John Keats

BIOGRAFÍA:

Poeta inglés nacido en Moorfields (Londres) en 1795 y fallecido en Roma en 1821. Perteneciente a una humilde familia, su padre era capataz de una caballeriza en Finsbury llamada "Swan and Hoop". John era el mayor de cuatro hermanos. Asistió a la escuela de Enfield a partir de los ocho años, y en ella se hizo amigo de Charles C. Clarke, hijo del director del centro. En 1811 murió la madre de Keats, éste abandonó la escuela para ser aprendiz de cirugía y farmacia, y a los cuatro años entró como ayudante de cirujano en el Guy's Hospital de Southwark (Londres). En 1816 ya se había licenciado como farmaceútico, pero la recomendación de su amigo Charles C. Clarke para que leyera The Fairy Queen (de Spenser) ya le había introducido en el mundo de la poesía, y además acababa de conocer a Leigh Hunt, también a través de Clarke, quien, dada su posición como crítico y periodista romántico, al quedar impresionado por las composiciones poéticas de Keats, publicó en el Examiner el 1 de diciembre de 1816 el soneto de éste titulado O Solitude, de modo que Keats abandonó su profesión para dedicarse de lleno a la poesía. Keats conoció en aquel entonces, mediante sus frecuentes visitas a Leigh Hunt, a Shelley, Haydon, Wordsworth, Hazlitt y Lamb, entre otros escritores y artistas contemporáneos.Cursó estudios en el centro escolar de Clarke, en Enfield, y con quince años fue aprendiz de cirujano. Estudió Medicina de 1814 a 1816, año en que se hizo farmacéutico. Realizó una traducción de la Eneida y de algunos poemas de Virgilio.

En 1817 apareció su primer libro de poemas, en el que se incluían sonetos y poemas varios de indudable calidad artística que no supo ser apreciada ni por el público ni por la crítica. En otoño de ese mismo año tuvo lugar el primero de los ataques de Lockhart en el Blackwood's Edinburgh Magazine, publicación desde la que etiquetó tanto a Keats como a sus compañeros dentro de la "Cockney School", con un tono despectivo. Durante el invierno de 1817-1818 Keats leyó creaciones de Wordsworth y de Hazlitt, autores que hicieron mella en su pensamiento y en su labor literaria.

En diciembre de 1817 el poeta se trasladó a la residencia de Brown, en Hampstead, donde conoció a Fanny Brawne, de la que se enamoró profundamente. Si bien el año 1818 fue el de mayor productividad y creatividad literaria, también fue lluvia de desgracias, ya que su hermano Tom murió de tuberculosis, enfermedad de la que Keats no se pudo evadir, además tenía problemas económicos;en estas circunstancias comenzó la primera versión de Hyperion (la abandonó al año siguiente), escribió "The Eve of St Agnes", "The Eve of St Mark", "Ode to Psique", "La Belle Dame sans Merci", "Ode to a Nightingale", "Ode on a Grecian Urn", "Ode on Melancholy", "Ode on Indolence", "Lamia Part I", "Otho the Great" (en colaboración con Brown), la segunda versión de Hyperion (llamada The Fall of Hyperion), "To Autumn", y "Lamia Part II".

En el invierno de 1819 su salud fue empeorando de manera peligrosa y su creatividad cesó. En julio de 1820 se publicó su segundo libro de poemas Lamia, Isabella, The Eve of St Agnes, and Others Poems. Shelley invitó a Keats a pasar con él una temporada en Italia, país al que emprendió viaje en septiembre en compañía de su amigo y pintor Joseph Severn, pero no fue a casa de Shelley, sino que se estableció en Roma. Sabía que no iba a regresar, la tuberculosis estaba ya muy avanzada, y según su correspondencia, más que la muerte sentía tener que abandonar a su novia Fanny. Murió en Roma el 23 de febrero de 1821. Sus restos se encuentran en el cementerio protestante de la ciudad bajo este epitafio: "Aquí descansa alguien cuyo nombre se escribió en el agua".

FRASES RELACIONADAS CON EL POETA:

• Adoro el cuerpo. Porque la carne es honesta y los órganos no mienten: Con esta frase quiere decir que es mejor el cuerpo que la personalidad de cada persona.
• Es lo bello alegría para siempre: Se refiere que la alegría siempre va a ser una cosa bonita y feliz.
• La poesía de la tierra nunca es muerta: Con esto dice que la poesía nunca termina y siempre se puede hacer más.
• Mi imaginación es un monasterio y yo soy el monje: Compara a su imaginación con un monasterio y él con el monje porque es dueño de su imaginación.
• No hay un infierno feroz que el fracaso en un gran objetivo: Con esto dice que no hay nada peor que el fracaso de algo que esperas o esfuerzas mucho.

CURIOSIDADES:

En honor a su amigo, Shelley escribió su poema «Adonaïs». El cuerpo de Keats está enterrado en el cementerio protestante de Roma. Sobre su lápida, según quería que fuera su epitafio, se lee «Aquí yace alguien cuyo nombre fue escrito en el agua». Existe un retrato de Keats pintado por William Hilton.

En 1848 aparecieron sus cartas a su esposa Fanny y su diario, que completan una obra de excepcional pureza expresiva y admirable dominio poético en su aspiración por alcanzar la belleza absoluta.

Mi queridísima niña:

Me he puesto a pasar en limpio algunos versos, pero no me da ningún gusto trabajar. Tengo que escribirte una o dos líneas y ver si eso me ayuda a alejarte de mi espíritu aunque sea por unos instantes, no puedo existir sin ti. Todo lo olvido salvo la idea de volver a verte. Mi vida parece detenerse ahí: más allá no veo nada. Me has absorbido.

En este mismo momento tengo la sensación de estar disolviéndome...Si no tuviera la esperanza de verte pronto me sentiría en el colmo de la desdicha. Tendría miedo de separarme, de estar demasiado lejos de ti. Mi dulce Fanny, no cambiará nunca tu corazón?, Amor mío, no cambiarás? Alguna vez me asombró que los hombres pudieran ir al martirio por su religión. Temblaba de pensarlo. Ahora ya no tiemblo; podría ir al martirio por mi religión- El amor es mi religión-, y podría morir por él....

Me has cautivado con un poder que soy incapaz de resistir; y sin embargo lo era hasta que te vi; y desde que te he visto me he esforzado a menudo en razonar contra las razones de mi amor. Ya no puedo hacerlo, el dolor sería demasiado grande. Mi amor es egoísta. No puedo respirar sin ti....

Tu afectuoso

JK

OBRAS:

La lírica de Keats se caracteriza por un lenguaje exuberante e imaginativo, atemperado por la melancolía. Keats tenía con frecuencia la sensación de trabajar a la sombra de los grandes poetas del pasado y sólo hacia el final de su efímera vida, cuando sentía cerca la oscuridad de la muerte, fue capaz de producir sus poemas más auténticos y memorables.

Tras su muerte se publicaron algunos de sus mejores poemas, entre ellos 'Víspera de san Marcos' (1848) y 'La Belle Dame sans merci' (1888). Sus cartas, consideradas por muchos críticos entre las mejores cartas literarias escritas en inglés, se publicaron en su edición más completa en 1931.

1.- AL OTOÑO:

El trabajo fue compuesto el 19 de septiembre de 1819 y publicado en un volumen del poemario de Keats que incluía «Lamia» y «The Eve of Saint Agnes» en 1820. «Al Otoño» es el trabajo final de un grupo de poemas conocidos como «Odas de Keats de 1819». Aunque tenía poco tiempo en 1819 para dedicarse a la poesía debido a problemas personales, para componer «Al Otoño», se inspiró en una caminata que realizó en una tarde otoñal cerca de Winchester. El trabajo marca el final de su carrera poética, que necesitaba para ganar dinero y, debido también, a que ya no podía dedicarse a la forma de vida de un poeta.

El poema está formado por tres estrofas, cada una de las once líneas, que describen los gustos, lugares de intereses y los sonidos del otoño. Gran parte de la tercera estrofa, sin embargo, habla sobre la dicción, el simbolismo y los recursos literarios con connotaciones negativas, puesto que describe tanto el final del día como el del otoño. «Al Otoño» incluye un énfasis en las imágenes del movimiento, el crecimiento y la maduración (carácter mimético). El trabajo es muy a menudo interpretado como una discusión de la muerte, una expresión de sentimiento colonialista, o como una respuesta política a la Masacre de Peterloo. De igual forma, su obra posee una faceta locus amoenus debido a que abundan las sinestesias y la actividad humana y animal, la contemplación y el ritmo musical en que es evocada esta estación refuerza la correspondencia con el lugar ideal del arte, aumentando ésta. «Al Otoño» ha sido considerado por la crítica como uno de los poemas más perfectos en la literatura inglesa, y es una de las letras poemáticas inglesas más recompiladas.

La estructura del poema es la de una oda inglesa. Mientras que las primeras odas de 1819 perfeccioban técnicas y permitían que las variaciones aparecieran dentro de «Al Otoño», Keats prescindió de algunos aspectos de sus poemas anteriores (como el de narrador) y aseguró que el poema trató con los conceptos concretos.

COMENTARIO DEL POEMA:

Describe, en sus tres estrofas, tres diferentes aspectos de la estación, su fertilidad, su trabajo y su declive final. A través de cada una de las estrofas hay una progresión desde el comienzo del otoño hasta los mediados de éste y, posteriormente, el anuncio del invierno. De forma paralela a esto, el poema describe el día: pasando de la mañana a la tarde y, por último, hasta el anochecer. Estas progresiones están unidas a un cambio del sentido del tacto a la de la vista y del oído, creando una simetría de la tercera parte que falta en otras odas de Keats. A lo largo del poema, es personificado como alguien que conspira, que madura la fruta, que cosecha y que hace música. La primer estrofa del poema representa al Otoño como un involucrado en los procesos naturales, el crecimiento y la maduración final, dos fuerzas en oposición a la naturaleza, pero juntas creando la impresión de que la estación nunca finalizará.10 En esta estrofa las frutas totovía están madurado y los brotes se siguen dando por el clima cálido. El sentido de la vista hablado por Sperry es sugerido por las imágenes de crecimiento y movimiento suave.

2.- ODA SOBRE UNA URNA GRIEGA:

Este poema es, concretamente, la Oda a una urna griega del autor John Keats. Es un claro ejemplo de la tendencia del poeta a escribir largos poemas, en los que el autor desaparecía del poema, a diferencia de otros autores románticos que incluían en sus obras un gran peso del yo. Keats da importancia a la expresión del sentimiento como poeta romántico que es y en esta obra reflexiona sobre la condición humana, el paso del tiempo y el arte como poder paralizador de dicho paso del tiempo.

El poema está compuesto de 5 estrofas de 10 versos cada una. En cada una de las cinco partes recoge un tema diferente que conjuga con los demás para dar un tema común al texto, el poder inmortalizador del arte y su belleza.

COMENTARIO DEL POEMA:

La primera estrofa narra el encuentro con la urna. Keats hace una descripción subjetiva y comienza un diálogo directo, con ella sobre las representaciones que esta lleva que se basa en la utilización de la segunda persona (versos 1-5) y, posteriormente de interrogaciones retóricas y anáforas que captan la atención del lector. En la segunda estrofa el autor se basa en la descripción de una de las escenas de la urna en la que aparecen un músico y un joven que persigue a su amada. En la tercera mediante exclamaciones hace una exaltación de lo que es eterno y en especial del amor que muestra en Keats un amor frustrado. En la cuarta estrofa vuelve a describir otra escena de la urna, esta vez un sacrificio de una ternera. De nuevo utiliza interrogaciones retóricas que están cargadas de la primera persona que utiliza el autor para “introducirse en la escena" y hacer la descripción desde el interior, y de epítetos. Por último, en la quinta estrofa vuelve a dirigirse a la urna griega y hace énfasis sobre su belleza y su perdurabilidad en el tiempo, que llega al espíritu del autor y la describe como única verdad. Aparecen exclamaciones que son ejemplo de la fijación y diálogo directo con la urna ya que aparece el vocativo como clara manifestación de la segunda persona. (VERSOS DEL POEMA)

Si oídas melodías son dulces, más lo son las no oídas;

sonad por eso, tiernas zampoñas,

no para los sentidos, sino más exquisitas,

tocad para el espíritu canciones silenciosas.

Bello doncel, debajo de los árboles tu canto

ya no puedes cesar, como no pueden ellos deshojarse.

Osado amante, nunca, nunca podrás besarla

aunque casi la alcances, mas no te desesperes:

marchitarse no puede aunque no calmes tu ansia,

¡serás su amante siempre, y ella por siempre bella!

3.- BELLEZA Y VERDAD:

Tuvo apenas cuatro años, y dos de ellos lastrados por la enfermedad, para dejarnos una obra eterna que, al contrario que la de otros románticos más aclamados entonces, va ganando en valor con el paso del tiempo. Pocos poetas han buscado tan angustiosamente la belleza en su estado puro, el lirismo sin engaste. Quizás es este ideal tan alto que se marcó en vida el que hace que en sus poemas se respire a menudo una especie de melancolía de lo inalcanzable. En una de sus cartas, pozos siempre de sabiduría intuitiva, explica lo que le diferencia de Byron: “Él describe lo que ve y yo lo que imagino”. Keats necesita el estímulo de la belleza, proceda ésta del paisaje, de una obra artística o del amor, para dejarse ganar por la ensoñación lírica y ver desde ella cómo piensa el sentimiento, cómo siente el pensamiento, alzados los dos a una superior armonía. En muchos de sus poemas nos habla de ese “espacio de mirada interior” en donde no existe el tiempo y desde donde se roza el ideal.

4.- AL VER LOS MÁRMOLES DE ELGIN: (SONETO)

Fue escrito en 1817, época en la que el autor se encuentra enfermo de tuberculosis y decide oponer en sus poemas la contemplación de la belleza a la inevitabilidad de la muerte. Al comienzo de la composición (primer cuarteto), el poema se muestra débil y triste, pues sabe que se está muriendo. Introduce elementos de la arquitectura personificada (pináculo, cuesta, verso 3) que le dicen que debe acabar sus días. En el siguiente cuarteto, se compara con un “águila herida que mira al cielo”. Esto puede ser entendido como que el animal es un ser lleno de fuerza y vitalidad, que está enfermo y le duele mucho no poder volar libremente y sentir el viento. El poeta ve que se está muriendo y que tal vez no pueda ver amanecer nunca más. Sin embargo, hay que tener en cuenta que es un poema romántico, es decir, que juega con la ambigüedad; no se sabe si realmente quiere decir lo contrario, pues en versos como el 2, “la mortalidad me pesa”, puede interpretarse como que la muerte no viene y él quiere que aparezca. A pesar de ello, y ante la conciencia de su propia mortalidad, la opone a la perdurabilidad de lo griego. En los tercetos ya introduce su observación a los mármoles, que le producen sentimientos confusos: por una parte se puede interpretar que el poeta experimenta una sensación de angustia o dolor ante la conciencia de la pervivencia de lo magnífico. Por otra parte, no queda claro si en realidad le supone este dolor o tal vez un consuelo, pues es una lucha consigo mismo, ya que a pesar de estar herido, siente que merece la pena saber que lo esencial permanece.

Mi alma es demasiado débil; sobre ella pesa,

como un sueño inconcluso, la espera de la muerte

y cada circunstancia u objeto es una suerte

de decreto divino que anuncia que soy presa

de mi fin, como un águila herida mira al cielo.

Pero es un delicado murmullo este lamento

por no tener conmigo una nube, acaso un viento

que hasta abrir su ojo el alba me dé tibio consuelo.

Estas borrosas glorias que imagina la mente

prestan al corazón un territorio escondido

y un extraño dolor cuyo prodigio silente

mezcla la helénica grandeza con el sonido

del Tiempo ya pasado o de un mar inclemente,

con el solo la sombra de un ser desconocido.