HMD 5.1.1. Definición

Entendemos por Barroco a un movimiento artístico y cultural que fechamos, en música, entre el 1600 (“nacimiento” de la ópera, comienzos del siglo XVII) y alrededor de 1750 (muerte de J.S. Bach, mediados del siglo XVIII). El término “barroco” proviene del portugués “baroque” y significa “perla irregular” (por extensión, se califica así a lo “anormal”, “pintoresco” o “fantástico”). 

Analicemos el contexto histórico, social, cultural y artístico en el que se desarrolla el periodo 166-1750.

HMD 5.1.2. Contexto histórico y social 

Sociedad estamental. Nobleza, clero, burguesía y pueblo llano.

Dentro de la antigua sociedad estamental, aún vigente, la nobleza y el clero seguirán siendo los dos estamentos privilegiados frente a la gran masa del pueblo llano, donde no obstante irá surgiendo una clase media cada vez más enriquecida con el comercio, la burguesía (clases no privilegiadas). Esa estructura de poder, ha sido llamada Antiguo Régimen. En países como Holanda, esta nueva clase social enriquecida procedente del pueblo llano irá demandando un nuevo tipo de arte, especialmente en la pintura.

Los grandes mecenas, sin embargo, seguirán siendo la nobleza y el alto clero, imponiendo su gusto aristocrático en las distintas manifestaciones culturales. Por tanto, la aristocracia, el clero y la burguesía constituirán la clientela de los artistas.

Política. Absolutismo, Antiguo Régimen, estado moderno e intereses nacionales.

Políticamente, el poder de los monarcas se fortalecerá dando lugar a las monarquías absolutas. Supone una concentración del poder en torno a la figura del rey, que lo ejerce de manera caprichosa y en su propio beneficio. Esta nueva forma política con gobiernos absolutistas se generalizará en toda Europa durante los siglos XVII y XVIII, como en la Francia de Luis XIV, con algunas excepciones, como la monarquía parlamentaria en Inglaterra y la república en Holanda.

La corte absolutista francesa será el principal promotor del estilo cortesano, poniendo al arte en general al servicio del poder político como exaltación de los soberanos. El ejemplo paradigmático de ello es la corte de Versalles, en Francia.

En cuanto a las relaciones internacionales, los intereses nacionales se exacerbaron y los diversos países intentaron imponer su hegemonía en el resto de Europa. Lo anterior, es consecuencia de la existencia de los llamados estados modernos. El Estado moderno se identificaba con el llamado Antiguo Régimen, poseía identidad, estaba organizado, estructurado y era formal; era reconocido políticamente e internacionalmente. Su poder estaba centralizado. Su creación estaba respaldada, no solo por nobleza y clero, también por la burguesía.

Guerras religiosas.

El Barroco seguirá siendo un periodo de frecuentes conflictos, muchos de ellos por cuestiones religiosas, como consecuencia de la reforma protestante y Contrarreforma del siglo anterior. La Guerra de los 30 Años (1618-1648) entre protestantes y católicos, resuelta con la Paz de Westfalia, marcará el inicio de la hegemonía francesa bajo el reinado de la Casa de Borbón, que coincide con la decadencia de España a nivel político y económico. 

Economía. Mercantilismo. Crisis.

A nivel económico, la teoría económica imperante será el mercantilismo, un auténtico nacionalismo económico que reforzará las monarquías absolutas. El siglo XVII será también un siglo de estancamiento en la agricultura y la incipiente actividad industrial, que unido a la crisis demográfica ocasionada por la hambruna, pestes y epidemias, supondrá un retroceso con respecto al periodo anterior.

Cultura y ciencia: ciencia moderna. Filosofía: racionalismo y empirismo.

En el ámbito cultural y científico el periodo fue muy brillante. Nace la ciencia moderna con Galileo Galilei. Isaac Newton trabaja en los ámbitos de las matemáticas, la astronomía y la óptica. En la filosofía, Descartes, Spinoza y Leibniz desarrollaron el racionalismo. En Inglaterra, destaca el empirismo, con pensadores como Bacon y Hume. 

Arte y literatura. Siglo de Oro español.

Durante este siglo y medio vivieron grandes personalidades de la literatura, como Góngora, Quevedo, Lope de Vega; grandes pintores como Rubens, Velázquez, Rembrant, Zurbarán o grandes arquitectos y escultores como Bernini y Borromini. 

Se habla del Siglo de Oro español para referirse al siglo XVII (también al anterior, al XVI), en los que, a pesar de la crisis económica, política y demográfica, las artes y la literatura vivieron su máximo apogeo cultural en nuestro país, destacando sobre todo el teatro, la poesía y la pintura. 

El Barroco fue una época de gran vitalidad en el campo de la música, lo que hizo posible que aparecieran novedades de gran trascendencia en cuanto a géneros, procedimientos compositivos y diversidad de estilos.  

Al igual que ocurriera en el periodo renacentista anterior, Italia seguirá siendo la fuente principal para las artes en general y la música en particular. Los compositores italianos marcarán la pauta.

HMD 5.2.1. Características musicales generales

Los rasgos básicos de la música del barroco, tanto vocal como instrumental, son:  

• Abundancia. En general, la música barroca busca la abundancia y le gusta la ornamentación (arte adornado, profuso), el término barroco se refiere a un arte muy adornado y recargado. 

• Expresividad y dramatismo. Las diferentes artes están dominadas por la pasión, el dramatismo y la expresividad, alejándose del espíritu clásico del periodo renacentista anterior. 

• Expresividad "afectada". Teatralidad. En música, como veremos, es un arte de expresión afectada de los sentimientos y de teatralidad (si bien, busca la “unidad de afectos”, mismo sentimiento en la misma pieza). A la vez, ejerce entre diferentes piezas el contraste: rítmico, tímbrico, de alturas (registros) y dinámico. Todo lo anterior, como medio de expresividad.

• Contraste. Búsqueda de la expresividad a través del contraste. Mediante la contraposición de ritmos, timbres, de instrumentos, de registros agudos y graves, sonoridades fuertes y débiles... Es el llamado estilo concertato. 

El concertato en una técnica que nacerá sobre todo en el seno de la música orquestal. Se basa en contraponer distintos planos sonoros y timbres de un grupo de instrumento. Un solista (concertino), se opone al grupo (tutti). este estilo se utiliza para darle mayor expresividad a la música. Algunos de los compositores más importantes del estilo concertato fueron: Claudio Monteverdi, Johann Pachelbel o Andrea Gabrieli. 

• Comenzamos, por primera vez, a distinguir y estudiar por separado la música instrumental de la vocal. 

  • La música instrumental, tras un proceso de evolución iniciado en el Renacimiento y que se va progresivamente perfeccionando, ahora, en el Barroco, va progresando hacia una música instrumental totalmente independiente de la palabra. Se produce un primer esplendor de la música para instrumentos. Siguiendo la evolución iniciada en el XVI, llega un momento en que los instrumentos se sienten "mayores de edad" y tratan de producir una música instrumental totalmente independiente de la palabra.

  • La música vocal se expande gracias a la teatralidad barroca de la ópera, que expande su influencia a lo religioso gracias a los oratorios.

• Nueva textura: monodia acompañada, sobre todo en el repertorio vocal. Polaridad entre voces agudas (como sopranos, contratenores o violines) y graves (desarrolladas a través del bajo continuo).

• Utilización del bajo continuo, con un instrumento grave de cuerda frotada (la viola da gamba y, posteriormente, el violonchelo), y otro que realiza acordes, como el clave o la tiorba. El bajo continuo sirve de soporte a la línea melódica aguda.

• Pulsación mecánica. Este concepto se refiere al ritmo enérgico y constante en muchas obras barrocas, sobre todo en los movimientos allegro del concerto italiano. Hablamos, en este caso, de un ritmo motórico regular: un solo modelo rítmico rige todo un movimiento. Más habitual en la música instrumental. 

• Gusto por la ornamentación, a base de adorno musicales: trinos, apoyaturas, mordentes y en general todo tipo de notas de adorno y notas rápidas. 

• Unidad de afectos dentro de una misma pieza o movimiento. Rara vez se manifiestan sentimientos contratados en un mismo movimiento . Esto está conectado con la llamada "teoría de los afectos", se pensaba que la música puede inspirar emociones y ciertas características musicales podían impulsar diferentes pasiones.

• Procedimientos compositivos: contrapunto imitativo, técnica de la variación,  composición a partir de un bajo o de una secuencia armónica (en música de danza: la folía, el pasamezzo). 

• Nuevo concepto armónico. Progresivamente, se va dejando la música modal a favor de la tonal, con dos tipos de escala, mayor y menor. Empieza el largo tonalidad tonalidad o la tonalidad. Para ello resultó de gran importancia el nuevo sistema temperado, que permitía modular (pasar) de un tono a otro con gran facilidad.

• Estilos antiguo y moderno. Coexisten dos maneras de componer: estilo antiguo y estilo moderno, que ya fueron denominados así por Claudio Monteverdi (1557-1643).

  • El estilo antiguo (stilo antico o prima practica) se remite a la música anclada en las prácticas y usos del periodo renacentista anterior. 

  • El estilo moderno (stilo moderno o seconda pratica) utiliza nuevos procedimientos compositivos, utilizando mayores libertades armónicas y contrapuntísticas más allá de las rigurosas limitaciones de la prima pratica.

    • Se utiliza la técnica de la variación y del obstinato. 

    • Se comienza a utilizar el acorde y un pensamiento armónico (nacimiento de la armonía, tonalidad moderna, que utiliza un método de escritura esquemática: el bajo cifrado). El pensamiento armónico usa además el llamado bajo continuo. 

    • Consecuencia de lo anterior, es la aparición de una nueva textura de monodia acompañada, por una parte; de contrapunto armónico y de homofonía, por otro. El estilo antiguo, por otra parte, en continuar con las maneras de componer herederas de los periodos medievales y renacentistas (polifonía, el uso de un renovado contrapunto imitativo).

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Para comprender en profundidad las características musicales específicas de este periodo, te remito a la Unidad 5 de Análisis Musical II. Utiliza el siguiente índice para acceder a la información:

• AMII.5.2. Características musicales del Barroco musical. Explicaciones

  • AMII 5.2-1. Notación

  • AMII 5.2-2. Ritmo

  • AMII 5.2-3. Melodía

  • AMII 5.2-4. Organización musical (sintaxis)

  • AMII 5.2-5. Textura

  • AMII 5.2-6. Forma

  • AMII 5.2-7. Timbre

HMD 5.2.2. Música vocal

Durante este periodo, se comienza, por primera vez, a distinguir y estudiar por separado la música instrumental de la vocal. La música vocal se expande gracias a la teatralidad barroca de la ópera, que a su vez extrapola su influencia a lo religioso, gracias a los oratorios, las pasiónes y las cantatas.

HMD 5.2.2-1. Música vocal. Ópera (ópera barroca) 

El término ópera (del italiano òpera, "obras musicales") designa un género de música teatral en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. O sea, una ópera es una obra de teatro cantado, con y a través de la música. 

La ópera es posiblemente la gran creación musical del barroco. Con su origen aristocrático, en la  Camerata de los Bardi (Florencia, hacia 1600) pronto se convirtió en el género preferido por el público italiano y buena  parte de los compositores. Este hecho es fácil de entender si tenemos en cuenta el gusto por el  teatro durante el XVII y XVIII.  

En la ópera, la intensificación emocional, característica del barroco, intentará explotar las  posibilidades dramáticas del texto (libreto), fundamentalmente a través de la textura de monodia acompañada.  

Musicalmente, hablando la ópera barroca italiana, presenta tres grandes elementos formales:

• Obertura: pieza  instrumental introductoria

• Arias: canciones de ópera. 

Existe un tipo de aria específicamente barroca, responde a la  estructura tri-partita del aria de capo (A-B-A´). El aria da capo es un tipo de aria de la música barroca que se caracteriza por su forma ternaria, es decir, en tres partes. Como la mayoría de las arias, también son interpretadas por un solista (cantante) acompañado por instrumentos, normalmente una orquesta pequeña. Los compositores encontraron esta forma no solo útil sino fundamental durante cerca de un siglo.

• • La primera sección (A) de las arias da capo es una entidad musical completa, que termina en la tónica, y que en principio podía ser cantada sola. 

  • La segunda sección (B) contrasta con la primera en su textura musical, ánimo o tempo. 

  • La tercera sección (A´) normalmente no está escrita en las partituras. El compositor se limitaba a indicar que se repitiera la primera parte con las palabras «da capo» (que en italiano significa ‘desde el principio’). En esta tercera parte el cantante debía ejecutar toda serie de variaciones y adornos que considerara apropiados para su lucimiento.

• Recitativos: partes de "canto-hablado" op declamado. Pueden ser:

  • recitativo seco (secco, en italiano): compuesto solamente para voz y bajo continuo.

  • recitativo acompañado (acompagnato, en italiano): cuenta con un acompañamiento musical más completo y variado, en donde puede llegar a participar toda la orquesta.

• Los coros, a pesar de los ejemplos en las óperas de Monteverdi, no serán  habituales en Italia, tomando un mayor protagonismo en la ópera francesa.  

En la ópera italiana surgirá el bel canto, un estilo y técnica vocal muy depurada donde prima la velocidad de ejecución y los adornos ( llamados, en música vocal, coloratura).  Esta técnica y estilo será muy popular entre los siglos XVIII y XIX.

HMD 5.2.2-2. Música vocal. Oratorio, pasión, cantata

El oratorio, la pasión y la cantata serán los géneros religiosos dramáticos (teatrales y musicales) equivalentes a la ópera, pero que desarrollaban temas religiosos (escenas bíblicas, por ejemplo). Fueron la alternativa a la ópera en periodos litúrgicos del año como la Navidad o la Cuaresma. 

HMD 5.2.3. Música instrumental

Comenzamos, por primera vez, a distinguir y estudiar por separado la música instrumental de la vocal. 

Con el barroco asistimos a un primer esplendor de la música para instrumentos.  Siguiendo la evolución iniciada en el XVI, llega un momento en que los instrumentos se sienten mayores de edad y tratan de producir una música instrumental totalmente independiente de la palabra. Aparece, por tanto, una música instrumental pura, con un lenguaje idiomático para instrumentos de tecla (órgano, clave), cuerda pulsada (laúd) y frotada (viola da gamba, violín).

Podríamos hablar de la "emancipación" de la música instrumental. A todo ello contribuye el perfeccionamiento en la construcción de algunos instrumentos, como el violín.  Durante este periodo surgen los grandes luthiers, constructores artesanos de instrumentos, principalmente de cuerda frotada, destacando los talleres de Amati, Guarneri y Stradivarius, en Cremona.  

En este contexto aparece la orquesta barroca. Existe también, en el contexto de esta nueva música instrumental pura, una primera música de cámara (conjuntos instrumentales de pequeño formato, que actúan en los salones de la aristocracia). 

Durante la primera mitad del siglo XVII la música puramente instrumental fue tomando tanta importancia como la vocal. 

Las formas musicales instrumentales estaban aún lejos de verse ajustadas a normas y las denominaciones eran aún confusas. Sin embargo, conforme fue avanzando el barroco, se fueron  definiendo dos grandes formas instrumentales para la música de conjunto: la suite y el concerto.

HMD 5.2.3. Música instrumental. Suite (suite barroca) 

Gran parte de la música bailable del siglo XVI perdió su finalidad original, con su  coreografía, para convertirse en un conjunto de piezas estilizadas destinadas a la escucha. Estas  piezas se empezaron a agrupar por pares, alternando movimiento lento y rápido, como en el caso  de la pavana y la gallarda renacentista. Éste es el origen de la suite barroca. 

Puede definirse como una  sucesión de diferentes danzas estilizadas de diverso carácter, con la intención únicamente de ser  escuchadas. 

Se compusieron numerosas suites tanto para instrumentos a solo (en ocasiones  acompañados de bajo continuo) como para formaciones de cámara y orquesta.  

Las danzas más habituales de la suite, además de una obertura, aria (no confundir con el aria de ópera) o preludio introductorio al comienzo, son las siguientes. Buscando el contraste, característico del barroco, se suelen colocar de forma que contrasten unas  con otras por el tempo o velocidad, el carácter y el valor emotivo de cada una.   

• Alemanda (allemande, en francés): ritmo binario, lenta y de origen alemán.

• Zarabanda: origen  español, lenta y ternaria.

• Corrente (courante, en francés): rápida y ternaria.

• Gavota: tempo moderado y binario

• Bourré: danza rápida de origen frances.

• Minueto: ternario y más bien lento.

• Giga: de origen inglés, en compás de 6/8 y tempo rápido. 

HMD 5.2.4. Música instrumental. Concierto (concerto barroco) 

El término "concierto" proviene de la expresión latina concertare ("acuerdo", "reunión", pero también "competir" u "oponerse"), y es una forma musical en la que un instrumento o un grupo de instrumentos se oponen o responden entre sí. 

Es una forma barroca para orquesta que consta de tres movimientos contrapuestos (contrastantes) según el esquema:

• 1º movimiento, rápido (allegro).

• 2º movimiento, lento (adagio).

• 3º movimineto, rápido (allegro).

Se estructura a base de un diálogo contrastante que  se establece entre el tutti (orquesta) y el concertino (también llamado "soli", solista). El solista puede ser, no solo un único instrumento, sino un grupo o sección de la orquesta.

 Existen tres variantes del concerto barroco:

• Concerto solista: si  es para un solista y orquesta. Un instrumento solista (o varios) se alterna con la orquesta (tutti), aumentando así la importancia del contraste. 

  • Al instrumento solista se le llama también concertino.

  • La orquesta (tutti) vuelve recurrentemente al ritornello. En la música instrumental barroca, el término ritornello se aplica a los conciertos para solista y orquesta para referirse a un pasaje orquestal recurrente que se interpretaba al principio y al final del movimiento y se intercalaba entre los solos. Este tema, siempre tocado por el tutti, se repetía en diferentes tonalidades o a veces de forma parcial o abreviada.

• Concerto grosso: si es para un grupo de solistas (concertino) y orquesta (tutti). Se alternan y reunen dos grupos instrumentales:

• Concertino (conjunto pequeño: un grupo de solistas, a menudo  dos violines y un violoncelo, pero pueden ser otros instrumentos y de mayor número.

• Ripieno (conjunto "de relleno") o grosso (conjunto grande): de estas maneras se conoce la orquesta, generalmente de cuerdas, que alterna o completa las partes del concertino.

Un tercer tipo de concerto,  aunque menos importante, es el concerto ripieno, obra para orquesta de varios movimientos, sin  instrumentos solistas. En el concerto se aprecian claramente cualidades barrocas como la  contraposición de planos sonoros entre orquesta y solistas, o cambios de velocidad y carácter entre los movimientos.  

El concierto barroco está integrado, formalmente, por:

• Ritornello (literalmente "retornar" o "volver"): sección músical que toca el tutti y que se repite.

• Solo: material nuevo, que no se repite, y que toca el Concertino, en una especie de rondó. 

El concierto barroco se interpretaba por la orquesta barroca,  aún de pequeñas dimensiones, donde la cuerda frotada será la espina dorsal de todo el conjunto. El modelo más habitual de orquesta barroca utilizará los timbres de la cuerda frotada y el viento-madera. Tendrá:

• Cuerdas: Instrumentos de la familia del violín.

• Vientos maderas: flautas, oboes, fagotes.

• Metales: trompetas (único).

• Percusión: timbales.

• Instrumentos que realizan el bajo continuo.

HMD 5.2.5. Danza barroca. Características

La danza influye decisivamente en las formas instrumentales barrocas y se relaciona íntimamente con el gusto por el teatro. Podríamos hablar de un precedente del ballet en estos tipos de danzas barrocas.

Francia. Durante los siglos XVII y primera mitad del XVIII, la relación de la danza con el teatro irá  conformando en la corte francesa una serie de géneros conocidos como la comedia-ballet, el  ballet de entrada y la ópera ballet. 

• comedia-ballet: drama, musical y coreográfico creado por el dramaturgo francés Molière que, mezclando música y danza en una acción única, se basa en sucesos contemporáneos y muestra a personajes comunes de la vida cotidiana. 

• ópera-ballet: más culta y refinada, más cercana al concepto de ópera con danza; concedía más importancia a la composición musical y a la interpretación. 

Inglaterra.  En Inglaterra tenemos la masque (mascarada). Apareció por primera vez en Inglaterra durante el reinado de Isabel I (1558-1603). La mascarada implicaba el uso de la música y la danza, del canto y de la interpretación, dentro de elaborada escenografía, en la que el marco arquitectónico y el vestuario podían ser diseñados por un arquitecto de renombre. Actores y músicos profesionales eran contratados para las partes habladas y cantadas de la mascarada. A menudo, los enmascarados que no hablaban ni cantaban eran cortesanos.

Todos estos tipos de ballet,  más o menos afines, se caracterizan aún por la falta de unidad argumental, siendo en muchos casos  un pretexto para la entrada de diferentes números o danzas.  Aún no contamos con un argumento unitario, siendo en realidad un conjunto de danzas  cortesanas que se suceden unas a otras sin una gran dependencia entre sí. Estas danzas están  sujetas a unas normas muy estrictas, son muy formalistas y académicas, con movimientos  lentos y solemnes.  

En cuanto a la vestimenta, prima el aspecto visual frente a la comodidad, empleándose  vestidos poco apropiados para la danza. En definitiva, el coreógrafo se encuentra con muchos  convencionalismos. 

Las danzas más utilizadas en el ballet barroco (danzas que se bailaban, no  "estilizadas" instrumentalmente, como en la suite) son: la chacona, el canario, la contradanza, giga, pasacaglia, zarabanda,  passpied, rigodón y, sobre todo el minuet. Esta última es una danza de pareja que consta de seis  pasos, en compás ternario y con una forma musical ternaria característica. 

HDM 5.3.1. Características musicales y/o dancísticas. El "Canon, en re mayor" de Pachelbel

Para comenzar, mencionaremos una obra que sintetiza muchas de las características generales de la música barroca. El "Canon, en re mayor", de Johann Pachelbel (1653-1706), es un claro ejemplo de muchas de las  características y técnicas de esta época: 

• Utilización extensiva del bajo continuo y de la técnica del bajo obstinato.

• Utilizaciónde la típica textura barroca de monodia acompañada). Polarización de las voces: voz aguda (monodia), relleno armónico y bajo.

• Utilización de la textura  contrapuntística del canon.

• Utilización de la técnica de la variación.

• Utilización de una secuencia o progresión armónica recurrente mediante un bajo obstinato.

• Utilización del sistema organización musical (sintaxis) llamado música tonal (tonalidad de re mayor)

• Gusto por la ornamentación (adorno musical melódico).

• Pulsación  mecánica (ritmo motórico, constante y regular).

• Unidad de afectos.  

HMD 5.3.2. Música vocal. Ópera  (ópera barroca). Autores y obras

• La ópera  se desarrolló sobre todo en Italia. La mayoría de los compositores escribieron  óperas y buscaron el éxito en este campo. Merecen destacarse tres nombres:

  • Claudio Monteverdi (1567-1643) Autor del barroco temprano, es responsable de la creación de las primeras óperas, siendo uno de sus iniciadores con la ópera "La fábula de Orfeo" (1607).

  • Alessandro Scarlatti (1660-1725). Consolidó la estructura formal del aria de capo en la ópera.

  • Giovanni Batista Pergolesi (1710-1736). Autor del barroco tardío,  su ópera "La  Serva Padrona" (1733) abre camino al estilo clásico.  Se la considera la primera obra maestra del género cómico (ópera bufa). La obra resultaba atractiva porque cualquier audiencia podía identificarse con sus personajes. Se la considera la pieza paradigmática que representa el momento histórico en el que la música barroca se transforma en clásica.

• Tras Monteverdi, la ópera italiana se caracteriza por ser una sucesión de recitativos y  arias. En cuanto a la temática, predomina la ópera seria, mitológica, con libretos de Pietro Metastasio.  Venecia, con teatros públicos como el de San Cassiano, será uno de los centros operísticos más  importantes. 

• A partir del siglo XVIII, irá ganando terreno la ópera bufa de la escuela napolitana. Surge  ahora también la figura del intérprete consagrado, como el famoso contratenor Farinelli. 

• En  Francia, la ópera, si bien con un carácter más cortesano, está representada en la figura de  Jean-Babtiste Lully y Jean-Phillipe Rameau. En Inglaterra destacaron las óperas italinas de Haendel (Julio César, Rinaldo...) así  como Henry Purcell con Dido y Eneas.  

HMD 5.3.3. Música instrumental. Suite (suite barroca). Autores y obras

• Entre las suites para teclado están las compuestas por los franceses Couperin y Rameau, en ambos casos, compuestas para el clave.  

• Por su parte, J.S. Bach (1685-1750) compuso seis suites inglesas y otras seis suites  francesas. Las cuatro suites para orquesta de Bach se cuentan entre sus obras principales para  orquesta, llevando a esta forma a una gran perfección.  

• De Haendel, y vinculadas a Inglaterra, son también sus célebres suites para orquesta,  "Música Acuática" y, "Música para los Reales Fuegos Artificiales".  

• Un excelente ejemplo de suite para instrumento de cuerda son las seis suites para  violonchelo solo deJ.S. Bach (1685-1750). 

Te recomiendo consultar: 

• Análisis de audición AMII.5.5-9. "Badinerie", de la "Suite Orquestal n.º 2, en si menor", BWV 1067. (1739). Johann Sebastian Bach. Danza instrumental (suite). PEvAU HMD.

HMD 5.3.4. Música instrumental. Concierto (concerto barroco). Autores y obras

• Normalmente se considera al compositor y violinista Arcángelo Corelli (1653-1713) el precursor del concerto barroco italiano. Destacan sus Concerti Grossi. Uno de los más famosos es el "Concierto  de Navidad". El punto de partida del concerto de Corelli fue la sonata a trío.  

• Antonio Vivaldi (1678-1741) uno de los más grandes genios del barroco veneciano, es  quien hace evolucionar la forma concierto. Son principales aportaciones son: 

  • Establecimiento del  modelo en tres movimientos (rápido-lento-rápido).

  • Frecuente introducción de solos virtuosísticos. Como virtuoso del violín, estableció otra característica básica del concierto de los siglos siguientes: su uso para lucimiento del solista. 

  • Una apasionada expresión en los movimientos lentos.

  • Uso de instrumentos de viento como instrumentos solistas, junto a otros poco frecuentes, como las mandolinas. 

  • Los conciertos a solo de Vivaldi influyeron mucho en sus contemporáneos. Más de 330 de sus concertos están  escritos para solista, la mayoría para  violín.  

Entre sus obras hay que destacar sus colecciones de conciertos para violín tituladas "L´estro armónico", "La stravaganza" y "Il cimento de la armonía e ́ de la invencione", que contiene las famosas "Las cuatro estaciones"., uno de los primeros ejemplos de  música programática. 

Como casi toda su música, sus conciertos se caracterizan por los ritmos vigorosos, los fuertes contrastes, la expresividad melódica, la utilización de progresiones melódicas y  armónicas (amplias secciones con progresiones en ciclos de quintas).

• Johann Sebastian Bach (1685-1750). La aportación fundamental de Bach, además de sus numerosos conciertos para clave y  orquesta o los conciertos para violín y orquesta, son los Conciertos de Brandemburgo. Son seis  conciertos y destacan por el uso de solistas y sobre todo por su riqueza tímbrica.  

Te recomiendo consultar: 

• Análisis de audición AMII.5.5-5. "El Invierno” (1721). Antonio Vivaldi. Concierto para violín (Alegro non Molto).

• Análisis de audición AMII.5.5-6. "El Otoño” (1721). Antonio Vivaldi. Concierto para violín nº3 ( tercer movimiento, Allegro Pastorale, en mi mayor) de "Las Cuatro Estaciones". PEvAU HMD (min. 7:38 del vídeo)

• Análisis de audición AMII.5.5-7. "Concierto de Brandemburgo nº2” (1721). Johann Sebastian Bach. Concierto para orquesta (Allegro).

HMD 5.3. 5. Danza barroca. EL ballet barroco. Autores y obras

El coreógrafo Pierre Beauchamps, el escenógrafo Giacomo Torelli y el compositor  Jean-Babtiste Lully fueron los grandes  creadores de ballets. 

• Como comedia-ballet de finales del siglo XVII tenemos "El burgués Gentilhombre" , fruto de  la colaboración entre el coreógrafo Pierre Beauchamps, el escritor Moliere y el músico Jean-Babtiste Lully.  

• La "Europa Galante", de André Campra es un ejemplo de ópera-ballet. 

• El ballet más  representativo del barroco (ópera-ballet) es el "Ballet Real de la Noche", de 1653, con música y coreografía de Jean-Babtiste Lully,  dedicada al rey Luis XIV de Francia. Durante su reinado la danza cobra un papel muy  importante, fundándose la Real Academia de la Danza francesa.  

• Uno de los tratados más importantes fue el “Arte de Describir la Danza”,  obra de Raúl Fevillet, publicada en 1700. Desarrolla un sistema de notación coreográfica bastante  fiel, describiendo pasos y posiciones, gracias al cual han sobrevivido numerosas coreografías de la época.