Tradotto in tutto il mondo e vincitore dei più importanti Premi letterari, tra i quali il premio internazionale di letteratura IMPAC, il Nelly Sachs, il Premio Internazionale Bottari Lattes Grinzane, ha vinto con Domani nella battaglia pensa a me il premio Rómulo Gallegos e il Prix Femina Etranger. Nel 2011 ha ricevuto inoltre il Premio Nonino[2].

Biografia

Marías nasce a Madrid il 20 settembre del 1951, quartogenito dei cinque figli[3] di Julián Marías Aguilera (1914-2005), un filosofo, accademico e critico letterario originario di Valladolid (nella Castiglia e León), membro della Real Academia Española e discepolo prediletto del filosofo José Ortega y Gasset, e della madrilena Dolores Franco Manera, sorella del cineasta Jesús Franco (1930-2013)[4]. Grazie allo zio, Marías inizia a lavorare mentre è ancora studente nel mondo del cinema, facendo la comparsa in qualche suo film e traducendogli i copioni[4].

Laureatosi in Filologia inglese presso l'Università Complutense di Madrid, per due anni insegna Letteratura spagnola presso l'Università di Oxford e tiene corsi di letteratura e traduzione nel Wellesley College nel Massachusetts. In seguito, diviene professore di Teoria e traduzione presso l'Università Complutense di Madrid. Esordisce come scrittore precocemente, pubblicando nel 1971, a soli 19 anni, Los dominos del lobo, romanzo accolto positivamente da Juan Benet. Marías viene presto riconosciuto come il precursore di una narrativa che, prescindendo dal realismo, propone motivi nuovi e creativi. Nel 1972 pubblica Travesía del horizonte che ottiene una ottima critica e serve a situarlo sulla linea dei più inquieti giovani scrittori.

Nel 1979 pubblica El monarca del tiempo, opera eterogenea composta da tre racconti, un saggio e una pièce teatrale collegati dal tema del tempo. A essa seguono El siglo (1983) e El hombre sentimental, con il quale ottiene nel 1986 il Premio Herralde per la narrativa. Come traduttore inizia a destreggiarsi sulla versione El brazo marchito (The Withered Arm di Thomas Hardy) e La vida y opiniones del caballero Tristram Shandy (The Life and Opinions of Tristram Shandy, Gentleman di Laurence Sterne), per il quale il Ministero della Cultura gli assegna nel 1980 il Premio Nacional de Traducción Fray Luis de León. Javier Marías ha tradotto molti importanti autori anglosassoni, tra i quali Thomas Hardy, Joseph Conrad, Laurence Sterne, Yeats, Stevenson e Isak Dinesen.

Nel 1989 presenta a Madrid il suo romanzo intitolato Tutte le anime (Todas las almas), basato sull'esperienza vissuta durante la sua permanenza all'università di Oxford vincendo il Premio per la Città di Barcellona e viene eletto finalista al Premio Medicis per il migliore romanzo straniero pubblicato in Francia con il titolo Le roman d'Oxford. Nel 1996 questo romanzo servirà alla cineasta Gracia Querejeta, come base per la realizzazione del lungometraggio L'ultimo viaggio di Robert Rylands. Javier Marías diventa così uno dei più grandi nuovi valori della narrativa spagnola. Nel 1990 pubblica l'opera Mientras ellas duermen, una raccolta di racconti elaborati tra il 1975 e il 1990.

Ad essa segue Un cuore così bianco (Corazón tan blanco) del 1992, romanzo nel quale l'autore coniuga il discorso narrativo con quello riflessivo, proponendo un'affascinante indagine psicologica sulla convenienza del segreto all'interno delle più strette relazioni familiari. Per questo romanzo, il 3 aprile del 1993 Javier Marías viene insignito del Premio della Crítica della Narrativa in Lingua Castellana, che annualmente concede la Asociación Española de Críticos Literarios. Con il romanzo Corazón tan blanco, che viene definito "obra maestra" dall'eminente critico di letteratura tedesca Marcel Reich-Ranicki, lo scrittore è finalista al Premio Nacional de Narrativa 1993 e selezionato, nell'ottobre dello stesso anno, per il Premio Aristeión 1993 della letteratura europea.

Nel 1994 pubblica il romanzo Domani nella battaglia pensa a me (Mañana en la batalla piensa en mí), che nel 1995 gli vale il Premio Fastenrath della Reale Accademia della lingua. Nel giugno 1995 Javier Marías pubblica La vita del fantasma (Vida del fantasma), una raccolta di alcuni dei suoi articoli pubblicati sulla rivista El País; il 26 luglio ottiene il Premio internazionale del Romanzo Rómulo Gallegos per Domani nella battaglia pensa a me. Nel 1996, sempre per Domani nella battaglia pensa a me, è finalista al Premio Aristeión dell'Unione europea; nel mese di settembre viene selezionato per il Premio Medicis e, nel mese di novembre, riceve a Parigi il Premio Femina per il migliore romanzo straniero.

Javier Marìas alla Fiera del Libro di Torino (sabato 10 maggio 2008).

Nel 1996 pubblica Quando fui mortale (Cuando fui mortal), una raccolta di relazioni scritte tra il 1991 e il 1995; nel medesimo anno presenta L'uomo che sembrava non chiedere niente (El hombre que parecía no querer nada), una antologia di suoi testi realizzata dalla professoressa dell'Università di Venezia, Elide Pittarello. Nel 1997 il suo romanzo Un cuore così bianco vince a Dublino il Premio Internazionale della Letteratura IMPAC. Alla fine dello stesso anno presenta il suo libro Miramientos, e in seguito pubblica Negra espalda del tiempo.

Nel 1998, per la densità del contenuto e la sua originalità narrativa, Domani nella battaglia pensa a me riceve il Premio letterario internazionale Mondello città di Palermo come la migliore opera narrativa straniera. Nel 1999 Marìas presenta a Madrid Desde que te vi morir, un libro dedicato a Vladimir Nabokov nell'anno del suo centenario, e Seré amado cuando falte, una raccolta di articoli pubblicati negli ultimi anni. Nel 2000 lo scrittore riceve il Premio Internazionale Ennio Flaiano per il romanzo L'uomo sentimentale (El hombre sentimental), pubblicato in Italia nel 1999. Risale al 1992 Vite scritte (Vidas escritas) una raccolta[5] di brevi biografie tradotte e pubblicate da Einaudi nel 2004.

Nel 2008 vince il Premio Internazionale Città di Alassio, che gli viene consegnato il 10 maggio durante la Fiera Internazionale del Libro di Torino. Nello stesso periodo l'editore Passigli pubblica la sua raccolta di scritti giornalistici Faranno di me un criminale e Elide Pittarello, studiosa di letteratura spagnola e amica personale dello scrittore, pubblica due lunghe interviste.

In occasione dell'edizione economica del terzo volume di Il tuo volto domani (Tu rostro mañana, 2008), Marías ha aggiunto al volume un'appendice di tre ritratti come fossero scritti da tre personaggi del libro (il cui mestiere è appunto creare schede su personaggi per un'agenzia di spionaggio). Con una piccola introduzione che ne spiega l'origine, sono stati stampati da Einaudi in Interpreti di vita (collana "L'arcipelago" n. 185, 2011). Essi riguardano Silvio Berlusconi, Michael Caine e Lady Diana. Nel 2011 gli è stato conferito il Premio Nonino[2]; nello stesso anno ha pubblicato il romanzo Gli innamoramenti (Los enamoramientos), con il quale ha poi vinto la undicesima edizione (2014) del premio letterario internazionale Giuseppe Tomasi di Lampedusa (la premiazione è avvenuta il 5 agosto 2014 a Santa Margherita di Belìce).

Javier Marías è morto nel 2022, a 70 anni, per complicazioni da Covid-19. [6]

Il 26 marzo alle 20,30 torna Earth Hour, l’Ora della Terra, è la più grande mobilitazione globale del WWF che, attraverso il gesto simbolico di spegnere le luci per un’ora, unisce cittadini, istituzioni e imprese in un momento di raccoglimento globale per la pace, la protezione del clima e per il nostro Pianeta. Il prossimo sabato dalle 20,30 di ciascun Paese, si terrà la 14esima edizione dell’ora di buio per il Pianeta, che coinvolgerà milioni di persone insieme a migliaia di città, monumenti e luoghi simbolo. Anche in Italia sono centinaia le iniziative e gli spegnimenti : Castello Sforzesco e la Torre del Filarete di Milano a Castel Sant’Angelo, il Colosseo e la Basilica di San Pietro al Vaticano, insieme alle facciate di Palazzo Madama, Montecitorio e Palazzo Chigi a Roma.

 https://www.wwf.it/cosa-puoi-fare-tu/eventi/earth-hour-2022/

CNDDU – Il Coordinamento Nazionale dei Docenti della Disciplina dei Diritti Umani in occasione della Giornata Mondiale della Poesia, che si celebra il 21 marzo dal 2000, intende ricordare il valore potentissimo della poesia, una delle forme espressive più antiche e più belle utilizzate dall’uomo.

La giornata è stata istituita dall’ONU nel 1999 perché da sempre l’uomo ha affidato al linguaggio poetico le sue emozioni più profonde e più autentiche e ha capito, attraverso la poesia, non solo l’esperienza personale, ma anche quella di molti.

La poesia infatti è sempre stata portatrice sana di autentica bellezza perché ha veicolato le emozioni più forti e condivisibili dell’umana esistenza: felicità, gioia, serenità, ma anche tristezza, dolore, delusione, nostalgia, rimpianto. E ha raccontato fin dall’antichità, e ancora racconta, chi realmente siamo.

La poesia, oltre a stimolare ovviamente il pensiero creativo, è sempre stata un mezzo per scavare dentro noi stessi e comunicare oltre i confini e le differenze culturali.

Sostenere e promuovere questa giornata significa credere nel ruolo privilegiato che ha la poesia d promuovere la comunicazione, la comprensione interculturale e tutti i valori più belli dell’esistenza umana, come l’universale valore della Pace, che sempre più spesso lo vediamo vacillare e lontanissimo dagli uomini.

Molti sono stati i poeti che hanno usato la parola poetica come baluardo difensivo per proteggerci dallo sgretolamento di molti valori importanti, dall’intolleranza e dall’odio che minacciano l’umanità.

Molti sono i poeti che hanno scritto poesie sulla Pace e contro la guerra trasferendo nei cuori dei lettori emozioni e sentimenti personali. E anche, e soprattutto, in questi casi la poesia ha parlato agli uomini degli uomini, delle loro fragilità, delle loro paure, delle loro miserie.

La poesia quindi narra in versi il nostro cuore, e ad esso permette di ormeggiare quando è stanco e solo. O quando una felicità grande gli chiede di guardarla negli occhi. Ed è questo il nobilissimo motivo per cui LEI è Patrimonio dell’Umanità, appartiene a ognuno di noi, è di tutti, da sempre.

Il 21marzo è il giorno in cui, come diceva Pascoli, dobbiamo ascoltare il fanciullino che è in noi: “Il fanciullino è colui che parla agli animali, ai sassi, alle stelle, è colui che ha paura del buio”. La Giornata Mondiale della Poesia è il giorno in cui dobbiamo aprire quel vecchio libro di rime e lasciarci cullare dalla dolcezza dei versi, senza temere di aver smarrito ormai tutto il coraggio di cui abbiamo bisogno per andare avanti, senza temere di non sapere più amare, senza sentirci piccoli, soli, vulnerabili davanti alle avversità.

Lasciamo che la Poesia di Catullo, di Dante, di Rodari, di Trilussa, di Shakespeare, di Ungaretti, di Rimbaud, e di tanti poeti e poetesse di ieri e di oggi, ci racconti i traviamenti e le conquiste dell’uomo di sempre.

Il CNDDU, convinto sostenitore dell’importanza della parola poetica come ingrediente fondamentale per sensibilizzare l’uomo verso tematiche di Pace, Giustizia e Libertà, invita i docenti della scuola italiana di I e II grado ad avvicinare gli studenti alla poesia, la più eccelsa e compiuta forma d’arte che sa nutrire l’animo umano di bellezza come poche altre.

L’iniziativa che promuoviamo quest’anno è La Poesia per la Pace, perché chi ama la poesia è contro la guerra.

Si tratta di individuare un gruppo di poesie che raccontano/condannano gli orrori della guerra e poi provare a trovare analogie e differenze tra i vari testi e le parole-chiave per fare lavori di approfondimento in classe da collegare al difficile momento che stiamo vivendo. Ed essere, così, anche attraverso la parola poetica vicino all’Ucraina.

Tramite l’iniziativa da noi promossa per il 21 marzo, intendiamo ancora una volta utilizzare tutti gli strumenti e gli spunti possibili e tutti i momenti importanti, per condannare l’orrore che si sta compiendo davanti ai nostri occhi.

E la Poesia quest’orrore può, sa e deve condannarlo.

L’hashtag per la Giornata Mondiale della Poesia 2022 è #LaPoesiaperlaPace “Ci sono cose da non fare mai, né di giorno né di notte, né per mare né per terra: per esempio, la guerra”

     A tutte le donne

Fragile, opulenta donna, matrice del paradiso

sei un granello di colpa

anche agli occhi di Dio

malgrado le tue sante guerre

per l’emancipazione.

Spaccarono la tua bellezza

e rimane uno scheletro d’amore

che però grida ancora vendetta

e soltanto tu riesci

ancora a piangere,

poi ti volgi e vedi ancora i tuoi figli,

poi ti volti e non sai ancora dire

e taci meravigliata

e allora diventi grande come la terra

e innalzi il tuo canto d’amore.

A tutte le donne di Alda Merini: analisi e commento

La prima strofa della poesia definisce l’essere femminile come “fragile e opulento”, due termini che appaiono in aperta contraddizione, ma l’antitesi è voluta dalla poetessa e sottintende un significato implicito.

Il corpo della donna nel corso dei secoli è stato oggetto di mille battaglie: è dunque “fragile” perché terreno di scontri, violenze, pregiudizi e aggressioni. Però è definito anche “opulento” perché quel corpo è generatore di vita, nelle viscere della donna si compie il miracolo della nascita. La complessità dell’essere femminile è espressa da Alda Merini tramite l’apparente antitesi tra due aggettivi.

Emerge poi l’elemento del Sacro nei termini “Dio”, “Paradiso”, “colpa”. Le Sacre Scritture infatti vedono nella donna Eva, la peccatrice, colei che portò Adamo sulla strada del peccato. In lei Dio ancora vede la colpa, secondo la religione, malgrado tutte le violenze e le offese che il corpo femminile ha dovuto sopportare e subire nel corso dei secoli. Le battaglie delle donne per l’emancipazione sono quindi definite “sante guerre”, perché combattute come Crociate per legittimarsi addirittura di fronte allo sguardo divino.

La donna infine viene definita come “matrice del Paradiso”, quasi in riferimento alla donna angelicata descritta da Dante tramite Beatrice. Vi è questa aperta contraddizione dunque, radicata in letteratura, che Merini porta alla luce: tra donna Angelo e donna Peccatrice.

In tutta la lirica la poetessa si serve di termini appartenenti ad campi semantici opposti mostrando come nella donna convivano il dolore e la gioia, la bellezza e la colpa, la morte e la vita. Tramite questi accostamenti ci viene rivelata tutta la complessità che è insita nella femminilità, uno spettro d’emozioni vasto e continuamente cangiante.

Nell’ultima strofa, infine, Alda Merini sembra far levare le voci di tutte le donne in un appello corale. La voce femminile si innalza, come l’araba fenice dalle proprie ceneri, e leva un canto che “grida ancora vendetta”.

Gli ultimi versi sono una ribellione ai soprusi e agli abusi compiuti dagli uomini sul corpo delle donne: di quella bellezza sfregiata dalla violenza permane comunque uno scheletro d’amore, che appare come un aperto inno alla vita.

L’espressione “scheletro d’amore” è un ossimoro che trasuda di significati: la donna ridotta a uno scheletro dal male compiuto dagli uomini è ancora in grado di generare la vita e occuparsi dei propri figli.

Nei versi finali la donna “diventa grande come la Terra” in una perfetta similitudine con Madre Natura, lo spirito creatore originario. Tramite una metafora ardita ed efficace la donna viene dunque paragonata alla Creazione, diventandone l’espressione stessa.

Il “canto d’amore” che si innalza dalla donna, nonostante i sorprusi subiti nel corso del secoli, è ciò che fa andare avanti il mondo generando nuova vita, permettendo all’Umanità di rinnovarsi in un eterno ciclo.

Nato a Bologna il 4 marzo 1916 da una famiglia benestante di Ferrara, di origine ebraica, Giorgio Bassani trascorre l’infanzia e la prima giovinezza nella città estense.

Nel ’26 viene ammesso al Regio Liceo Ginnasio “Ludovico Ariosto”, dove consegue la maturità classica.

In quegli anni mostra un grande interesse per la musica e per il tennis, ma presto rinuncerà a tali passioni per dedicarsi interamente alla letteratura. Sin qui si possono riscontrare numerose analogie biografiche tra il narratore senza nome che racconta in prima persona le vicende de Il giardino dei Finzi-Contini.

Nel 1935 Bassani si iscrive alla Facoltà di Lettere dell’Università di Bologna, che frequenta viaggiando come pendolare da Ferrara. Nel ’39, nonostante le leggi razziali approvate la regime fascista, si laurea con una tesi su Niccolò Tommaseo discussa con il professor Carlo Calcaterra, che sarebbe stato anche relatore di Pier Paolo Pasolini.

Negli anni dell’Università, Bassani conobbe anche il poeta Attilio Bertolucci e altri esponenti della cultura dell’epoca, come il pittore Giorgio Morandi e il critico dell’arte Roberto Longhi. Gli anni felici della gioventù di Bassani furono bruscamente interrotti dallo scoppio della Seconda guerra mondiale, in costante analogia con quanto narrato nel suo libro-capolavoro.

Il 1940 è l’anno del suo esordio con il primo romanzo Una città di pianura, pubblicato sotto lo pseudonimo di Giacomo Marchi. Nello stesso periodo insegna Italiano e Storia agli studenti ebrei espulsi dalle scuole pubbliche e si dedica all’attivismo politico clandestino contro la dittatura fascista. Nel 1943 venne rinchiuso, per alcuni mesi, in carcere in segno di condanna per la sua attività sovversiva nei confronti del regime.

La fama di scrittore giunse nel 1956 con la pubblicazione di Cinque storie ferraresi, con le quali vinse il Premio Strega.

Si trasferisce a Roma dove lavora come docente di Storia del Teatro presso l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico”. Nel frattempo come consulente editoriale della casa editrice Feltrinelli, nel ’58 Bassani riesce a far pubblicare Il Gattopardo di Giuseppe Tomasi di Lampedusa. A lui si deve il merito di aver fatto conoscere ai lettori italiani le opere di Jorge Luis Borges, Karen Blixen e soprattutto il capolavoro di Boris Pasternak, Il dottor Živago.

Il 1962 è l’anno del massimo successo editoriale di Giorgio Bassani. Il 9 febbraio 1962, sessant’anni, fu pubblicato Il giardino dei Finzi-Contini che donerà all’autore ferrarese fama imperitura. Il romanzo vince il premio Viareggio e in breve tempo conquista le classifiche internazionali. Nel 1970 ne verrà tratto un celebre film diretto da Vittorio De Sica.

Ormai Bassani è uno scrittore affermato. La sua carriera letteraria è costellata di successi, con il libro L’airone (1968) vince il premio Campiello e, quindici anni più tardi il premio Bagutta con In rima e senza. Nel 1987 venne tratto un altro celebre film dal suo racconto Gli occhiali d’oro, una storia scandalosa per l’epoca che narrava dell’emarginazione legata all’omosessualità.

Nel ’98, due anni prima della sua scomparsa, la sua opera omnia viene raccolta in un unico volume, pubblicato da Mondadori nella prestigiosa collana Meridiani riservata ai classici.

Giorgio Bassani morì a Roma il 13 aprile 2000, all’età di ottantaquattro anni. Fu sepolto a Ferrara, proprio nel cimitero ebraico dove immaginò la tomba dei Finzi-Contini. Il comune di Ferrara ha voluto ricordarlo con un monumento funebre circondato da un roseto. Il luogo del sonno eterno di Bassani ricorda curiosamente un giardino fiorito che rimanda alle prime pagine del suo capolavoro. La storia sembra sempre ricominciare daccapo, in un eterno ricordo.

Io riandavo con la memoria agli anni della mia prima giovinezza, e a Ferrara, e al cimitero ebraico posto in fondo a via Montebello. Rivedevo i grandi alberi sparsi, le lapidi e i cippi raccolti più fittamente lungo i muri di cinta e di divisione. (...) E come se l’avessi ancora davanti agli occhi, la tomba monumentale dei Finzi Contini.

Giorgio Bassani: le opere

• Una città di pianura, (scritto come Giacomo Marchi, Ndr) Milano, Officina d’Arte Grafica Lucini, 1940;

• La passeggiata prima di cena, Firenze, Sansoni, 1953;

• Gli ultimi anni di Clelia Trotti, Pisa, Nistri-Lischi, 1955, premio Veillon

• Cinque storie ferraresi, Torino, Einaudi, 1956. (Contiene: Lida Mantovani;

• La passeggiata prima di cena; Una lapide in via Mazzini; Gli ultimi anni di Clelia Trotti; Una notte del ’43). Riedito come Dentro le mura, Milano, Mondadori, 1973. premio Strega;

• Le storie ferraresi, Torino, Einaudi, 1960. (Contiene: Il muro di cinta; Lida Mantovani; La passeggiata prima di cena; Una lapide in via Mazzini; Gli ultimi anni di Clelia Trotti; Una notte del ’43; Gli occhiali d’oro; In esilio)

• Gli occhiali d’oro, Torino, Einaudi, 1958;

• Il giardino dei Finzi-Contini, Torino, Einaudi, 1962. premio Viareggio

• Dietro la porta, Torino, Einaudi, 1964;

• (DE) Venedig. Stadt auf 118 Inseln, con Mario Soldati e Gianni Berengo Gardin, Starnberg, Josef Keller, 1965;

• Due novelle, Venezia, Stamperia di Venezia, 1965;

• L’airone, Milano, Mondadori, 1968. premio Campiello;

• L’odore del fieno, Milano, Mondadori, 1972.

Giorgio Bassani e Il giardino dei Finzi-Contini

Il tempo passa inesorabile, ma il giardino dei Finzi-Contini resta, un luogo “letterario” che è divenuto reale e ancora parla all’immaginario dei lettori. Bassani è riuscito nell’impresa più ambita da ogni intraprendente scrittore: ha trasfuso un luogo vero, reale, nel simbolico.

Si può avere nostalgia di un posto in cui non si è mai stati? Basta leggere Il giardino dei Finzi-Contini di Giorgio Bassani per capire che sì, è possibile. Quelle pagine ci infondono una nostalgia struggente per un’epoca felice che ebbe breve durata, come un’invincibile estate travolta da un inverno precoce, o forse l’ultimo sogno della giovinezza.

Il sentimento di malinconia che pervade il libro, sin dall’inizio della narrazione, è uno dei motivi del successo del libro: l’autore ci parla del passato, per definizione destinato a finire, ma nel rievocarlo con una scrittura evocativa e sapiente ci trascina in un vortice di ricordi di cui non vorremmo mai vedere la fine. Il giardino dei Finzi-Contini è un romanzo che evoca ombre, fantasmi, un tempo ormai scomparso, ma nel ripercorrerlo lo rende vivo.

Furono questi gli ingredienti che resero il libro di Bassani un bestseller internazionale, letto e amato dai lettori di tutto il mondo. Ancora oggi è impossibile non accostarsi a quelle pagine senza provare un’attrazione ipnotica.

In un intervento scritto su L’Europa letteraria nel 1964 Giorgio Bassani si interrogava in questi termini sulle ragioni del successo:

Ma è stato poi così un gran successo quello del Giardino dei Finzi-Contini?

C’era una forma di incredulità ed era proprio l’autore a mettere in dubbio l’apprezzamento del romanzo da parte del pubblico. Aveva scritto un capolavoro e non se ne rendeva conto.

Il 25 febbraio 1898 nasceva a Cagliari Fausta Cialente, considerata una delle interpreti più significative del Novecento letterario italiano.

Cialente vinse il Premio Strega nel 1976, alla veneranda età di settantotto anni, con il libro ritenuto il suo capolavoro Le quattro ragazze Wieselberger, basato sulle sue vicende familiari.

Fu il suo ultimo romanzo e senz’altro l’opera tramite la quale Fausta ricompose i fili intricati della sua esistenza appianandoli in un racconto che segue le trame della memoria.

Le foto di repertorio del Premio Strega la ritraggono come una donnina magra, compunta, dai nitidi occhi azzurri, che sembra più giovane dei suoi quasi ottant’anni. Dietro quello sguardo amabile, quel portamento elegante, si nascondeva tuttavia un fuoco indomabile, che animava la sua scrittura.

Scopriamo vita e opere di questa grande autrice, considerata l’anticipatrice del femminismo moderno in Italia.

Fausta Cialente: la vita

Nata il 25 febbraio 1898 da padre abruzzese e madre triestina, Fausta Cialente condusse una vita apolide, spostandosi continuamente da un capo all’altro del mondo.

Iniziò in tenera età per seguire il lavoro del padre, Alfredo, un ufficiale di fanteria, che costringe l’intera famiglia a continui cambi di residenza. Una volta cresciuta continuò a viaggiare al seguito del marito, Enrico Terni, compositore e agente di cambio con cui si trasferì per un lungo periodo ad Alessandria d’Egitto e quindi a Il Cairo.

Fu proprio durante la lunga permanenza in terra egiziana che Fausta riprese a coltivare la sua passione per la scrittura. Aveva iniziato a scrivere da bambina, piccole storielle, che già rivelavano un certo talento artistico. Il soggiorno in una terra esotica apre il suo sguardo e dona nuovo vigore alla sua scrittura. Cialente scrisse il suo primo romanzo, come Cortile a Cleopatra (1931) e la raccolta di racconti Pamela o la bella estate (1936). La sua era una “scrittura di confine”, che mescolava il modo di vivere nomade dell’autrice alla contaminazione di culture, usi e costumi,

Nelle sue opere si fa strada il pensiero socialista e antirazzista: Fausta Cialente si afferma sì come scrittrice, ma anche come un’attivista contro il regime autoritario di Mussolini. Nei suoi libri l’autrice trattava temi inconsueti per l’epoca, anticipando il femminismo moderno.

Durante la Seconda guerra mondiale collaborò alle trasmissioni di Radio Cairo, conducendo il programma di propaganda antifascista Middle West. In parallelo Cialente si dedicò al giornalismo militante dirigendo dirige il giornale per i prigionieri italiani Fronte Unito (1943-1945) e Il Mattino della domenica.

Da lontano Fausta assistette impotente allo sgretolamento della sua famiglia: il padre Alfredo, criticato dalla società borghese per il suo ruolo militare e costretto a separarsi dalla moglie, è morto. Un lutto ancora peggiore attende la scrittrice: la morte dell’amato fratello Renato Cialente, attore affermato, che viene ucciso dai fascisti in un attentato, punito per aver portato in scena un dramma sgradito al regime.

Nel 1947, a guerra conclusa, Fausta Cialente tornò in Italia per ricongiungersi alla madre ormai anziana. In questa seconda fase della sua vita iniziò a dedicarsi a tempo pieno al giornalismo, collaborando con varie riviste Rinascita, Italia Nuova, Noi donne, Il Contemporaneo e con il quotidiano comunista l’Unità. In questi anni riprese anche a pieno ritmo l’attività di scrittrice, affermandosi nel mondo letterario dell’epoca.

Dopo la separazione dal marito si trasferì a Roma con la madre. Alla morte di quest’ultima andò a vivere per un breve periodo nella villa di famiglia a Trevisago sul Lago Maggiore. Presto Fausta Cialente riprese la sua vita apolide, continuando a viaggiare per il mondo, spostandosi spesso tra l’Italia e il Kuwait dove viveva la sua unica figlia, Lily.

Negli ultimi anni della sua vita Fausta si trasferì definitivamente in Inghilterra, affiancando alla sua prolifica attività di scrittrice quella di traduttrice. In quel periodo tradusse in italiano molti classici della narrativa inglese, tra cui Piccole donne di Louisa May Alcott e Giro di vite di Henry James.

Morì a Pangbourne, nel Berkeshire, il 12 marzo 1994 all’età di novantaquattro anni.

Fausta Cialente: le opere

Il primo libro di Fausta Cialente Natalia (1931) ebbe una vicenda editoriale controversa. Alla sua prima uscita incappò nelle maglie della censura fascista a causa della vicenda interamente imperniata su un’ambigua amicizia fra due donne. La qualità del romanzo era indiscussa, tanto che vinse il premio Dieci conferito da Massimo Bontempelli; ma non arrivò al pubblico, fu condannato all’oblio, Dopo le difficili vicende editoriali che lo videro coinvolto il libro fu ripubblicato nel 1982, quando Cialente aveva ottantaquattro anni ed era ormai un’autrice affermata nel panorama internazionale.

I suoi primi romanzi furono caratterizzati dalle atmosfere esotiche e levantine, come Marianna (1931) (vincitore del premio Galante, Ndr), Cortile a Cleopatra (1936) e Pamela o la bella estate (1935) nei quali descrive una natura viva, colorata, profumata, in movimento. La psicologia dei personaggi viene resa da Cialente con gesti impercettibili e un’aggettivazione precisa e al contempo morbida. La sua è una prosa elegante che restituisce al lettore un nuovo modello di scrittura al femminile.

Dopo un lungo silenzio, nel 1961 Cialente pubblicò Ballata Levantina riproponendosi all’attenzione della critica. Cinque anni dopo si classificò quindi terza al Premio Strega con Un inverno freddissimo (1966), vicenda ambientata in una Milano invernale che descrive i problemi del difficile periodo postbellico.

Nel 1972 diede alle stampe il romanzo Il vento sulla sabbia e nel 1976 si aggiudicò finalmente il Premio Strega con Le quattro ragazze Wieselberger, romanzo in cui ricostruisce le memorie della sua infanzia, oggi considerato il suo capolavoro.

Nel libro vincitore del Premio Strega 1976, Le quattro ragazze Wieselberger, Cialente tramite le vicende di un’imprevedibile famiglia, raccontava mezzo secolo di storia italiana, in una prospettiva rivelatrice.

L’autrice parte dalla biografia materna per narrare la sua storia. Il libro si ispira infatti all’infanzia della madre, Elsa Wieselberger, nella Trieste austroungarica dell’Ottocento.

Le quattro sorelle Wieselberger sono delle giovani nobildonne talentuose e aggraziate, che appaiono inconsapevoli del loro tragico destino. La storia delle famiglia Wieselberger si intreccia alle vicende del proprio tempo, quindi al furore della guerra, e infine alla vita della stessa Fausta Cialente che prenderà il testimone dell’eredità familiare concludendo la narrazione.

Tramite il racconto della sua epopea familiare Cialente sembrò chiudere il cerchio della propria attività letteraria realizzando il senso, più segreto e vero, della sua vocazione artistica.

Il romanzo Le quattro ragazze Wieselberger è stato recentemente ripubblicato dalla casa editrice La Tartaruga nel 2018, con una magistrale prefazione scritta da Melania G. Mazzucco.

Questa nuova edizione offre una rinnovata attenzione all’opera di Fausta Cialente e mostra al mondo contemporaneo la sorprendente attualità della scrittura di questa grande autrice novecentesca.

Il 23 febbraio 1821 si spegneva a Roma il poeta John Keats, uno dei massimi esponenti del Romanticismo inglese.

John Keats nacque a Londra il 31 ottobre 1795. Il padre Thomas, nativo delle regioni dell'ovest, lavorava come garzone di scuderia presso John Jennings, proprietario della Swan and Hoop Inn (la Taverna del Cigno e del Cerchio), a Moorgate; finì per sposare il 9 ottobre 1794 Frances, la figlia di Jennings, al quale poi succedette negli affari. John fu il primo di cinque figli: suoi fratelli erano George (1797–1841), Thomas (1799–1818), Frances Mary "Fanny" (1803–1889), e un quarto del quale non si conosce l'identità, poiché morto giovanissimo.

Trascorse i primi anni di vita prevalentemente nella tenuta amministrata dal padre, fino a quando i genitori (che, essendo d'estrazione piuttosto modesta, non avevano le finanze per educarlo nei prestigiosi college di Eton o Harrow)[1] nell'estate del 1803 lo mandarono alla scuola privata del reverendo John Clarke, dove diede prova di carattere indolente e pugnace, facendo al contempo disparate letture. Qui respirò infatti un'atmosfera satura di letteratura, stimolata dal figlio del reverendo, Charles Cowden Clarke, un giovane di buona cultura e dal contagioso entusiasmo per la poesia che rimase legato - anche una volta finito il corso - a Keats da un saldo vincolo d'amicizia.[2]

La tranquillità di questi anni, tuttavia, iniziò ad incrinarsi, allorché Keats fu colpito da una serie di gravi disgrazie. Il 16 aprile 1804, quando Keats non aveva ancora nove anni, morì il padre per via d'un trauma cranico a seguito di una caduta da cavallo e nel marzo del 1810 perse anche la madre, malata di tubercolosi. I giovani fratelli Keats vennero così affidati alla nonna materna, la quale, però, non potendosene prendere cura, farà nominare due tutori: Richard Abbey e John Sandell. Proprio dietro loro volontà, nell'autunno 1810 John lasciò la scuola del reverendo Clarke per studiare e lavorare come apprendista presso Thomas Hammond, farmacista e chirurgo di Edmonton, nel nord di Londra, nonché vicino di casa e medico della famiglia Jennings.

https://it.wikipedia.org/wiki/John_Keats

Malato di tubercolosi, al momento della morte Keats aveva solo venticinque anni, ma da tempo era conscio del fatto che gli restasse ormai poco da vivere. In un’ultima lettera scritta all’amico Charles Armitage Brown affermava:

Ho la sensazione continua che la mia vita reale sia già passata, e di star quindi conducendo un’esistenza postuma.

Venne sepolto tre giorni dopo nel cimitero acattolico di Roma sovrastato dalla grande Piramide di Caio Cestio, risalente al I secolo a.C. La sua lapide fu eretta nella primavera del 1823 e circondata da margherite, assecondando la volontà del poeta.

Sulla sua tomba, Keats non volle scritti né il nome, né la data di morte, ma semplicemente un breve epitaffio, che recita:

Here lies one whose name was writ in water

Un’iscrizione poetica, dal significato sibillino. La lapide di John Keats spicca tra le altre tombe che ricoprono la superficie del cosiddetto Cimitero degli Inglesi proprio per quell’elegante scritta in corsivo, dall’accezione malinconica, che sembra alludere al continuo fluire dell’esistenza.

Keats voleva che il suo nome fosse dimenticato, che cadesse nell’oblio, ma lo ha trasformato in un monumento all’immortalità.

L’enigma nell’iscrizione funeraria di John Keats

Sulla tomba tuttavia non è riportato il giorno esatto della morte di Keats, ma il giorno successivo: il 24 febbraio 1821. Per quale ragione?

In realtà non si tratta di un errore, ma di una diversità nel calcolo dei giorni tra il metodo romano e quello inglese.

All’epoca, a Roma, il giorno finiva circa mezz’ora dopo che le campane delle chiese suonassero l’ultima Ave Maria: per questo motivo la morte del poeta fu registrata ufficialmente dalle autorità il 24 febbraio e non il 23. Keats si spense alle undici di sera del 23 febbraio 1821, come riportano le testimonianze nelle lettere ufficiali, ma nella città eterna ormai era già un nuovo giorno.

La tomba di John Keats

Chi si trova di fronte alla tomba non sa il nome di chi vi è sepolto, solo che vi giace emblematicamente “Colui il cui nome fu scritto sull’acqua”.

Solo grazie alla breve iscrizione composta dagli amici John Severn e Charles Armitage Brown a corredo dei versi di Keats possiamo comprendere che si tratta di un “young english poet”, il che acuisce il sentimento di compassione dinnanzi a una morte così prematura:

Questa tomba contiene i resti mortali di un GIOVANE POETA INGLESE che, sul letto di morte, nell’amarezza del suo cuore, di fronte al potere maligno dei suoi nemici, volle che fossero incise queste parole sulla sua lapide: “Qui giace uno il cui nome fu scritto sull’acqua”.

La lapide di John Keats sembra raccontare la sua storia: è una tomba peculiare, dal forte significato biografico. Non riporta né nome né data di nascita o di morte, nulla insomma che lasci presagire l’identità di chi vi è sepolto ma solo un’iscrizione irripetibile, che suona come l’accesso a un mondo arcano. Ma qual è il significato dell’iscrizione tombale di John Keats?

Scopriamone origine e significato.

L’origine dell’epitaffio sulla tomba di John Keats

Here lies one whose name was writ in water

Questi versi enigmatici non apparivano in nessuna opera del poeta inglese, Keats stesso non li aveva mai scritti o registrati in alcuna poesia o pagina di diario.

Nei suoi ultimi giorni, nella stanza dove giaceva al numero 26 di Piazza di Spagna, il giovane poeta ebbe numerosi visitatori: il suo medico, il dottor James Clark, che risiedeva proprio dall’altra parte della Piazza e si dice visitasse Keats fino a quattro o cinque volte al giorno. Un’infermiera inglese era sempre presente nell’assistere il malato, e altri amici restarono sino alla fine.

Per attestare l’origine dell’iscrizione funeraria ci basiamo solo sulla parola di John Severn che fu unico testimone delle ultime volontà di John Keats.

Alcuni giorni prima della morte di Keats, Severn registrò il verso “Writ in Water” in una lunga lettera-diario scritta all’amico comune Charles Armitage Brown.

L’espressione “Writ in Water” appare in tutte le varianti della lettera esaminate dai critici.

Da dove deriva l’espressione “Writ in water”?

Writ in water

Non era un’espressione molto usata nel diciannovesimo secolo, ma con la morte di Keats la frase ebbe nuova vita, in molti la consideravano come sinonimo della morte del poeta.

L’enigmatica frase - che letteralmente significa scritto nell’acqua - era molto più diffusa nella letteratura del XVI e XVII secolo, mentre le prime versioni latine e greche risalgono all’antichità.

Si tratta di un proverbio, forse l’opposto perfettamente antitetico di “scolpito nella pietra”, che invece suggerisce l’idea di permanenza, mentre “scritto nell’acqua” rimanda all’impermanenza o a questioni di natura transitoria.

In alcuni contesti gli antichi affermavano che le parole scritte sull’acqua non avessero alcun valore perché destinate a svanire, come dimostra questa citazione di Sofocle:

Dovresti scrivere i giuramenti degli uomini malvagi sull’acqua.

La suggestione era data proprio dalla fugacità dell’acqua che sembrava rimandare al contempo alla caducità della vita, all’attimo che è già passato in un battito di ciglia.

Un’altra possibile fonte dell’espressione “Writ in Water” la ritroviamo nell’ Enrico VIII di William Shakespeare. In una rivisitazione dell’opera del drammaturgo John Fletcher, rappresentata per la prima volta in Inghilterra nel 1613, ritroviamo la frase:

Le cattive maniere degli uomini vivono nell’ottone; le loro virtù le scriviamo nell’acqua. (Atto IV, scena 2)

John Keats possedeva sia l’opera completa di Shakespeare che i quattro volumi di Dramatic Works of Jonson, Beaumont and Fletcher (Londra, 1811), regalatogli dal fratello George. È dunque possibile che il poeta inglese sia stato suggestionato da una di queste opere.

Il significato dell’epitaffio di John Keats

Forse non conosceremo mai la fonte esatta di quei celebri versi “Writ in Water” che si tramutarono nell’ultima volontà di John Keats. Probabilmente derivano da più fonti diverse, o forse da una suggestione del poeta inglese che trascorse i suoi ultimi giorni nella sua stanza a Piazza di Spagna ascoltando il lento scrosciare dell’acqua della “Barcaccia” del Bernini situata ai piedi della scalinata. Forse quel suono lento e cristallino fornì a Keats la sua ultima ispirazione.

Riguardo al significato dei versi scritti sulla lapide, invece, i critici sono abbastanza concordi sul fatto che John Keats tramite quelle parole volesse ritrarre il senso transitorio dell’esistenza umana. Quel nome “scritto sull’acqua” rimanda alla natura transitoria del viaggio dell’uomo nella vita.

Sembra che Keats attraverso quei versi volesse alludere a una sorta di esistenza postuma, di cui aveva spesso parlato nei suoi ultimi mesi di vita in varie lettere, come in preda a una visione.

Qui giace colui il cui nome fu scritto sull’acqua.

Forse John Keats credeva di non aver lasciato alcun segno indelebile nei suoi appena venticinque anni di vita.

La sua eredità, per quanto transitoria, è invece ancora “scolpita nella pietra” che rappresenta un monito eterno a ricordare quel “giovane poeta inglese”.

La tomba di John Keats nel cimitero acattolico di Roma è un’opera d’arte funeraria dal valore sopraffino che rimane come simbolo di un’esistenza dal valore immortale.

In un’ultima lettera scritta poche settimane dopo la morte di Keats l’amico Leigh Hunt confessava a John Severn:

Dì a Keats che ci ha soltanto preceduti sulla strada dell’immortalità, come in qualunque altra cosa lui abbia fatto.

Era l’8 marzo del 1821, erano passati quasi quindici giorni da quel drammatico 23 febbraio, ma Hunt parlava come se John Keats non se ne fosse mai andato, come se fosse ancora in vita, impegnato nel lungo cammino dell’immortalità.

Il 16 febbraio 1907 moriva nella sua casa di Bologna il poeta toscano Giosuè Carducci, sconfitto dalla cirrosi epatica. Aveva 72 anni.

Nel 1906, appena un anno prima della sua scomparsa, Carducci era stato il primo autore italiano a ricevere il premio Nobel per la Letteratura. Il prestigioso riconoscimento letterario gli era stato conferito in omaggio alla purezza dello stile, all’energia creativa e alla forza lirica che sprigionava dalla sua poetica.

Nell’anniversario della sua scomparsa ricordiamo Giosuè Carducci con una delle sue poesie più belle, l’ode Davanti San Guido scritta nel dicembre 1874, in cui il poeta ripercorre i luoghi che gli furono cari durante l’infanzia.

La poesia è contenuta in una delle raccolte più celebri dell’autore Rime Nuove (1861-1887) che è unanimemente ritenuta la massima espressione dell’opera carducciana.

Davanti San Guido è la narrazione di un viaggio mentale, raccontato attraverso le visioni evanescenti scorte attraverso il finestrino di un treno che unisce l’evocazione di paesaggi ormai scomparsi a una confessione intima e appassionata.

Scopriamo testo, parafrasi e analisi della poesia.

Davanti San Guido di Giosuè Carducci: testo

I cipressi che a Bólgheri alti e schietti

Van da San Guido in duplice filar,

Quasi in corsa giganti giovinetti

Mi balzarono incontro e mi guardâr.

Mi riconobbero, e – Ben torni omai –

Bisbigliaron vèr’ me co ’l capo chino –

Perché non scendi? Perché non ristai?

Fresca è la sera e a te noto il cammino.

Oh sièditi a le nostre ombre odorate

Ove soffia dal mare il maestrale:

Ira non ti serbiam de le sassate

Tue d’una volta: oh, non facean già male!

Nidi portiamo ancor di rusignoli:

Deh perché fuggi rapido cosí?

Le passere la sera intreccian voli

A noi d’intorno ancora. Oh resta qui! –

– Bei cipressetti, cipressetti miei,

Fedeli amici d’un tempo migliore,

Oh di che cuor con voi mi resterei –

Guardando io rispondeva – oh di che cuore!

Ma, cipressetti miei, lasciatem’ ire:

Or non è piú quel tempo e quell’età.

Se voi sapeste!… via, non fo per dire,

Ma oggi sono una celebrità.

E so legger di greco e di latino,

E scrivo e scrivo, e ho molte altre virtú:

Non son piú, cipressetti, un birichino,

E sassi in specie non ne tiro piú.

E massime a le piante. – Un mormorio

Pe’ dubitanti vertici ondeggiò,

E il dí cadente con un ghigno pio

Tra i verdi cupi roseo brillò.

Intesi allora che i cipressi e il sole

Una gentil pietade avean di me,

E presto il mormorio si fe’ parole:

– Ben lo sappiamo: un pover uom tu se’.

Ben lo sappiamo, e il vento ce lo disse

Che rapisce de gli uomini i sospir,

Come dentro al tuo petto eterne risse

Ardon che tu né sai né puoi lenir.

A le querce ed a noi qui puoi contare

L’umana tua tristezza e il vostro duol.

Vedi come pacato e azzurro è il mare,

Come ridente a lui discende il sol!

E come questo occaso è pien di voli,

Com’è allegro de’ passeri il garrire!

A notte canteranno i rusignoli:

Rimanti, e i rei fantasmi oh non seguire;

I rei fantasmi che da’ fondi neri

De i cuor vostri battuti dal pensier

Guizzan come da i vostri cimiteri

Putride fiamme innanzi al passegger.

Rimanti; e noi, dimani, a mezzo il giorno,

Che de le grandi querce a l’ombra stan

Ammusando i cavalli e intorno intorno

Tutto è silenzio ne l’ardente pian,

Ti canteremo noi cipressi i cori

Che vanno eterni fra la terra e il cielo:

Da quegli olmi le ninfe usciran fuori

Te ventilando co ’l lor bianco velo;

E Pan l’eterno che su l’erme alture

A quell’ora e ne i pian solingo va

Il dissidio, o mortal, de le tue cure

Ne la diva armonia sommergerà. –

Ed io – Lontano, oltre Apennin, m’aspetta

La Titti – rispondea – ; lasciatem’ ire.

È la Titti come una passeretta,

Ma non ha penne per il suo vestire.

E mangia altro che bacche di cipresso;

Né io sono per anche un manzoniano

Che tiri quattro paghe per il lesso.

Addio cipressi! addio, dolce mio piano! –

– Che vuoi che diciam dunque al cimitero

Dove la nonna tua sepolta sta? –

E fuggíano, e pareano un corteo nero

Che brontolando in fretta in fretta va.

Di cima al poggio allor, dal cimitero,

Giú de’ cipressi per la verde via,

Alta, solenne, vestita di nero

Parvemi riveder nonna Lucia;

La signora Lucia, da la cui bocca,

Tra l’ondeggiar de i candidi capelli,

La favella toscana, ch’è sí sciocca

Nel manzonismo de gli stenterelli,

Canora discendea, co ’l mesto accento

De la Versilia che nel cuor mi sta,

Come da un sirventese del trecento,

Pieno di forza e di soavità.

O nonna, o nonna! deh com’era bella

Quand’ero bimbo! ditemela ancor,

Ditela a quest’uom savio la novella

Di lei che cerca il suo perduto amor!

– Sette paia di scarpe ho consumate

Di tutto ferro per te ritrovare:

Sette verghe di ferro ho logorate

Per appoggiarmi nel fatale andare:

Sette fiasche di lacrime ho colmate,

Sette lunghi anni, di lacrime amare:

Tu dormi a le mie grida disperate,

E il gallo canta, e non ti vuoi svegliare. –

Deh come bella, o nonna, e come vera

È la novella ancor! Proprio cosí.

E quello che cercai mattina e sera

Tanti e tanti anni in vano, è forse qui,

Sotto questi cipressi, ove non spero

Ove non penso di posarmi piú:

Forse, nonna, è nel vostro cimitero

Tra quegli altri cipressi ermo là su.

Ansimando fuggía la vaporiera

Mentr’io cosí piangeva entro il mio cuore;

E di polledri una leggiadra schiera

Annitrendo correa lieta al rumore.

Ma un asin bigio, rosicchiando un cardo

Rosso e turchino, non si scomodò:

Tutto quel chiasso ei non degnò d’un guardo

E a brucar serio e lento seguitò.

Davanti San Guido di Giosuè Carducci: parafrasi

Gli alti cipressi che, in doppio filare, costeggiano la strada verso l’oratorio di San Guido nella Maremma come dei giovani giganti sembrano correre incontro al poeta e guardarlo negli occhi.

I cari cipressi paiono riconoscerlo e, con le chiome piegate all’ingiù, bisbigliano dicendo che finalmente è tornato e gli domandano perché non scende dal treno per fermarsi un poco con loro, visto che la sera nella campagna è piacevole e lui conosce la strada.

Gli dicono di sedersi sotto la loro ombra profumata, da cui si sente il vento di maestrale che arriva direttamente dal mare. I cipressi confessano al poeta di non portare alcun rancore per i sassi che lui tirava loro da bambino, perché non erano colpi dolorosi.

Dicono che tra i loro rami gli usignoli fanno ancora il nido e si chiedono perché lui stia correndo via così velocemente. Di nuovo gli chiedono di restare mentre i passerotti vivaci volteggiano sereni tra le fronde.

Il poeta risponde affettuosamente ai cipressi, dicendo che loro sono tuttora i fedeli amici della sua età più bella (l’infanzia, Ndr), e che vorrebbe sinceramente poter restare in loro compagnia. Ma devono sapere che ormai non è più quel tempo, lui non è più un bambino e loro non sanno che ora è diventato un uomo celebre, un famoso intellettuale. Conosce il greco e il latino, scrive moltissimo, dice di non essere più quel bambino vivace e impertinente che tirava sassi alle piante.

Fra le cime dei cipressi sembra esserci un mormorio di incredulità, mentre rosseggia il tramonto si intravede come un sorriso caritatevole tra il verde scuro delle chiome.

Il poeta allora capisce che i cipressi e il sole hanno pietà di lui. Quel mormorio si trasforma presto in parole con cui i cipressi dicono al poeta che sanno benissimo che lui è un uomo infelice.

Lo sanno perché glielo ha riferito il vento, che è in grado di cogliere i sospiri degli uomini e sanno che nel profondo del poeta si agitano continui conflitti e tormenti che lui non sa come calmare.

Dicono al poeta di raccontare alle querce e ai cipressi la sua tristezza e il suo dolore. Gli consigliano di guardare il mare che è calmo e azzurro, di guardare come gli sorride il sole splendente che tramonta sull’acqua.

Gli dicono che il cielo è punteggiato dagli uccelli in volo e che il verso dei passeri è tanto allegro. Di notte si sentiranno cantare gli usignoli, quindi i cipressi chiedono ancora al poeta di fermarsi un attimo e di non inseguire quei cattivi pensieri che tanto lo fanno soffrire.

I crudeli fantasmi che escono dal profondo del vostro cuore - dicono i cipressi - tormentati pensieri che balzano come fiamme putride, uscite fuori dai vostri cimiteri. Fermati e noi domani, quando a mezzogiorno i cavalli si riposano all’ombra delle grandi querce e c’è silenzio in tutta la pianura assolata, canteremo per te quei cori che eternamente cantano tra terra e cielo; le ninfe usciranno fuori dagli alberi di olmo, facendoti aria con i loro veli bianchi.

L’immortale Dio Pan che sulle colline solitarie a quell’ora se ne va a passeggiare, calmerà i dissapori delle tue preoccupazioni, o uomo mortale, facendo affondare i tuoi tormenti nell’armonia divina della natura.

Il poeta risponde che oltre l’Appennino lo aspetta la Tittì (la sua bambina più piccola, Ndr) e quindi devono lasciarlo andare. Dice che la Tittì è come un uccellino, però non ha piume per potersi vestire.

Tittì mangia ben altre cose che le bacche di cipresso (come fanno i passerotti), dice anche di non essere un seguace di Manzoni che riesce a ottenere alti stipendi per vivere bene. Il poeta dice allora addio ai cipressi e alla pianura che gli è tanto cara.

I cipressi chiedono dunque al poeta cosa devono dire al cimitero, dove riposa la sua cara nonna. E sembrano fuggire come un corteo in lutto che brontola e se ne va via veloce.

In quel momento dalla cima del colle, lì dove c’è il cimitero, lungo la via costeggiata dai cipressi, al poeta sembra di rivedere nonna Lucia, una figura alta, solenne e vestita di nero.

La signora Lucia, coi capelli bianchi e mossi, che parlava il vero toscano, tanto bello e diverso dall’uso che ne fanno i seguaci di Manzoni.

La vede scendere dal cimitero parlando con un tono musicale, con quell’accento un po’ triste tipico della Versilia; il tono della nonna, forte e soave insieme, ricorda al poeta i canti popolari del Trecento.

Il poeta ricorda la nonna Lucia, dicendo quanto era bella la favola che gli raccontava da bambino, di raccontarla di nuovo all’uomo adulto la favola della fanciulla che cerca il suo amore perduto.

La favola dice che la giovane ha consumato sette paia di scarpe di ferro per poterlo ritrovare e sette bastoni di ferro ha rovinato per potersi appoggiare nel suo incerto cammino.

Ha riempito sette fiaschi di lacrime, ha pianto lacrime amare per sette lunghi anni, tuttavia il suo amato continua a dormire e anche quando è mattina non vuoi svegliarsi.

Si rivolge di nuovo alla nonna Lucia dicendo che quella favola è proprio bella e vera, e forse la felicità che il poeta ha cercato per tanti anni, forse si trova proprio nei luoghi della sua infanzia.

La pace si trova sotto a quei cipressi dove ormai non spera di sedersi mai più, oppure è lì nel cimitero dove riposa la nonna, tra quei cipressi sulla collina.

Il treno corre via sbuffando vapore, mentre il poeta osserva malinconico un branco di puledri correre dietro alla locomotiva in transito.

Vede anche un asino grigio che, mentre rosicchia un cardo rosso e azzurro, non si sposta d’un passo e non bada al rumore. L’asino non solleva neppure gli occhi al passaggio del treno e continua a brucare lentamente, con un indifferenza granitica, l’erba del prato.

Davanti San Guido di Giosuè Carducci: analisi e commento

Dal punto di vista metrico Davanti San Guido è un componimento in 29 quartine di endecasillabi con schema ABAB, a rima alternata.

La lunga ode, come attesta la datazione, fu iniziata da Carducci nel dicembre 1874 ma conclusa solo molto tempo dopo, nel 1886.

Agosto 1874. Giosuè Carducci si trova a bordo di un treno in corsa verso Nord che durante il viaggio attraversa i paesaggi della Maremma Toscana, territorio natale del poeta. I panorami familiari appena intravisti dal finestrino rievocano in Carducci le memorie delle sua lontana infanzia.

Il poeta intreccia un dialogo con i cipressi - entità naturali inanimate che vengono paragonate a giovinetti giganti - che dall’oratorio sacro di San Guido vanno fino a Bolgheri.

I cari cipressi sembrano riconoscere l’autore - un tempo bambino tra quelle strade - e pregarlo di fermarsi, di sostare un poco presso di loro. Carducci si abbandona quindi al ricordo commovente, malinconico e a tratti ironico, della propria infanzia perduta.

Sin dal principio Carducci confessa ai cipressi di non essere più il bambino vivace di allora che tirava sassi alle piante e correva a perdifiato. Ora è un uomo colto e raffinato, un intellettuale affermato che conosce il greco e il latino, ma si percepisce un fondo d’amarezza nelle sue parole. Solo i cipressi, che svettano come giovinetti nel sole accecante, sembrano comprendere il suo tormento e capire che in fondo è un “pover uomo”.

La campagna sul far della sera assume una forma idilliaca, il sole sembra sorridere tra le foglie mentre i passerotti volteggiano lieti tra le fronde. Il paesaggio naturale sembra predisporre la mente del poeta al ricordo suscitando nel suo animo una nostalgia struggente.

Attraverso le immagini appena intraviste dal finestrino di un treno Carducci si perde in un viaggio mentale nel quale le immagini evocate si intrecciano tra giovinezza e maturità. Tra le persone amate ormai scomparse il poeta ricorda la cara nonna Lucia e il racconto che lei era solita raccontare: la fiaba di una fanciulla che cerca il suo perduto amore (una fiaba popolare toscana all’epoca molto in voga quella di Re Porco, Ndr). E con quel ricordo Carducci sembra evocare la fragilità dei sogni e l’impossibilità dell’uomo di trovare la felicità tanto agognata. Alla spensieratezza fanciullesca dell’infanzia si contrappone quindi la disillusione dell’età adulta.

Il poeta quindi comprende che il tempo della sua infanzia è ormai lontano, perduto, irrecuperabile, come la bellezza di nonna Lucia. Nel suo cuore ruggisce un grido struggente d’addio:

Addio cipressi! Addio, dolce mia pianura!

Il viaggio si conclude simbolicamente al cimitero, dove conduce la duplice fila dei cipressi. Nel cimitero dove è sepolta la nonna Carducci sembra intravedere una visione di pace, una tregua dagli affanni della vita adulta, un ristoro di saggezza.

Ma il treno in corsa - come la vita - procede inarrestabile il suo viaggio, come a ricordare che no, non è tempo di morire.

Davanti San Guido si conclude con un’immagine bucolica che sembra essere un’ode alla natura della Maremma Toscana: puledri selvaggi si inseguono correndo dietro al treno - come un ricordo ruggente della giovinezza ormai perduta - mentre un asino grigio, solitario bruca l’erba silenzioso ignorando il chiasso dei cavalli e della locomotiva in transito.

La contrapposizione tra l’asino e i puledri sembra esemplificare un’ultima metafora della distanza tra la giovinezza e la maturità. Carducci sembra riconoscersi ora nel movimento placido e lento dell’asino grigio, che pare un simbolo della maturità destinata a sfociare nella vecchiaia. I passi quieti dell’asino che si limita a rosicchiare il cardo ricordano gli uomini che ormai non si aspettano più nulla dalla vita, nessuna felicità.

Il finale è tipicamente carducciano, nella corsa del treno che avanza il poeta riflette l’incedere della vita che impone all’uomo di superare l’angoscia e la nostalgia per fare dono al mondo della propria presenza operosa.

Davanti San Guido di Giosuè Carducci: figure retoriche

• La figura retorica principale dell’ode carducciana Davanti San Guido è data dalla personificazione dei cipressi descritti sin dal principio come “giganti giovinetti”. È proprio il dialogo con i cipressi infatti il tema centrale su cui si snoda l’intera poesia, gli alberi accompagneranno l’autore lungo tutto il viaggio attraverso i ricordi.

• Dominante è anche la figura retorica della prosopoea: i cipressi, entità naturali inanimate, prendono parola e si rivolgono direttamente alla persona del poeta. Come si può osservare al verso 5: “Ben torni ormai”/ “Perché non scendi? Perché non stai?”

• Frequenti enjambement scandiscono il ritmo del testo, creando le pause opportune ed evocando i silenzi che intermezzano il ricordo.

• Nel verso Bei cipressetti, cipressetti miei troviamo una doppia figura retorica: l’apostrofe (bei cipressetti) e il chiasmo dato dalla reciproca inversione del costrutto.

• Nel trentunesimo verso Ghigno pio è un ossimoro: poiché viene accostato un termine di fatto dispregiativo il ghigno, sorriso beffardo e malefico, a un aggettivo dolce e bonario. Il “sorriso bonario” sembra quindi rappresentare lo stato d’animo del poeta, percorso da una nostalgia dolceamara.

• Ritorna spesso l’anafora: E so legger di greco e di latino/E scrivo e scrivo/ e ho molte altre virtù ripetezione della congiunzione e.

• Il testo è ricco di similitudini: Guizzan come/ Putride fiamme; v. 67, È la Tittì come una passeretta;, Canora discendea/ Come da un sirventese del trecento.

Nasceva l'8 febbraio 1828 Jules Verne, lo scrittore che inventò la fantascienza. Diventato famoso grazie ai suoi romanzi di avventure e viaggi in luoghi straordinari, nel fondo della Terra e sulla Luna, Verne fu un autore visionario. Scopriamo 15 curiosità sulla sua vita.

Nasceva l’8 febbraio 1828 a Nantes Jules Verne, lo scrittore che inventò la fantascienza.

Autore visionario, scrittore di trame avveniristiche e dal contenuto quasi profetico, Verne è oggi considerato uno dei padri fondatori del romanzo d’avventura e fantascientifico.

I viaggi straordinari di Jules Verne

Tra i suoi romanzi più famosi ricordiamo la saga millenaria dei Viaggi straordinari che comprende tra gli altri: Viaggio al centro della Terra (1864), Dalla Terra alla Luna (1865), L’isola misteriosa (1874), Ventimila leghe sotto i mari (1869), Il giro del mondo in ottanta giorni (1873) e Michele Strogoff (1876), opere in grado di trasportare il lettore in avventure straordinarie dal fondo della Terra agli abissi del mare sino alla candida superficie della Luna.

I suoi libri sono oggi considerati dei classici della letteratura mondiale.

Le sue storie avventurose univano lo spirito romantico dell’avventura a un’attenta ricostruzione scientifica e tecnologica, tanto aggiornata da apparire futuribile.

La preveggenza di Jules Verne portò lo scrittore Ray Bradbury a dire, molti anni dopo quando ormai la possibilità di andare sulla Luna era diventata per l’umanità una realtà concreta:

Senza Verne, molto probabilmente non avremmo mai concepito l’idea di andare sulla Luna.

Attraverso le sue storie Jules Verne infatti ci ha fatto varcare in sogno i confini della Scienza, dischiudendo così un nuovo mondo alla nostra fantasia.

Allo scrittore francese è stato dedicato un cratere sulla Luna, che oggi porta il suo nome, e un asteroide: il 5321 Verne.

Verne si spense il 24 marzo 1905 ad Amiens, all’età di settantasette anni, ormai cieco e provato dalla malattia. Nella sua lunga vita scrisse oltre sessanta romanzi e numerose novelle, note in tutto il mondo.

Ma chi era veramente Jules Verne, lo scrittore che ha inventato la fantascienza? Scopriamo 15 curiosità sulla sua vita.

1. È cresciuto circondato da navi

L’8 febbraio 1828, Pierre e Sophie Verne accolsero il loro primo figlio, Jules Gabriel. Il piccolo Verne nacque nella casa dei nonni materni a Nantes, una città della Francia occidentale. Il luogo di nascita di Verne ebbe un profondo impatto sulla sua scrittura. Nel XIX secolo, Nantes era una città portuale trafficata che serviva come un importante centro per i costruttori navali.

Il piccolo Jules crebbe dunque osservando le imbarcazioni navigare lungo la Loira e sognando di partire a bordo di una di esse.

2. Si innamorò perdutamente di sua cugina

Verne iniziò a scrivere poesie a soli 12 anni. Da adolescente, usava la poesia come uno sfogo per i suoi sentimenti romantici. Il giovane Verne si innamorò perdutamente di sua cugina, Caroline Tronson, che aveva un anno e mezzo più di lui. Scrisse e dedicò poesie a Tronson, le fece dei regali e partecipò ai numerosi balli in sua compagnia.

Sfortunatamente Caroline Tronson non ricambiava i sentimenti del cugino più giovane. Convolò a nozze pochi anni più tardi con un uomo molto più vecchio di lei.

3. Suo padre lo costrinse a diventare avvocato

Verne era appassionato di scrittura fin dalla più tenera età, tuttavia suo padre incoraggiò fortemente il giovane Jules a seguire le sue orme ed entrare nella professione legale. Poco dopo il matrimonio di Tronson, il padre di Verne sfruttò la depressione del figlio per convincerlo a trasferirsi a Parigi per studiare legge.

Jules Verne si laureò in legge nel 1851. La sua passione per la narrativa tuttavia non si era spenta e continuò a scontrarsi con suo padre a causa delle diverse visioni di carriera. Presto Verne decise di rinunciare alla professione di avvocato per dedicarsi esclusivamente alla scrittura.

4. Visse a Parigi in un periodo turbolento

Il soggiorno di Verne a Parigi coincise con un periodo di intensa instabilità politica. La Rivoluzione del 1848 scoppiò poco dopo che Verne si trasferisse in città per studiare Legge. Anche se non partecipò in prima persona, il giovane Verne fu vicino al conflitto e alle sue turbolente conseguenze, compreso il colpo di stato che pose fine alla Seconda Repubblica Francese. “Giovedì i combattimenti sono stati intensi; alla fine della mia strada, le case sono state abbattute da colpi di cannone”, scrisse in una lettera alla madre durante i combattimenti che seguirono il colpo di stato nel dicembre 1851.

5. Divenne un agente di cambio per pagare i debiti

Nel maggio 1856, Jules Verne fu il testimone al matrimonio del suo migliore amico ad Amiens. Durante i festeggiamenti del matrimonio, Verne alloggiò presso la famiglia della sposa e incontrò Honorine de Viane Morel, sorella della sposa. Si prese una cotta per Morel, una vedova di 26 anni con due figli, e nel gennaio 1857, con il permesso della famiglia di lei, i due si sposarono.

Verne aveva bisogno di un reddito rispettabile per mantenere Morel e le sue figlie. Il fratello di Morel offrì quindi a Verne un lavoro in una società di cambio, e lui accettò, lasciando il suo lavoro in teatro per diventare un agente alla Borsa di Parigi.

Nel tempo libero tuttavia non smise di dedicarsi alla scrittura.

6. I suoi romanzi d’avventura facevano parte di una serie

Nei primi anni 1860, Verne incontrò Pierre-Jules Hetzel, un affermato editore e direttore di rivista che aiutò il giovane autore a pubblicare il suo primo romanzo, Cinque settimane in pallone. Questo romanzo servì come volume apripista della saga dei Viaggi straordinari, una serie di decine di libri scritti da Verne e pubblicati da Hetzel. La maggior parte di questi romanzi, compresi titoli famosi come Ventimila leghe sotto i mari, apparvero a puntate nella rivista di Hetzel prima di essere pubblicati in forma di libro.

7. La scrittura dei Viaggi straordinari gli garantì una fonte costante di reddito

A partire dal 1863, Jules Verne accettò di scrivere due volumi all’anno per Hetzel, un contratto che gli fornì una fonte di reddito costante per decenni. Tra il 1863 e il 1905, Verne pubblicò 54 romanzi di viaggio, avventura, storia, scienza e tecnologia per la serie Viaggi straordinari.

In questo periodo lavorò a stretto contatto con Hetzel confrontandosi con lui su personaggi, struttura e trama fino alla morte dell’editore avvenuta nel 1886.

8. Per scrivere si ispirò alle sue avventure di marinaio

Durante gli anni 1860, la carriera di Verne stava decollando, il che gli garantiva un certo benessere economico. Così, nel 1867, comprò un piccolo yacht, che chiamò Saint Michel, in onore di suo figlio Michel. Quando non viveva ad Amiens, passava il tempo navigando per l’Europa fino alle Isole del Canale, lungo la costa inglese e attraverso il Golfo di Biscaglia

9. È uno degli autori più tradotti al mondo

Verne scriveva in francese, ma le sue opere hanno sempre avuto un fascino internazionale. Dagli anni 1850, i suoi scritti sono stati tradotti in circa 150 lingue, rendendolo il secondo autore più tradotto di sempre. Le sue opere sono state più tradotte di quelle di William Shakespeare.

In classifica Jules Verne è secondo solo alla regina del giallo, Agatha Christie.

10. Molte traduzioni delle sue opere sono errate

Sebbene Verne scrivesse principalmente per gli adulti, molti editori in lingua inglese consideravano i suoi scritti di fantascienza come giovanili e commercializzavano quindi i suoi libri nel mercato dell’infanzia. In molti i casi i traduttori hanno smorzato la prosa dello scrittore, semplificando le storie, tagliando i passaggi più studiati, riassumendo i dialoghi e, spesso, eliminando tutto ciò che poteva essere interpretato come una critica all’Impero Britannico.

11. Soffrì di vari disturbi di salute

A partire dai vent’anni, Verne iniziò a sperimentare improvvisi attacchi di dolore allo stomaco. Scrisse dei suoi strazianti crampi nelle lettere ai membri della famiglia, ma non riuscì mai ad ottenere una diagnosi adeguata dai medici.

Inoltre Verne soffrì di episodi di paralisi facciale nel corso della sua vita. Durante questi episodi dolorosi, un lato del suo viso diventava improvvisamente immobile. Dopo il primo attacco, i medici trattarono il suo nervo facciale con la stimolazione elettrica, ma non riuscirono a risolvere il problema. Recentemente i ricercatori hanno concluso che soffrisse della paralisi di Bell, una forma temporanea di paralisi facciale unilaterale causata da un danno al nervo facciale.

12. Il nipote gli sparò con una pistola

Nel marzo 1886, un incidente traumatico lasciò il 58enne Verne invalido per il resto della sua vita. Il nipote di Verne, Gaston, allora ventenne e affetto da una grave malattia mentale, divenne improvvisamente violento. Lo scrittore stava tornando a casa quando, di punto in bianco, Gaston gli sparò due volte con una pistola. Per fortuna, Verne sopravvisse, ma il secondo proiettile sparato da Gaston colpì la gamba sinistra dell’autore lasciandogli un danno permamente.

13. Divenne zoppo

Dopo l’incidente, Gaston fu mandato in un manicomio. Non gli fu diagnosticato un disturbo specifico, ma la maggior parte degli storici ritiene che soffrisse di paranoia o schizofrenia.

Verne non si riprese mai completamente dall’incidente. Il proiettile danneggiò gravemente la sua gamba sinistra, e il suo diabete complicò il processo di guarigione. Un’infezione secondaria lo lasciò con una forma di notevole zoppia che persistette fino alla sua morte avvenuta nel 1905.

14. Le sue opere hanno influenzato il genere Steampunk

Le opere di Jules Verne hanno influenzato la nascita dello Steampunk, il sottogenere della fantascienza che prende ispirazione dalla tecnologia industriale del XIX secolo. Alcuni dei personaggi di Verne, così come le macchine immaginarie di cui scriveva, sono apparsi in importanti opere steampunk. Per esempio il capitano Nemo di Ventimila leghe sotto i mari è apparso come personaggio nella serie a fumetti The League of Extraordinary Gentlemen.

15. Molte delle previsioni di Jules Verne si sono avverate

Alcune delle tecnologie immaginate da Verne nella finzione divennero poi realtà. Una delle macchine sognate da Verne, il Nautilus, il sottomarino elettrico di Ventimila leghe sotto i mari, prese vita anni dopo.

Il libro fu pubblicato nel 1869, e i primi sottomarini a batteria furono lanciati nel 1880.

Inoltre Verne scrisse di grattacieli, ascensori, automobili con motori a combustione interna, treni e luci elettriche. Era incredibilmente in anticipo sul proprio tempo. Scrisse persino di un gruppo di calcolatori meccanici ( che ricordano i moderni computer) che potevano comunicare tra loro attraverso una rete (non vi ricorda Internet?).

Impressionante per un uomo nato nel 1828.

Virginia Woolf, nasceva il 25 gennaio 1882 a Londra, una delle personalità più profonde e complesse del secolo scorso. 

La vita di Virginia Woolf è stata a dir poco affascinante e a raccontarla sembra quasi di parlare di un personaggio letterario più che di una scrittrice in carne e ossa. Nata Virginia Stephen in una famiglia molto numerosa, padre autore e madre modella, sarà sempre circondata da un vivace clima intellettuale. Con Vanessa, la sorella, instaurerà un legame speciale che durerà tutta la vita. Durante la sua infanzia subisce un tentativo di stupro da parte di un fratellastro e nel 1895 resta orfana di madre. Inizia sin da giovanissima a soffrire di nevrosi e più avanti negli anni svilupperà anche una terribile depressione, ma la sua vocazione letteraria è forte in lei sin dai suoi anni più teneri.

Intorno ai vent’anni collabora con diverse realtà come il Times Litterary Supplement e insegna storia nel Collegio di Morley. Vive inoltre con Vanessa e il fratello Thoby a Bloomsbury, un celebre quartiere di Londra in cui un gruppo di intellettuali si riuniscono per discutere di politica, arte, storia: sarà questo circolo speciale a dominare la vita culturale inglese per circa un trentennio.

Virginia Woolf si interessa spesso alla condizione delle donne e milita nel movimento femminista inglese, battendosi per il suffragio femminile. Gli anni della gioventù furono anni fervidi dal punto di vista della produzione letteraria. Nel 1915 scrive il suo primo romanzo, La crociera.

Nel 1920 pubblicherà Notte e giorno, nel 1925 il celebre La signora Dalloway, romanzo in cui la storia si svolge in una sola giornata.

Nel 1912 sposa Leonard Woolf, teorico politico con cui nel 1917 fonderà la Hogarth Press, una casa editrice di cui si stimano le pubblicazioni ancora oggi.

L’attività letteraria e critica di Virginia Woolf è prolifica e unica nel suo genere, tanto che oggi consideriamo questa autrice una delle principali figure della letteratura del XX secolo grazie anche al suo stile: abbandonò la tecnica di narrazione tradizionale per svilupparne una più moderna. Il monologo interiore e il flusso di coscienza sono al cuore delle sue opere.

Ma la produzione letteraria di Virginia Woolf non consiste solo di romanzi: nel 1929 esce Una stanza tutta per sé, un saggio basato sui suoi discorsi alle conferenze tenute a Newnham e Girton, college femminili dell’Università di Cambridge. In questo testo troviamo un trattato innovativo, brillante, ricco di arguzia ed analisi sociali tutto incentrato sulla figura della donna, e nello specifico, sulla donna scrittrice.

Oltre a Leonard, Virginia Woolf vive forse il suo più grande amore con Vita Sackville-West, poetessa e scrittrice inglese che sarà la protagonista indiscussa del suo romanzo intitolato Orlando.

Tra le altre opere più celebri dell’autrice, che ci ha lasciato anche diari, lettere, saggi e racconti brevi, ci sono anche Le onde e Gita al faro.

Virginia Woolf muore suicida il 28 marzo 1941, ha 59 anni. Si annega nel fiume Ouse, non lontano dalla sua abitazione, lasciando una delle lettere più strazianti, tenere e indimenticabili di sempre al marito e a tutti noi.

 film a lei dedicati

opere di Virginia Woolf

• La crociera (1915)

• La signora Dalloway (1925)

• Gita al faro (1927)

• Una stanza tutta per sé (1929)

• Le onde (1931)

• Flush. Biografia di un cane (1933)

• Roger Fry (1940)

• Tra un atto e l’altro (1940)

• Mio carissimo rospo

• Consigli a un aspirante scrittore

• Diari di viaggio in Italia e in EuropaIl 25 gennaio 1882 nasceva a Londra Virginia Woolf, la scrittrice inglese che ha rivoluzionato il panorama letterario del Novecento.

Il suo nome di battesimo era Adeline Virginia Stephen, ma di quella Adeline Stephen le generazioni future non avrebbero conservato alcuna memoria, esiste solo Virginia Woolf (cognome che la scrittrice adottò in seguito al matrimonio con lo scrittore ed editore Leonard Woolf, Ndr) divenuta un’icona.

La personalità complessa e sfaccettata di Virginia Woolf, la sua intelligenza fine così meravigliosamente riflessa nelle pagine dei suoi romanzi e saggi, affascinano i lettori di ogni tempo.

Woolf è considerata la madre della letteratura moderna grazie all’invenzione dell’innovativo stream of consciousness, il cosiddetto flusso di coscienza, che trova massima espressione nei suoi capolavori La signora Dalloway (1925) e Gita al faro (1927) in cui i pensieri dei personaggi travalicano le tradizionali barriere di spazio e tempo.

Inoltre, Woolf è oggi considerata un’icona del femminismo contemporaneo grazie all’audacia dei pensieri espressi nel saggio Una stanza tutta per sé (1929), in cui rivendicava il diritto delle donne di essere ammesse a una cultura che fino a quel momento si era rivelata di esclusivo appannaggio maschile. Woolf fu una delle prime scrittrici inglesi a battersi per il suffragio femminile, precorrendo i tempi.

Una delle ultime ragioni che hanno forgiato la leggenda di Virginia Woolf è, infine, la sua tragica morte. Il 28 marzo del 1941, Virgina Woolf si riempì le tasche di sassi e si lasciò annegare nel fiume Ouse, nel Sussex, non lontano dalla sua abitazione, Monk’s House. Lasciò al marito Leonard una toccante lettera d’addio che oggi è ritenuta il suo testamento.

Scopriamo 15 curiosità inedite sulla vita della grande scrittrice britannica. Alcune sono aneddoti divertenti, altre paure e manie che hanno caratterizzato l’esistenza di Virginia Woolf alimentando la sua personalità sopra le righe.

• 15 curiosità su Virginia Woolf

• 1. Virginia Woolf una volta scrisse che la sua morte sarebbe stata: “L’unica esperienza che non potrò mai descrivere”.

• 2. Lavorò come insegnante part-time in una scuola serale per integrare il suo reddito. Quando insegnava al Morley College, che offriva corsi serali per la classe operaia che cercava di migliorare la propria alfabetizzazione, Woolf chiedeva ai propri studenti di scrivere dei lunghi saggi su loro stessi.

• 3. In una delle sue ultime estati ebbe un tracollo psichico. In quel periodo affermava che gli uccelli cinguettassero in greco e che il re Edoardo VII dicesse maledizioni nascondendosi in un cespuglio del suo giardino.

• 4. Virginia Woolf era una cliente difficile, spesso litigava con i negozianti criticando i prodotti che costoro avevano in vendita. In queste circostanze non perdeva occasione di elencare quali prodotti lei riteneva dovessero invece avere in vendita.

• 5. Dopo il matrimonio, Woolf pensò che avrebbe dovuto imparare alcune abilità domestiche, così si iscrisse a una scuola di cucina. L’esperienza non andò affatto a buon fine. Anziché preparare deliziosi manicaretti, la scrittrice finì per cuocere accidentalmente la fede all’interno di un pasticcio di carne.

• 6. Prima ancora che la piccola Virginia compisse sette anni, la madre Julia le insegnò latino, francese e storia.

• 7. Tentò di suicidarsi per la prima volta all’età di ventidue anni, saltando da una finestra. La finestra da cui saltò, tuttavia, non era abbastanza alta e lei rimase illesa.

• 8. Quando Virginia Woolf chiese a T.S. Eliot durante una cena di gala di definire la sua fede in Dio, il poeta si avvalse della facoltà di non rispondere.

• 9. Quando Virginia Woolf, per conto della sua casa editrice la Hogarth Press, ricevette il manoscritto di James Joyce contenente i primi capitoli dell’Ulisse, ne rifiutò la pubblicazione. La scrittrice si riferiva ai lettori di Joyce definendoli “quelle persone”, appartenenti a “un mondo sotterraneo” e interessati più alla fama che al talento.

• 10. La prima pubblicazione ufficiale di Virginia Woolf fu un saggio sulle sorelle Brontë, intitolato Haworth, novembre 1904. Il pezzo apparve sul The Guardian il 21 dicembre 1904. Virginia, che venerava le sorelle Brontë come idoli letterari, scrisse il pezzo dopo un pellegrinaggio presso la loro casa di famiglia.

• 11. Virginia e suo marito Leonard avevano una relazione aperta, che includeva il permesso di frequentare altre persone. Nel 1922 Virginia incontrò la scrittrice e poetessa Vita Sackville-West con la quale ebbe un’intensa relazione documentata da diverse lettere passionali.

• 12. A Vita Sackwille West Virginia Woolf dedicò il suo romanzo Orlando (1928), trasfigurazione letteraria del loro amore.

• 13. Woolf scrisse a lungo stando in piedi davanti a un tavolo alto nove metri. Sosteneva che la scrittura non fosse un’attività molto diversa dalla pittura e che questo espediente le consentisse di avere una visuale migliore e generale dell’opera.

• 14. Una delle cose che odiava di più al mondo era essere osservata e, soprattutto, fotografata.

• 15. Per un certo periodo Virginia Woolf considerò l’idea di sposare l’amico e collega del circolo Bloomsbury, Lytton Strachey. Quest’ultimo era omosessuale e lei lo considerava come un fratello. Credeva che la loro unione sarebbe stata perfetta e avrebbe evitato le complicazioni comuni alla maggior parte dei matrimoni.

• Eravate a conoscenza delle curiosità e le manie di Virginia Woolf? Quale vi ha sorpreso di più? Vi aspettiamo nei commenti.

Nasceva oggi centouno anni fa, il 19 gennaio 1921, la scrittrice americana Patricia Highsmith. Regina del noir, abile animatrice della suspense, Highsmith sembra incarnare le contraddizioni dei propri ambigui personaggi. 

Patricia Highsmith nasceva in Texas centouno anni fa, il 19 gennaio 1921.

Raramente la vita di un autore è degna dei suoi romanzi, ma nel caso di Highsmith la biografia supera l’opera romanzesca o, meglio, la completa, perché quella di Mary Patricia Plangman, in arte Patricia Highsmith, fu a tutti gli effetti l’esistenza di una scrittrice. Solitaria, schiva, meditativa, Highsmith condivideva tutto con i suoi personaggi: pensieri, vicissitudini e persino le nevrosi.I SU AMAZON

Nei suoi diari, pubblicati postumi nel 2021 in occasione del centenario della sua morte, con il titolo Patricia Highsmith: Her Diaries and Notebooks, 1941-1995 la scrittrice tiene traccia della propria quotidianità tormentata. I diari sono il frutto di oltre ottomila pagine di appunti e note sparse, raccolte in oltre cinquantasei quaderni, dal 1941 fino all’anno della sua morte.

Nelle sue tracce di scrittura, Highsmith parla molto delle proprie relazioni scandalose con altre donne, dei suoi viaggi per l’Europa, del suo amore per la città e la vita notturna. Una moderna Ernest Hemingway, Patricia dichiara senza indugio che è bene bere la mattina prima di mettersi a scrivere perché: “Serve per smorzare le troppe energie”.

Già da questi pochi frammenti emerge un personaggio singolare, che visse sempre secondo le sue regole. Ma scopriamo più approfonditamente vita e opere di Patricia Highsmith.

Patricia Highsmith: la vita

Mary Patricia Plangman nacque il 19 gennaio 1921, a Forth Worth, in Texas. Era l’unica figlia dell’artista di origine tedesca Jay Bernard Plangman (1889-1975) e Mary Coates. La coppia divorziò dieci giorni prima della sua nascita.

Nel 1927, Patricia, sua madre e il suo patrigno adottivo, l’artista Stanley Highsmith, che sua madre aveva sposato nel 1924, si trasferirono a New York. A soli dodici anni, la piccola Patricia fu mandata dalla madre a Fort Worth, sua città natale, dove visse con la nonna materna per un anno.

In seguito la scrittrice definì quel periodo come “l’anno più triste della mia vita” e raccontò di essersi sentita abbandonata dalla madre. Tuttavia fu proprio la nonna a insegnarle a leggere e a iniziarla al piacere della lettura grazie ai testi della sua ampia biblioteca. Highsmith mostrò una spiccata predisposizione per la scrittura già in tenera età, iniziando a scrivere racconti in cui sprigionava la sua straordinaria carica immaginativa.

In seguito tornò a New York con la madre e il patrigno: la famiglia visse principalmente a Manhattan, ma anche ad Astoria, nel Queens.

Nel 1942, Patricia Highsmith si laureò in Letteratura al Barnard College. Dopo la laurea fece domanda per un lavoro come redattrice presso Harper’s Bazaar, Vogue, Mademoiselle, Time, Fortune e The New Yorker, ma non venne mai accettata. Si adattò dunque ai lavori più disparati, facendo anche la commessa da Bloomingdale’s in un reparto giocattoli durante le festività natalizie.

I libri di Patricia Highsmith

Nel 1948 grazie a una raccomandazione dell’amico Truman Capote, Highsmith fu accettata nell’esclusivo ritiro per scrittori di Yaddo durante l’estate. Così poté dedicarsi completamente alla scrittura del suo primo romanzo, Strangers on a Train (Sconosciuti in treno nell’edizione italiana, Ndr), che le assicurò un discreto successo inaugurando la sua carriera di autrice noir. Il libro fu pubblicato nel 1950 e pochi anni dopo l’acclamato regista Alfred Hitchcock ne trasse un film.

In seguito Highsmith scrisse il suo secondo romanzo The Price of Salt (oggi meglio noto con il titolo di Carol, da cui è stato tratto il celebre film di Todd Haynes del 2015, Ndr) sotto lo pseudonimo di Claire Morgan. La Highsmith firmò il libro con il proprio vero nome solo quarant’anni dopo la pubblicazione, oggi è ritenuto il suo capolavoro.

Seguirono Acque profonde (1957), Gioco per la vita (1958) e una serie di thriller psicologici di successo tra i quali ricordiamo L’alibi di cristallo (1965), Senza pietà (1965), La spiaggia del dubbio (1969). la raccolta di racconti Schegge di vetro (1979).

Nel 1955 iniziò a scrivere il ciclo di romanzi dedicati al personaggio di Tom Ripley, affascinante truffatore e assassino, da cui sono state tratte le pellicole omonime Il talento di Mr Ripley (1999) e Il gioco di Ripley (2002).

La depressione e gli ultimi anni di Patricia Highsmith

Nonostante il successo crescente dei suoi romanzi (ne scrisse oltre una ventina, Ndr) la vita di Patricia Highsmith era continuamente attraversata da cicli di depressione. Soffrì di anoressia nervosa, di anemia e il suo alcolismo cronico si aggravò con il passare degli anni.

In un appunto del suo diario, datato gennaio 1970, scriveva:

Ora sono cinica, abbastanza ricca... sola, depressa e totalmente pessimista.

Patricia Highsmith iniziò a condurre una vita sempre più ritirata e solitaria. Soffriva di un male di vivere inspiegabile. A un certo punto decise di ritirarsi a vivere in Svizzera, nel paese ticinese di Aurigeno, una località sperduta, fuori dal mondo.

In Svizzera, Highsmith trascorse il resto della sua vita, in solitaria, circondata dai suoi amati gatti.

In un’intervista rilasciata nel 1991 dichiarò di preferire la compagnia degli animali a quella delle persone, e aggiunse:

Scelgo di vivere da sola perché la mia immaginazione funziona meglio quando non devo parlare con le persone.

Con la sua patria adottiva, la Svizzera, sviluppò un rapporto di profondo amore, tanto che sono svariate le commemorazioni in suo onore tenute in terra elvetica, l’ultima una rassegna cinematografica al Film Festival di Locarno a lei dedicata. Sempre nella città di Locarno l’anno scorso si sono tenute le riprese di un documentario dedicato alla memoria della scrittrice.

Negli ultimi anni sollecitata dal quotidiano francese Le Monde scrisse una breve storia ambientata in Ticino, dal titolo A long way form hell, una storia che parla del Ticino rurale, inspiegabilmente a lieto fine.

Quell’ultimo racconto segna uno stacco dalla produzione letteraria precedente, più cupa e pessimista. Forse finalmente Patricia Highsmith si era riconciliata con la vita, aveva messo a tacere i propri demoni.

Si ritirò in una casa in campagna a Tegna, nelle Terre di Pedemonte, una residenza da lei stessa progettata nei minimi dettagli. Qui trascorrerà gli ultimi anni della sua vita, sino alla morte avvenuta il 4 febbraio 1995, in compagnia di “due gatti siamesi malaticci”.

Morta il 4 febbraio 1995, oggi Patricia Highsmith riposa nel cimitero di Tegna, circondata dai suoni idilliaci della natura.

In un appunto del suo diario aveva consegnato ai posteri un commovente autoritratto, che ora sembra svincolarla da quel personaggio burbero e ostile che il mondo letterario le ha cucito addosso:

“Chi sono io? Solo un riflesso negli occhi di chi mi ama”.

I suoi romanzi in Italia sono stati pubblicati da Bompiani, e in seguito riediti dalla casa editrice milanese La nave di Teseo che sta pubblicando l’opera omnia della Highsmith in occasione del centenario della nascita della scrittrice. L’ultima pubblicazione è Donne (La Nave di Teseo, 2021), un’antologia di racconti inediti in cui si respirano le atmosfere impalpabili, in bilico tra suspense e non detto, create magistralmente dall’autrice.