HDM 2.1.1.1. Contexto histórico y cultural

• La Grecia Arcaica (entre los siglos VIII -V a.C.) es un periodo de “dioses y mitos”, precedente y precursor de una importante mitología (gracias a las epopeyas que recopilará Homero, en la “Ilíada” y la “Odisea”) que será decisiva en la historia de la música. 

• La Grecia Clásica (siglos V y IV a. C) llega a su máximo esplendor político y cultural bajo el reinado de Pericles (V a.C.). Tras el gobierno y expansión imperial de Alejandro Magno (que finaliza en el año 323 a.C., siglo IV a.C.). comenzará un periodo de decadencia.

• Se denomina Grecia Helenística (IV a.C. hasta el siglo II a. C) al periodo que comienza con la decadencia del periodo anterior hasta ser anexionados por el Imperio Romano en el 146 a.C. (siglo II a.C.). 

HDM 2.1.1.2.  Origen e importancia de la música griega antigua

La música y la danza en Grecia Antigua sientan las bases de la cultural musical occidental. Se dice que Grecia es la la "cuna de la música occidental". Grecia sirve de fusión entre elementos musicales orientales y occidentales. Grecia será el nexo cultural y geográfico que facilitará la transición y difusión de cultural musical a lo largo de la historia antigua (a Roma, principalmente, y, por ende, a toda la Edad Media y periodos posteriores).

HDM 2.1.1.3.  El concepto música en la Grecia Antigua

La música y la danza en la Grecia Clásica eran consideradas un “asunto público” y responde a las leyes del estado. La música es parte del nomos griego (la "ley", las normas que organizaban la polis). La música estaba presente en los actos públicos (concursos, ritos religiosos, espectáculos como el teatro). 

La música era concebida en la Grecia Antigua íntimamente ligada a la poesía, hasta el punto de que “mousiké” (literalmente "el arte de las musas") para los griegos implicaba la unión de poesía-danza y música. Además la mousiké griega tiene mucho que ver con el ritmo de las palabras, la forma de hablar, el idioma. Para Aristóteles la música es el "arte que imita la lengua". 

De lo anterior se deriva el concepto de prosodia griega (el ritmo y acento de las palabras) que definirá el ritmo, melodía y forma musical en la música, y que tanto influirá en acontecimientos musicales posteriores como el canto gregoriano en la Edad Media, o el nacimiento de la ópera a finales del Renacimiento y principios del Barroco. Se practicaban dos tipos de música estrechamente vinculadas a la palabra, a lo literario.:

• Música declamada (a medio camino entre cantar y hablar): en la tragedia griega clásica. Tiene su precedente en las fiestas a Dioniso celebradas en Atenas. Se alternan partes corales, con partes solistas y coros (será el precedente de la ópera, ya en el Barroco). Se celebran en un espacio arquitectónico específico, el teatro, que cuenta con un espacio específico, la orchestra (en griego) donde se sitúan los músicos y el coro. Todo ello, tiene una tradición dionisiaca, es decir se vincula al dios Dioniso. Las grandes tragedias griegas fueron compuestas por Esquilo, Sófocles y Eurípides (ver vídeo abajo). Te recomiendo también este vídeo. Escucha también, abajo, la Audición HMD 2.1.1-1 "Stasimon. Coro de Orestes" (I a. C.). Eurípides.

• Música que acompañaba las epopeyas homéricas (epopeyas que recopilará Homero, en la “Ilíada” y la “Odisea”). La epopeya era un canto épico, narrativo, escrito mayoritariamente en verso. Eran cantadas primero por un aedo (Gracia Arcaica), al que posteriomente se llama rapsoda y se acompañaban de khitara (arpa de mano, cítara, en español). Evolucionarán a un género, la poesía lírica. Todo ello, tiene una tradición apolínea, es decir se vincula al dios Apolo. En la época arcaica, la más famosa poetisa fue Safo de Lesbos (ver vídeo abajo).

• Canto coral: canto de himnos a los dioses, a modo de servicio religioso o culto funerario. Observa, escucha y lee sobre la Audición AMII 2.1-1 "Epitafio de Séikilos" (I-II). Séikilos.

La mousiké griega era además un aspecto esencial de los aspectos filosóficos, éticos y educativos de la sociedad que serán enunciados por importantes filósofos como Platón y Aristóteles. Está vinculada a la teoría del ethos (a la conducta, al carácter y comportamiento, lo que llamaban "estados del alma"), diferenciándose desde muy pronto dos caracteres marcados por la práctica musical. Lo apolíneo (de Apolo, dios de la perfección y el equilibrio), y lo dionisiaco (de Dioniso, dios del vino, de la locura y el éxtasis). La mousiké deberá buscar un beneficio moral, ya que imita y puede provocar pasiones y estados de alma.

La mousiké griega era ciencia. Pitágoras enunció y demostró la música como número ("la música es la esencia de todas las cosas"), estableció un sistema de afinación y toda una teoría acústica con fundamentos científicos.  Pitágoras estableció la caracterización numérica de la consonancia y la disonancia (en proporciones, mediante ratios, a partir de la medida de cuerdas, experimentando con un instrumento musical llamado monocordio). 

Al ser la música nomos (costumbre, ley) supondrá ser una representación de la esencia de la realidad. Para los griegos, la teoría musical representaba la armonía del cosmos (la astronomía, le geometría y el número, que para su cultura era el modelo en el que se inspiraba el alma humana). A raiz de lo anterior, se considera que la música teórica o especulativa era superior, una idea que se transmitirá a la Edad Media. 

HDM 2.1.1.4.  Mitos y música en la Grecia Antigua

Según Ulrich Michles los mitos nos hablan mejor de la esencia de la música griega que otras fuentes. Hagamos un breve esquema con una selección de los mitos más importantes que hacen referencia a la música:

• Apolo. Hijo de Zeus. Simboliza el equilibrio y la proporción. Es el dios de la de la poesía y la música. Toca la lira.

• Dioniso. Dios del vino, de la locura, la sensualidad y el éxtasis. Es el dios de la de la danza y el teatro. De él dependen los sátiros. Toca el aulos. En las ceremonias dionisiacas se usaba también un instrumento de cuerda, el barbitón.

• Orfeo. Su música influye en la naturaleza de modo civilizador y armonizador. Es un personaje que encarna la teoría del ethos, es decir, la capacidad de la música de influir en los estados del alma.

• Las nueve musas. Criaturas femeninas inspiradoras de las artes. Son las diosas del canto, la lengua y a poesía, el ritmo y la danza. Simbolizan el concepto de mousiké. Son amantes de Apolo.

HDM 2.1.1.5.  Teoría musical griega

Analicemos a continuación las características principales de la teoría musical de la Grecia Antigua (te ayudará mucho tener esto claro para tu asignatura de  Análisis Musical II:

• Melodía. Ámbito reducido (no supera la 8ª), predominan los grados conjuntos, pocos saltos. Se basa en el  nomos griego (costumbre, ley) que define una serie de patrones o esquemas melódicos . La melodía griega se anotaba mediante un sistema alfabético de letras en alfabeto jónico. Se expresaban alturas relativas (notación adiastemática). Para la melodía vocal, cada letra representaba un sonido. Las melodías para instrumentos usaban además letras que se rotaban, para poder expresar así un mayor rango de notas.

• Ritmo. Libre, no-anotado, ajustado al texto según la prosodia griega (versificación, acentuación, entonación y silabización). El ritmo del verso griego se basa en pies métricos, combinaciones de dos o tres sílabas que alternan sílabas largas con breves. El pulso se basa en la alternancia de movimientos de alzar la mano (arsis) y bajarla (thesis). Estos pies métricos, y el ritmo griego en general, serán sistematizados a principios del siglo IV a. C.). 

• Sintaxis. Modal. Modalidad antigua o "modos griegos". Los antiguos patrones o esquemas melódicos evolucionan es estos modos. La textura monódica será fundamental, no solo en la música de la Antigüedad Clásica, sino también en el canto gregoriano medieval. Cuando el canto monódico está acompañado por instrumentos que no se anotan, hablaremos de: canto monódico con acompañamiento instrumental improvisado. Cuando nos refiramos a la monodia durante este periodo hablaremos de monodia antigua. 

• Textura. Textura monódica, monodia o monodia antigua. Puede Las melodías son vocales, se cantan al unísono o a la 8ª. Pueden llevar acompañamiento instrumental, en cuyo caso, es improvisado, no anotado. Puede habar casos de textura heterofónica (canto paralelo improvisado, no anotado).  

• Forma. Género musical. La forma musical es un concepto que en la música antigua debemos aún considerar vinculado a los géneros literarios a los que acompaña y de los que forma parte (generalmente en verso, poesía): poesía (lírica) o teatro (tragedia, comedia). No hay nunca que perder de vista el concepto de mousiké griego. Cuando hablamos de género, nos referimos por tanto a que esta música va a ser siempre vocal, en verso y asociada al género literario o a la danza que pueda acompañar (tragedia, epopeya, himno, por ejemplo, han sido analizadas en el apartado anterior, punto 2.1.1.3.).

HDM 2.1.1.6.  Instrumentos y música instrumental en la Antigua Grecia

La música griega anotada que ha llegado a nuestros días (unos pocos fragmentos) es eminentemente vocal, se cree que se practicaba  habitualmente acompañamiento instrumental, en cuyo caso, es improvisado, generalmente no anotado.  

Sin embargo, ya en la Grecia Arcaica hemos mencionado el  monocordio, instrumento que usaba Pitágoras para sus mediciones) o  la existencia documentada de concursos líricos de rapsodas que se acompañaban, primero de lira, y posteriormente de khitara ("arpa de mano", que llamamos cítara en español). En el cukto a Apolo se usaba la  lira (de ahí viene la palabra "lírica", asociada a "poesía"). Conocemos también, ya en la Grecia Clásica y Helenística que en el culto a Dioniso se usaba el aulos (uan especie de oboe) y el barbitón (una especie de arpa grande), o instrumentos de percusión que acompañaban la danza femenina (los kimbala). Se usó un instrumento de viento metal, el salpinx, precedente remoto de la trompeta.

HDM 2.1.1.7.  Danza en la Antigua Grecia

En Grecia, la danza sagrada tuvo mayor importancia que en ningún otro pueblo de la antigüedad. Se practicaba en todo tipo de cultos y celebraciones. El baile era también parte esencial de la educación, por tanto se cree que era una práctica extendida a todos los ciudadanos (incluso a los esclavos).

La danza, como el teatro y la música que lo acompaña y configura (mousiké), parte de lo misterioso y religioso. Pronto se asocia con los antiguos mitos y de ahí al teatro. En principio, la danza estaba en manos de los iniciados (sacerdotisas, principalmente). El baile y la música figuraban entre las ceremonias de los sacrificios, especialmente en Delos. Por lo general en los coros, compuestos de gente joven, los bailarines iban cogidos de las manos; sólo los más expertos bailaban solos. Posteriormente se popularizó y se hizo una práctica menos exclusiva (al perder el carácter exclusivamente ritual y pasar a  ser una práctica también ceremonial primero, luego social). 

 El más primitivo de los bailes griegos, la gnossiana, se ejecutaba en corro alrededor de un altar. La danza pírrica (danza de guerra y funeral) que en algunas localidades de la Grecia se consideraba como preparación al ejercicio de las armas, solían ejecutarla hombres armados o mujeres solas después de los festines. Fue una costumbre habitual en la Atenas del Período Clásico, hasta que tomando cierto carácter teatral y poco después licencioso, vino a ser una danza tan sólo ejecutada por cortesanas.

Existió también un tipo de danza con mimo, llamada hyporquema, utilizada en el culto a Apolo y especialmente escrita para entonarse al compás del baile. En las danzas dionisiacas, exáticas (que buscaban un estado de éxtasis), celebradas en honor al dios Dioniso, que tan a menudo se ven plasmadas en estatuas y monumentos, las bailarinas hacían sonar instrumentos de percusión como los kimbala (unos pequeños címbalos o platillos ajustados a los dedos).

HDM 2.1.2.1. Contexto y sub periodos

Podemos encontrar el precedente de la música en la Roma antigua en dos aspectos:

• La influencia etrusca (pueblo precedente a la civilización romana): en el canto ceremonial religioso autóctono de los pueblos antiguos que habitaban la península itálica, concretamente de la zona de la Toscana.

• La influencia griega. A partir del año 146 a.C. (siglo II a.C.), Roma invade Grecia y con ello se establece una influencia directa de la cultura clásica griega sobre Roma, a través, por ejemplo, de esclavos griegos ilustrados. Los romanos adoptan y continúan la tradición musical griega, además, serán la civilización encargada de transmitir la cultura clásica desde el mundo antiguo a través de la Edad Media. 

Distinguimos dos sub periodos en la Roma antigua:

República (entre los siglos VI -I a. C.):

Mayor influencia autóctona, etrusca. La música se utiliza en representaciones escénicas influenciadas por el drama clásico griego: existe un gremio de actores-bailarines-músicos, denominados histriones.  Existen algunos instrumentos autóctonos de viento, como la tuba o la tibia (flauta hecha de hueso animal). En el año 146 a.C. (siglo II a.C.), Roma invade Grecia.

Imperio (entre los siglos I a. C. al V d. C.):

Durante este periodo se produce el perfeccionamiento de la teoría musical heredada de la Grecia clásica. La música se convierte en un espectáculo propagandístico y de entretenimiento (lucha de gladiadores, anfiteatros). En el culto religioso se comienza a usar un nuevo instrumento: el órgano hidráulico. 

A partir del año 313 (Edicto de Milán), bajo el poder del emperador Constantino, el cristianismo es tolerado, pasando a ser la religión oficial del Imperio a partir del año 325 (Concilio de Nicea). En el año 330, el emperador Constantino funda la ciudad de Bizancio, que se convertirá en la capital del Imperio Romano de Oriente en el 396. El Imperio Romano de Occidente pervivirá hasta el año 476, con las mal llamadas “invasiones bárbaras” o “periodo de las grandes migraciones”.

HDM 2.1.2.2.  El legado del “mundo antiguo” a la Edad Media

Grecia y Roma antigua transmitirán a la Edad Media un importante legado, imprescindible para la evolución cultural y musical posterior. Tal y como lo considerarán los pensadores medievales, dividiremos, a su vez, este legado en dos aspectos: la música práctica y la música teórica.

Música práctica:

• El mundo antiguo transmite a la Edad Media el conocimiento y el uso de una serie de instrumentos musicales. Algunos de ellos perdurarán y evolucionarán (el órgano hidráulico, por ejemplo), otros muchos desaparecerán (el aulos, el barbitón o la lira) por considerarse vinculados a cultos paganos desde la perspectiva del teocentrismo medieval que está por venir.

• Una tradición en la ejecución de instrumentos (música práctica). Basada, desde los griegos, en la improvisación: no existe una “música instrumental”, la ejecución instrumental se improvisa como un embellecimiento del canto, no suele anotarse y se rige por convenciones o fórmulas tradicionales de ejecución, generalmente memorizadas.

Música teórica:

• Una filosofía de la música. El interés medieval por la música teórica o especulativa será una constante durante la Edad Media. Fueron muchos los filósofos y científicos griegos que enunciarán teorías sobre la música. Los romanos lo imitarán. El conocimiento anotado en relación con la música, que llega a la Edad Media, es transmitido a través de Roma. 

• Una concepción monódica de la música. La música estará siempre íntimamente vinculada al texto, su principal utilidad será trasmitir un mensaje. El texto determina el ritmo (a partir de la métrica del griego o el latín, de su ritmo acentual o prosodia), la forma y el género musical (como hemos visto en la materia de Análisis Musical II).

• Una teoría acústica y musical con fundamentos científicos. Los griegos primero, los romanos después lo perfeccionarán, enuncian la definición matemática de la consonancia (conocen el concepto de intervalo), enuncian un sistema de modos o escalas de uso, un sistema de ordenar los sonidos (una primera sintaxis musical), un sistema de afinación (el pitagórico).

HMD 2.2.1. Contexto histórico y cultural

La Alta Edad Media (Edad Media temprana, del siglo V al X) es un período social y políticamente caracterizado por las sociedades rurales, el feudalismo, el sistema de servidumbre y vasallaje característico de una sociedad estamental, así como un fuerte teocentrismo. La cultura se desarrolla entre los muros de monasterios y abadías que se han dispersado por la geografía europea y se ejerce un estilo artístico que denominamos arte románico. 

La Baja Edad Media (del siglo XI al XIV) es el periodo de cruzadas (guerras religiosas),  se unifica el rito litúrgico cristiano bajo un idioma común: el latín. A partir del siglo XIII, en las primeras grandes ciudades Europeas se instala una nueva burguesía de artesanos y comerciantes, a la vez que aparecen las primeras universidades. Hacia el siglo XIV, una nueva crisis se cierne sobre Europa: guerras, hambrunas y peste. El estilo artístico más característico de la Baja Edad Media es el gótico.

La música medieval parte de los precedentes de la Antigüedad clásica (greco-latina), que transmite un interés por la “música teórica” o especulativa. La “música práctica” se considera inferior y se desarrolla, en el ámbito religioso, dentro de abadías, monasterios y catedrales a través del canto gregoriano y de una primera polifonía. La música profana, por otra parte, se transmite por medio de una rica tradición oral (canciones de amor, refranes, historias, batallas, etc.), que se expresará en las figuras de juglares, trovadores y troveros.

Por otro lado, los instrumentos y la danza estaban asociados al ámbito popular y “sensual”, el baile y la música que lo acompañaba, se consideraba una pecaminosa incitación a la promiscuidad sexual. Sin embargo, a pesar de los esfuerzos de la iglesia por reprimirlo y castigar ambos aspectos (danza y música instrumental) debieron estar muy presentes en la vida medieval. 

HMD 2.2.2. El canto monódico religioso. El canto gregoriano

El canto gregoriano es el canto monódico (una melodía), vocal a capella (sin acompañamiento instrumental) oficial de la Iglesia romana (que actualmente llamamos “Iglesia católica”). Usamos ese término para referirnos a la música religiosa que acompaña textos religiosos en latín característicos de la Edad Media. 

El nombre “gregoriano” procede del Papa Gegrorio I (siglos VI-VII), a quien la iglesia romana rinde tributo por las aportaciones musicales que se producen durante su papado. Este género de música vocal religiosa será una de las señas de identidad de toda la Edad Media musical, especialmente de la Alta Edad Media (Edad Media temprana, del s.V al X), se seguirá practicando intensivamente durante la Baja Edad Media (Edad Media tardía, del s. XI al s. XIV). Su uso, influencia e importancia llega hasta nuestros días (siendo aún el canto oficial de la Iglesia católica).  Consulta la Unidad 2 de Historia de la Música para saber más sobre este tema.

Consulta:

• Las características musicales del canto gregoriano en el apartado 2.2.1. Monodia vocal religiosa: el canto gregoriano de la Unidad 2 de Análisis Musical II.

• Audición AMII 2.2.1. "Victimae paschali laudes" (sequentia in dia Ressucrectionis). Wipo de Burgundia (principios del siglo XI).

HMD 2.2.3. Polifonía medieval

La Edad Media es el marco en el que aparece y se desarrolla una nueva manera de componer que trasciende la monodia. Ocurre partir del siglo IX y supondrá un hito en la historia de la música occidental: el nacimiento de la polifonía.

Llamamos polifonía (poli = varias, fonos = sonidos) a un tipo de textura musical resultante de la combinación de varias voces o líneas melódicas. En la polifonía cada voz o línea melódica es independiente, conserva su propia identidad. La polifonía es el primer paso de una concepción “vertical” de la música occidental, frente a la linealidad u horizontalidad de la monodia, aunque aun bajo una forma de componer lineal, que se denominaba contrapunto (nota-contra-nota).

Las obras polifónicas medievales parten del canto gregoriano. Los primeros pasajes musicales polifónicos se alternan entre secciones monódicas de gregoriano, como un embellecimiento de este. Además, se conserva la monodia gregoriana como base o fundamento sobre el que elaborar el resto de las voces polifónicamente, con lo que las melodías gregorianas originales empezarán a denominarse a partir del siglo XII cantus firmus o canto llano. 

La evolución de la polifonía medieval va de la mano de la evolución de la notación musical y del progreso e innovación de la música en general. En la Unidad 2 de Análisis Musical II, en el punto 2.2.2. Polifonía medieval, hemos establecido y analizado un recorrido histórico en etapas acerca de esta evolución. Hemos utilizado para ello audiciones que hemos analizado, señalando los avances e innovaciones que introducen en cuatro pasos o etapas:

1. Organum primitivo. Primera técnica conocida de “cantar juntos”. Canto paralelo en intervalos de unísono, 8ª, 5ª y 4ª justa. A dos voces. Polifonía más antigua. Ver y escuchar la Audición AMII. 2.2.2.-1. "Alleluia Justus ut Palma” (siglos IX-XI).

2. Organum florido o melismático. Un organum mucho más variado y adornado, por eso se la llama “organum florido”. A dos y a tres voces. Segundo tipo de organum o polifonía primitiva. El gregoriano pasa a la voz inferior (que llaman “tenor”, de “tenere”, “voz que sostiene”) y se denomina a la melodía gregoriana original cantus firmus o canto llano. Ver y escuchar la Audición AMII. 2.2.2.-2. "Congaudeant Catholici”, Codex Calistinus (siglo XII). Magister Albertus Parisiensis.

3. Organum quadruplum u organum polifónico.  Escuela de Notre Dame, de París, Francia. Ars antiqua (siglos XII y XIII). Primeros ejemplos de música a cuatro voces. Podríamos considerarlo el nacimiento de la polifonía plena. Las voces son: tenor (abajo, gregoriano), duplum, triplum y quadruplum. El compositor agrega un contrapunto florido a la melodía gregoriana. Técnica de adornar el canto mediante melismas que se elaboran verticalmente, polifónicamente, nota-contra-nota. Ver y escuchar la Audición AMII. 2.2.2.-3. "Viderunt Onmes”, (1198, siglo XII). Perotín. Ars antiqua.

4. Polifonía plena.  A cuatro voces. Innovadoras y sofisticadas técnicas de escritura musical, basadas en el contrapunto, que permiten a los compositores “jugar” con las cuatro voces. Así, las líneas melódicas se perciben independientes, a la vez que resulta una hermosa polifonía unificada. Ver y escuchar la Audición AMII. 2.2.2.-4. “Agnus Dei”, de la “Misa de Notre Dame” (1364, siglo XVI). Guillaume de Machaut. Ars nova.

En general, a importancia de la polifonía radica en que se convierte en una característica esencial, una “seña de identidad”, de la música culta occidental, caracterizando algunos periodos de la historia de la música, concretamente la Edad Media que nos ocupa y, sobre todo, el Renacimiento.

En la Unidad 2 de Análisis Musical II tienes una tarea que debes realizar en Classroom sobre este apartado.

HMD 2.2.4. Evolución de la notación musical durante la Edad Media

1. Notación griega alfabética griega.

Hemos estudiado que la música en la antigüedad clásica se anotaba mediante un sistema alfabético de letras en alfabeto jónico. Se expresaban alturas relativas (notación no-diastemática). Para la melodía vocal, cada letra representaba un sonido. Las melodías para instrumentos usaban además letras que se rotaban, para poder expresar así un mayor rango de alturas. El ritmo era libre, acentual (prosódico), vinculado al texto. Esta tradición y conocimiento se transmite desde el mundo antiguo a la Edad Media.

2. Notación neumática

El canto gregoriano, como dijimos, fue una de las señas de identidad de toda la Edad Media musical, especialmente de la Alta Edad Media (Edad Media temprana, del s.V al X), se seguirá practicando intensivamente durante la Baja Edad Media (Edad Media tardía, del s. XI al s. XIV). Este género musical comenzó a transmitirse de manera oral, usando la memoria (transmisión oral), pero pronto se convierte en el campo de experimentación y desarrollo de la notación musical durante toda la Edad Media. 

Durante la Alta Edad Media (Edad Media temprana, del s.V al X), las alturas en el canto gregoriano se comenzarán anotando en campo aperto, sin líneas. Se trata de una notación relativa de alturas, no-diastemática. 

Lo anterior evolucionó a lo que se llamó notación neumática, se colocaron unas primitivas notas, llamadas neumas (señales) bajo el texto en latín. Posteriormente, se añadió, primero una línea y posteriormente dos, para anotar las alturas relativas a las que se debía cantar.

El ritmo era acentual, no-mensurado (no respondía a compases). Se ajustaba al texto, en latín, acorde con la versificación del mismo. Aún no existe una noción de compás: el cantante se regía por indicaciones quironómicas del director (movimientos de arsis y thesis, “alzar” y “bajar” la mano). Este sistema de notación 

3. Notación cuadrada

Durante la Baja Edad Media (Edad Media tardía, del s. XI al s. XIV) se producen decisivos avances en la notación de la altura, que son atribuidos a la invención del monje y teórico italiano Guido de Arezzo (992-1050). Este autor sistematiza un sistema de líneas y espacios donde representar las alturas, el tetragrama (cuatro líneas). 

Además, Guido de Arezzo, inventa un sistema nemotécnico de fijación de las alturas, que quedarán ya anotadas de una manera no-relativa, o sea, diastemática.  Lo hace a través de la llamada "mano guidoniana", atribuyendo a las notas la primera sílaba de cada verso de un himno religioso (de ahí procede el nombre de las notas musicales). Esto supondrá el nacimiento oficial de la notación musical, fundamento de la actual.

4. Notación mensurable (Ars antigua y Ars nova francés)

Hemos visto en este tema como París y la Escuela de Notre Dame, de París durante los siglos XIII y XIV, fue un lugar muy importante en el desarrollo de la polifonía.  En esta catedral de comenzó a sistematizar un sistema de notación rítmica. Como consecuancia de la alternarnancia de sílabas o sonidos largos y breves, se establecen una serie de patrones o modos rítmicos. 

Derivado de lo anterior, aparece por primerra vez anotado el concepto de tempo (tempus), una primera noción de compás (binario o ternario) y las primeras figuras musicales (longa, breve, semibreve). En el siglo XIV, se añade una nuevo valore: la mínima.

En la Unidad 2 de Análisis Musical II tienes las siguientes audiciones analizadas relacionadas con este apartado:

• Análisis de audición AMII. 2.2.3.-1. "Alleluia Justus ut Palma” (siglos IX-XI). Organum primitivo

• Análisis de audición AMII. 2.2.3.-2. "Congaudeant Catholici”, Codex Calistinus (siglo XII). Magister Albertus Parisiensis. Organum florido

• Análisis de audición AMII. 2.2.3.-3. "Viderunt Onmes”, (1198, siglo XII). Perotín. Ars antiqua.

• Análisis de audición AMII. 2.2.3.-4. “Agnus Dei”, de la “Misa de Notre Dame” (1364, siglo XIV). Guillaume de Machaut. Ars nova

HMD 2.2.5. Lírica profana medieval: juglares, trovadores, troveros y maestros cantores.

Música profana durante la Alta Edad Media

Durante la Alta Edad Media (Edad Media temprana, del s.V al X) la música medieval no solo existe en monasterios, abadías y castillos, también florece probablemente en las zonas rurales y en algunas aldeas, pero apenas conservamos notación musical de estas manifestaciones populares.  Había un prejuicio a anotar lo vernáculo, además de que la inmensa mayoría de la población, el vulgo, era iletrado.

Sin embargo, las fuentes de la música profana europea más antigua residen en el patrimonio inmaterial, en la tradición y transmisión oral, así como en las prácticas instrumentales y dancísticas improvisadas. Todo eso, en gran medida, no se ha conservado en fuentes históricas.

Sabemos de la existencia de juglares desde el siglo VII, cómicos errantes (malabaristas, actores, músicos, humoristas, contadores de historias), difusores de la cultura entre zonas geográficas cercanas, a medio camino entre el campo, la aldea y los castillos. En la tradición Norte europea y anglosajona se le llamaban, desde la antigüedad, bardos. Existían también los ministriles, que trabajaban en la corte y eran considerados “vasallos con talento”, se caracterizaban por saber tocar instrumentos, cosa que no era muy apreciada en esta época (se consideraba algo vulgar).

Música profana durante la Baja Edad Media

El repertorio escrito que conservamos de lírica profana medieval procede la Baja Edad Media (Edad Media tardía, del s. XI al s. XIV). Ha llegado hasta nosotros asociado a las villas, aldeas.

No se trata de un repertorio homogéneo, controlado y codificado, como ocurre con el canto gregoriano, sino que la música profana medieval presenta distintas identidades poéticas ligadas a una serie de factores que aportan peculiaridades interesantes a estas músicas:

• Lenguas regionales (lenguas vernáculas). Proceden del latín, aparecen en el seno de las llamadas lenguas romances. Surgieron, por ejemplo, en Francia la langue d´oc (idioma occitano o provenzal) y la langue d ´oil (actual francés), o en España, el galaico-portugués.

• Migraciones o desplazamientos: como en el caso de las melodías, bailes o improvisaciones instrumentales remotas que escucharon los cruzados en Tierra Santa (desde finales del siglo XI al siglo XV).

• La influencia arabo-andalusí del sur de la Península Ibérica, donde se producen interesantes intercambios e interacciones entre lo oriental y occidental. Los temas amorosos en la poesía (lírica amorosa medieval) o la influencia de instrumentos musicales como el laúd árabe, 

Este repertorio profano medieval se vincula a hechos históricos como la fundación de las primeras ciudades (en torno al siglo XII), a las cruzadas, y a la existencia de la figura de músicos-poetas llamados goliardos, trovadores, troveros y maestros cantores alemanes (minnesinger y meistersinger).

• Goliardos. Siglos XI y XII. Estudiantes para clérigo, no-ordenados. Errantes y mendicantes, vagan por toda Europa de una escuela o universidad a otra. Cultos, escriben en latín. Autores de lírica satírica, ridiculizan a la nobleza y al clero; su lema: "amor, sátira y vino".  Un famoso códice del siglo XII, el Carmina Burana, recopila algunos de sus más famosos cantos.

• Trovadores. Desde finales del siglo XI a finales del XIII. Geográficamente los situamos en la región de Provenza, en el sureste de Francia, en la zona sur del río Loira hasta el norte de España. Cantan y escriben en lengua vernácula, la langue d´oc (idioma occitano o provenzal). Se conservan 2600 poemas y 260 melodías esecritas por ellos. Eran de ascendencia noble: cortesanos o caballeros. Bertarn de Ventadorn, Raimbaut de Vaqueiras o Beatriz de Dia fueron famosos-as trovadores-as. Podemos considerar que la música atribuída al rey Alfonso X de Castilla, "El Sabio" (siglo XIII), las famosas "Cantigas de Santa María", pertenecen a este repertorio.

• Troveros. Desde finales del siglo XII .Geográficamente los situamos al norte del río Loira llegando hasta Inglaterra. Hablan y escriben en lengua vernácula, la langue d ´oil (actual francés). Se conservan 2130 poemas y 1440 melodías escritas por ellos-as. Chrétien des Troyes, el rey Ricardo I de Inglaterra ("Corazón de Leon") o Adam de Halle fueron famosos. 

• Maestros cantores alemanes. Desde mediado del siglo XII. Poetas cantores dle norte de Alemania también procedentes de la nobleza y la caballería. Se les llamaba "minnesinger" (literalmente, cantantes de "amor"). Cantan a un amor con tinte religioso y practican una poesía más sobria que la de sus equivalentes franceses, ingleses o españoles.

Temática y contenido de las obras medievales profanas

Generalmente, las melodías profanas medievales, se estructran bajo una forma estrófica, es decir, emplear la misma melodía sobre diferentes estrofas (en verso): la música permanece constante en cada estrofa mientras que va cambiando el texto.

• El tema favorito es el amor expresado a través de la poesía y las canciones. Hablamos, por tanto, poesía lírica medieval (ya hubo una poesía lírica en la Grecia y Roma antiguas). Se trata de un amor cortes: noble, sincero y secreto (generalmente entre en un miembro de la nobleza y una mujer del pueblo llano). Es un amor "no consumado" y basado en la voluntad del caballero, que debe vencer obstáculos y superar pruebas para conseguirlo. Esta temática se expresa en formas como: chanson o cansó (poema de amor con música), la pastorela (caballero corteja a una pastora) o el alba o alborada: (canción de despedida de los amantes al amanecer).

• Otro  tema recurrente es la sátira, la crítica política o social ridiculizando la vida de los nobles. Está presente en el llamado sirvientés. En el tenso, dos trovadores entran en disputa poética compitiendo en ingenio.

• Serán también importantes las ballades (procedentes y vinculadas a las estampidas), canciones de invitación a la vida, vinculadas a la danza y probablemente conectadas con ritos populares autóctonos ("kalenda Maya", de Raimbaut de Vaqueiras es un buen ejemplo de ello).

Consulta:

• Análisis de audición AMII 2.2.5-1. "A chantar m´er" (s. XII). Beatriz de Día. Trovadora. Chanson

• Análisis de audición AMII 2.2.5-2 “Kalenda Maya” (finales del s. XII). Rimbaut de Vaqueiras. Ballade

• Análisis de audición AMII 2.2.5-3. “Santa María, estrela do día” (s. XIII). Alfonso X “El Sabio”. Trovador. Cantiga (virelay)

• Análisis de audición AMII 2.2.5-4. “Robins m´aime” (1280, s. XIII). Adam de Halle. Trovero. Rondeaux

Instrumentos musicales

La música instrumental y saber tocar instrumentos no era algo apreciado en esta época (se consideraba algo vulgar). Era una práctica reservada a juglares y ministriles. Lo anterior está relacionado con el fuerte teocentrismo imperante durante la Edad Media y con el interés medieval por la música teórica o especulativa, que se consideraba superior a la  tradición en la ejecución de instrumentos (música práctica), basada, desde los griegos, en la improvisación: 

No obstante, se sabe que para el acompañamiento, los trovadores y troveros empleaban instrumentos y por tanto, los poetas-músicos medievales debían ser también instrumentistas. Podemos dividirlos en categorías:

•  Violeros. Aquellos que tocaban la viola con arco o fídula (precedente del violín) o viola punteada (evolución de la lira griega, precedente de la guitarra). En el siglo XI se introduce en Al-Ándalus un nuevo instrumento de origen árabe: el laúd, que será muy popular en toda Europa a partir del siglo XIV, y, sobre todo, durante el Renacimiento.

• Cedreros. Los que empleaban la cedra o la cítola (otro precedente del violín). A menudo se identifican estos instrumentos con la terminología de guitarra morisca o guitarra latina. En todo caso, se conoce que en el siglo XI, se introdujo en Al-Andalus el laúd árabe, que probablemente, este importante instrumenmtos influenció a los anteriores en la Península Ibérica. El laúd será un instrumento muy importante durante el renacimiento.

• Los tromperos y tamboreros, dedicados a instrumentos de viento y percusión respectivamente, eran considerados músicos de clase inferior a los que interpretaban con cordófonos.

Existió una forma musical instrumental vinculada a la danza, la  estampida  (en idioma provenza , estampie): Probablemente se trate de uno de los primeros ejemplos de forma musical instrumental de la historia y la única pieza puramente instrumental que se conserva en la Europa occidental.

En la Unidad 2 de Análisis Musical II tienes las siguientes audiciones analizadas relacionadas con este apartado::

• Análisis de audición AMII 2.2.5-1. "A chantar m´er" (s. XII). Beatriz de Día. Trovadora

• Análisis de audición AMII 2.2.6-1. “Kalenda Maya” (finales del s.XII). Rimbaut de Vaqueiras 

• Análisis de audición AMII 2.2.5-3. “Santa María, estrela do día” (s. XIII). Alfonso X “El Sabio”. Trovador

• Análisis de audición AMII 2.2.5-4. “Robins m´aime” (1280, s. XIII). Adam de la Halle. Trovero

HDM 2.2.6. Danza durante la Edad Media

Las primeras descripciones detalladas de baile en Europa datan de 1450 en Italia, ya en el Renacimiento. Sin embargo, se sabe que el baile fue popular en Europa durante la Edad Media. Se conservan fuentes iconográficas, pictóricas y escultóricas, así como algunos testimonios escritos que dan fé de la existencia de danza medieval, aun cuando son pocos los restos arqueológicos que han llegado hasta nosotros y a pesar de que la danza, como la música instrumental, no se anotó durante la Edad Media.

Estas son algunas de ellas:

• La estampida (en idioma provenzal, estampie) es una composición de música instrumental que contiene de cuatro a siete secciones conocidas como "puncta" que se van repitiendo en secciones de forma binaria aa, bb, cc... No se sabe absolutamente nada de como se bailaba puesto que no se conservan escritos de la época sobre ella, más que algunas ilustraciones en manuscritos.

Raimbaut de Vaqueiras (1180-1207) puso letra a una de ellas, "Kalenda maya" , creando un nuevo género vocal de chanson medieval: la balada (ballade, en idioma provenzal): canciones de invitación a la vida, vinculadas a la danza. Consulta: Análisis de audición AMII 2.2.6-1. “Kalenda Maya” (finales del s.XII). Rimbaut de Vaqueiras 

• El carol consiste en un círculo de bailarines cogidos de la mano, con los bailarines bailando mientras cantaban. Está documentada entre los siglos XII y XIII en Europa occidental tanto en ambientes rurales como cortesanos. En general, parece ser que las danzas en círculo eran muy frecuentes durante la Edad Media.

• La danza macabra, popular durante el siglo XIII y sobre todo en el siglo XIV con la epidemia de peste negra. También conocida como "danza de la muerte". Tiene su origen en Francia y durante la Edad Media fue un tema muy recurrente. Por un lado tenía una intención religiosa, donde se recordaba que el fin de todos era el mismo y que los placeres terrenales eran perecederos. Tenía también una intención satírica al fingir, mediante el baile, que todos cayeran muertos con independencia de la posición social que ocupaban. Todos eran iguales ante la muerte. 

Otras danzas de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento (siglos IV y XV) fueron:

•  La baja danza (basse danse, de finales del siglo XIV). Popular en la corte del ducado de Borgoña (norte de Francia). Se practicaba en combinaciones de 6/4 y 3/2. Los danzantes solían bailarla lentamente, como dando un paseo, durante el cual sus cuerpos subía y bajaban lentamente haciendo distintos movimientos, y de ahí viene su nombre. La basse danse más tarde se desarrollará dando lugar a la pavana renacentista. 

• Tarantela. Siglo XV. Proviene del sur de Italia. Su origen está en Nápoles y es un baile con mucho movimiento. Era una especie de danza de galanteo entre parejas donde la danza iba poco a poco aumentando de velocidad al compás de 3/8 o 6/8 por lo general. Se acompañaba de castañuelas y panderetas. Tenía dos partes claramente diferenciadas, una en tono menor y otra en tono mayor. En la Edad Media se creía que bailar esta danza curaba la locura producida por la picadura de una de las arañas más temidas, la tarántula.