2017 GenieLab 妖山混血盃跨域創意實驗室
2017年秋天
妖山混血盃首次辦理，以跨領域為主題號召邀請各具專長的學生進行不同領域的混搭創作。組隊小妖以實驗精神，在北藝大校園各處展開藝術創作，內容涵蓋跨領域藝術、行為藝術、新媒體藝術、舞蹈和音樂相互結合的演出，藝術的能量在此迸發！
作品回顧
豬豬上學去─妖山修煉計畫When Pigs at University
創作者：李昭慶Chao-Ching Lee
展演日期：2017.09.29 Fri. - 2017.10.31 Tue.
展演地點：鷺鷥草原樟樹步道Egret Grassland
作品介紹：
文字截自藝評人梁廷毓
一般肉豬是被安置於室內的豬舍空間，也就是非公共的、眷養的空間，但移置到了校園的公共空間，除了因為場域性質的誤植所產生的空間錯置、乖張感、以及些微的荒謬感、違和感，讓豬可愛化、寵物等等的形象轉變、在校園中製造一個奇觀、稀奇、新鮮的效果之外，還可以給予觀者甚麼？或是可以給予豬甚麼？
除了帶出現代社會專業分工的運作中看不見、並無法被消費者直接面對的問題，如豬隻在豬圈裡生活的環境、以及飼育豬隻的過程，以及以動物為本的倫理觀念等，更是將創作習以為常以藝術作為前景—其他學科為背後理論—的關係置換，使「藝術」成為支撐科學接觸群眾的中介，而非終點。
未足輕重的日常祭典An Insignificant Rite
創作者：Tully
展演時間：10.01 Sun. 16:30 50 mins（觀眾可隨意進出演出場域）
展演地點：鷺鷥草原、人文廣場、荒山劇場 Egret Grassland, Arts Forum, Forest Theatre
作品介紹：
文字截自藝評人張敦智
在旅程中，有一人雙眼緊閉，被其他人引導、環繞，手抱豬頭，步行上山。疲憊的身體姿態和物件，展現出生與死共存在同一副軀殼的矛盾狀態。他似乎為了不明確的目標而跋涉，但行動本身又如結局所示，宛如邁向死亡，緩慢而堅決，體現普世生命複雜的悲哀狀態。
舞踏與佛朗明哥舞的緣起，其實都與這場送葬、護行旅途彼此呼應。前者是日本在二戰後，為了抵抗西方價值與美學侵入，在1950年代發起的藝術形式，主張保留民族自身身體質感，來進行藝術表達。而佛朗明哥舞則起源於十五世紀因政治、宗教因素破迫害的摩爾人、猶太人、與羅姆人。他們透過這類音樂與舞蹈抒發心中憤怒與悲哀的情緒，並表達對尊嚴、自由的嚮往。
《未足》結合這兩種藝術形式，讓持豬者的旅途得以完成旅途，彷彿一場儀式，召喚他體內更深層、獨立的力量。作品背後的意識，充滿濃厚的悲觀主義。勞動終究歸於塵土。但其樂觀處在於，正因為旅途中召喚、與曾看見的希望，使死亡本身，最後有了值得眷戀的痕跡。
Ultra Line
創作者：許巽翔Hsun-Hsiang Hsu
展演時間：10.06 Fri. -10.31 Tue. 19:00 - 22:00
展演地點：行政大樓&鐘樓Administration Building & Bell Tower
作品介紹：
文字截自藝評人武文堯
Ultra Line》乍看之下是具象的，但當它充滿了音樂性後，或許展現了抽象與實像般的交錯，配合著後方關渡平原的絢麗夜景，就像是有了伴奏（accompany）的小夜曲般，十分耐人尋味。就像作品名稱所示，這件作品超越了線條，激盪在藝大的夜空中，使觀者自行體會。
妖山混血盃跨領域展演其中一個名為《Ultra Line》的作品，同為關渡光藝術節的參展之作，創作者許巽翔在人文廣場（鐘樓）架起了三條柔軟、隨風飄逸的發光線條，在漆黑的夜裡透露著微亮的藍色光芒。
這三條發著藍光的線，大約四層樓高，在人文廣場平坦的視野中，從平面拔起如此高度的線條，在視覺上無疑是十分壯觀的。據創作者的說法，此作品原先預計在這三條線上各綁上一個氣球，然而無奈於展期天候的不穩定，過大的風雨等因素使得現在最終的呈現，其實是折衷後的權衡之際，或許創作者自己並不滿意，然而在不輸效果的同時又能顧及觀者安全，是相當難得的。
米索利地安星球 Mixolydian Planet
創作者：藝想天開 Music Matching Bond
展演時間： 2017.10.21 Sat. 19:30 2017.10.22 Sun.14:30 90 mins（作品長度75分鐘，中場休息15分鐘。遲到觀眾須由前臺人員指引入場）
展演地點：國際會議廳 International Conference Hall
作品介紹：
文字截自藝評人林易衡
在所有露出的文宣與網路宣傳上，《米索利地安星球》強調各類藝術領域結合，直接點名這是個談「環境保育」與「人類」議題的演出。筆者盡量讓自己不存在太多想像，直到進劇場後一切才豁然開朗。這一個虛構於文明毀滅後的星球，確實令人回味。
才進入場內，演員、舞者、音樂家、道具已經在舞台上迎接每一位「旅客」；節目開始後，旅客們才隨著演員開始了一趟奇幻旅程。筆者時而被音樂吸引、時而被演員帶領、時而又被舞者的狂暴與溫潤感動，舞台上被各種元素掌控，對白尖叫歌唱、影像燈光閃爍，或許我們所處的環境就是這麼紛亂複雜難以切割。
音樂劇場的跨域形式並不少見，但如何包裝得令人舒服不顯得突兀，相當考驗每一位設計的創意；尤其架構在環境保育這樣巨大的框架之下，往往容易顯得老生常談。但藝想天開工作室嘗試用一種類似VR的方式，引領觀眾看到了新生繁盛衰敗而後又浴火重生，些微刻意又不致太超過的提點觀眾對我們所處的資本主義、自由主義進行反思。
8000 km Away
創作者：鄭筠 Yun Cheng
展演時間：2017.10.28 Sat. 19:30 2017.10.29 Sun.14:30 40 mins （遲到觀眾須由前臺人員指引入場）
展演地點：戲劇系館T305
作品介紹：
文字截自藝評人林易衡
究竟透過科技「傳遞」的內容是什麼？我們時常說表演藝術的可貴在現場、在當下，若創作者甚至沒有處在同一空間，怎麼能夠確定其感受到的藝術性是相同於觀眾的？這個作品透過這個方式反問創作者，無聲吶喊，看似輕描淡寫，實則給許多人重重的一擊。
解構與再現時常是舞蹈作品很重要的一種呈現方式，在《8000KM AWAY》裡，編舞家鄭筠更是將《#blue》舞作中的片段直接拆解，透過舞者與影像的搭配，讓平時較不易接觸創作面的觀眾們得以一窺設計者的神秘面紗。
拜科技進步所賜，許多創作者能透過視訊進行創作。SKYPE接通後，觀眾看到的是一張外國面孔，他與舞者反覆一次又一次修正舞蹈內容，然後在得到某種共識後結束了這段視訊。這個畫面對筆者來說並不陌生，只是當這個過程竟如此「真實地」放到演出中，不免讓人莞爾。在時空的限制裡，人們又因為科技掙脫了這個枷鎖。
手勾手，我們一起去郊遊 Let’s Go to the Picnic!
創作者：可揚與他的快樂夥伴 Cola's Happy Friends
展演時間：2017.10.07 Sat. 14:00/15:30/17:00 30 mins （觀眾可隨意進出演出場域）
展演地點：藝大咖啡外川堂 TNUA Cafe
作品介紹：
文字截自藝評人余詩文
在低頭族已成為普遍現象又飽受詬病的時代，創作團隊毫無忌諱地邀請觀眾帶著手機一同去「郊遊」，將意識的分散、視角的碎裂、表演主體的消弭、真實空間與雲端空間的互動，加以凸顯在作品中。當郊遊的自然風光置換成無數的有趣鏡頭與影像，科技的脆弱也正好嘲諷人類對3C產品螢幕的依賴：當其中一台電視螢幕的收訊失靈而出現一片黑屏時，原本在那裡觀賞的觀眾也只好訕訕然地跑到另一台電視螢幕前面說：「這裡好像比較有趣。」
在一片日常和諧當中，草坪上的女舞者和蓮花池邊的男舞者開始緩緩舞動，標註著「表演」的開始。但很快的，觀眾就發現自己的視角無可避免地被導向了電視螢幕上。兩位舞者手上各拿著一台手機記錄自己的身影，特寫影像即時傳輸到電視螢幕。
在手機鏡頭所營造的觀看視角下，表演主體不斷被切割與轉換：時而舞者自拍，時而舞者互拍，觀眾在真實舞者與螢幕影像之間來回游移，視角碎裂，全景和特寫空間重疊，還可以同時遁入虛擬的Line群組世界裡。最叫人興味盎然之處，莫過於觀眾成為了表演主體，看著自己的形象被投放在螢幕上，配上app的可愛圖案，觀眾也奮力地在鏡頭前擠眉弄眼，拿起手機拍下自己在螢幕上的可笑模樣。
意識旅圖 The Conscious Trace Map
創作者：TN小星星 TN Star
展演時間：09.29 Fri. - 10.21 Sat. 10:30 - 20:00
展演地點：藝大書店2F TNUA Bookstore 2F
作品介紹：
文字截自藝評人余詩文
「意識旅圖」與其說是瀏覽網頁之後的回顧意識軌跡的覺察過程，不如說是一個人為性極高的建構行為，參與者因為好奇裝置作品所呈現出意識的再現樣貌，而進行操作。當參與者在具有讀者意識下使用這個互動藝術裝置作品，所瀏覽的網頁，既不如圖書館共用電腦般具名正言順的目的性，亦無個人電腦的私密性，無關痛癢的瀏覽紀錄恰恰暴露了某種人類慣常的粉飾太平。
在形式上，《意識旅圖》以一張張的網頁截圖串成線性播映，呈現捲軸畫般的「意識流」。相較起一般電腦裡的條列式瀏覽記錄，《旅圖》提供了視覺上的「印記」。截圖本身猶如證據一般的存在，以其可立即擷取並保留如實樣貌的特性，像攝影一般凝住了某個時空。然而，緩慢潺流的卷軸，雖然力圖營造新的時間感，卻無以抵抗意識的瞬息萬變。再現形式也未能提供更多藝術感受，最終也只是流於一般的瀏覽網頁的習慣，視窗開了即關，資訊看過即忘。
隨聲逐響 Echo
創作者：郭佩奇 Pei-Chi Kuo
展演時間：09.30 Sat. 19:30 60 mins （遲到觀眾須由前臺人員指引入場）
展演地點：音樂廳 TNUA Music Hall
作品介紹：
文字截自藝評人陳韋綸
郭佩奇直接利用格律嚴謹的五線譜(經常稱為豆芽譜)中存在的音符，在國歌樂譜裡搭建出政治新聞裡經常出現的熟面孔，這個樂譜也同時於演出現場現身，使用的手法也不是所謂的圖像記譜，而是「記譜的圖像」，原來強調功能性的樂譜轉向視覺，焦點不在於音樂的實驗性，而是視覺與聽覺之間的關係。
音樂廳的空間、表演的舞台、投影的的邊界、肖像的古典畫框，一再提醒我們景框的存在，藝術家究竟想透過作品提供觀者什麼樣的想像？在演出《Vegetable English：中華民國國歌》時，男高音要求觀眾起立，如同記憶中在學校進行升旗典禮時的模樣，音樂會成了升旗的現場，將座位席上的我們拉回現實，而是面對著舞台上披掛於指揮身上的國旗。曲目演奏完畢，整場表演最後停留在觀眾起立，並且迎接藝術家從後台進場的畫面。
此時，演出間聽到的交談聲，演出前播放的一部關於宇宙的影片，目光不斷的從樂譜和樂手游移，以及聽覺上的不確定性，都獲得了解答。觀眾並不是真的在聽一場音樂會，而是參與了一場關於致敬的戲。