interpretativa en la que se reserva un importante grado de libertad improvisatoria que queda a expensas del sentir del cantaor o cantaora.

• Otros recursos vocales y melódicos, típicos y característicos del flamenco son también:

  • Quiebro. Inflexión sobre una sola nota. Es un recurso vocal que da lugar, como consecuencia o efecto de dicha inflexión, a un adorno de un semitono. Se puede definir como un vibrato de una sola oscilación. Es un recurso muy utilizado también en el canto popular. 

  • Jipíos. Es un quiebro acentuado, parecido al gemido o al hipo.

  • Quejío. Grito cantado.

  • Aspiraciones. Término utilizado en fonética que designa la pronunciación de un soplo sordo que se produce mediante la espiración. La aspiración es frecuente en el habla andaluza. 

  • Variaciones rítmicas. Los diferentes valores que cada cantaor le da a las notas y a los silencios de una melodía típica cuando la interpreta. Se podría decir que el cantaor, en esos pasajes de la melodía, otorga más importancia al ritmo que a la altura de las notas.

El toque

Si el el flamenco la melodía corresponde al cante, suele ser la guitarra la que lleva la armonía. En el siglo XIX, el acompañamiento de guitarra se hizo común en muchos  géneros y, por eso, aparecieron los solos de guitarra.  El flamenco no podría ser lo que es sin los grandes guitarristas acompañantes o solistas (especialmente desde mediados del siglo XX a la actualidad, Sabicas o Paco de Lucía son grandes ejemplos de ello) o con el hecho de que el flamenco moderno y actual incorpora nuevos instrumentos e instrumentistas de prestigio a este ecléctico arte (percusionistas como Rubem Dantas, introductor del cajón flamenco, o flautistas como Jorge Pardo; por poner un ejemplo)

La postura y la técnica de los guitarristas flamencos, llamados tocaores, difieren de las usadas por los intérpretes de guitarra clásica. Mientras el guitarrista clásico apoya la guitarra sobre su pierna izquierda de forma inclinada, el guitarrista flamenco suele cruzar las piernas y apoyarla sobre la que se encuentra más elevada, colocando el mástil en una posición casi horizontal con respecto al suelo. 

Los tocaores usan una serie de técnicas específicas y características de este estilo, como por ejemplo:

• Alzapúa. Técnica de guitarra que se ejecuta íntegramente con el pulgar, se ejecuta mediante pulsaciones con el dedo pulgar de la mano derecha hacia arriba y abajo ejecutando de esta forma una línea melódica en las cuerdas graves (bordones), con contrapunto rítmico en las cuerdas agudas (tiples).

• Picado (flamenco). El guitarrista toca pasajes de notas sueltas con golpes de apoyo, alternando los dedos de la mano derecha. Lo más habitual es que los guitarristas alternen sus golpes entre los dedos índice y corazón.

• Rasgueo (flamenco). Se realiza la ejecución de dos o más cuerdas simultáneamente con los dedos de la mano derecha a la vez que se realiza un acorde con la mano izquierda. El rasgueo tiene su origen en la música popular o folclórica y a pesar de que sus inicios son casi tan antiguos como la guitarra misma, es en el flamenco donde más y mejor se han desarrollo técnicas de este tipo.

• Trémolo (flamenco). Técnica de repetición rápida sobre una misma nota que desempeña la línea melódica para generar, junto con el pulgar, una textura polifónica de melodía-bajo.

• Empleo del pulgar. Los guitarristas apoyan el pulgar en la tapa armónica de la guitarra y el dedo índice y medio sobre la cuerda superior a la que están tocando, logrando así una mayor potencia y sonoridad que el guitarrista clásico. 

• Percusión con dedos. Se apoya el dedo medio en el golpeador de la guitarra para conseguir más precisión y fuerza a la hora de pulsar la cuerda. Asimismo el uso del golpeador como elemento de percusión dota de gran fuerza a la interpretación guitarrística flamenca.

• Falseta. Se denomina falseta a la frase melódica o floreo que se intercala entre las sucesiones de acordes destinadas a acompañar la copla. Tal y como ocurre con el cante, en la falseta se respeta un equilibrio entre lo establecido por la tradición y la espontaneidad de lo improvisado. 

La armonía en el flamenco

• Tonalidad y modalidad. Tal y como pasa con la melodía, el acompañamiento y el toque solista de los guitarristas flamencos se basa en una enorme y peculiar riqueza que alterna o combina el sistema armónico modal con en el tonal.

Algunos autores denominan tonalidad modal andaluza al modo frigio , también lo podemos ver identificado en algunos libros como modo flamenco, conjunto de normas armónicas en la que destaca la llamada cadencia andaluza Como complemento, lo modal se alterna y complementa con los modos mayor y menor. 

Por ejemplo, el modo flamenco se usa en: seguiriyas, soleares, bulerías por soleá y tientos o marianas. La tonalidad menor, en la farruca, la petenera o la milonga. La escala o modo mayor, en las cantiñas, guajiras y cabales. Hay palos que pueden funcionar con los tres modos, como los tangos, martinetes, bulerías, rumbas, tanguillos y sevillanas. Existen otros, que funcionan con dos, normalmente mayor y/o flamenco, como los romances flamencos y las tonás, las tarantas, los fandangos, las malagueñas y granaínas.

El baile

El baile flamenco es muy expresivo y demandante técnicamente, cada parte del cuerpo ha de moverse de forma  coordinada: los pies, las piernas, las caderas, el talle, los brazos, las manos, los dedos, los  hombros, la cabeza...  

• El zapateado, juego de pasos de planta y tacón, caracteriza la danza de los hombres. 

• La forma  tradicional de danza en las mujeres se basa más en la gracia del cuerpo y en los movimientos de  las manos. Se cree que, especialmente, el baile grande retiene elementos de danzas indias,  donde tienen su origen el pueblo gitano.

Las castañuelas, que se encuentran en la danza andaluza folklórica o tradicional, no son tradicionales en el flamenco.  

El ritmo en el flamenco

Los flamencos llaman al ritmo "compás". Tanto el texto como la melodía de estos cantos, al igual que la danza flamenca, se realizan y varían sobre unas estructuras tradicionales de acordes y un ritmo característico. 

El instrumento rítmico flamenco por antonomasia son las palmas. El cante y el baile pueden estar acompañados por el jaleo, toque rítmico de dedos, palmas y gritos. 

Explicaremos, analizaremos e interpretaremos la rítmica flamenca en la siguiente sección: Los palos flamencos.

Antecedentes

La copla, como género de la música española vinculado al folklore andaluz, surge en la década de los años veinte, con los antecedentes de la tradicional tonadilla, el teatro de variedades, la zarzuela, la ópera flamenca y el cuplé, del que heredó su sociología y valores.

Temáticas

Los libretos de este género ahondan en las pasiones humanas, generalmente con carácter narrativo. Las letras de la copla clásica despliegan historias de sentimientos desbordados: el amor, el desengaño, los celos, la tristeza o la alegría en los que los personajes se ven superados por unas pasiones que no pueden ni quieren controlar. En muchos casos se evocan personajes sombríos e imágenes violentas; en otros, un resignado sufrimiento y honda tristeza.

Hay letras brillantes en la historia de la copla, siendo las más habituales las historias hiperbólicas (recordemos su carácter narrativo, las coplas son canciones que cuentan historias). 

Abunda también la temática costumbrista, con referencias aportadas por los autores de las letras de la generación del 27, que introducen también las temáticas de la tauromaquia o temas relacionados con el pueblo gitano.

Forma

La forma más usada es la canción, con estribillo (canción estrófica) o sin estribillos (canción estrófica de forma desarrollada). Las temáticas e historias se desarrollan en pocas estrofas hasta su desenlace final. 

Carácter y estilo

La copla tiende a ser aflamencada, pero sin jondura, si bien importantes intérpretes, como Concha Piquer, se formaron en la tradición lírica otorgando a la copla un carácter académico próximo al virtuosismo operístico.

Vocalmente, requiere de intérpretes con gran control de la proyección del aire para lograr una voz potente con dominio del vibrato. Generalmente se hace uso del acento andaluz, aunque no siempre es así (existen y han existido grandes intérpretes de toda la geografía española). 

Timbre e instrumentación

El acompañamiento musical de la copla clásica es orquestal, en la tradición de la música culta española como la zarzuela.

Breve evolución del género de la copla

• 1910-1930. Las primeras coplas surgen asociadas a la tradicional tonadilla, el teatro de variedades, la zarzuela, la ópera flamenca y el cuplé, es decir, en el contexto de espectáculos escénico-dramáticos.

• 1930-1960. La copla comienza adquirir una gran popularidad gracias a su inclusión y difusión a través del cine. Se mantuvo como el género más importante de la música popular española, aportando muchas y exitosas películas dentro del género del cine musical español, algunas de ellas, de gran calidad, 

• 1960-1990. La copla se vio desplazada por el pop, la balada romántica y la rumba catalana. El apoyo del régimen franquista a la copla como símbolo de la identidad nacional produjo el rechazo de ciertos sectores en los años ochenta del siglo xx.

• 1900-actualidad. Desde finales del siglo xx, con la aparición de internet y nuevas tecnologías digitales para difundir, producir y almacenar información, se favorece la heterogeneidad de la copla. 

La copla mantiene un fuerte arraigo en la identidad cultural de España. En la mayoría de las ocasiones, se produce la adaptación simple de coplas populares cantadas con anterioridad por artistas clásicos de copla. En contadas ocasiones, se da la fusión de la tradición de copla andaluza y la modernidad como ocurre en algunas de las producciones actuales aglutinadas bajo el género de copla.

Debemos mencionar la labor positiva de difusión y popularización de la copla que han protagonizado programas de Canal Sur (televisión pública de Andalucía) como Se llama Copla (2007-2016). 

HDM.12.3.1. Flamenco. Autores y obras

Nos remitimos, para esta sección, a las obras y autores analizados en la presentación del punto anterior: Los palos flamencos. En esa exposición hemos ilustrado la música con letras del cante, hemos atendido al baile y al toque, además de haber seguido el criterio de clasificar los autores y obras en función de grandes familias de palos; en este orden:

• fandango

• alegrías

• soleá

• bulería

• tangos

• seguiriya

HDM.12.3.2. Copla. Autores y obras

Breve evolución del género de la copla

• 1910-1930. Primeras coplas asociadas a la tradicional tonadilla, el teatro de variedades, la zarzuela, la ópera flamenca y el cuplé. La primera copla propiamente dicha se considera el pasodoble El Relicario (1918) del Maestro Padilla, interpretada por Raquel Meller.

• 1930-1960. Los maestros Antonio Quintero, Rafael de León como letristas y Manuel Quiroga como compositor son los autores más prolíficos y populares de la copla clásica. En la época de gran popularidad del género triunfan autores que serán represaliados por el franquismo. Tras la guerra civil española marchó al exilio Salvador Valverde, autor de Ojos verdes (escuchamos la famosa versión de Concha Piquer de 1940) y María de la O (escuchamos la versión de Lola Flores, de 1959). También, el autor Ramón Perelló, autor de La bien pagá estuvo preso en la cárcel (escuchamos la versión de Miguel de Molina, de 1952).

Durante este periodo, la popularidad de la ópera será reforzada por la difusión y promoción del género a través del cine musical español de la época. Un ejemplo de ello e la película ¡Ay, pena, penita, pena! (cuyo título es la copla que le da el nombre a la historia), protagonizada por Lola Flores en 1951. 

Te recomiendo consultar: Análisis de audición AMII.10.2.6. Quintero, León y Quiroga. ¡Ay, pena, penita, pena!. Interpretada por Lola Flores. PEvAU HMD.

Dos referencias fundamentales para entender la importancia de la copla en la sociedad del periodo de la  posguerra (1939-1959) en España y conocer su repertorio, son el libro Cancionero General del Franquismo (2000), de Manuel Vázquez Montabán y el documental de 1971, Canciones para Después de una Guerra, del director Basilio Martín Patiño. 

• 1960-1990. La copla se vio desplazada por el pop, la balada romántica y la rumba catalana. Sin embargo, artistas como Carlos Cano reivindicaron y ofrecieron una nueva imagen del género ayudando a su revitalización. Escuchamos de él su éxito original María la Portuguesa, de 1987.

• 1900-actualidad. Escuchamos Carmen de España (1992), de la gran Rocío Jurado. También Compuesta y sin novio (cuplé clasico de Quintero, León y Quiroga), de la heterodoxa artista onubense Martirio, que ha fusionado con éxito en género de la copla co nla música afro-cubana y el jazz. Destacamos también la colaboración de Martirio con pianista gadinano de jazz, Chano Domínguez.