音樂創作的電腦走向

音樂創作的電腦走向——吳叠

[English]

一、踩在前人輾過的路，我們向前邁進

自從電腦被開發出來運用以後，電腦便主導著整個社會的發展，無論是科技，或是社會各層次的應用，都呈現出豐碩的成果。

回顧過往，早在五十年代的初期，德國的科隆音樂工作室即已開始電腦音樂的運用工作，透過電子搜尋音樂運用的新聲響，給音樂的新生命注入了一帖強心劑。隨後國際間將電腦運用到音樂上，幾十年來都一直在進行。像在法國巴黎龐畢度中心（Centre Georges Pompidou）的 IRCAM 現代音樂聲學整合研究學會（全名為 Institut de recherche et coordination acoustique/musique）、設於巴黎潘丹音樂院（Ecole Nationale de Musique de Pantin）的 CIDMA 當代音樂傳播工程創作協會（全名為 Création Ingénierie Diffusion des Musiques d' Aujourd'hui）、荷蘭海牙的皇家音樂院（Institute of Sonology）、德國 Darmstadt 的新音樂與音樂學研究中心、史丹佛大學的 CCRMA 中心（全名為 Center for Computer Research in Music and Acoustics），以及美國諸多大學內都設有電腦音樂研究中心等，皆潛心於音樂創作方面的研究，將音樂的發展推向時代的尖端。

世界性的音樂發展如此，可見電腦運用在音樂創作上，是未來音樂發展必然的趨勢，想讓自己所創作的音樂跟上時代，能擁有一個世界性的音樂觀，首要之務，是放棄對於電腦非人性化機器的成見，建立起電腦與音樂結合運用的新觀念。

二、回顧音樂歷史，開發音樂新觀念

如果從音樂發展的歷史角度來看，音樂的組織形態、表現手法、精神內涵以及藝術態度等時時刻刻都在改變，追求藝術的時代理念也一直沒有停止過，求新求變的精神正是締造輝煌音樂歷史的主因。科技的發展對於音樂的影響也是正面的，無所謂的負面作用。當今的音樂家或音樂學者，不能因合成音色的使用而擔心會取代人性化的音樂特質，或電腦機械性的表現而憂心將導致音樂性僵化的疑慮。

所以，要摒棄故步自封的心態與觀念，從過去歷史頁頁的寫照，再來思考一下現在，藉以調整前進的腳步，不也是一項重要的音樂課題。

1. 音樂的發展，變、變、變……

在音樂的進化過程裡，我們可以很清楚地看到，古老的音樂，原本是單純的單音音樂型態，尤其大多只局限在自然人聲或節奏樂器的表現上。直到文藝復興時期，才有了所謂的平行複音（Organum）出現，以及加進其他樂器的聲響，但是音樂的本質則仍然要求以協和的音響為基礎，難得容許較複雜且不協和的現象存在。架構音樂的基本材料改變了，人們對音色的觀念也隨之調整，古老的樂器所發出的音色再也無法滿足音樂上的需求，改造樂器音色正是當時他們極力進行的目標，所以在巴洛克時期的柯賴里（Arcangelo Corelli）手上，讓古提琴有了新的生命，終於定位了現今音樂中弦樂器的極致。

柯賴里不但創新了小提琴的演奏技法，更奠定了形式對比的音樂結構原則，也為其後的古典主義時代開啟了形式風格的契機。音樂的改變，是音樂家思想觀念的改變，是時代風尚、社會型態需求的改變，古典時期的音樂著眼於形式的要求，但貝多芬（Ludwig van Beethoven）卻又以新的理念改造了古典形式的命運，致使音樂走向強調內容之美的浪漫思潮。

時代的巨輪永無休止的輾過漫漫歲月，也輾過帶引音樂發展、獨領風騷長達兩個多世紀的學院派。學院派，在現代人的眼光中，正是不折不扣的“傳統音樂”、“正統音樂”，樹立起音樂調性、音樂語法、音樂重心的宏偉風範。然而正當音樂的氣象蓬勃方興未艾之際，荀白克（Arnold Schoenberg）卻在傳統中出走、叛逆，將調性澈底地破壞掉，雖然他所強調的是多調的理念，但實際上已經沒有調性的存在，甚至醞釀出音樂語法的重新改革。

音樂原本是以樂音為素材的，由於社會環境的變遷，連帶的帶動音樂家對音樂表現的訴求。寧靜、純樸的感受賦於祥和的樂音境界；紛擾的空間理當跳出樂音的梏桎，以致當代音樂家對噪音的熱愛與追求，思考噪音所呈現的意境，並搜尋多變化音色表現手法的突破。傳統樂器的音色再也無法滿足音樂家們表現的慾望，現時代最容易又直接的，大概已非電腦莫屬了。

2. 音樂的手法，新、新、新……

當代音樂的走向，既然朝著噪音的世界在發展，那麼沿著他們追尋的軌跡看看，將不難發現，在嶄新的世紀裡都用嶄新的音樂進行革命。面對這些意識的衝擊，必當感受到音樂應用電腦的必然性，在觀念上的突破，相信會有一定的作用。

從 20 年代開始，未來主義（Futurisme）的音樂，以機器或是工廠的噪音，結合節奏表現出吻合現代生活步調的噪音藝術，甚至製造能出現都市聲響的噪音樂器，為達求音樂意念無所不為。旅居美國的法裔作曲家華雷斯（Edgard Varèse）就是積極在這方面奉獻心力，著迷於科學面的魔術與神秘的諸多音樂家中，影響最大的一人。

噪音的解放，電子音樂的發展與都市聲響的推廣，光憑華雷斯一人潛心而為，勢必難行。美國作曲家柯吉（John Cage）正是發揮這些音樂理念的得力伙伴，他在 30 年代末期，用平台鋼琴做為聲響的試驗器材，在其琴弦之間裝進各種不同的東西，像金屬片、木塊、橡膠等等，企圖製造無法預期的音響效果，以及能在作曲過程中，進行音色實驗的調整。這部被運用作為音色實驗的鋼琴，就是眾人好奇、舉世聞名的「加料鋼琴」（Prepared Piano）。

加料鋼琴除了做音色的變化之外，還以模仿打擊樂器音色為主要目的，藉由它來表現節奏音樂，使一個龐大複雜的打擊樂隊，只要一個人的雙手就可以演奏出來。這跟現在電腦控制演奏一個大型管絃樂作品，似乎如出一轍。

法國作曲家梅湘（Olivier Messiaen）也是一個相當重視音樂中節奏要素的一個人，他認為所謂節奏就是數字（Numéro）與持續的變化，所以在他的音樂語法上，特別強調在節奏的附加時值變化、節奏的擴張與縮減、不可逆行的節奏以及複合節奏等，這些節奏以數字運算做為變化的手段，其實與電腦數值運算的基本功能正好吻合，也是電腦執行上最為見長的本能。

無法滿足傳統的樂器音色，創造新音響是這時期的特色。在 40 年代後期，隨著科技的發展，磁帶式錄音機在社會上被應用，一樣也被導入音樂的創作環境，而成為表現新音響素材的「電子音樂」。開始之前，對於聲音的試驗，似乎已存有將自然聲音變質加工的意念，其後剛好順應時代的潮流，利用電子發展出的波頻，製造一些音樂想要表現的特殊音響。

電子技術在藝術音樂領域中，誠然已成為一項重要的構成要件，也是促使音樂走向電腦化的原動力。電腦是於 60 年代在美國開發出來的，當時許多美國的作曲家即紛紛嘗試用電腦來做音響合成，或做聲音的變化，其過程就是利用電腦的計算功能，將聲音的聲波數值化處理，以達到作曲家的要求。甚至於還可以將作曲的規則輸入電腦，電腦再依照規則直接作曲。如此一來，到底是作曲家在作曲，或是電腦在作曲，這個問題馬上成為音樂界爭議並懷疑的焦點。事實上，電腦只不過是依照作曲家所給予的規則，協助作曲家加以計算而已，作曲的法則還是作曲家本身所創作出來的。羅馬尼亞當代作曲家瓊納基斯（Yannis Xenakis）就是一個典型例子，他在作曲時，使用電腦做為計算的手段，為後來電腦運用在音樂創作上豎立了一座里程碑。

3. 為了音樂的變化，追、追、追……

從以上音樂發展的歷程上，我們不難發現音樂家們的訴求都配合著時代的潮流，時時刻刻在求新求變，其目的不外乎為加深音樂變化的可能性。當然身為一個音樂的創作者，方法一直要創新、一直要變化，這才是真正音樂工作者的本份，也才是道道地地音樂家的本色。

另外，我們也發現，時代的趨勢，社會的變化都足以代表著全人類內在的心態與心聲，所以做為表露心靈層次的音樂藝術，其構成的材料──表現的音色，當然要加以變化，才能吻合大家內心的需求。內在的表現求變，而外在的結構整合自然也必須配合著改變，何況運用電腦分析、邏輯運算、做變化整合，已經是一件易如反掌的事。

三、進行音樂創作，電腦軋一腳

在五、六十年代的世界樂壇，我們發現到的電腦音樂歷程，似乎仍以作曲者本身的創作意念為主，並非電腦能取代人腦而直接作曲，所以所謂的電腦作曲，不外乎在人的創作行為上，想要表達的或偶然性意念的處理，交由電腦執行的過程與展現，而今也是如此。創作的涵意，早已被藉定在人類思想的範圍之內，屬於自己所思所為，才是創作，所以電腦在創作的領域裡，扮演著輔助的角色。

音樂創作的活動，是進行音響組織的行為，是將聲音做邏輯性的安排、連接、組合的過程。表面上，這種音響組織的陳述，看似音樂創作上的遊戲規則，然而規則的背後，隱藏的是創作者的思想，在音樂組織規則的遊戲下，將創作的意念表達出來。

意念是隱性的、是抽象的，想要從音樂中表現出來，必須以有形的音樂手法才能表現無形的音樂思想，所以音樂表現的規則只是創作的手段而已。有意念的音樂構思，明晰的將組織架構起來，這是創作一件音樂作品必然的藝術性要求。過去的作曲家依循這些規則而創作，也配合時代需要再突破，另創新的規則來；現代的作曲家也有一樣的狀況、肩負相同的使命，在傳統的規範下，尋求新的音樂語法、新的方向，讓時代的音樂需求走向時代。已邁入二十一世紀的今日，科技蓬勃發展的現在，電腦配合音樂的創作勢必是未來的一種趨勢，有這樣的環境，如果作曲家將內涵的創作理念，藉由電腦擅長的規則運算，讓作品呈現出來，豈不相得益彰，作品更臻盡致。既然電腦是作曲家的得力助手，它所能夠做的，自然無遠弗屆，除了參與作曲之外，在音樂上還能參與演奏，營造出當今極力追求的實驗性新聲響，為作曲家開創了前所未有的創作空間。

但是想要讓電腦參與作曲，其中卻存在著許多技術性的問題。一來作曲家必須具備電腦程式語言的相當素養，才能進一步將作曲的思維轉化成演算式；二來作曲家的音樂涵養必須全面性深入完備，否則創作意念交由電腦呈現將會失之偏頗，難以盡意。

音樂創作的過程是音的排列組合，電腦的特長是計算，作曲家構想中的音組織，用電腦加以演算排列是最好的搭配，只要作曲家賦予電腦懂得音樂中所有的規則，換句話說，音樂原理的可能規則全部轉寫成電腦讀取的程式，那麼電腦就可以模擬人腦作曲了。所以運用電腦參與作曲，事先必須在電腦上做好以下的一些重點工作：

（1）建立音樂語法資料庫。其中包括：

音程資料──各種自然音程、變化音程、協和音程、不協和音程、單音程、複音程、旋律音程、和聲音程等的輸入。

節奏資料──蒐集各類型單節奏、複節奏、地區性民俗節奏及變化節奏的各種運用函數。

音域資料──分人聲中的混聲四部各聲部的音域、童聲的音域及各種管絃樂器的音域等。

塑造音型資料──表現音樂思維的可能音型，將其建立成各種不同的語法，做為風格資料庫，以便讓電腦順應作曲家的音樂意念讀取。這是甚為重要的項目，因為它是表現作曲家個人創作理念、音樂思維的關鍵所在，但也是一項極其困難的工程。

音向性資料──在音的排列上，什麼樣的音樂表現就有什麼樣的音的進行傾向，將這些可能性規劃出規則來，儲存成資料庫做為電腦依循讀取的目標。

（2）複音音樂手法。

屬於對位法應用的音樂創作技術，讓電腦模擬複音的創作，同樣須有規則性的依據可循，所以應先做好規則性資料庫的建立，以便作曲家進行創作時，能夠運用模擬，掌握最佳的音樂對話效果。

（3）主音音樂手法。

是針對和聲色彩運用的創作技術項目，由於和聲的規則嚴謹，因此利用電腦創作，所應具備和所能做到的與複音音樂手法的項目相同，可歸類為：

規則性資料庫建立；

運用模擬；

嘗試和聲新效果。

（4）多調性音樂手法。

多調性的音樂有別於複音的音樂，雖然多調性有時也是多重旋律的組合，但各旋律卻是不同的調性語法。這種音樂的塑造，自荀白克（Arnold Schoenberg）之後，巴爾托克（Ba Bart）和米堯（Darius Milhaud）當推個中技術的翹楚。熟悉了多調的基本概念，就可以在電腦的運用上，將旋律做為主要架構，再分別將有關係的調性建立起來。事實上，聲部的組織關係上，強調的還是調關係的配合，所以調的關係網是多調手法建立的重點，其它的技術，都可以配合前述的各項音樂語法加以運用而成。

（5）無調性音樂手法。

多調性複雜化最後的結果是無調，所謂多而雜，雜而亂，亂而無主。單一調性所要求的是調的重心，一切都以配合主音為依歸，一旦重心複雜化，任何音的表現都被視為同等重要，無法架構音組織的歸屬，那麼衡量調的重心，豈非形同無主，已無調性可言。

運用電腦創作無調性的音樂，先決條件是掌握音的組織與節奏變化，從音樂語法資料庫的各個項目善加利用，再賦予非調性規範的自由排列，經過模擬後作曲家再以樂念所需決定取捨，綜合結果完成無調性的音樂作品。

（6）音列性音樂手法。

音列性的音樂技術與無調性的音樂手法並不類似，無調性的音樂只是建立在無調重心的原則上，音的組織能夠任意重複排列組合。而音列性的音樂手法，則必須依照12 音排列不得重複的準則，另做原型音列的逆行、倒影或逆行倒影的處理，這些創作的技法，完全是荀白克與貝爾格（Alban Berg）、魏本（Anton von Webern）師徒三人聯手創制而來，也為後來電腦參與創作立下以規則做為搜尋的基礎。

從音列排列的準則來看，電腦參與這項演算創作並不難，在音樂語法的各項環境下，將音列規則轉寫成應用的程式，當作曲家創作時，便可以在電腦上隨心所慾進行寫作，甚至於利用了電腦的計算優點，讓寫作的速度與效率事半功倍。

（7）聲音變化的試驗與運用。

各種藝術有各種不同的組織材料，各自的表現方式。在諸藝術的行列中，音樂自不例外。它之所以被稱為無形的藝術、時間的藝術，完全是因為它的特質起自聲音而來，沒有聲音就沒有音樂（John Cage 的四分三十三秒是一個例外，因為它是以無聲經由時間的脈動喚起形而上的心靈之聲），可見構成音樂的基本材料是聲音，各種不同的聲響。在我們所生活的週遭環境裡，只要稍加留意、多用心思即不難發現，處處存著無可計數的聲響，如果我們知道如何利用，透過技術巧妙的處理，是可以神奇地將它組成音樂的。

在這紛擾的世界上，由古至今，聲音不斷的出現各式各樣的變化，是簡趨繁、是悅而噪，皆因時代的不同，所存在的聲音跟著不同；環境改變，聲響也跟著改變。這些基本的材料變了，音樂必然也相應潛在許多的變數。傳統的技術是否適合新的聲響、如何運用新的組織、新的方式架構音樂，都是當今音樂創作者必須思考的課題。

文人有句話：大地假我以文章，確實貼切。生活是一種藝術，環境是凝聚藝術的泉源，生活於現在的作曲家，當知自己一直浸淫在創作資源的恆河，又在科技文明的愛撫下，有所為有所不為全憑創作者的敏銳感覺。自然聲響就是上天賦予音樂家不折不扣的資源，如何運用這些資源在電腦上做適切的整合，用噪音合理的架構音樂，切換它的不協和因素，使其轉變進入藝術的領域，應該是值得大家考慮力行的問題。

泛泛自然界中所存在的凌亂聲響，實質上，它是由一些有系統、有組織的各種單一音響所組成，如果我們利用電腦將聲音取樣後並做分析，即不難發現，它是諸多單純音線組合後的效果。就音樂的角度來說，單純音線正如音樂中的各個聲部，音樂的構成，不就是由數個不同聲部組合而成，這些單純的音線，只要做合理的安排，依舊能夠將其轉化成美好動聽的音樂。

既然電腦能讓我麼窺見噪音世界裡的堂奧，那麼我麼運用它做自然聲響的整合，即可既容易又邏輯性地將音樂架構出來，當然其間的過程，尚需建立在下列的幾個觀念上，以做為架構音樂的依循：

A. 整體效果內的各種單線聲響，可視為音樂中的各聲部──例如在我們的生活空間所能聽到的鳥叫聲、汽車聲、喧嘩聲等，這些聲音用個別的眼光看待時，皆屬獨立的聲響，假設我們用一些不同的單線聲響將其混合，結果不難發現與我們平常所聽到的整體效果如出一轍。

B. 各聲響的基本組成元素，可用來做為音樂結構中的音型組織──任何一種獨立聲響，都有各自的組成方式，也就是說它們的表達有些是出自於週期性，連續的反覆或變化的反覆都有可能，所以其單一週期，正如音樂中的音型組織語法，利用音型組織，連續的擴張形成音樂的線條。例如某種鳥聲，其叫聲是既單純又簡潔的鳥語，如果固定的鳴叫，便形成獨立的聲音線條。又如打鐵匠打鐵的聲音或機器動作的聲音，其規律性的聲響，更存在著其必然組成的基本元素。

C. 自然聲響的遠近、大小是音樂表情中的強弱張力──在一種聲響的空間內，聲音的發出，本來就有遠近的區別，距離遠時則人的聽覺感受較弱，趨近則顯得越強。另外，聲音的本身，也有大小聲的區別，這些都會造成聽覺上的明滅張力，做為音樂中表情的處理，這種元素是不可少的。

D. 聲響的緊湊與鬆馳性是音樂節奏與速度張力構成的特性──各種聲音的表現都有輕重緩急，從緩急的角度上來看，就像音樂中做音值變化與速度變化一樣，形成時間性的拉力與張力，也造成了音樂中的節奏律動。

E. 間斷性的強聲音響，是音樂中的斷奏特性──如果聲音是間斷性的，正吻合音樂表情中各種不同現象的斷奏，如頓音、長頓音、離音……等等，這些都與間斷性的聲響相類似。

F. 綜合效果的強聲，像音樂中表現和絃式的強奏──前面提到的各種現象，都以單一聲響為主，但如果在一個整體音響的運作下，出現強聲的效果，如在音樂表現的層次裡，就好像幾個不同的和絃交互變換而形成切分強聲的和聲作用。

當代作曲家對於音樂材料的運用，除了追求自然環境的聲響，將其取樣後加以分析、改變後再應用到音樂上之外，還可以直接運用已經整理合成的電子音色，做為作品中特殊的需求音效，或是學習華格納（Richard Wagner）創作尼貝龍指環時，為了音樂聲響上的需要而自製樂器的精神，自行在電腦上做新音色的開發。

電腦參與音樂創作能夠做到的，面對當代音樂無法滿足於傳統半音分割律的衝擊，轉而訴之於微分音的音律變化要求上，不管是三分音、四分音甚或更為細分也好，它仍然以擅長演算的特長，發揮了最大作用，與作曲者和演奏者配合得天衣無縫。

四、關於作品「現象與概念《1001》——給人聲與電腦」的一些說明

之所以創作這首“現象與概念《1001》”主要的構思，就是從現實生活中體驗人生與音樂的互動而來的，試著從音符的排列展現生活的真諦，感受人生的哲理。所以音樂能夠凸顯人生百態，音樂也是生活現象的寫真。透過音樂與媒體的結合，或許能剝析生活內涵的真諦。大家都認為生活是時光的隧道，所以音樂家就會感受到，音樂是在時光的遂道裡脈動。生活空間裡的現象裡都有屬於自己的點點概念，那麼音樂正是空間的現象裡概念的變數！

音樂的構成，其實就是透過音點的排列做出時間的延續，音點的跳躍與浮動，積點成線、排線成面、架面出空間。生活空間裡的點點滴滴，本來就是在不定性的現象裡，所匯集的無數概念，藉由這些概念的變易，轉化成無數的音點，應該是可以激發大家無限的遐思與聯想。

這個作品的創作手法，主要是以音樂為主，先將音樂做獨立的創作後，再結合多媒體與舞台上的人聲、動作做完整的呈現。

表現音樂的靈感，主要是來自音點，所以運用打擊樂器間歇的特性，將音樂點狀式的音點呈現出來。這些音點，除了聽覺上的撼動之外，並訴之視覺的觀感，打造出無限深遠的空間。

平面上的音點，以不同的樂器用不同的音軌在畫面上做縱軸鋪設，聲音的高低則展現在畫面的橫軸上，另外並由聲音的強弱決定音點的大小，在時間流動的環境裡，映畫出遠近的層次空間效果。

運用媒體：硬體週邊部份包括 Macintosh 電腦、PROTEUS/2 XR Orchestral 音源器、電腦顯像投影機、舞台背景投影銀幕、MIDI 界面、擴音放大器、立體喇叭。軟體環境以法國龐畢度中心 IRCAM 所開發的 Max 及所附屬的部份 external 為主，配合 HyperCard 做整合。

五、結語

現代的人有現代的頭腦，開創了新的時代；現代的科學家有現代的智慧，揭開了世界的奇蹟；現代的音樂家應有現代的眼光，接受新的思想衝擊，建立新的音樂環境，審思音樂創作的新方向。

在這多元化的社會裡，各種現象凝聚了大家有數不完的概念，也帶給大家無限的思考空間。