2017 GenieLab 妖山混血盃跨域創意實驗室
2017年秋天
妖山混血盃首次辦理,以跨領域為主題號召邀請各具專長的學生進行不同領域的混搭創作。組隊小妖以實驗精神,在北藝大校園各處展開藝術創作,內容涵蓋跨領域藝術、行為藝術、新媒體藝術、舞蹈和音樂相互結合的演出,藝術的能量在此迸發!
作品回顧
豬豬上學去─妖山修煉計畫When Pigs at University
創作者:李昭慶Chao-Ching Lee
展演日期:2017.09.29 Fri. - 2017.10.31 Tue.
展演地點:鷺鷥草原樟樹步道Egret Grassland
作品介紹:
文字截自藝評人梁廷毓
一般肉豬是被安置於室內的豬舍空間,也就是非公共的、眷養的空間,但移置到了校園的公共空間,除了因為場域性質的誤植所產生的空間錯置、乖張感、以及些微的荒謬感、違和感,讓豬可愛化、寵物等等的形象轉變、在校園中製造一個奇觀、稀奇、新鮮的效果之外,還可以給予觀者甚麼?或是可以給予豬甚麼?
除了帶出現代社會專業分工的運作中看不見、並無法被消費者直接面對的問題,如豬隻在豬圈裡生活的環境、以及飼育豬隻的過程,以及以動物為本的倫理觀念等,更是將創作習以為常以藝術作為前景—其他學科為背後理論—的關係置換,使「藝術」成為支撐科學接觸群眾的中介,而非終點。
未足輕重的日常祭典An Insignificant Rite
創作者:Tully
展演時間:10.01 Sun. 16:30 50 mins(觀眾可隨意進出演出場域)
展演地點:鷺鷥草原、人文廣場、荒山劇場 Egret Grassland, Arts Forum, Forest Theatre
作品介紹:
文字截自藝評人張敦智
在旅程中,有一人雙眼緊閉,被其他人引導、環繞,手抱豬頭,步行上山。疲憊的身體姿態和物件,展現出生與死共存在同一副軀殼的矛盾狀態。他似乎為了不明確的目標而跋涉,但行動本身又如結局所示,宛如邁向死亡,緩慢而堅決,體現普世生命複雜的悲哀狀態。
舞踏與佛朗明哥舞的緣起,其實都與這場送葬、護行旅途彼此呼應。前者是日本在二戰後,為了抵抗西方價值與美學侵入,在1950年代發起的藝術形式,主張保留民族自身身體質感,來進行藝術表達。而佛朗明哥舞則起源於十五世紀因政治、宗教因素破迫害的摩爾人、猶太人、與羅姆人。他們透過這類音樂與舞蹈抒發心中憤怒與悲哀的情緒,並表達對尊嚴、自由的嚮往。
《未足》結合這兩種藝術形式,讓持豬者的旅途得以完成旅途,彷彿一場儀式,召喚他體內更深層、獨立的力量。作品背後的意識,充滿濃厚的悲觀主義。勞動終究歸於塵土。但其樂觀處在於,正因為旅途中召喚、與曾看見的希望,使死亡本身,最後有了值得眷戀的痕跡。
Ultra Line
創作者:許巽翔Hsun-Hsiang Hsu
展演時間:10.06 Fri. -10.31 Tue. 19:00 - 22:00
展演地點:行政大樓&鐘樓Administration Building & Bell Tower
作品介紹:
文字截自藝評人武文堯
Ultra Line》乍看之下是具象的,但當它充滿了音樂性後,或許展現了抽象與實像般的交錯,配合著後方關渡平原的絢麗夜景,就像是有了伴奏(accompany)的小夜曲般,十分耐人尋味。就像作品名稱所示,這件作品超越了線條,激盪在藝大的夜空中,使觀者自行體會。
妖山混血盃跨領域展演其中一個名為《Ultra Line》的作品,同為關渡光藝術節的參展之作,創作者許巽翔在人文廣場(鐘樓)架起了三條柔軟、隨風飄逸的發光線條,在漆黑的夜裡透露著微亮的藍色光芒。
這三條發著藍光的線,大約四層樓高,在人文廣場平坦的視野中,從平面拔起如此高度的線條,在視覺上無疑是十分壯觀的。據創作者的說法,此作品原先預計在這三條線上各綁上一個氣球,然而無奈於展期天候的不穩定,過大的風雨等因素使得現在最終的呈現,其實是折衷後的權衡之際,或許創作者自己並不滿意,然而在不輸效果的同時又能顧及觀者安全,是相當難得的。
米索利地安星球 Mixolydian Planet
創作者:藝想天開 Music Matching Bond
展演時間: 2017.10.21 Sat. 19:30 2017.10.22 Sun.14:30 90 mins(作品長度75分鐘,中場休息15分鐘。遲到觀眾須由前臺人員指引入場)
展演地點:國際會議廳 International Conference Hall
作品介紹:
文字截自藝評人林易衡
在所有露出的文宣與網路宣傳上,《米索利地安星球》強調各類藝術領域結合,直接點名這是個談「環境保育」與「人類」議題的演出。筆者盡量讓自己不存在太多想像,直到進劇場後一切才豁然開朗。這一個虛構於文明毀滅後的星球,確實令人回味。
才進入場內,演員、舞者、音樂家、道具已經在舞台上迎接每一位「旅客」;節目開始後,旅客們才隨著演員開始了一趟奇幻旅程。筆者時而被音樂吸引、時而被演員帶領、時而又被舞者的狂暴與溫潤感動,舞台上被各種元素掌控,對白尖叫歌唱、影像燈光閃爍,或許我們所處的環境就是這麼紛亂複雜難以切割。
音樂劇場的跨域形式並不少見,但如何包裝得令人舒服不顯得突兀,相當考驗每一位設計的創意;尤其架構在環境保育這樣巨大的框架之下,往往容易顯得老生常談。但藝想天開工作室嘗試用一種類似VR的方式,引領觀眾看到了新生繁盛衰敗而後又浴火重生,些微刻意又不致太超過的提點觀眾對我們所處的資本主義、自由主義進行反思。
8000 km Away
創作者:鄭筠 Yun Cheng
展演時間:2017.10.28 Sat. 19:30 2017.10.29 Sun.14:30 40 mins (遲到觀眾須由前臺人員指引入場)
展演地點:戲劇系館T305
作品介紹:
文字截自藝評人林易衡
究竟透過科技「傳遞」的內容是什麼?我們時常說表演藝術的可貴在現場、在當下,若創作者甚至沒有處在同一空間,怎麼能夠確定其感受到的藝術性是相同於觀眾的?這個作品透過這個方式反問創作者,無聲吶喊,看似輕描淡寫,實則給許多人重重的一擊。
解構與再現時常是舞蹈作品很重要的一種呈現方式,在《8000KM AWAY》裡,編舞家鄭筠更是將《#blue》舞作中的片段直接拆解,透過舞者與影像的搭配,讓平時較不易接觸創作面的觀眾們得以一窺設計者的神秘面紗。
拜科技進步所賜,許多創作者能透過視訊進行創作。SKYPE接通後,觀眾看到的是一張外國面孔,他與舞者反覆一次又一次修正舞蹈內容,然後在得到某種共識後結束了這段視訊。這個畫面對筆者來說並不陌生,只是當這個過程竟如此「真實地」放到演出中,不免讓人莞爾。在時空的限制裡,人們又因為科技掙脫了這個枷鎖。
手勾手,我們一起去郊遊 Let’s Go to the Picnic!
創作者:可揚與他的快樂夥伴 Cola's Happy Friends
展演時間:2017.10.07 Sat. 14:00/15:30/17:00 30 mins (觀眾可隨意進出演出場域)
展演地點:藝大咖啡外川堂 TNUA Cafe
作品介紹:
文字截自藝評人余詩文
在低頭族已成為普遍現象又飽受詬病的時代,創作團隊毫無忌諱地邀請觀眾帶著手機一同去「郊遊」,將意識的分散、視角的碎裂、表演主體的消弭、真實空間與雲端空間的互動,加以凸顯在作品中。當郊遊的自然風光置換成無數的有趣鏡頭與影像,科技的脆弱也正好嘲諷人類對3C產品螢幕的依賴:當其中一台電視螢幕的收訊失靈而出現一片黑屏時,原本在那裡觀賞的觀眾也只好訕訕然地跑到另一台電視螢幕前面說:「這裡好像比較有趣。」
在一片日常和諧當中,草坪上的女舞者和蓮花池邊的男舞者開始緩緩舞動,標註著「表演」的開始。但很快的,觀眾就發現自己的視角無可避免地被導向了電視螢幕上。兩位舞者手上各拿著一台手機記錄自己的身影,特寫影像即時傳輸到電視螢幕。
在手機鏡頭所營造的觀看視角下,表演主體不斷被切割與轉換:時而舞者自拍,時而舞者互拍,觀眾在真實舞者與螢幕影像之間來回游移,視角碎裂,全景和特寫空間重疊,還可以同時遁入虛擬的Line群組世界裡。最叫人興味盎然之處,莫過於觀眾成為了表演主體,看著自己的形象被投放在螢幕上,配上app的可愛圖案,觀眾也奮力地在鏡頭前擠眉弄眼,拿起手機拍下自己在螢幕上的可笑模樣。
意識旅圖 The Conscious Trace Map
創作者:TN小星星 TN Star
展演時間:09.29 Fri. - 10.21 Sat. 10:30 - 20:00
展演地點:藝大書店2F TNUA Bookstore 2F
作品介紹:
文字截自藝評人余詩文
「意識旅圖」與其說是瀏覽網頁之後的回顧意識軌跡的覺察過程,不如說是一個人為性極高的建構行為,參與者因為好奇裝置作品所呈現出意識的再現樣貌,而進行操作。當參與者在具有讀者意識下使用這個互動藝術裝置作品,所瀏覽的網頁,既不如圖書館共用電腦般具名正言順的目的性,亦無個人電腦的私密性,無關痛癢的瀏覽紀錄恰恰暴露了某種人類慣常的粉飾太平。
在形式上,《意識旅圖》以一張張的網頁截圖串成線性播映,呈現捲軸畫般的「意識流」。相較起一般電腦裡的條列式瀏覽記錄,《旅圖》提供了視覺上的「印記」。截圖本身猶如證據一般的存在,以其可立即擷取並保留如實樣貌的特性,像攝影一般凝住了某個時空。然而,緩慢潺流的卷軸,雖然力圖營造新的時間感,卻無以抵抗意識的瞬息萬變。再現形式也未能提供更多藝術感受,最終也只是流於一般的瀏覽網頁的習慣,視窗開了即關,資訊看過即忘。
隨聲逐響 Echo
創作者:郭佩奇 Pei-Chi Kuo
展演時間:09.30 Sat. 19:30 60 mins (遲到觀眾須由前臺人員指引入場)
展演地點:音樂廳 TNUA Music Hall
作品介紹:
文字截自藝評人陳韋綸
郭佩奇直接利用格律嚴謹的五線譜(經常稱為豆芽譜)中存在的音符,在國歌樂譜裡搭建出政治新聞裡經常出現的熟面孔,這個樂譜也同時於演出現場現身,使用的手法也不是所謂的圖像記譜,而是「記譜的圖像」,原來強調功能性的樂譜轉向視覺,焦點不在於音樂的實驗性,而是視覺與聽覺之間的關係。
音樂廳的空間、表演的舞台、投影的的邊界、肖像的古典畫框,一再提醒我們景框的存在,藝術家究竟想透過作品提供觀者什麼樣的想像?在演出《Vegetable English:中華民國國歌》時,男高音要求觀眾起立,如同記憶中在學校進行升旗典禮時的模樣,音樂會成了升旗的現場,將座位席上的我們拉回現實,而是面對著舞台上披掛於指揮身上的國旗。曲目演奏完畢,整場表演最後停留在觀眾起立,並且迎接藝術家從後台進場的畫面。
此時,演出間聽到的交談聲,演出前播放的一部關於宇宙的影片,目光不斷的從樂譜和樂手游移,以及聽覺上的不確定性,都獲得了解答。觀眾並不是真的在聽一場音樂會,而是參與了一場關於致敬的戲。