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Proyectos gráficos colaborativos
Proyectos gráficos colaborativos
Crear en equipo: el poder del arte colaborativo
Crear en equipo: el poder del arte colaborativo
El arte no siempre se hace en soledad. A lo largo de la historia, muchos artistas han trabajado en equipo: en talleres, en colectivos o en grandes proyectos comunes. Hoy en día, los proyectos colaborativos son una forma fundamental de creación artística, porque nos permiten sumar ideas, compartir miradas y construir juntos algo que sería imposible de hacer en solitario.
Trabajar en colaboración significa escuchar, aportar, adaptarse y crecer. En el aula, los proyectos en grupo no solo sirven para desarrollar una obra colectiva, sino también para aprender a dialogar, a tomar decisiones juntos, a respetar los tiempos y puntos de vista de los demás. Es una oportunidad para descubrir que el arte también es una experiencia social.
En esta tarea, os proponemos crear una obra conjunta en la que cada persona aporte algo propio, pero que al mismo tiempo forme parte de un todo. Puede tratarse de un mural, una instalación, una serie de piezas conectadas o una intervención en el espacio. Lo importante es que exista una idea común y un reparto equilibrado de responsabilidades.
Cretas
Cretas
La Sanguina, Sepia, Bistre, Blanco y Negro son unas tizas que se han utilizado con frecuencia como metodo pictorico para esbozar dibujos en frescos, lienzos, láminas,…
Son una forma ecónomica de trabajar, permite la expresion de los tonos semiclaros con Blanco y semioscuros con Negro dejado así el fondo para los tonos intermedios.
En muchos aspectos es una técnica paralela a metodos pictoricos monocromaticos.
También es una técnica seca, es decir, muy similar al carboncillo.
El exito de la sanguina radica en la calidez y savidad que aporta al dibujo, por eso muchos artistas se decantan por esta técnica que resulta muy apropieda para el Desnudo, con frecuencia, se emplea sobre un soporte de color Hueso o Tono Cálido.
https://www.youtube.com/watch?v=SJAz4dUbupI&list=PLHwe7dJQuBqJfk8vV2zv5S7WKcxd3iV6I
MATERIALES:
MATERIALES:
La proporción humana. Modelo del natural.
La proporción humana. Modelo del natural.
El estudio del cuerpo es una práctica imprescindible para cualquier estudiante de arte.
El Dibujo del natural es imprescindible para entender y captar la anatomía, tanto humana como animal, así como para mejorar el sentido del movimiento gracias a la observación de una figura viva.
La explosión de referencias fotográficas accesibles en la red nos invita a pensar que es innecesaria la práctica permanente del dibujo del natural. Sin embargo, el estudio y análisis de la fuente es algo que mejorará visiblemente los resultados de nuestro trabajo.
¿Porqué es importante el dibujo del natural?
¿Porqué es importante el dibujo del natural?
Claro que se pueden dibujar un gesto sin referencias de la realidad, pero las habilidades adquiridas con la práctica del dibujo del natural ayudan a construir con proporción, estructura, perspectiva y vitalidad rítmica del trazo. No se puede lograr todo eso sin haber interiorizado primero la estructura de lo que queremos reflejar. Analizar las formas animales y humanas, reconstruir sus estructuras básicas y luego aplicar ese conocimiento, nos permitirá dibujar una criatura o un personaje desde cualquier ángulo.
Al dibujar una figura es casi inevitable interpretarla a través de cierta estilización o distorsión de la realidad. Si nos basamos, por ejemplo, en referencias dibujadas por otros, es como conseguir información de segunda mano. Este es uno de los valores del dibujo del natural. De la misma forma, eso te ayuda a comprender por qué un dibujo funciona o no.
si no tienes ocasión de ir a una escuela de arte y de disponer de modelos reales del natural, puedes retarte desde casa mediante los “digitales” con las web
https://line-of-action.com/practice-tools/figure-drawing/
https://www.posespace.com/posetool/Default.aspx
https://www.characterdesigns.com/
http://reference.sketchdaily.net/es
donde te ofrecen unas secuencias de modelos fotográficos masculinos y femeninos en distintas poses (vestidos y desnudos) que debes dibujar en trazos rápidos y en tiempos definidos que tú eliges (desde unos pocos segundos hasta 2 minutos) .
fuentes:https://pruebadibujo.wordpress.com/tag/dibujo-del-natural/
https://artesdigitales.net/5-paginas-practicar-dibujo-del-cuerpo-humano/
https://www.domestika.org/es/blog/3811-5-sitios-gratis-de-poses-de-dibujo
Captura el movimiento...
Captura el movimiento...
Ejemplos Inspiradores en YouTube
Ejemplos Inspiradores en YouTube
Para iniciarte y encontrar inspiración, aquí tienes algunos canales y vídeos recomendados:
Tutorial DIBUJO: Consejos para iniciarse en el URBAN SKETCHING: Explica cómo elegir el lugar, materiales imprescindibles y cómo comenzar un boceto urbano1.
Materiales para Urban Sketching: Un repaso a los materiales básicos necesarios para empezar en el dibujo urbano, incluyendo kits recomendados4.
Estos recursos ofrecen tanto orientación técnica como ejemplos visuales de cómo abordar el dibujo urbano, desde la elección de materiales hasta el desarrollo de la perspectiva y el color.
Dibujo Urbano
Dibujo Urbano
El dibujo urbano, conocido también como urban sketching, es una disciplina artística que consiste en representar escenas de entornos urbanos, capturando edificios, calles, personas y el dinamismo de la vida citadina. Más allá de la simple representación visual, el dibujo urbano busca plasmar la energía, las historias y el ritmo de las ciudades, convirtiéndose en una forma de documentar la vida cotidiana y la interacción entre las personas y su entorno26. Los artistas urbanos, llamados sketchers, suelen trabajar directamente del natural, sentados en plazas, parques o cafeterías, inmortalizando momentos fugaces y creando un archivo visual y social de la ciudad.
El dibujo urbano, conocido también como urban sketching, es una disciplina artística que consiste en representar escenas de entornos urbanos, capturando edificios, calles, personas y el dinamismo de la vida citadina. Más allá de la simple representación visual, el dibujo urbano busca plasmar la energía, las historias y el ritmo de las ciudades, convirtiéndose en una forma de documentar la vida cotidiana y la interacción entre las personas y su entorno26. Los artistas urbanos, llamados sketchers, suelen trabajar directamente del natural, sentados en plazas, parques o cafeterías, inmortalizando momentos fugaces y creando un archivo visual y social de la ciudad.
Materiales para Dibujo Urbano
Materiales para Dibujo Urbano
La clave del dibujo urbano es la portabilidad y la practicidad. Los materiales básicos suelen ser pocos y bien seleccionados, permitiendo trabajar cómodamente en exteriores:
Cuaderno de bocetos: Preferiblemente de acuarela, formato A5 o A4, con papel de al menos 200 g/m² para soportar técnicas húmedas.
Acuarelas en pastilla: Compactas y fáciles de transportar, ideales para añadir color rápidamente.
Pinceles de viaje: Pueden ser tradicionales o pinceles con depósito de agua, que facilitan la pintura en exteriores sin necesidad de recipientes adicionales.
Portaminas o lápiz: Para el boceto inicial, el portaminas es práctico porque no necesita sacapuntas.
Tinta indeleble y rotuladores: Plumas estilográficas o rotuladores finos para remarcar líneas y detalles.
Goma de borrar y rotulador acrílico blanco: Para correcciones y detalles de luz.
Recipiente para agua y pañuelos: Si se usan pinceles tradicionales.
Extras: Pinzas para sujetar el papel, base de apoyo, silla plegable, gafas de sol, gorra, crema solar y una botella de agua para hidratarse.
Retrato creativo
Retrato creativo
A lo largo de la historia del arte, el retrato ha sido una forma esencial de representación. Desde los bustos romanos hasta los autorretratos contemporáneos, el ser humano ha sentido la necesidad de dejar constancia de su identidad, de su imagen, de sus emociones y, a menudo, de su poder o estatus. Pero el retrato no es solo un ejercicio técnico para representar con precisión un rostro; es también una puerta abierta a la expresión personal, a la interpretación y a la creación.
El retrato creativo, es decir, un dibujo que representa a una persona (real o imaginaria) con libertad estilística y conceptual. Más que copiar una fotografía, queremos que exploréis cómo transmitir una personalidad, una emoción o incluso una historia a través del rostro, el gesto, los colores, el entorno o los elementos simbólicos que decidáis incluir.
Inspirarse en distintos estilos artísticos (realismo, cubismo, expresionismo, arte pop…), jugar con las proporciones, fusionar el rostro con paisajes o texturas, alterar los colores o incluso incorporar palabras o materiales mixtos. Lo importante es que el retrato cuente algo más allá de lo que se ve.
Objetivos de la actividad:
Comprender el valor del retrato como forma artística y comunicativa.
Experimentar con técnicas, estilos y enfoques personales en el dibujo del rostro humano.
Desarrollar la capacidad de representar una identidad, emoción o idea de forma visual y creativa.
Recomendaciones:
Observa bien: cada rostro tiene rasgos únicos, pero también muchas formas de interpretarse.
Piensa en lo que quieres transmitir antes de empezar a dibujar.
No tengas miedo de alejarte del realismo: el retrato puede ser tan simbólico o abstracto como desees.
Experimenta con materiales y soportes: lápiz, tinta, collage, acuarela, carboncillo…
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