Nella sontuosa mostra Donna in scena. Boldini, Selvatico, Martini, promossa dal Comune di Treviso, diretta da Fabrizio Malachin e allestita dal 13 aprile al 28 luglio al Museo Santa Caterina, si danno convegno celebrità, da Eleonora Duse a Wally Toscanini, da Lyda Borelli a Toti Dal Monte, accanto a eleganti esponenti della borghesia e della nobiltà trevigiana, veneta e nazionale, immortalati dai colori dei più affermati pittori a cavallo tra i due secoli, artisti spesso specializzati nel grande ritratto femminile, e per questo celebri, ammirati, e contesi. Da Giovanni Boldini, a Giacomo Grosso, da Cesare Tallone, a Vittorio Corcos, fino al britannico John Lavery, oltre agli Italiens de Paris Giuseppe de Nittis e Federico Zandomeneghi. Importante la selezione dei grandi veneti del momento quali Ettore Tito, Pietro Pajetta, Eleuterio Pagliano, e soprattutto Giulio Ettore Erler e Lino Selvatico, il “Boldini Veneto” campione del ritratto alla moda di primo Novecento, tra Venezia, Milano e l’Europa. Corona una selezione di prim’ordine l’eccezionale presenza dei più importanti capolavori di Alberto Martini, precursore del surrealismo e ritrattista dall’atmosfera magica.
Al Museo Santa Caterina sta per alzarsi il sipario su un percorso tra grandi dipinti, spesso capolavori assoluti, concessi alla mostra da Istituzioni, Musei e Collezioni pubbliche e private, insieme a disegni, sculture e affiches – dal trevigiano Museo Nazionale della Collezione Salce –, oltre a una scelta di abiti, ventagli, cappellini d’epoca che porterà in scena gli anni della Belle Époque. Una rappresentazione certo parziale, in quanto restituisce l’immagine di una parte della società minoritaria e privilegiata, quella protagonista del bel mondo, della mondanità, dei salotti alla moda e della joie de vivre, che gareggiava per posare di fronte ai pittori più in voga, ma non una semplice passerella di belle donne e di straordinaria pittura. Donna in scena è una mostra che ci porta a riscoprire, rivivere, e sognare, il fascino di un’epoca, proiettata verso la modernità, ma anche decadente e sensualmente romantica.
“Dopo le fortunate retrospettive su Canova e Arturo Martini e Juti Ravenna, con questa mostra intendiamo approfondire l’indagine sui nostri migliori artisti attivi tra ’800 e ’900”, le parole del Sindaco Mario Conte. “Quello è stato infatti un periodo particolarmente vivace per Treviso sia dal punto di vista economico, con il nascere di imprese e attività economiche di successo, e con esse di una borghesia facoltosa, ma anche artisticamente propulsive. Basti pensare a quel gruppo di giovani che si ritrovava attorno a Gino Rossi e ad Arturo Martini. Per questi ultimi, così come per tutti i veri protagonisti, l’ambiente veneziano rimane il primo punto di riferimento, ma con la tendenza a confrontarsi con gli ambienti più alla moda, Milano, Monaco e Parigi in particolare. Treviso riafferma, ancora una volta, il suo ruolo nell’arte con una grande mostra, promuovendo le proprie bellezze e peculiarità facendo conoscere i suoi migliori interpreti in una continua indagine volta ad arricchire il panorama culturale”.
Aspetto, quest’ultimo che sottolinea anche il direttore dei Musei Civici di Treviso, Fabrizio Malachin. “La mostra prende le mosse dall’attività di due protagonisti della scena trevigiana e veneta di quell’epoca che l’Istituto desidera far riscoprire al grande pubblico nel 100° e nel 60° della morte: Lino Selvatico (Padova, 20 luglio 1872–Treviso, 25 luglio 1924) e Giulio Ettore Erler (Oderzo, 20 gennaio 1876–Treviso, 9 gennaio 1964). Artisti celebri, in particolare per i grandi ritratti femminili, fino ai nudi sensuali ma mai volgari, che hanno raccontato il nascere di quel ‘piccolo’ mondo borghese veneto. Le loro opere sono una finestra su un’epoca romantica, affascinante, mondana ma anche decadente. Entrambi sono legati a Treviso per le vicende biografiche personali e artistiche”.
Il progetto nasce anche da un fatto straordinario per i Musei Civici di Treviso, ovvero la recente acquisizione del vasto nucleo di opere (dipinti, bozzetti, disegni, incisioni, schizzi e lavori giovanili e preparatori) dell’artista Lino Selvatico di proprietà della famiglia, in forma di comodato gratuito e, in parte, di donazione. Si tratta di oltre 50 dipinti e circa 300 opere grafiche, a cui vanno ad aggiungersi stampe e fotografie usate dall’artista per studio e soprattutto l’archivio privato del pittore, costituito da 25 faldoni di documenti, diari e lettere manoscritti, per lo più inediti, fotografie di famiglia, l’archivio personale e la biblioteca personale di 1200 volumi. Questo nucleo non è attualmente esposto, in questa occasione una scelta delle migliori opere viene quindi presentata per la prima volta”.

DONNA IN SCENA
Boldini, Selvatico, Martini
Mostra a cura di Fabrizio Malachin
13 Aprile 2024 - 28 Luglio 2024
Treviso, Museo Santa Caterina

APRI IL VOLANTINO

Arte e ambiente, un binomio sempre più importante per la salvaguardia del pianeta. Contro la catastrofe climatica, la bellezza della natura e la sua poesia aprono a nuovi, inediti scenari e diventano fonte d’ispirazione per grandi artisti, fotografi, filmakers. 

Su questa falsariga BIOFILIA – Biennale Arte e Ambiente, è destinata a rendere il capoluogo ligure protagonista nel contesto della più importante sfida dei nostri tempi, quella che vede il genere umano impegnato nel salvataggio della terra.

Genova, la città di Colombo, della Lanterna, del Barocco, della grande poesia e del pesto, sarà dunque in prima linea con un grande evento dedicato all’arte e all’ambiente e con azioni che non si fermeranno al contesto cittadino ma che guarderanno a obiettivi ben più ambiziosi.

 Dal 9 luglio al 30 ottobre 2022, Palazzo Cucchiari a Carrara ospita “Il Mare: Mito Storia Natura. Arte italiana 1860 - 1940”, grande rassegna sul mare con opere di Fattori, Signorini, Nomellini, De Chirico, De Pisis, Morandi e molti altri. https://www.finestresullarte.info/mostre/carrara-mostra-il-mare-mito-storia-natura

Inaugurata il 13/06/2022 a Milano, in Largo Richini, la scultura dedicata a Margherita Hack, l’astrofisica di fama internazionale di cui ricorre quest’anno il centenario della nascita. Il progetto è stato promosso da Fondazione Deloitte, in collaborazione con Casa degli Artisti e con il supporto del Comune di Milano - Ufficio Arte negli Spazi Pubblici. Alla cerimonia hanno partecipato Tommaso Sacchi (Assessore alla Cultura di Milano), Guido Borsani (Presidente di Fondazione Deloitte), Fabio Pompei (CEO Deloitte Italia), Elio Franzini (Rettore Università Statale Milano), Valentina Kastlunger (Presidente Casa degli Artisti), Sissi (artista autrice dell’opera e accademica bolognese) e Simona Cerrato (ricercatrice e divulgatrice scientifica).

Realizzata in bronzo e alta 270 centimentri, la statua è stata donata al Comune di Milano da Fondazione Deloitte, che si farà carico della manutenzione ordinaria e straordinaria per gli anni a venire.

“La scultura rappresenta un tributo ai meriti scientifici di Margherita Hack”, ha dichiarato Guido Borsani, Presidente di Fondazione Deloitte, “ma soprattutto vuole offrire un modello positivo per le future generazioni. Si tratta di un progetto in cui Fondazione Deloitte crede fermamente e che si inserisce in un percorso iniziato due anni fa con l’istituzione dell’Osservatorio sulle materie STEM, nato con l’obiettivo di stimolare ragazze e ragazzi a intraprendere percorsi di studio in ambito tecnico-scientifico. Oggi, con la posa di quest’opera, speriamo di offrire ai giovani – e soprattutto alle ragazze – un modello a cui ispirarsi. Un modello che li spinga a essere curiosi, a studiare, a capire il mondo attraverso la scienza”.

L’opera intitolata Sguardo Fisico è stata realizzata dall’artista bolognese Sissi. La scultura in bronzo rappresenta Margherita Hack come una metamorfosi: una persona nata dagli elementi di una galassia e impegnata a studiare le stelle che la formano. Il corpo è di colore grigio intenso: emerge dal magma della vita che pulsa dentro la crosta terrestre. Le mani di colore oro, come gli astri incastonati nella galassia sono alzate verso il cielo per guardarvi attraverso senza strumenti. Il titolo gioca con la sua identità di astrofisica: lo Sguardo è il senso capace di percepire gli stimoli luminosi; Fisico non solo richiama la radice della sua professione, ma anche la concretezza e solidità del suo atteggiamento intellettuale e filosofico.

L’opera è stata la vincitrice del concorso di idee lanciato a luglio 2021, a cui hanno aderito otto artiste italiane e internazionali. È stata realizzata tra febbraio e maggio 2022 con e presso la Bottega d’arte Ceramica Gatti di Faenza e la Fonderia artistica De Carli di Torino, con il supporto di Casa degli Artisti.

“Come Casa degli Artisti siamo orgogliosi di aver fatto parte di questo progetto”, ha commentato Valentina Kastlunger, Presidente di Casa degli Artisti. “Un progetto corale che ha messo insieme il lavoro di tante persone e tanti mondi diversi: scienza, arte, impresa, istituzioni pubbliche e organizzazioni non profit. Siamo da parte nostra convinti che l’arte possa avere un ruolo importante nel ridefinire lo spazio pubblico, materiale e immateriale. Scegliere come modello una scienziata, una donna e un’interprete del contemporaneo come Margherita Hack è significativo. Scegliere di farlo attraverso il linguaggio dell’arte, donando a Milano l’opera di un’artista che è riuscita a reinterpretare il concetto di monumento senza stravolgerlo ma senza rimanerne imprigionata, a rispettare il difficile criterio della riconoscibilità inserendovi elementi simbolici e concettuali immediatamente comprensibili anche ai passanti casuali, è lungimirante”.

L’iniziativa nasce dall’impegno di Fondazione Deloitte per promuovere le materie STEM soprattutto tra le nuove generazioni e dalla volontà di tutte le parti coinvolte di ampliare il patrimonio artistico nazionale e urbano, dando visibilità e riconoscimento alle donne che hanno contribuito alla storia e alla cultura della nostra società. La scelta di Largo Richini, davanti all’Università Statale di Milano, in una posizione centrale e di grande visibilità, intende fare leva sulla forte valenza simbolica del luogo per gli studenti e le studentesse, che rappresentano i principali destinatari e destinatarie dell’opera.

Immagine: Sissi, Sguardo Fisico, 2022. Su gentile concessione di Fondazione Deloitte.

 Scultore e pittore, nato a Possagno nel 1757 e morto a Venezia nel 1822, Canova è il maestro italiano del Neoclassicismo: un genio indiscusso il suo, capace di capolavori che trovano posto nei più importanti musei del mondo, dal Louvre all'Hermitage.

  Tra le istituzioni in prima linea ci sarà il Comune di Possagno, in stretta collaborazione con il Museo Canova che si è già aggiudicato le risorse (784.000 euro provenienti dal bando promosso dal Ministero della Cultura) per realizzare il progetto "Restauro e digitalizzazione del complesso architettonico canoviano". Il progetto interesserà l'Ala Ottocentesca del museo (composto dalla Gypsotheca, dalla Casa natale, dalla Biblioteca e dall'Archivio) fatta edificare dal fratellastro dello scultore, l'abate Giovanni Battista Sartori, al fine di ospitare le opere canoviane appositamente trasportate da Roma, ultima sede di lavoro dell'artista. Sul fronte delle mostre, il calendario è denso, con alcuni progetti già inaugurati negli ultimi mesi del 2021.

Ai Musei Civici di Bassano del Grappa (Vi) per esempio come primo "atto" celebrativo è stata realizzata la completa digitalizzazione dell'intero Archivio Canoviano conservato nella Biblioteca, oltre all'allestimento della mostra "Ebe Canova" ospitata fino 30 maggio 2022. La mostra presenta al pubblico la grazia "ritrovata" della celebre statua in gesso di Canova del 1817: grazie alle nuove tecnologie, i frammenti dell'opera (che era andata in pezzi dopo il bombardamento alleato su Bassano nel 1945), conservati nei depositi dei Musei Civici per più di 70 anni, sono stati rimessi insieme a ricomporre la forma originaria. Accanto al capolavoro, assieme a dipinti, disegni e meravigliosi libri illustrati, un approfondimento sulla figura mitologica di Ebe, simbolo dell'eterna giovinezza. 

https://www.finestresullarte.info/artisti/antonio-canova

https://www.arte.it/canova/verso-il-2022-nel-segno-di-canova-17781

Donatello contemporaneo sempre. 

Si potrebbe discutere per ore su quel che Francesco Caglioti scrive nell’introduzione del catalogo della sua mostra Donatello. Il Rinascimento, quando ribadisce che le ricerche storico-artistiche tendano vieppiù al superamento dell’approccio legato alle vicende dei singoli maestri. La formula della mostra monografica sul singolo artista non è ancora in affanno, ma si può ragionevolmente prevedere che occasioni come la mostra che Caglioti ha ordinato tra le sale di Palazzo Strozzi e del Museo del Bargello andranno diradandosi in un futuro non lontano, per diversi motivi, anche se può sembrare paradossale in mezzo al diluvio di mostre che ogni anno s’abbatte sul nostro paese e non solo: questioni legate alle mode e agli orientamenti degli studî (si prospettano, per esempio, tempi in cui i musei e gl’istituti della cultura concentreranno molto le loro attenzioni sulle raccolte permanenti), alla sostenibilità, alle stesse tempistiche della cosiddetta industria culturale. Ecco allora che, con comprensibile enfasi, il direttore di Palazzo Strozzi, Arturo Galansino, evidenzia che la mostra su Donatello figura tra quelle che si posson considerare “irripetibili”. A dar retta alla macchina della comunicazione, in Italia ci son decine di mostre irripetibili ogni anno, ma per la rassegna curata da Caglioti l’aggettivo è ben speso: chi avrà l’opportunità di varcare il portone di Palazzo Strozzi prima e quello del Bargello poi si troverà dinnanzi a un percorso che, quand’anche dovesse conoscere repliche, sarà verosimilmente tra svariati decennî.

La mostra di Caglioti è riuscita a radunare un numero impressionante di opere, superando di gran lunga le due mostre del centenario donatelliano, le due esposizioni ch’erano state organizzate tra il 1985 e il 1986: un Omaggio a Donatello al Museo del Bargello e Donatello e i suoi, quest’ultima con due tappe, la prima al Forte del Belvedere di Firenze e la seconda al Detroit Institute of Arts (anche la mostra di Palazzo Strozzi e Bargello andrà in trasferta, prima a Berlino e poi a Londra, con un itinerario di visita che sarà però differente rispetto a quello fiorentino). Per comprendere la rarità della mostra sarà dunque opportuno un rapido confronto con le mostre degli anni Ottanta. Se l’Omaggio a Donatello, mostra “conservativa” come la definì Giuliano Briganti perché non spostò opere, aveva offerto la possibilità d’una ricognizione sul nucleo del Bargello e si proponeva come un evento dalle dimensioni piuttosto contenute, più ambiziosa era invece la mostra del Belvedere, che non poté tuttavia contare su prestiti dal Bargello, e si concentrò soprattutto sul Donatello giovane (fu quella, peraltro, la prima mostra in cui si poterono osservare a confronto i crocifissi di Donatello e Brunelleschi). Al Belvedere figuravano diverse delle opere oggi in mostra a Palazzo Strozzi: la Madonna Bardini, per esempio, all’epoca assegnata a Donatello in via dubitativa e oggi restituita al novero degli autografi del maestro. E poi ancora il busto-reliquiario di San Rossore, il San Giovanni Battista della Cattedrale di Siena che si mostrava, anche lui per la prima volta, in condizioni di visibilità più favorevoli rispetto a quelle abituali, la Madonna di Pietrapiana. La mostra di Palazzo Strozzi e del Bargello va oltre: è un viaggio onnicomprensivo lungo tutta la carriera di Donatello, dall’inizio alla fine, con opere che si sono mosse per la prima volta dalla loro sede (è il caso, per esempio, del prestito “manualistico” del Banchetto di Erode, smontato per la prima volta dal fonte battesimale del Battistero di Siena), con focus tematici di ampio respiro (la sola sezione sul Donatello padovano potrebbe fare storia a sé), con una quantità di opere che difficilmente si riscontra anche nelle monografiche meglio riuscite.

Si potrebbe riassumere tutto in poche parole: a Palazzo Strozzi e al Bargello c’è quasi tutto quello che si poteva spostare. E quel poco che manca per arricchire un percorso completo su Donatello (la Maddalena del Museo del Duomo, per esempio, o la Giuditta di Palazzo Vecchio) è a portata di mano. Obiettivo dichiarato della mostra, è quello di far emergere con forza la personalità di Donatello come artista di rottura, come artista talmente moderno da poter essere considerato una sorta di contemporaneo di Michelangelo malgrado il grande Buonarroti fosse nato vent’anni dopo la scomparsa del padre del Rinascimento in scultura, come “patriarca e simbolo di un’intera epoca dell’arte occidentale”, scrive con trasporto Caglioti nell’appassionato pannello introduttivo che il pubblico trova nella prima sala della mostra. Occorreva dunque una mostra, potrebbe obiettare qualcuno, per ribadire quel che già si sa? La risposta è affermativa, e le ragioni sono diverse. Intanto, potremmo pensare a Donatello. Il Rinascimento come a una mostra che solleva la figura di Donatello da ogni categorizzazione: non è solo un artista di svolta, ma è un artista, sottolinea giustamente Caglioti, che “ha introdotto nella storia nuovi modi di pensare, di produrre e di vivere l’arte”. La sua rivoluzione non è solo “tecnica”, si passi il termine: i precisi e inappuntabili confronti che la mostra disloca lungo tutto il percorso dimostrano come i suoi meriti e i suoi primati (inventore dello stiacciato, inventore del monumento equestre rinascimentale, inventore della statuaria moderna) vadano anche al di là di quelli che si possono attribuire a un Masaccio o a un Brunelleschi. E c’è poi il problema del “canone” (il termine è di Caglioti) delle opere di Donatello, particolarmente sentito tra anni Trenta e Cinquanta: anche se Donatello è artista a tal segno studiato che è difficile immaginare spettacolari progressi sulle indagini che lo riguardano, la mostra di Palazzo Strozzi e Bargello rappresenta anche un’occasione per ristabilire alcuni punti fermi alla luce degli avanzamenti degli ultimi anni.

Dal 19 marzo 2022 al 31 luglio 2022 la Fondazione Palazzo Strozzi e i Musei del Bargello presentano Donatello, il Rinascimento, una mostra storica e irripetibile che mira a ricostruire il percorso di uno dei maestri più importanti e influenti dell’arte italiana di tutti i tempi. Le opere di Donatello saranno messe a confronto con capolavori di artisti a lui contemporanei quali Brunelleschi e Masaccio, Mantegna e Giovanni Bellini, ma anche successivi come Raffaello e Michelangelo.

A cura di Francesco Caglioti e concepita come un’unica mostra su due sedi, Palazzo Strozzi e Museo Nazionale del Bargello, l’esposizione diviene un viaggio attraverso oltre 130 opere straordinarie, provenienti da più di cinquanta tra i più importanti musei e istituzioni al mondo. 

https://www.palazzostrozzi.org/archivio/mostre/donatello/

 la Fondazione MAST presenta una straordinaria selezione di oltre 500 immagini tra fotografie, album e video della propria collezione, che occupano tutte le aree dedicate alle esposizioni, negli spazi di MAST. Immagini iconiche di autori famosi del mondo, fotografi meno noti o sconosciuti, artisti finalisti del MAST Photography Grant testimoniano visivamente il mondo a cui abbiamo sopra accennato. La mostra, proprio per la sua complessità, è stata strutturata in 53 capitoli dedicati ad altrettanti concetti illustrati dalle opere rappresentate. L’intero argomento richiede un elenco di termini non sempre esaustivi, vista la portata di professioni, tematiche, funzioni, valori ripresi dal mondo del lavoro.

La forma espositiva è quella di un alfabeto che si snoda sulle pareti dei tre spazi espositivi e che permette di mettere in rilievo un sistema concettuale che dalla A di “Abandoned” arriva fino a W di “Waste”, “Water” e “Wealth” (le parole che cominciano con la Z sono rare in inglese). L’alfabeto rappresenta uno strumento che vuole indicare i punti di interesse e le zone più intense con le quali si fa luce il senso di ogni immagine. Il lessico visivo evoca connessioni e interazioni che possano stimolare considerazioni più ampie: lungo il percorso espositivo in nero sono indicate le tematiche affrontate specificamente nelle opere presentate, in chiaro quelle che rimandano a un pensiero critico ulteriore.

Anche per gli artisti e fotografi presentati, i numerosi capitoli possono essere vissuti come villaggi in cui convivono a stretto contatto vecchi e giovani, ricchi e poveri, sani e malati, operai e intellettuali, o aree industriali in cui si concentrano centinaia di professioni, punto di incontro di percezioni, atteggiamenti, progetti più disparati.

La fotografia documentaristica incontra l’arte concettuale; gli antichi processi di sviluppo e di stampa su diversi tipi di carta fotografica, come la tecnica all’albumina si confrontano con le nuove possibilità offerte dagli sviluppi tecnici e dalla innovazione digitale e inkjet; stampe dominate dal nero profondo affiancano opere dai colori vivaci. Sul piano temporale, solo al XIX secolo è stata dedicata una sezione legata alle fasi iniziali dell’industrializzazione e della storia dell’arte della fotografia. L’importanza del tema del lavoro, i capolavori che lo mostrano e la loro qualità offrono una opportunità unica di osservazione e riflessione.

Leggi tutto sul sito www.mast.org/the-mast-collection

Orario: da martedì a domenica, ore 10.00-19.00

Ingresso gratuito

Visita in sicurezza: l’ingresso agli spazi del MAST, in base al DL 221/2021, è consentito solo ai possessori di Green Pass Rafforzato (ottenuto per vaccinazione o guarigione). Sono esentati i bambini al di sotto dei 12 anni e i soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica. È obbligatorio l’uso della mascherina FFP2 all’ingresso, all’interno degli spazi espositivi e durante gli eventi. Gli ingressi alla mostra verranno gestiti in base alla capienza degli spazi espositivi. Info sulle misure di prevenzione e sicurezza messe a punto dalla Fondazione MAST.

from thu 10 feb — to sun 22 may

@Fondazione MAST

THE MAST COLLECTION

A visual alphabet of industry, work and technology | Dalla collezione MAST oltre 500 immagini tra fotografie, album e video

WHERE

• Fondazione MAST
  Via Speranza, 42 - Bologna

In occasione del centesimo anniversario della nascita di Mario Rigoni Stern il MUSE con il MART presenta la mostra “Selvatici e salvifici. Gli animali di Mario Rigoni Stern” dedicata agli animali raccontati dal grande narratore dell’Altipiano dei Sette Comuni. 

L'esposizione temporanea è un omaggio alla scrittura asciutta, limpida ed evocativa di Mario Rigoni Stern e agli animali che ha incontrato e raccontato durante la sua vita di uomo di montagna, di cimbro dell'Altipiano.

Ospitata a Palazzo delle Albere, "Selvatici e salvifici" raccoglie le opere di quattordici artisti con sculture, dipinti e fotografie di diversi soggetti animali selvatici

https://www.muse.it/it/Esplora/mostre-temporanee/Archivio/Pagine/Selvatici-e-salvifici-Mario-Rigoni-Stern-2021-2022.aspx