音樂色彩的當代思考

音樂色彩的當代思考——吳叠

前言

在天體運轉的時空裡，似乎二十世紀註定原本就是一個花花的世界，是一個千變萬化、充滿變數的世紀。

音樂，一項屬於人類精神依託的藝術，也在這個社會環境的變數領域裡同溶，雖然持續不斷地啃噬著傳統，但也跟著飛躍的時代節奏起舞、試驗、創造，散發出無限想像的信息，圍繞著每一個人的心靈，將人的音樂胸懷引導於漫幻無際的思考空間。它在藝術的熔爐中醞釀著、變化著。它用聲音、用時間、用線條、用空間、用色彩交織出各種綺麗的想像。

長久以來，這些音樂上的理念，一直衝擊著我的創作意識。莫索爾斯基（M. P. Moussorgsky）利用音符寫下音畫；德布西（C. Debussy）以時間換取色彩變化的意識感受，因此我試著構思音樂中時間交錯的變化，以節奏做為音樂表現上既相容又相斥、矛盾且交織的特質。我也極力思考過，既然音符可以作畫，顯然在音符流露之間，必然也能讓人意識到它的色彩；既然印象派的音樂能夠以時段拿捏音樂的色彩意象，那麼主導音樂生命延續的音值節奏，自然也會透露出音樂的層次色調。所以在一九九四年筆者重返巴黎之時，便將此一充斥腦海已久的構想寫作成一首名為「二與三的對話」的音樂作品，交由作曲教授 Yoshihisa Taïra 加以指導。曲子的樂念以音符的線條進行方式，牽引出時間性交錯的對話，以聲部間各自不同的時間循環所造成的交錯為主要訴求，縱然樂想稍顯單純，但在無意間卻得到了複調的效果，以致延伸出更多更富於變化的色彩。在教授的理念裡，他認為所表現的層次色彩多於「對話」的線條特質，因為「對話」只能算是創作上的一些步驟和過程，藉由這些過程所表現出複雜紛亂的色彩意象，才是真正屬於音樂表現上的作用。隨後我另提出一個比較具有中國哲理思想的音樂構想「禪化」，他更直接切入色彩濃、淡的化境課題，從實境到化境，就這過程中所勾勒、所禪釋、所描繪到的，將層次性色調表現出來。這些種種，都與我所秉持對音樂的看法極其吻合，也因此更激發了我研究音樂色彩的動機。

未達巴黎之前，好友蔡培煌老師在中國音樂特有的意念上，常常給予寶貴的看法和意見，如從撥絃所蘊藏的音樂意境到弓絃煽情般的音樂情懷，以至於彈絃音樂的花俏華麗等等……，都給予莫大的啟示，也是我努力進行研究的原動力。

研究動機

在音樂認知的領域裡，我常常想，音樂與生活中的任何事與物，似乎都有無可磨滅的關係。就時代變遷的角度而言，中世紀時，音樂是宗教的代言體，音樂自然扮演著淨化人心的工具；文藝復興時期的音樂與文學則相輔相成，也成了表達內心自我的橋樑；巴洛克時代，音樂在富紳貴族的心態下，一時陷入華麗浮誇的表面藝術層級，卻也因而和建築的堂皇偉構劃上了等號，建立起歐洲文化氣息的表徵，並深深影響了其後古典主義對形式佈局的執著，甚至於在浪漫樂派更竭盡所能，不僅與文學、詩詞、故事結為一體，也跟哲學、神學水乳交融，尤其在印象派時，音樂與繪畫更是息息相關，音樂與畫作，只不過是類型上的差異罷了，本質上所要表達的意念則完全相同。一首寫景的音樂作品，就像一幅畫作；一首寫情的音樂作品，也讓人激起情緒上變化多端的的色調意境；而寫意的音樂作品，更在意念上產生多彩多姿的色彩聯想。

音樂自有和聲開始，就有多少人感受到其所蘊含的音樂色彩，不但爭相談論，並探討著和聲所可能表現的色彩性——大小三和絃的出沒、和絃之間的安排、不協和和絃的使用，以及和聲功能等等，都別具各自特有的色彩。當音樂的表現有了樂器的合奏組合，也讓人體驗到，不同的聲音所傳達的不同色彩的信息，而積極嘗試在配器上的應用，企圖從樂器的組合上，得到應有的色彩變化，這樣的意圖，實質正如繪畫之於調色板上做調色的運用。

音樂乃時間的藝術，節奏是塑造其生命的根本，而節奏的根本則為時間延續所造成的脈動，在時間的替換過程中，正如天體循環般，日夜遞進，白天有白天的色光、黑夜又有黑夜的色度，日夜不斷循環下，在色彩上自有差異，所以時間的色彩變化，必然也主導著音樂的色彩變化。難怪近世的許多音樂家，對於音樂中時間色彩的感受，特別費盡心機，全力追逐、矢命專研。

本著對探討音樂中無形內涵的執著，也因應當代音樂創作必然的思維，別無選擇的我接受了它的擁抱，這也是觸動我對研究音樂中無形與有形、淺顯但又奧妙深遠的先機，但願能在所提出的色彩觀感上，激起投石問路之效，更希望音樂大眾因而大有斬獲。

緒論

一、無形的音樂藝術為何會有色彩

或許有人會說，音樂既然是無形的，它當然是用聽的，為何會有色彩？不難想像會有這個疑問必然無可厚非，也是常人正常的反應，因為從表面上就能做出直接的想像，如果以內涵的感受來思索它的可能性，那麼音樂的表現可就費人遐思了，甚至可以說與其它藝術相一致，並且相互包容。在諸藝術所表現的最終目的裡，不外乎止於各層次「美」的境界，雖然各自所使用的材料不同，表達的方式、語言也互異，但它們則都用相同的思想寫下歷史，用一致的藝術本質留下見證，也給後人的思想帶來莫大的衝擊。

二、藝術總括的構思

曾經有位哲學家對藝術提出耐人尋味的獨到看法，他認為藝術之間有共通的特點，所以有其族群一家的必然性。

舒曼（R. Schumann）在他的「論音樂與音樂家」一書中，也做這樣的敘述：「有學養的音樂家能夠從拉斐爾（Raphael）1 的聖母像得到不少啟發。同樣地，美術家也可以從莫扎特（W. A. Mozart）的交響曲獲益匪淺。不但如此，對雕塑家來說，他們會把演員看成都是靜止不動的塑像，而對演員來說，雕塑的作品何嘗不是神氣活現的人物。在一個畫家的心目中，詩歌都變成了圖畫，而音樂家則善於把圖畫用聲音表現出來。」接著他又說：「一種藝術的美學也就是另一種藝術的美學；只是所用的素材不同而已。」2

他的這一席話，所要刻劃的主要目的，終究是強調在任何藝術的心靈世界是互通的、是一致的。所謂「物象心靈化，內涵表面化」就是這個道理。從一幅畫裡，可以用心聽到無止境的聲音世界；聆聽一首音樂作品，能夠在腦海裡浮現絢麗多彩的畫面。一個舞蹈家透過音樂，能展現他的肢體脈動；而他的肢體語言也直接傾訴著內心的音樂世界。再說，生活就是藝術，藝術就是生活，藝術家所要表達的離不開生活，音樂所刻劃的，從人的內涵到外在的整體世界，都與任何藝術的意念和目的息息相關，唯一所不同的是畫作屬於描繪性的，詩篇則善於表達，而音樂作品著重在暗示上。

藝術在心靈上的表達是獨到的。瓦爾特‧赫斯（W. R. Hess）3 就提到：「悲哀或愉快的感覺，幽靜或活躍的情調，將不再由用筆的高度技巧來表達，而是通過線、色、調子的結合。身為一個色彩畫的藝術家，在某方面是明顯地和數學、音樂關聯著。」4

所以他認為畫家作畫，善於「運用色彩的音階，像作曲家譜寫一首交響曲所運用的配器一樣。他以數學運算的方式，平衡著節奏與節拍。以色彩元素做階層式的降低或提高，塑造著另一個調子直到無盡，完全傾心於自身的喜好，控制著七原色的遊戲、抗衡與互動。他就像一個音樂家一樣，變化著音階上的七個音符，創作出一個曲調。」5 在他的心裡即認為彩色的繪畫進入了音樂的階段，尤以塞尚（P. Cézanne）6 為代表，他的畫作就像彈奏著的管風琴，不但音點閃爍，而且繚繞燦爛。

除此之外，梵谷（V. Van Gogh）7 表達內心沈悶的畫作，其所運用的色彩，就像音樂中，音域壓低的顫動，既緩且重，空氣層中佈滿透不過氣的低沈感受。

當康定斯基（W. Kandinsky）8 畫出第一幅抽象的水彩畫時，即特別提出了他作畫理念的說明。從音樂的立場上品味他的觀點，我們不難發現，他所要強調的正是形色與觀感的契合。他認為「一種顏色能夠喚起對一種樂器音色的聯想，因視覺裡的刺激能帶動其它感覺區域的共同波動。因此一種顏色可以是硬或軟、暖或冷、苦或甜，這一切都隸屬於它的『音響』。從這類的音響裡，從它們的互替、抗衡、轉變裡產生著這『音響宇宙』。」9

人的心靈宇宙是無限的，它存在著各種所能想像的有形物象，也存在著不可捉摸的無形心象。然而有形與無形之間，同樣都是發自心靈的感觸，所以顏色能讓人呼吸到它的芳香，也可以讓人感受到神祕奧妙的音響。康定斯基就認為，如果加深了的黃色，就像提高的音調一般，可見色彩能直接帶動心靈進行對聲音的冥感是可想預見的。

雖然他們所提出來的論點，是將具體的物象心靈化，但卻是不折不扣的表露了藝術創作者的一致心態——以整體藝術所要表達的最終目的，做為構思創作的前提，在有形與無形之間互通、互換，讓所有藝術融為一體。由此足以證明，在任何藝術家之間，他們的思想、理念，以及所表現的藝術作品，都追求在同一個目標上。

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1. Raphael (1483-1520)，文藝復興時期的義大利畫家，以畫宗教人物、宗教故事見長。

2. 文字摘錄自潘必新、李起敏、王次焰合編「音樂家、文藝家、美學家論音樂與其它藝術之比較」第16頁。

3. 瑞士生理學家、美學家。

4. 同註2，第112頁。

5. 同註4。

6. Cézanne (1839-1906)，法國印象派畫家。作品以表現閃爍的和諧色彩為主，並通過純粹的形和色彩來表達思想、激發感情。

7. Van Gogh (1853-1890)，荷蘭表現派、象徵派及印象派畫家。短暫的一生窮途潦倒，沒沒無聞，內心卻存在極強烈的手足情懷。死後在20世紀初才受重視而聲名大躁。畫作以鄉下田野風光為取材對象，用色大膽，藉為表現內心的感受。

8. Kandinsky (1866-1944)，俄國畫家和美學理論家。起初以顏色、線條和形狀做為表達思想，並喚起深情的理念作畫，後來走向完全的抽象，透過解構圖畫中的抽象因素而得到想像效果。典型的作品如「在黑圓圈中」、「一個中心」、「三個聲音」等。

9. 引自瓦爾特‧赫斯語。

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三、音樂歷史思想潮流的趨勢

時代的巨輪不斷的輾動著，藝術的思想也隨著挪移。音樂，在歷史的鴻溝裡，我們可以看得出來，古有神聖之風，今有灑脫之格。是時代帶動潮流，亦或思想帶動時代已非重要，重要的是時代的潮流與藝術思想，由古至今都處在無法分割的事實。

朔自中世紀的音樂思潮，由於宗教治國，利用音樂教化民心、淨化民心的特色，似乎沒有那一個時代的音樂風格能夠與之匹敵，那種素雅的色彩，就像簡單的鉛筆畫，或是淡彩的水墨畫，足以讓人達到修心養性以至昇華。如果不是當時的社會型態、思想潮流所趨使，此時期的音樂將不致於如此。可是，中世紀到底是封建思想的時期，在被壓制的民心上，自然得不到自我，尤其為宗教服務的音樂，僅僅止於作用的層面上，無法真正的表達意義和內容，更不能表現思想和自我。在這種環境下，壓抑的心態必然迸出火花來，文學、音樂及藝術的結合成了抗爭、時髦的思想體系，而跨向文藝復興的社會脈動。

很多人都認為歷史是殘酷的。不錯，因為它必須歷經在觀念交接上的陣痛，但如換一個角度想，沒有殘酷的改變，便寫不進歷史，沒有衝擊的思想，歷史就不會更替，所以文藝復興就在宗教革命的洗禮下誕生了。音樂從人聲走向器樂、單音填充成複音，風格再也不是中世紀的淡雅脫俗了。它的潮流讓人有了自我思想的空間，它的自我建立了人文意識的抬頭，而寫下了古典藝術衍生的里程碑。

音樂需要表現真實，也需要透露心境，因此它直接與文學產生互動，如膠似漆，密不可分。繪畫也跟著走進世俗，畫人像、畫生活、畫故事，依然語文學有著深厚的淵源，可見文藝復興時期的音樂、文學與藝術，在人文思想潮流的浸淫下，渾然一體。

文藝復興之盛，對文學、藝術與音樂而言何嘗不是好事，但強烈自我的背後，卻在無形中相對造就了人們貪焚奢侈、追求浮華的心態，並紛紛浮上台面，藝術的領域因此而走向了雍容華貴的巴洛克。

巴洛克時期音樂中華麗的想像，完全源自名利追逐，貴族般享受生活的本質。生活既已表面化，藝術、音樂也變為浮誇矯飾，連一向素雅的教堂門面，都在表面上做了裝飾，形成了獨特的藝術風格。音樂上裝飾性的技術運用就是來自教堂，以教堂裡的雕紋做為音樂表現的寫照，充分凸顯出當時無論宗教、雕刻、繪畫與音樂，其藝術性相互影響與結合。

雖然巴洛克的藝術較為表面化，但卻是音樂中形式主義的基礎。

（未完）