Igen var det dags för årets diplomarbetare att ställa ut. Efter 7 veckors hårt arbete med uppgifterna öppnade utställningen under abinas sista skolvecka den 25. januari. Sammanlagt deltog tio studerande i diplomarbetet och vernissagen firades i glada tecken med många fina konstverk.

"Festering" och det knyter in till symbolismen som jag ville föra fram med verket. Kort sagt går det ut på det att växten som växer runt handen och får full tag på den ska representera ett sorts problem som plågar en person. Då man inte gör något åt växten så fortsätter den växa på samma sätt som ett problem gör om man bara lämnar det till sidan.

Öppen spis och                   loft: Öppna spisen                 är ett miljövänligt               och billigare sätt                  att värma huset.                  Att ha spisen under loftet gör att värmen sprids lättare i hela huset och alla våningar. 

Hållbar energi: Mitt hus har både solpaneler och jordvärme, båda vilka är förnybara energiresurser. 

Grästak: Reglerar dränering, reducerar bullernivån, koldioxidupptag, ökar naturensmångfald och insekter.   

Tjocka fönster och     gardiner: Att ha tjocka fönster och ordentliga gardiner håller huset svalt på sommaren och värmen inne på vintern, vilket gör att man behöver använda mindre energi för att reglera värmen. 

Människan har ett naturligt behov för status. Vi försöker uppnå denna status genom våra konsumtionsbeslut. I arbetet har jag utforskat behovet av status i gällande mode. Inför mitt arbete valde jag att bland annat forska i modehistoria, undersöka varumärkes kulturen i min närkrets och globalt, samt bekantat mig med olika modefenomen och hållbart mode. 

Arbetet utforskar uttryckande av identitet i mode, varför materia är viktigt för människan och dess sociala status. Man kan gärna ta en titt på “prislapparna” som är fasta på plaggen. De är förklaringar på hur status syns i plaggen. 

På väggen bredvid kan man läsa resultaten från min enkät som sändes ut på sociala medier där ca 100 individer fick uttrycka sin åsikt om kopplingen mellan mode och status. Enkäten var 100% anonym som ledde till ett flertal mera svar än förväntat. 

A New Era

I plagget finns flera inslag av mode historia, men fokuset ligger på nutidens problematiska mode. De återvunna materialen skapar en kontrast till varumärkes kulturen. Den ljusa kappan representerar en människa, men då kappan är dekorerad har människan status. Texten på plagget är taget från flera källor bl.a. demonstrations skyltar, min egen enkät och citat från samhälls kritiserade artiklar.

Tailcoat for your thoughts

Fracken (på engelska tailcoat) representerar den övre klassen. Dyra kläder, mycket med pengar och STATUS! Den rödmålade samhällskritiska texten på plagget, som är taget från en modedemonstations skylt, skapar en kontrast till det dyra plagget. 

These shoes were made for made for talking

Skorna var först ett provexemplar som jag arbetade med före jag hittat allt material för själva plaggen. Tidningspappret representerar mediernas inflytande på människan och specifikt gällande trender. Den målade texten kritiserar dagens konsumtionssamhälle som är fixerat runt en varumärkeskultur.

Hur status påverkar vårt samhälle och vårt tankesätt är ett fenomen som jag länge funderat på. I mitt arbete valde jag att undersöka den ekonomiska ställningens koppling till status. Låter vi pengar och materialistiska ting påverka personers status och formar vi verkligen en uppfattning om en person endast på basis av statuset eller utseendet? Jag anser att detta sker allt för ofta och jag har därför valt att i mitt arbete lyfta fram hur pengar kan påverka ens makt. Pengar möjliggör mera materialistiska ting som i sin tur påverkar andras syn om en som person. Eftersom förmögenhet ses vara kopplat till framgång, påverkar den ekonomiska situationen även ens status i samhället. I praktiken har jag förverkligat detta i form av en bildserie som visar en förändring i statuset. De olika kläderna representerar ekonomiska skillnader som skiljer åt de två personerna. Speglarna står däremot för den bild som speglas utåt åt samhället.

Mitt arbetes tema är rörelse. Jag ville utforska kopplingen mellan rörelse som ett fenomen inom konsten och rörelse i fysiken. I mitt verk konkretiserar jag fysikens definition på rörelse, dvs. rörelse är en kropps lägesändring. Detta gör jag genom att framställa de enskilda lägen / positionerna som rörelsen tar genom sin färd. Verket är en visuell förklaring på rörelse enligt fysiken. 

Samt har jag forskat inom anatomi och människokroppens proportioner. Denna forskning inkluderade jag i verket genom att skapa verket i naturlig kroppsstorlek och anatomiskt korrekt. Ritningarna är ritade med kol. 

Man får lätt och försiktigt (med rena händer, tack) röra vid verket, för att då kan man se de olika rörelse positionerna bättre igenom pappret. Pappren rör sig lätt i luften pga. att de är så tunna, vilket innebär att hur bra man ser igenom varierar.

Ida Siikaluoma (Ingen bild)

Namnet ger den känslan jag vill förmedla, hopplöshet i en liten ort. 

Bestämde mig för att hålla det för mig själv och inte ställa upp det. Jag kan fa det för mig själv istället, och ha de som mitt lilla projekt och lärdom.

Vilka koncept, frågor eller idéer har du undersökt och hur syns de i ditt arbete? 

Kanske jag inte behöver skriva detta då jag inte ställer upp det, men samhällsfrågor.

Kollagen och alla små detaljer baserar sig på stämmningen, händelserna och karaktärerna i Walt Disneys sagor Askungen och Törnrosa. Det är personliga illustrationer av Disney-prinsessor som varit mig kära som liten flicka. I kollaget förverkligas den bild jag har av dess sagor och prinsessor från min barndom.

The biggest theme present in this exhibition is Fear, however the exhibition largely revolves around my identity. Fear being a big part of my life at the moment, I decided it would be fitting to combine themes of fear and my identity together in my exhibition. I am currently in a very confusing part of my life, one where I am moving on from one chapter of my life onto another as I am finishing high school. This transition is highly unsettling for a person riddled with fear of their future. Other types of fear are also explored in this exhibition, such as fear of vulnerability and fear of rejection. 

The exhibition consists of four main pieces and two pieces which work in accompaniment to the main pieces. The main pieces are two acrylic paintings, one acrylic/mixed media painting and one ceramic sculpture. The other two side pieces are both ceramic sculptures. The materials I have chosen include mediums which I am well versed in (ceramics) and mediums I wanted to experiment with (acrylics, cotton, thread, nail polish, etc.) The materials I have chosen for each piece compliment the idea and meaning behind it; colorful acrylic paintings aiding in the portrayal of bold subjects and three-dimensional pieces adding to shock-value. ‘Casual Barbarity’ is the mixed media piece in which cotton, thread, nail polish and faux fur were plastered onto an acrylic painted board. This allows for all aspects of the piece to pop out, adding more texture. The ceramic sculptures add variety to the exhibition while also keeping to the theme of the paintings. The reason why exactly these pieces were chosen for the exhibition is because all of the pieces share a similar color scheme: shades of red, black, blue and beige. 

The layout of the exhibition invites the viewer to look at the paintings first and then connect them to the sculptures below them. The biggest painting ‘Anna’ is hung on the wall between the other two paintings, providing symmetry to the exhibition. The three sculptures are located on a stand just below the paintings, the ‘Vulnerability’ sculpture in the foreground and the other two behind it. The sculpture which connects to ‘Casual Barbarity’ stands close to the piece, whereas the sculpture which connects to ‘Self-portrait’ stands close to that one. This arrangement of the pieces helps the viewer to connect one to another. 

The exhibition is a reflection of one’s journey in life, in pursuit of individuality. 

As humans, we are frequently compelled to develop a desire to recognize and establish characteristics which distinguish us from others, finding qualities which set us apart from people, however through doing so, we often struggle with societal obligations which restrict a person’s free expression. These barriers formed to limit the ability to feel secure when wanting to explore personal identities whether of personality, culture, gender, abilities, values and beliefs. The exhibition mirrors the loneliness, anger, rebellion and frustration felt by the constraint, consequently progressing into the fulfilling realisation and recognition of finally being able to truly express oneself.  

My inspiration for the exhibition began with the need to personally explore media with the intention in developing individuality as an artist. Art has always been a personal favoured pastime throughout my life, however, despite the hours spent on art, I often felt a lack of creativity and uniqueness in my art considering my works were largely based on drawing realistically. Hence, the vision for the exhibition was to visually display the journey of finding one’s unique identity and additionally use it as a platform to further explore my individuality as an artist. I combine aspects of realism and details with relativity. 

Human beings are a central figure in my artworks with exaggerations in faces and body expressions to highlight the emotions and expressions felt in a journey, accompanied by bold patterns and mixtures of colours. The beings are portrayed through a variety of previously unfamiliar media including acrylics, gouache, oil pastels, charcoal and chalk ("Rebel and Revolt") to create a juxtaposition of media and chaos to represent the conflicting emotions present and my personal exploration of art. All of the mediums are presented on canvas to maintain a small sense of familiarity. Inspirations from using the mentioned media were from Jenny Saville, a contemporary British artist who deals with depicting the human form through varying distorted expressions with the use of movement in brush strokes, bold colours, and dynamic layering of mediums. Saville was the main inspiring artist of my works. Additionally, I explored clay (“Unable”, “Anger, frustration, hope”) to depict distorted faces and display body language.

The exhibition venue contributed to the reflection of one's journey to finding one’s unique self. The use of a staircase forces viewers to travel across steps and platforms to view the works, which mirrors the journey beginning from "Standing alone" to "Expression" and "Acceptance".

The exhibition explores themes of identity, nostalgia, homesickness, and hope. Much of the exhibition’s inspiration comes from my personal experience of migrating from Pakistan to Finland, feeling hiraeth for my homeland and childhood home and having to leave my country due to the significant political and social upheaval over the years, resulting in a sense of loss of one’s identity, and longing for my homeland while reflecting on my experiences of displacement and the challenges of adapting to a new culture and environment.

I worked with a variety of mediums throughout the exhibition pieces, including acrylics, ink on paper, clay, and paper mache. The artworks are a combination of abstract and representational approaches, with some focused on Pakistan's physical landscapes and others delving into the emotional terrain of my memories and feelings. All of my art pieces were not planned in advance since I let my thoughts flow freely throughout creating them. The usage of human presence in the form of black and white pop art portraits is one of the essential parts of my artworks, The usage of paper and ink, which have been used for centuries, contribute to the artworks being a timeless medium for art, in contrast with the use of acrylics which adds a modern twist to the traditional forms. As a result, the utilization of traditional materials contributes to the overall meaning and significance of the artwork. Coupled with the premise that humans seek to preserve the moment, memories, and experiences shared with one another as part of an unbreakable cycle. The use of color, texture, and form is evocative and expressive throughout the exhibition, inviting audiences to reflect on their own feelings of identity, nostalgia, homesickness, and hope. The exhibition is a tribute to my homeland as well as proof of the power of art to link us to one's history and to one another.

The works in my exhibition are related through the theme of distortion. In my art-making I portray the feelings of distortion throughout different experiences in life. This means the distorted feeling that one may experience either in the body or mind as a result of heightened emotions, both positive, negative, and neutral. My own experiences with these emotions and feelings through different phases of my life have contributed to this. I have used many different materials such as canvas, acrylic paints, clay, plaster, chicken wire, and MDF board. These different techniques bring through different emotions in ways that are unique to the piece, creating distortion both visually and conceptually. My pieces have references to many different well-known artists, such as Niki de Saint Phalle, and Takashi Murakami, taking inspiration from their use of colours and abnormal shapes, however, I also found inspiration from artists such as Cy Twombly, whose works I saw in the museum Tate Modern that dive deep into symbolism and the use of colours to convey meaning. Colour is a strong aspect which I have used to convey different emotions. 

I have presented these works in a way in which these different aspects of life can be viewed through the pairings I have made with the different pieces. ‘Eradication’ and ‘What Once Was’ are paired together, where ‘What Once Was’ represents the deep low feelings after experiencing a loss in your life, whereas ‘Eradication’ represents the healing from that, and destroying the past. ‘What Once Was’ depicting sorrowful emotions is placed beneath ‘Eradication’ in order to create contrast between the two emotions represented. The colour schemes of them also work together to create coherence, using shades of red to represent deep emotions such as passion, love, and anger. ‘Vertigo’ and ‘Deeper Than Skin’ depict feelings of elation and deep connection, and a sense of comfort contrasting the emotions presented in ‘Eradication’ and ‘What Once Was’. For this reason, they work together and create harmony, with the different shapes and patterns contributing to the feelings of comfort and bliss. ‘In the Crowd’ and ‘Waves’ represent stagnation and spectating life from another perspective. 

This arrangement contributes to the viewer's understanding of the work by guiding the viewer through a story; the emotions and experiences represented flow through the pairings made. I would like my work to be perceived as a representation of human experiences that one can relate to.