RITMO:

• Tipo de ritmo: ritmo en el que subyace una pulsación mecánica, constante, que se ve enriquecida por recursos de vanguardia como: poliritmia, acentuaciones no convencionales o la utilización de la síncopa y el contratiempo.

• Compás: 2/4, compás binario de subdivisión binaria.

• Tempo: Tempo giusto (tempo justo), pulso de blanca a 50 pulsaciones por minuto (equivale a un tempo de negra a 100,  equivalente a un Allegreto (tempo medio-rápido).

• Otras observaciones de interés: Stravinsky utiliza el ritmo como uno de los recursos de este estilo de vanguardia que podemos denominar primitivismo: 

• El autor prescinde de las normas rítmicas que caracterizaban hasta el momento toda obra evitando las repeticiones. No hay sincronía y acompasamiento ni entre las distintas voces de los instrumentos, ni entre sí mismas a lo largo del tiempo, lo que produce en el oyente esa sensación de imprevisión, impulso, brutalidad y desorden. 

• Utilización de la síncopa para alterar la acentuación de los compases.

• Poliritmia. Superposición simultánea de figuración rítmica binaria junto con ternaria (tresillos).

• Pulsación irregular. Hay un pulso en el ritmo, pero la duración del mismo no es siempre igual, siendo unos pulsos son más largos que otras. Este tipo de pulsación desigual  se la ha llamado "ritmo «cojo»" y es propia de la tradición de muchos pueblos del este de Europa, ya que los turcos lo llevaron a los pueblos eslavos. Supone la utilización de un recurso antiguo que suena realmente nuevo, vanguardista. 

• Ataque rítmicamente irregular (utilizando el recurso típico del período ruso stravinskiano de tomar una célula rítmica breve e ir desplazando su acentuación), haciendo más evidente la reorganización permanentemente cambiante del motivo inicial, duplicando con los metales los acordes que resultan acentuados cada vez.

MELODÍA:

• Tipo de melodía: melodía disonante, al límite de la atonalidad, usa recursos melódicos no-convencionales (por ejemplo, pentatonismo). Trabajo motívico: la melodía se basa en la aparición (superposición y yuxtaposición) de de motivos y gestos melódicos musicales. Uso recurrente del obstinato rítmico-melódico (recurrente en cuerda y viento madera). Repetición de pequeñas células musicales

• Otras observaciones de interés. 

  • Utiliza melodías con pocos saltos y muy repetitivas, donde abundan un nuevo tipo de obstinato rítmico-melódico de vanguardia. Este tipo de repetición de pequeñas células musicales adelanta lo que en el futuro será la música minimalista.

  • Para la creación de estas melodías Stravinski utiliza escalas y modos «antiguos» que se asemejan a los actuales pero en realidad no son del todo ni mayor ni menor. Con ello consigue un cierto efecto de antigüedad primitiva (primitivismo). 

  • Stravinski crea su propia sintaxis u organización musical mediante la mera "acumulación de notas". Uso frecuente de disonancias. La obra está cerca del atonalismo, se usan melodías y acordes disonantes, con intervalos aumentados o disminuidos, que cobra sentido en la sonoridad que produce, en el resultado.

Utilización de una organización o sintaxis musical vanguardista. Uso de melodías que no respetan estrictamente las líneas marcadas por los modos (modalidad) o las escalas tonales (tonalidad), mediante la utilización de melodías meramente onomatopéyicas, todo con una función figurativa al servicio de una mejor representación plástica.

• • Uso de escalas pentatónicas (de cinco notas). Escalas con "pocas notas" para crear melodías de poco recorrido (son melodías plenamente instrumentales que no dependen de la voz para ser ejecutadas), bajo un lenguaje idiomático instrumental, sinfónico, extremadamente original, personal y vanguardista.

TEXTURA

• Tipo de textura: tratamiento libre e innovadora de la textura; textura estratificada o de capas sonoras.

• Otras observaciones de interés. El compositor usa técnicas innovadoras en el ámbito de la textura superponiendo y yuxtaponiendo líneas melódicas, alternando y contrastando timbres, usando obstinatos melódicos y rítmicos, etc.  

TIMBRE

• Voz, instrumento, conjunto vocal o instrumental: orquesta sinfónica tratada de una manera innovadora, rupturista y vanguardista.

• Otras observaciones de interés. Stravinsky utiliza la orquesta de una manera novedosa y desarrolla aquí una sonoridad sorprendente mediante los siguiente métodos:

  • Técnicas innovadoras para lograr contrastes tímbricos y dinámicos extremos: pizzicatos, cog legno, en las cuerdas; frulato en las flautas.

  • Efectos percusivos, agresivos y violentos, desaparece el sonido expresivo y melódico de los instrumentos de cuerda y se favorece el predominio de la percusión y los instrumentos de viento, evocando con ello una naturaleza salvaje y primitiva. 

  • En algunos momentos el uso de los instrumentos de viento madera (corno inglés, flauta contralto) tiene un efecto exótico y evocador. El solo de fagot en el registro agudo con el que comienza la obra ya indica que uno se encuentra en un mundo totalmente nuevo en lo que a la sonoridad orquestal se refiere. 

  • Otro tipo de recurso instrumental utilizado a menudo en la obra de Stravinsky es la combinaciones innovadoras de timbres, por ejemplo, entre flauta contralto y violín solo tocando en armónicos una escala pentatónica, lo que es realmente inusual. 

  • Merece la pena destacar igualmente el original papel reservado a las cuerdas en esta composición. Los violines, que por lo general son los encargados de llevar el peso de la orquesta, se limitan prácticamente a funciones de acompañamiento rítmico, tocando notas breves y repetitivas, sin ser protagonistas. Stravinsky trata la cuerda de un modo rudo y áspero, como un instrumento de percusión (tratamiento percusivo de la cuerda frotada). 

FORMA:

• Forma. forma libre, no-convencional, lineal, basada en la superposición y yuxtaposición de motivos y gestos musicales.

• Otras observaciones de interés.  

El autor prescinde de las formas conocidas hasta entonces, adquiriendo la obra una estructura lineal, con apariciones de ciertos motivos o gestos melódicos característicos que dan cohesión a la obra (por ejemplo, el obstinato inicial de las cuerdas, el motivo obstinato de las maderas, etc.).

GÉNERO MUSICAL: 

• Género: obra sinfónica, instrumental, ballet; género profano y culto.

• Otras observaciones de interés:

Esta obra ha adquirido una doble dimensión a lo largo del tiempo: es un ballet y una obra de concierto orquestal. Aunque se diseñó como un ballet (es decir, una obra escénica, con pasajes específicos acompañando los personajes y la acción), la música alcanzó igual o incluso mayor reconocimiento como una pieza de concierto, y es ampliamente considerada como una de las obras musicales más influyentes del siglo xx. 

PERIODO ARTÍSTICO Y CRONOLOGÍA: 

• Periodo artístico: modernismo musical, primeras vanguardias (primitivismo) de la primera mitad del siglo XX.

• Cronología: obra estrenada en 1913, comienzos del siglo XX.

• Otras observaciones de interés. Esta es probablemente la primera obra claramente rupturista con la tradición precedente, e inaugura la música del siglo XX. Debido a la dificultad de su audición (especialmente para los oídos acostumbrados al posromanticismo de la época), esta obra puede considerarse para el oyente como una obra inicial de la música clásica del siglo xx. A partir de Stravinski, el estilo rupturista domina todo el panorama musical europeo. 

TÍTULO:

• Título: Les augures printaniers (Danses des adolescentes); traducción: Augurios primaverales (Danza de las adolescentes); perteneciente al ballet La consagración de la primavera (originalmente: Le sacre du printemps)

• Otras observaciones de interés. 

  • Sobre La consagración de la primavera.

La consagración de la primavera es un ballet y obra de concierto orquestal del compositor ruso Ígor Stravinski (1882-1971). Fue escrito para la temporada 1913 en París de la compañía Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev; la coreografía original fue creada por Vaslav Nijinsky. 

El ballet La consagración de la primavera es considerado la apoteosis del período ruso de Stravinski. Aquí, el compositor recrea la brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo.

Stravinski fue más allá de que la corriente modernista francesa se había atrevido creando una obra plenamente vanguardista y rupturista. Su estreno, como podía esperarse, supuso un estrepitoso fracaso: el público comenzó a abuchear la obra cuando esta aún no había finalizado. La crítica, por su parte, estaba dividida entre los maravillados modernistas franceses, y los reaccionarios autores románticos y posrománticos, que la consideraron como una sucesión estruendosa e incomprensible de sonidos y ruidos 

• Sobre la Danza de las adolescentes. Es el primer número de la primera parte ("Adoración de la Tierra") de la obra. La obra describe la historia, sucedida en la Rusia antigua, del rapto y sacrificio pagano de una doncella al inicio de la primavera, la cual debía bailar hasta su muerte a fin de obtener la benevolencia de los dioses al comienzo de la nueva estación. Para ello, se sirve de imágenes musicales de gran plasticidad, evocando escenas primitivas en cuanto a diversos ámbitos de la vida. 

AUTOR Y/O INTÉRPRETE: 

• Autor:  Ígor Stravinski (1882-1971).

• Intérprete: vemos en clase la interpretación de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar dirigida por Gustavo Dudamel.

• Otras observaciones de interés. 

Ígor Stravinski (1882-1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, considerado uno de los músicos más importantes y trascendentales del siglo xx. Compuso una gran cantidad de obras abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo.

Es conocido mundialmente, sobre todo, por tres obras de uno de sus períodos iniciales (el llamado «período ruso»): El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets contemporáneos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. 

Stravinski también escribió para diversos tipos de agraupaciones musicales en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz. 

GÉNERO MUSICAL: 

• Género:

• Otras observaciones de interés:

La obra sufrió transformaciones, pasando desde la versión inicial de  1915 (ballet flamenco), a versiones intermedias que datan de los años 1916 y 1917, hasta la versión definitiva, orquestal y desvinculada de la danza (obra sinfónica que ya no es un ballet) de 1923-1925. En la versión de 1923 se eliminará la "Danza ritual del fuego", para renombrarla como "Danza del fuego fatuo" añadiéndole una canción para voz de mezzo-soprano.

PERIODO ARTÍSTICO Y CRONOLOGÍA: 

• Periodo artístico:

• Cronología: 

• Otras observaciones de interés:

Empezó a componerse en 1914 y el 15 de abril de 1915 tuvo lugar el estreno absoluto de la obra en el Teatro Lara de Madrid. A partir de este momento, se realizan varias versiones de la obra en los siguientes diez años hasta terminar en 1925 con la versión definitiva para orquesta sinfónica. 

TÍTULO:

• Título: "Danza ritual del fuego", de "El Amor Brujo"

• Otras observaciones de interés. 

El Amor Brujo (1915-1925) fue concebido como un ballet, y llamado entonces "Gitanería en un acto y dos cuadros". Escrita y dedicada a la bailaora y cantaora Pastora Imperio. Es posiblemente la obra más conocida de Manuel de Falla (1876-1946). 

La obra presenta una gran carga de carácter popular. Se trata de una obra sumergida en elementos musicales y literarios con origen en la música y literatura gitana andaluza.

La “Danza Ritual del Fuego” (danza para ahuyentar a los malos espíritus) es quizás el momento más importante del ballet. Candela, la protagonista realiza la Danza del Ritual del Fuego para que aparezca el fantasma de su marido con quién a continuación bailará en torno a una fogata. A medida de que giran rápido alrededor de la hoguera, el fantasma es arrastrado al fuego, haciéndolo desaparecer para siempre.

En la versión de 1923 se eliminará la "Danza ritual del fuego", para renombrarla como "Danza del fuego fatuo".

AUTOR Y/O INTÉRPRETE: 

• Autor: Manuel de Falla (1876-1946)

• Intérprete:  Escrita y dedicada a la bailaora y cantaora Pastora Imperio. En clase, vemos la versión en cine de la película "El Amor Brujo" (1986), dirigida por Carlos Saura. Danza a cargo del bailaor Antonio Gades y la bailaora Cristina Hoyos (sevillana). Por otra parte, también escucharemos y visualizaremos la versión sinfónica de 1925, bajo la dirección de Daniel Barenboim.

• Otras observaciones de interés. 

Manuel de Falla (1876-1946) fue un compositor español y andaluz (nacido en San Fernando, Cádiz) del nacionalismo musical, uno de los más importantes de la primera mitad del siglo XX, junto a Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina y Joaquín Rodrigo, y uno de los compositores españoles más importantes de todos los tiempos. Ejerció una gran influencia sobre la Generación del 27.