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노진아 최수앙 ｢MAN ｣ <소통의 변증법> ㅣ2024. 4.3 ~ 5.5 ~ 6.9, 공간형 7

아이가 아이였을 때 질문의 연속이있다
왜 나는 나이고 네가 아닐까?
왜 난 여기에 있고 저기엔 없을까?
시간은 언제 시작됐고 우주의 끝은 어디일까?
이 세상에서 사는 것은 꿈이 아닐까?
보고 듣고 만지는 모든 것이 단지 환상이 아닐까?
악이 존재 하나?
정말 나쁜 사람이 있을까?
내가 지금의 내가 되기 이전에는 대체 무엇이었나?
언젠가는 나란 존재가 더 이상 내가 아니게 될까? / Peter Handke의 ‘유년기 노래’ 중

“아이가 아이였을 때”로 시작하는 이 시는 영화 <베를린 천사의 시>(원제 '베를린의 하늘')에서 시간의 유한성 속에 갇힌 삶일지라도 자신의 무게를 느끼고 현재를 느끼고 싶은 주인공 천사가 마침내 무한의 삶을 포기하고 인간계로 내려오는 영상과 함께 울려 퍼진 시로 시작과 끝을 모르는 시간에 사는 우리네 삶에 대해 인식하게 한다.

전시<MAN>은 인간, 혹은 인간의 삶이 무엇인가라는 형이상학적 사유를 동시대 예술의 어법으로 전유하고, 그 해답으로 소통을 향한 실천을 시도하는 작가들에 주목한다.
노진아는 인간을 닮아가고자 인간의 언어와 표정을 학습하는 로봇을 통해 기계와 인간 간의 감정적 소통 가능성을 탐구한다. 관객이 로봇에게 말을 걸면 거대 두상들이 관객을 따라 눈을 움직이며 기계 음색으로 대답한다. 소리들에 반응하며 웅성대는 로봇들은 때론 의미 있는 말로, 모호한 단어로 인간의 감정을 더 잘 이해하는 듯 답변을 한다. 그러한 담담한 기계음의 어조는 관객에게 반향을 일으키기도, 다정한 위로 안에서 감정적으로 움직임을 주기도 한다.
최수앙은 개인과 사회의 관계 안에서 야기되는 갈등의 증상적인 면을 인체조각으로 가시화한다. 여기 있는 조각들은 어딘가 부족한, 혹은 과도하게 발달되었거나 왜곡된 감각기능을 지니고 있다. 이를테면 혼자만의 공간에서 눈을 감고, 귀를 막고, 입을 막고, 혹은 냄새를 맡고, 과도하게 발달한 입과 한 귀로 소문을 전파하는 등 뭔가 ‘옳지 않은 듯한’ 상태로 놓여있다.
작가는 이들을 인간이 가지는 여러 취약한 모습들을 가진 개인 혹은 집단으로서의 A (*Asperger’s Syndrome)라고 부른다. *DSM에 의하면 Asperger’s Syndrome는 일방통행적 사고를 가지고 있어서 변화에 적응하지 못하는 증상을 보이는 정신질환이다.

인간이 되고자 인간과 소통하며 대등한 공존을 꿈꾸는 로봇조각과 소통의 부재로 인한 현대인들의 고립을 가시화한 신체조각. 어쩌면 또 다른 내 모습과 같은 조각이 대면하여 마주하는 장면을 상상해 본다.
우리는 얼마나 타인으로부터 진실한 감정을 느낀다고 할 수 있을까? 다양한 일상 안에서 저마다의 규칙과 질서가 깊숙이 습관화되었음을 이해하지 못 할 뿐은 아닐까. 인간의 감정의 변화를 해석하여 적당히 넘겨짚을 줄도 알고 표정을 숨길 줄도 아는 나는 과연 그 표현의 스펙트럼(spectrum)만큼이나 폭넓은 능력을 발휘하고 있기는 한 것일까? 기술의 발전은 발전과 파괴, 확장과 축소라는 이중성을 가지기 마련이다. 로봇과 A조각의 대면은 일방통행적 소통을 일상화하는 누군가를 혹은 현재의 나를 고찰하게 한다. 그렇게 현재의 나를 투사할 수도 있을 것이다.

결핍이 우리를 변화시키는 성장의 동력이라고 하지만, 일상에서 그 결핍을 채우며 산다는 게 과연 가능할까. 두 예술가가 AI조각과 A조각을 통해 말하고자 한 것이 희망인지, 절망인지, 아니면 그 사이의 무엇인지는 정확히 알 수는 없으나 분명한 건, 우리 시대 결핍을 직시하며, 그 해결보다는 결핍을 대하는 태도를 보여준다는 것이다. 예술가의 태도가 만들어내는 기괴함과 불편함은 관심을 요하듯 나를 끌어당기기도 하고 밀어내기도 하는, 인간이라면 반드시 겪게 되는 감정 혹은 느낌을 일깨우며 결점과 모순으로 가득한 우리의 삶을 되돌아보게 한다. 그리고 인류가 줄곧 대면해 온 결핍과 고통, 그리고 그럼에도 불구하고 우리의 희망, 절망, 혹은 그 사이 어딘가로 우리를 데려다 놓으며, 어디로 가야할지 관객에게 스스로 자문하고 답을 찾도록 제안한다.

< MAN>이 던지는 질문에 대한 답은 역설적으로 상호주체로서의 인간의 유연성과 변화 가능성을 강조하며 소통의 단절을 회복할 수 있다는 강력한 메시지를 전하는 듯하다. 나의 가장 취약한 상태, 그 결핍을 들춰내지만, 동시에 지금 현재의 나를 자각할 수 있는 시선을 제시하며, 동시에 그 모든 것들을 겪어 온 결국 나라는 인간을 마주할 수 있는, 즉 나의 취약성을 받아들일 수 있는 인지적, 심리적 유연성을 확장시킨다. 전시는 인간을 닮은 기이한 로봇으로, 인간보다 더 정교한 조각으로 작품과 관객이 서로를 대면하여 서로가 서로의 타자가 되고 관객이 자신을 자각하고 마주할 수 있는 상황을 제시한다.
그리고 ‘인간이란 존재는 과연 무엇인가’라는 형이상학적이고 전통적인, 그러나 여전히 해결되지 않는 질문을 붙잡고 그것을 인식의 문제이자, 관계의 형태로 풀어낸다. 그렇게 작품, 관객, 작가의 상호작용을 통해 실제 관계의 정의를 바꿀 수도 있다. 어쩌면 사소하기만 한 개인적 감정들이 시간과 기억, 지각 등 인간계를 이루는 요소들을 자각하게 하고, 결국은 인간을 인간으로 살아 있게 하는 것이 아닐까.

혼자서는 아무것도 느낄 수 없다. 우리는 이미 세상에 존재하고 있던 관계망 속에서 태어났기 때문에 타자보다 더 큰 영향을 미치는 외부 세계란 없을 것이다. 그렇게 타자들의 감각을 침입함으로써 우리에게 자각하기를 유도하면서 우리가 어디에서 왔는지, 어디로 나아가야 하는지 말해주는 듯 하다. 이번 전시의 가장 중요한 목표는 인간(man)을 새롭게 인식하는 것으로, 타인들과의 관계에 대해 새로운 관점과 이해를 창출하는 과정으로 작동되기를 바란다.

이윤수 ｢ Who do you ｣ <Who do you think you are> ㅣ2024. 03.26 ~ 04.14, 공간형 1

나는 이런 사람이다. 라고 자신 있게 말할 수 있는 사람이 있을까. 누군가는 자신의 감정, 선호도, 가치관 등을 잘 알기에 자신 스스로를 지배하고 있다고 생각하지만, 어쩌면 자신을 모르는 게 바로 우리 자신일 것이다.

나는 이런 사람이다. 라고 자신 있게 말할 수 있는 사람이 있을까. 누군가는 자신의 감정, 선호도, 가치관 등을 잘 알기에 자신 스스로를 지배하고 있다고 생각하지만, 어쩌면 자신을 모르는 게 바로 우리 자신일 것이다.
그러고 보니 인간은 자신의 모습을 볼 수 없는 존재로, 자신을 한 번도 대면하여 마주해 볼 수 없는, 그야말로 자신에 대해 완벽한 타인인 셈이다 ... 우리는 생각보다 훨씬 더 다양한 관계망 안에 있다. 심지어 우리의 의도와 관계 없이 세상에 나올 때부터 사회적인 수식어인 '남성', '여성', '장남', '막내' 등이 우리의 역할을 이미 규정하기도 한다.

이윤수는 그러한 규정에 따른 자기결핍을 동력으로 작품을 창작하는 주체로서의 역할을 넘어 변화하고 복합적인 특징을 지닌 해체되고 유동적 주체로서의 자신의 정체성을 재고한다.
Who do you 는 젊은 작가의 자기 연구 프로젝트다. “특정 공간과의 관계에서의 나일 수도 있고, 특정 기억에 얽힌 감정으로서의 나, 혹은 언어적 정의에 따라 다양하게 해석될 수 있는 나, 타인과의 관계에서의 나 등등 맥락에 따라 (나의 존재의)의미도 조금씩 다르게 가시화되었다(작가 노트 중).”

이윤수는 타인, 혹은 타자성이라는 조건 또한 나와 타인이라는 이분법에서 벗어나지 못한다는 점에서 자신을 ‘나, 너, 우리’ 와 같은 관계대명사들의 자리로 분리한다<나, 너, 그리고 우리, 2022>. 그리고 동시적이면서 상호적인 대화 구조를 빌려 나와 너, 우리로의 자기 분화를 시도하며 자신의 존재의 의미를 군더더기 없이 담담하게 쫓는다. 작가 개인의 자기 분화적 대화는 완벽한 존재, 혹은 불변의 무엇인가를 관객에게 소개하기보다는 어떤 확신도 모두 보류한 채 상대적인 관점으로 나, 너, 우리가 각자 유연하고도 개별적인 판단에 따라 세계를 지각하고, 관계하고, 반응하는 낙차 안에서 다양한 소통을 만들어낸다.

대화 안에서 자신을 아주 꼼꼼하게 탐사하며 자신에 대한 이해를 추적하는 동안 작가는 과거가 현재에 작동하고 있음을 깨닫는다. '우리'라는 관계의 불편함이 과거에서 현재로 되살아나는 경험은 마치 그의 ‘잃어버린 시간(Marcel Proust)’을 되찾는 과정처럼 펼쳐진다. ‘우리’라는 관계가 과거에 경험한 방식 그대로, 혹은 과거의 기억을 단지 재생하는 것이 아니라 전혀 다른 방식으로, 예를 들면, 대화 초반 동생에게 사랑을 빼앗겼다고 생각한 어린 윤수의 마음을 현재까지 짊어진 채 여전히 새로운 우리를 구성하지 못하는 현재의 자신을 부정하기도, 그런 ‘부정적 자신'을 과거의 상처로 인한 합리화 혹은 정당화하기도 했다면, 대화가 진전될수록 당시의 동생에 대한 질투, 미움, 소외감이라고 생각했던 것이 사랑에 대한, 혹은 사랑하는 부모님에게 사랑을 더 받고 싶다는 깨달음이라던지, 무의미하다고 생각했던 것이 값진 의미로 회귀하기도 하는 등 과거의 것이 다양한 의미와 해석으로 현재로 난입하는 경험을 했으리라. [중략]

Lacan에 의하면 우리는 고통 속에서 살아가야 할 운명을 지니고 태어났다. 우리 자신이 부족하다고 느끼는 것은 사회화를 이루기 위해 치러야 하는 대가이기에 원초적인 것이며 그 느낌을 없애는 것은 불가능한 것이다. 그렇게 우리는 한 번도 완전해 본 적이 없으며 편안해 본 적도 없음에도 우리는 언젠가 있었지만 지금 잃어버린 환상, 즉 완전한 만족과 평온함을 쫓아 평생 열망한다는 것이다.

이윤수는 ’우리‘라는 관계에서 따라오는 대면하고 싶지 않은 불편함이었든 좋았던 추억이었든, 매 순간이 바로 지금의 자신을 있게 한 시간이었음을 자각한 듯, 그의 현재를 외부의 특정 과거의 사건이나 누군가가 아닌, 자신에게서 찾는 여정을 보여준다. 그렇게 무수한 기억과 그에 따른 감정을 묵묵히 추적하면서 자신에 대한 다각도의 이해를 더해간다. 작품 속 세 사람의 대화는 줄거리도, 해결도 결말도 없다. 따라서 작가의 사유에 얼마나 공감할 수 있는지는 전적으로 관람자의 문제이다.

이윤수가 자신을 ‘표현’ 하고 ‘설명’하기 보다는 ‘자기 되기’의 의미와 그것을 전개하는 ‘방식’과 ‘과정’에 관심을 가져주길 바라는 이유 또한 바로 여기에 있을 것이다. 저마다의 의문과 답으로 ‘자기 되기’를 경험해보는 것. 여전히 우리는 자신이 누구인지 잘 모른다. 그러한 이유로 우리는 자신을 만나기 위해서 조차 자신으로부터 한 걸음 물러나 자신과의 거리를 확보하여 나를 지배하고 끌어당긴 힘, 고립과 소통, 상처와 고민, 그 모든 것이 나라는 자각을 통해 나에 대한 이해에 한 발짝 다가설 수 있을 뿐이다.

그 ‘모른다는 것’에 대한 잠재력과 가능성이 젊은 작가에겐 창작의 동기였고, 한 번도 되어본 적이 없는 '자기 되기' 또한 시도할 수 있는 동력으로 다가왔을 것이다. 전시는 아무것도 일어나지 않으며, 특정한 메세지를 전달해주지도 않는다. 다만 자신과 세상을 보는 관성에 대한 거리두기를 통한 휴식적 사유를 제안한다.
휴식이란 세상의 무수한 상대성과 타자성을 깊이 이해하고 내안의 결핍이라는 실존적 통찰을 통해 단절과 소외를 몰아내는 것이 아닌 높은 수준의 복잡성, 유연함, 관계성을 통해 새로운 현실을 재구성하는 ‘예술적 태도’와도 같은 말이 아닐까. [중략]

▫️김은희 / 서문 <Who do you think you are> 中

피정원 ｢from darkness ｣ <In-der-Welt-Sein> ㅣ2024. 03.04 ~ 03.18, 공간형

피정원의 추상은 태도이고 행위이다.
보여 주려면 먼저 보고 알아야 하듯, 그는 매체 실험을 지속한다. 시멘트 가루, 오일, 아크릴 등을 재료로 온도와 습도에 따라 달라지는 균열과 번짐의 정도를 테스트한다. 원하는 바가 나올 때까지 화학반응을 계획적으로 제어한다.

[중략]
피정원은 어둠을 작업의 원천으로 삼는다. “제가 영감을 얻는 부분 중에 하나는 ‘벽화’입니다. 인류의 첫 미술적 표현이기도 하고 자기의 일기를 온전히 담는다는 관점에서도 닮은 것 같습니다.”라고 말하는 그는 벽이라는 느낌을 강조하기 위해 큰 캔버스를 사용한다. 서양회화 재료인 캔버스위에 동양재료인 먹(墨)과 서양화에서 밑바탕으로 사용되는 블랙 젯소(Black Gesso) 를 혼합한 검정 바탕을 만들어낸다.
검정의 신비함은 국적 불문의 다채로운 에피소드를 양산할 정도로 인류 보편적인 것이기도 하지만 피정원의 검정은 그 재료의 근원지와 연결되는 동서양 재료의 대립, 즉 이질적인 것들의 결합을 통해 공존의 성격을 강하게 드러낸다. 또한, 추상의 본질을 위해 색보다는 물감층의 크고 작은 균열과 흐름을 통해 추상적 경험을 극대화시킨다. 재료간의 상호작용으로 발생한 반복된 균열과 흐름의 흔적들은 자신의 지난 것들을 현재로 가져오게 하는 실존적 기록으로, 과거의 기억을 현재로 소환시키는 시간성을 지닌다.

피정원의 추상은 태도이고 행위이다.
보여 주려면 먼저 보고 알아야 하듯, 그는 매체 실험을 지속한다. 시멘트 가루, 오일, 아크릴 등을 재료로 온도와 습도에 따라 달라지는 균열과 번짐의 정도를 테스트한다. 원하는 바가 나올 때까지 화학반응을 계획적으로 제어한다. 마티에르의 두께감이나 매트함, 갈라짐과 번짐의 정도를 제어한다. 천천히, 집요하게, 끝까지.
작품이란 작가의 자의적인 결과물인 것이 당연하겠지만 그의 작품은 이러한 제한된 중재 행위를 통해 각 재료의 특수한 속성뿐 만 아니라 물리적 법칙성 또한 드러내며 각 물질들은 더욱 제 모습을 드러낸 ‘있는 그대로’의 풍경이 된다.

이번 전시에서는 그의 연구데이터들이 후프에 매달린 형태로 설치된다. 저마다의 사연과 감정, 집단 기억이 혼재된 *슈트리를 모티브로 한 설치작품은 생의 한 가운데에서 서로를 위로하고 소통하기 위한 세레모니로 읽혀진다. 작품은 관객과 공간의 삼위일체를 실현시키며, 저마다의 순간적 지각을 통하여 작가 혹은 관객이 열린 상황 즉 하이데거가 논한 ‘세계 내 존재(In-der-Welt-Sein)’ 의 가능성을 유도한다. 그렇게 전시는 작품을 통한 열린 관계 영역 속에서 타자와의 공존에 그 목적을 둔다.

[중략]
추측컨대, 유년시절부터 타지에서 살면서 이방인, 외국인으로서 다양한 문화의 차이를 끊임없이 접할 수밖에 없없던 작가는 다양한 환경의 가변성, 이질성, 혼재성, 즉 혼돈이야말로 그의 추상언어를 탄생시키는 모태임을, 예술가란 그 혼돈 '속에서' 자기 존재를 증명하고, 고유성을 추구해야 하는 존재임을 고독하게 깨달았을 것이다.
혼돈은 그렇게 피정원의 작품을 탄생시키는 촉매가 되었고 그의 작품은 무수한 타자성을 일깨운 자의 순수미로 다가온다. "제가 하는 미술이 유독 제 자아에 대해 담고, 제가 경험했던 일들을 기록하는 특성이 있어서 제가 살아왔던 삶을 되돌아보고 재현하고 순환하는 데 의미를 두고 있습니다. 일상, 삶, 예술이 같은 맥락으로 이어진다고 생각합니다...주변과 더불어 살아야 한다는 올곧은 마음과 작업을 거짓 없이 대하는 솔직함, 작가이기 이전에 바른 사람이 되는 게 병행되어야 한다는 믿음이 훼손되지 않았으면 합니다(인터뷰 中).”

[중략] 예술의 본질은 바로 일상의 코드의 기능을 떠나 규칙을 위반하는 데 있다는 바타유(Georges Bataille)의 지론대로 생존에 대한 강박에서 해방되면 종종 ‘다른 생각’이 엄습하는데, 이 순수하게 무용한 ‘다른 생각’ 이야말로 단순한 생존을 넘어 인간다움을 구성하는 핵심요소이며, 인간성을 뛰어넘는 신성하고도 숭고한 예술적 경험을 가능케한다.
<어둠으로부터>는 혼자라는 수동적인 감정을 너머선 충만한 고독의 상태를 제안한다. '예술로 치유받는다'는 건 결국 작품과 내가 일대일로 대면하는 순간에 나를 마주한다는 말일지도 모르겠다. 느끼는 만큼 내 자신이 된다. 사고보다는 그 자체를 있는 그대로 경험하고 느끼기를. 그렇게 자신을 만나는 시간이 되기를. 니체가 말하는 ‘위로의 예술’ ‘형이상학적 위로’가 되기를 바란다.

▫️김은희 / 서문 <In-der-Welt-Sein> 中

<CURATE 201> X 경희대학교 미술대학

CURATE 201ㅣ공재, 신종민 ｢INTERPOLATED SCENES｣ 2024. 2. 15 ~ 2. 25
전시는 사건의 공명과 배치 속에서 현실보다 더 역동적으로 현실을 뛰어넘으며 가상공간을 향유하는 욕망과 놀이의 장으로, 이렇게 말해도 된다면, ‘버츄얼리즘 미학’을 도출해낸다.

•• 중요한 것은 현실의 진정성이 아니다. 현실의 무언가 의미를 구성하고 재현하기 위하여 이미지가 존재하는 것이 아니라 눈앞에 보여지는 이미지의 감각적, 순간적 나열을 위해 현실이 재구성되는 지점일 것이다.

두 작가가 기억하는 지나간 어제는 단지 거기에 존재할 따름이다. 이러한 관점에서 프루스트는 ‘잃어버린 시간을 찾아서’에서 ‘무의지적 기억’의 장치를 통해 언제나 현재 시점으로 흘러가는 통일된 과거와 그것이 혼란스럽게 충돌되는 현재의 ‘카이로스의 시간’을 이야기한다. 그 기억들은 어지러운 현재의 입체적 공간 속에, 상상과 욕망의 흐름이 존재하는 횡단과 배치의 복합적 가상공간에 함께 담겨 있다. 그리고 물질의 다원적 시공간으로 재구성된다. 그렇게 실재라는 것은 이제 조작적일 뿐이다. 어떠한 상상 세계도 더 이상 실재를 재현할수도 포괄할수도 없기 때문이다.

전시는 사건의 공명과 배치 속에서 현실보다 더 역동적으로 현실을 뛰어넘으며 가상공간을 향유하는 욕망과 놀이의 장으로, 이렇게 말해도 된다면, ‘버츄얼리즘 미학’을 도출해낸다. 컴퓨터게임의 원리와 마찬가지로 주체를 관객에서 사용자로 번갈아 위치 변환시키고, 지각과 행위를 번갈아가며 그 세계를 탐험하기를 반복하면서 새로운 리얼리티를 만들어가는 미학.

<Interpolated Scenes(보간된 장면)>에서 당신의 보간툴을 마음껏 활용해 보기를 바란다.
당신의 하이퍼 보간이 동시대 미술을 읽어내는 관점으로 작동하기를 기대한다.

▫️김은희 / 서문 <나 여기, 그날> 中

CURATE 201ㅣ송지인
｢ Freaky Freaky ｣ 2024. 1. 30 ~ 2. 13
송지인은 다수자의 사회에서 소외되어 온 ‘비정형’적인 것, 말하자면 지배자들의 모의에 의해 박제된 추의 세계이자, 지배 이데올로기에 의해 억압되고 감추어지고 망각되어온 존재, 사건, 상황 등을 관찰자적인 관점으로 재현한다.

송지인은 다수자의 사회에서 소외되어 온 ‘비정형’적인 것, 말하자면 지배자들의 모의에 의해 박제된 추의 세계이자, 지배 이데올로기에 의해 억압되고 감추어지고 망각되어온 존재, 사건, 상황 등을 관찰자적인 관점으로 재현한다. <Freaky Freaky>는 집단 사회에서 다수의 행복을 위해 소수의 불행으로 간주되어온 프릭(freak)의 금기에 집중한다[•••]

‘프릭쇼’(Freak Show)는 기괴한 외모의 사람들을 전시하고, 서커스에 동원한 쇼비지니스로, 그 대상은 샴쌍둥이, 다모증, 소인증, 거인증, 신경섬유종, 사지기형, 인터섹슈얼, 등 유색 인종을 비롯해 각종 ‘기형’이나 ‘장애’ 인으로 암묵적으로 억압된 소수자이다•••소수자는 ‘평균적인 정상’을 기준으로 삼는 다수자 세계에 속하지 않은 비정상인, 즉 ‘결함 있는 자’이다. 선천적으로 이미 소수자로 낙인(Stigma)된 경우 다수자에 의한 고정된 이미지는 더 강하게 나타난다[•••]

작가는 만물의 영장인 인간을 신의 피조물이 아닌 생물학적 관점에서, 인간 본질에 관한 실존적인 의문을 던진다. 그리고 오랫동안 어둠의 세계로 추방되었던 추를 ‘다름’으로 재해석함으로써, 몸과 정체성의 문화적 구성에 대한 이해의 폭을 확장시킨다•••

/ 김은희, 서문 <당신의 충격적인 특징은 끔찍하게 평범한 몸입니다> 중

CURATE 201 ㅣ유형우
｢ 반가운 그는 또 심각한 이야기를 늘어놓는다｣ 2024. 1. 17 ~ 1. 28
각목이 서로의 변에 기대어 덩어리를 이루고 서로 지지하면서 직립하는 그것은 전통적 조각에서 보이는 기념적인 수직성에 대한 도전이기도 하다. 2024 CURATE 201

•• 흥미로운점은 각진 모서리를 드러내는 각목, 구조재를 주 재료로 한다는 점이다. 그에게 각목은 유연한 변형을 가능케 하는 가장 효율적인 벽돌이며 블럭인셈이다•••각목이 서로의 변에 기대어 덩어리를 이루고 서로 지지하면서 직립하는 그것은 전통적 조각에서 보이는 기념적인 수직성에 대한 도전이기도 하다. 그가 미술 역사상 오랫동안 조각의 영역에서 뼈와 살, 구조재와 마감재의 엄격한 구분에서 뼈대로 쓰이는 구조재를 살로, 이를테면 살로만 가득찬 직립 덩어리, 구조가 아닌 살덩어리 자체로 활용하는 것은 일종의 ‘위반’이다.

•••그는 또한 집성된 각목에 시바툴, 에폭시 퍼티를 떠붙인다. 본래 퍼티의 용도가 표면을 매끈하게 다듬기 위함이라면, 그의 퍼티 덩어리는 표면을 이루기 위해 무엇이 되는 게 아닌 그저 붙어만 있다. 살조각이나 소조의 형식이라는 단서를 주기 위한 제스처로 어떠한 작동도 하지 않는 표피일 뿐이다••• 그렇게 작가는 본래의 재료들이 가진 기본적 용도를 ‘위반’시키며 소조와 조각 사이 중간단계를 기꺼이 만들어낸다.

푸코는 이러한 위반의 성격을 가장 잘 알고 있는 것은 아이들이라고 말한다. 아이들은 위반의 경험을 통해 새로운 시선과 새로운 가능성의 공간, 헤테로피아를 획득한다 (푸코, 『헤테로토피아』 52) ▫️김은희 / 서문 <위반, 패러독스> 중

CURATE 201ㅣ박수빈
｢ Arrive Alive｣ 2024. 1. 3 ~ 1. 14
홀로 서 있는 매끈한 덩어리, 빛은 닿았지만 아직 색은 발화하지 않았다•••2024 CURATE 201

홀로 서 있는 매끈한 덩어리, 빛은 닿았지만 아직 색은 발화하지 않았다••• 인공재료로서의 플라스틱은 ‘어떤 마법으로 가득차있는 한계 없는 변화의 아이디어 그 자체이며 빠르고 적당하고 견고하게 모방하여 만들어 낼 수 있는 연금술적 특징(Roland Barthes, Mythologies 1957)‘으로 일상에 다양한 형태로 존재한다. 그러한 플라스틱의 유연성과 가변성을 기반으로 박수빈은 얼마든 변형이 가능한 자유로운 물성을 이용해 정원에 있을 법한 자연의 무엇을 닮은 형태들을 만들어낸다.

플라스틱에 둘러싸여 살아가는 우리 시대의 한 작가에게 인공성이 주는 자연스러움은 긍정도 부정도 아니다. 다만, 종잡을 수 없이 일상에 산재한 그 유연한 재료가 우리의 일상과 자연스러운 공생관계임을 증명하듯 재료자체를 소재화하여 어떠한 형태를 만들어낸다.

“필라멘트로 만든 형상이 (분수의)물줄기로써 인식되고, 케이블타이를 꼽고 우레탄폼을 뿌린 것이 풀이나 땅으로써 인식되어진다는 점이 실제 물성과는 다르게 무한한 진행형을 가진다”고 말하는 박수빈은 그저 새로 구입한 케이블 타이를 꺼내어 플라스틱이 주는 가벼운 청량감을 마음껏 활용한다. _ 김은희 / 서문 <자연스럽게> 중

XUHYEONGㅣ ≪Self effacing surface≫ 2023.10.19-10.22 공간형
주최 / 기획: 공간형

미완성한 채, 거의 손을 대지 않은 채 작품과 관객과의 상호작용에 초점을 두는 일종의 새로운 전시상황을 만들고자 했다” - Xuhyeong

Xuhyeong은 다양한 전시서문을 자료의 출처로 무의미해보이는 미술언어들을 텍스트 덩어리로 남게한다. 그 텍스트들은 전시공간에 놓여진 오브제들이 획득하고자 하는 미술적 수사들일까?

작가는 텍스트를 통해 일방적으로 무엇으로 강요되는 제도권의 대표격인 비평글, 서문, 예술가의 글쓰기 등에 질문을 던진다.

예술을 사유하는 데 객관적 평가란 힘들다는 점에 고착하여 예술에 대한 이런 찬사에 우리는 매우 익숙해져 있으며, 관람객이 예술 작품 앞에서 비굴해지는 약점으로 인해 예술을 더 이상 냉정한 시선으로 바라볼 수 없는 일반적 현상을 작가는 주목한다. 그리고 예술에 대한 우리의 기대치와 판타지를 반추하게한다.

홍지윤ㅣ ≪𝐂𝐮𝐭! 𝐑𝐞𝐦𝐚𝐝𝐞 𝐚𝐧𝐝 𝐑𝐞𝐯𝐢𝐯𝐞𝐝≫ 2023.07.17-08.15 공간형
기획: 홍지윤

작가는 자르고 재편집한 이미지들을 축적함으로써 역사를 수정하는 방법을 제안한다. 그 수정된 역사가 올바른 역사라고 주장하는 것은 아니다. 공공의 역사에서 윤리와 정서의 문제를 벗어나 권력자의 역사만을 취하는 우리 사회의 권력 및 위계 구조를 지적하는 제스쳐를 취하는 것이다.

- 김은희 / 서문 <공공(公共) 비밀> 중

홍지윤은 자료수집을 기반한 그만의 다시 쓰는 아카이브로 21세기 성적 폭력, 인권차별, 우리 사회의 민감한 문제, 그리고 그 불편한 내용을 드러낸다. 여기에는 미국의 전 대통령 A, 유명 영화 제작자 B, 영국의 왕자 C, 한국의 사이비 종교 교주 D, 한국의 미술작가 E, 미술대학 교수 F, 한국의 시인 G 등이 포함되어 있다. 이들은 인권유린의 피의자지만 이들의 ‘업적’이나 ‘작업물’은 출판, 전시를 통해 가치 있는 것으로 여전히 인정받으며 사회에 복귀하고 있다는 점에서 작가는 그 업적 물이 굳이 ‘가치가 있는 기록물’이 되어야 한다면, 어떤 방식으로 기록되어야 할 지라는 문제를 다룬다. 그것이 앞으로, 또 과거의 것을 다시 다른 방식으로 기록해야 함을 주장한다.

(•••••) 데리다(Jacques Derrida)에 따르면 아카이브는 편집, 가공, 재현의 미학으로, 기억, 흔적, 트라우마와 연관되어 있다. 그것은 고통과 상처에 대한 호소라기보다는 우리사회가 격리하려는 현상에 대한 제동이자 증언으로 간주하여야 한다는 점을 시사하는 방법론이다.

- 김은희 / 서문 <공공(公共) 비밀> 중

정재열Jae Youl Jeoung ㅣ “ ” 2023.6.20-7.4 공간형
주최 : 공간형

“ ”
수납장, 칸막이, 오브제들이 놓여있다. 누군가 떠난 직후, 혹은 새로운 누군가가 들어오는 공간, 수납장은 이제 막 비워진 직후 혹은 누군가 들어와 채워지기 전 빈 상태이다.

“ ”
수납장, 칸막이, 오브제들이 놓여있다. 누군가 떠난 직후, 혹은 새로운 누군가가 들어오는 공간, 수납장은 이제 막 비워진 직후 혹은 누군가 들어와 채워지기 전 빈 상태이다.

정재열은 간과되는 대상, 공간에 주목하여 특히 그의 개인의 기억을 통해 존재들의 독특함을 드러내며 이를 시적으로 이야기 해 왔다.
이번 전시에서 작가는 '존재의 상실', ‘기억’ 등 비가시적 테마로 한때 익숙했으나 어쩌면 다시는 정확히 회상할 수 없는 일상의 흔적, 기억 등을 기념하는 공간에 대한 기억을 다루고 있다. “가구들은 잦은 이동 없이 한자리에서 기억을 수납한다.”고 말하는 작가는 어떤 사물로 채워질 수납장 안의 공간이나 그것이 놓인 공간은 눈여겨보지 않는다는 점에 착안하여 공간을 적극적으로 활용, 방이라는 공간으로 확대한다.

공간은 몸의 기억과 직결되어 몸의 촉각이 그 곳을 기억하는 것을 실감하는 곳이다. 몸이 겪는 감각적 경험이 가장 많이 배어 있는 곳이 공간일 것이다. 그의 공간 작업에는 누군가와 무엇을 함께 했던 공간에 대한 그리움과 향수가 깃들어 있다.
해외 레지던시 생활을 하면서 노마드가 익숙해진 그에게 잠시 짐을 풀고 생활하는 방, 그렇게 그의 공간 작업은 다양한 문화 환경의 차이를 경험하고 이를 체화함으로써 그의 개인적 기억과 직결시키기에 적절해진다.
가구도, 조명도, 벽의 오브제들도 말이 없다. 전시장은 잠시 짐을 풀어놓을, 혹은 짐을 싸고 나가기 전 모호한 상태의 침묵만이 흐른다.

또한 18년 동안 동거동락한 자신의 반려견에 대한 기억 또한 공존시킨다. 곧 헤어질 노견이 머물던 공간, 레시던지 공간은 서로 공존할 수 없지만 그의 기억 속엔 헤어짐과 추억, 상실, 고독 등이 동시에 존재한다. 누군가 혹은 무언가가 내가 좋다고 생각하는 방향으로 영원했으면 좋겠고 생각하지만 우리가 아는 한 어떤 것들도 시간이 흐르면 사라지지 않는 것들은 없다. 영원할 거라고 생각했던 것들이 영원하지 않다는 걸 마주할 때 내 삶은 좀처럼 받아들여지지 않는 지옥 같은 고통이 된다. 어쩌면 헤어지고 병들고, 사라지는 어떤 사건 자체의 고통보다도 내가 원하는 방향대로 영원했으면 좋겠다는 내 신념과 환상이 깨지는 고통이 클 수도 있다.

정재열은 내가 좋아하는 것들은 영원하리라는 환상들을 깨는 방식을 시적으로 담담하게 비춘다. [중략]

노한솔ㅣ ≪Mr. Teddy≫ 2023.5.10-5.28 공간형
주최 / 기획: 공간형

‘예술의 이미지는 어떤 간극을 산출하는 조작(Jacques Rancière)‘이다. 노한솔은 기존의 전형성, 고착된 이미지에서 벌어지는 간극에 대해 이야기한다. ≪Mr. Teddy≫에서 노한솔은 ‘Teddy’라는 가상의 곰을 소재로, 실제 경험으로 얻어진 정보가 아닌 주어진 정보로 곰의 특성을 정의 내리는 ’편의를 위한 태도‘에서 발생되는 공유되는 이미지와 실제 곰의 불일치 가능성을 제시한다. 친숙함과 친숙하지 않음의 미묘한 교차지점에서 본 전시를 관람하기를 바란다.

작가는 텍스트를 통해 일방적으로 무엇으로 강요되는 제도권의 대표격인 비평글, 서문, 예술가의 글쓰기 등에 질문을 던진다.

김요인ㅣ 고잉레드 <GOING RED> 2023.3.9-3.26 공간형
주최 / 기획: 공간형
그래픽디자인/설치도움: 장성욱

그렇다면 ‘레드가 간다’는 것은 어떤 의미일까? 빨강으로 향하는 명암의 기둥들, 추상의 표피로 덮힌 13개의 직육면체 덩어리는 색을, 빛을 입은 물질로써 도미노를 연상시키듯 규칙적으로 배열되어 있다.

”무슨색을 좋아하세요? 떠올리기만 해도 좋은색 말이에요, 아니면 좋아하는 사람이나 그 기분을 나타내는 색 말이에요,
열정이 솟고, 충만해지는 그런 느낌이 드는 색이 있나요?

김요인은 인간 인지를 만들어온 색(빛)의 예술적 심리적 지점을 탐구한다. 그는 ‘빛과 색은 일시성을 가지는 것으로, 사물이 독립적으로 형성되는 것이 아니라 다른 것과의 관계에 의하여 구성된다는 dependent nature(의존성)의 개념 즉, ‘사물이란 변화하는 빛과 색에 의해 보는 사람의 마음에 새겨졌다 사라지는 영상의 성질을 가지는 것이다’라는 진리를 발굴한다.

전시 <고잉레드> 에서 그는 색과 빛의 효과, 혹은 시각적 반응이 감각과 감정과 조우하는 관계를 “빨간 색이 지나가는 사건”을 통해 색과 빛 그 안팎으로 연결되어 있는 힘, 입자의 유동성을 보여준다. 작가는 “생의 첫 숨을 미처 들이키기 전부터 이 (빨강색의) 추상적임은 내게 말 건네는 듯하다-불타는 듯한, 탐하고 싶은, 범하지 못한 그 모든 것과 닮은 그 빛, 지금 온몸에 가능한 자극과 에로틱한 충동, 격렬한 청춘, 빨간색과 관련된 나와 다른 사람 또는 사람들이 공통적으로 인식하는 경험, 상징, 직관들을 연상해 본다.” 고 언급하면서 빨강에 대한 감정, 직관, 영감, 등 비물질적 상징성을 그의 추상작업의 핵심으로 삼는다. 나아가 빨강이 가지는 감정, 무의식을 포함하여 생리적 육체적 경험을 의식화하는 선험적 경험 뿐 만 아니라 빨강에 대한 상징이 가지는 추상적이고 직관적인 관념을 시간적, 물질적으로 구체화한다.

그렇다면 ‘레드가 간다’는 것은 어떤 의미일까? 빨강으로 향하는 명암의 기둥들, 추상의 표피로 덮힌 13개의 직육면체 덩어리는 색을, 빛을 입은 물질로써 도미노를 연상시키듯 규칙적으로 배열되어 있다. 흑과 백, 밝고 어둠 사이에 빨강이 들어와 있다. 도미노처럼 어느 한쪽으로 쓰러져 빨강을 드러낼까, 필자는 빨강의 흐름을 쫓게 된다 .

빨간색이란 색상 체계에서는 차트화 되어 볼 수 있는 특정 색이지만, 어둡고 밝음, 흑과 백의 명암 사이에서 빨간색이 드러날 수 있을까? 갑자기 툭 튀어나온 ‘빨강’, 그리고 그 색으로, 혹은 그 색이 지나‘간다(going)’는 건 결코 좌표로써 앞, 뒤, 좌, 우로 향하지 않으며, 흑백 사이의 빨강은 상징체계에 존재하는 색이라기 보다는 검정과 흰색, 즉 밝고 어둠으로 만들어진 공간에 존재하는 도드라진 그저 ‘빨강’이다.
흰색과 검정은 관찰자가 인식할 수 있는 색이 분명하나, 그는 빨강이 지나가는 움직임을 통해 기존의 상징성을 제거하듯 보편적 일반적 기본성을 지적으로 환원하고자 한다. 그는 또한 샌더의 속도, 운동의 방향, 그리고 명과 암이라는 개별 인자들을 서로 관계시킴으로써 모노톤의 절제된 요소에 빨강색이 주는 심리적 움직임을 이끌어낸다.

김요인에게 빛과 색은 자신의 예술실천의 핵심이지만 빨강이 가진 기존 상징성의 완전한 해체나 와해도, 자기메시지의 전달 또한 아니다. 빨강이 주는 상징의 계승, 더해 새로운 상징을 자신의 작업 세계에 도입하고자 함이며, 이러한 느낌들을 관객과 공유하고 싶음이다.

느낌의 영역은 무한하다. 우리의 느낌은 지금 우리 자신의 모습을 그대로 드러내준다. 내가 느끼는 만큼 내 자신이고, 내 세계이다. 예술은 나를 바라보게 한다는 진리대로 그의 작품은 ‘내게 말을 걸어오는 세계로 들어가라’고 격려하는 듯하다. 내 자신이 된다는 것은 나만 바라보는 시선을 나의 옆, 나와 함께 공존하는 주변의 것들을 바라볼 수 있음을 의미한다. 그 관계 속에서 함께 진동하고 움직이는 것임을… 그 세상에서 함께 존재하고 있음을 경험해보라고…

고잉레드

강인수ㅣ 얇은숲 THIN FOREST 2023.2.9-3.5 공간형
주최 / 기획: 공간형

얼핏 리얼리즘에 충실한 듯 보이는 강인수의 회화는 현실의 재현은 아니다. 그는 어디서 본 것만 같은 느낌을 유발시키는 보편적 일상의 풍경 위에 의도적이며 인공적인, 파악되지 않은 이물을 등장시킴으로써 익숙한 풍경으로부터 시선과 감각을 낯설게 만드는 장치를 이용하여 새로운 시선을 만들어낸다. 그렇게 보이는 일상의 숨겨진 다면적 상황에 대한 지각이나 지각하는 순간을 부각시킴으로써 현상적 시각 이면의 겹겹의 다양한 시각으로부터 고유의 미학을 이끌어낸다.

”미술은 작가의 손을 거지지 않아도, 혹은 개념이 중요하다는 사실은 지난 반세기동안 미술이 가진 특권이었다. 그럼에도 강인수의 회화는 절대적 시간동안 노동집약적으로 해낼 수 밖에 없다는 점에서 타인에게 위임할 수 없는 작가의 시간, 작가 자신의 실존의 흔적이다.

메를로 퐁티(Maurice Merleau-Ponty, 1908-1961)의 말을 빌리자면 예술은 지각을 통해 체험된 세계를 표현하는 ‘현상적 장’이다. 강인수의 기이하면서도 낯선 회화는 현상적 세계로, 분석적 시각으로 바라본 객관적 세계와는 다른 그가 지각한 세계인 것이다. 작품의 전체를 알지 못해도 얇은 숲으로 제시된 작가의 지각은 관객의 지각의 지평 또한 열어준다. 작품을 보고, 각자의 경험을 함께 조망해봄으로써 다양한 의미를 만들어갔으면 하는 과정일 것이다.
[•••]
얇음이 풍부해지는 것은 많은 것이 압축되어 얇게 보여졌을 때이다. 우리가 가진 얇디 얇은 시선이 조금은 더 풍성하고 유연해진다면 우리 삶에 마주하는 여러 문제들도 다르게 바라볼 수 있지 않을까... 단순히 바라보던 풍경에 새로운 시선을 만들고 싶다... 나의 작업은 자신이 가라앉지 않기 위한 발버둥의 산물이다.”라고 말하는 강인수는 마음을 휘젓는 강렬하고 경이로운 순간을 수집함으로써 그가 느끼는 일상의 풍경을 독립적으로 감각한다.

얼핏 리얼리즘에 충실한 듯 보이는 강인수의 회화는 현실의 재현은 아니다. 그는 어디서 본 것만 같은 느낌을 유발시키는 보편적 일상의 풍경 위에 의도적이며 인공적인, 파악되지 않은 이물을 등장시킴으로써 익숙한 풍경으로부터 시선과 감각을 낯설게 만드는 장치를 이용하여 새로운 시선을 만들어낸다. 그렇게 보이는 일상의 숨겨진 다면적 상황에 대한 지각이나 지각하는 순간을 부각시킴으로써 현상적 시각 이면의 겹겹의 다양한 시각으로부터 고유의 미학을 이끌어낸다.

강인수의 보는 것에 대한 탐구와 사유로부터 출발한 새로운 시선은 모호성과 이중성으로 집약된다. 우리는 평범한 일상의 풍경 속 공간이 드러내는 분위기와 색을 통해 작가가 드러내고 있는 현상적 장을 본다. 그 평범한 일상들은 어쩌면 어떤 사건의 현장이거나 혹은 어떤 일들이 지나가 버린 장소였을 수 있으나 우리는 원인도 결과도 알 수 없는 온전히 파악되지 않은 풍경 혹은 현상을 바라보고 있다. 그리고 그 분위기를 지각하는 것은 오로지 관람자의 몫이다.

어쩌면 사소하게 보일 수 있는 일상의 단면은 시간과 기억 지각 등 인간관계를 이루는 요소들을 자각하게 하고 결국은 인간을 인간으로 살아 있게 하는 것이 아닐까. 작가는 그렇게 세상에 존재하는 수많은 시선이 가진 고유한 힘을 기록함으로써 세상이라는 미스테리 가득한 우리의 오늘을 조명하면서 현재의 가치를 발견해주고 있다.

당신은 지금 보고 있는 걸 매우 잘 알고 있다고 생각하겠지만, 글쎄 ... 그럴까?

지금 우리에게 필요한 건 예술의 특별함 혹은 새로움이 아니라 얇은 숲으로 제시된 지각 세계와 관계를 맺으며 의미 있는 것들을 다르게 읽어 낼 수 있는 해석의 능력, 가시적 세계에 내재하는 무수한 이질성을 발견할 수 있는 감각적 사유가 아닐까.

강인수의 회화가 원하는 것은 끊임없이 이것과 저것의 구분짓기를 강요하는 사회 속에서 눈에 보이는 것과 보이지 않는 것을 직시할 수 있는 게으르지 않은 우리일 것이다.

다시, 강인수의 회화에서 우리는 무엇을 보는가? 무엇을 감각하는가?/ 서문중

형이하의다이버전스(Divergence of Metaphysics)는 2022년 '공모라기보다는 공모스러운' 프로젝트를 통해 선정한 25명의 작가들을 소개하는 프리뷰전시로 02.17일부터 5월15일까지 6개의 에피소드로 소개, 진행되었다.

Ep1.『Counter memory』 정성진 정재열 홍기하

Ep2.『Object, almost』 정승조 문우림 신호철 정재열

Ep3.『VUJADE』 강인수 김상소 김요인 노한솔 이미솔 정경빈 정은빈

Ep4.『Ahamoment』 김마저 김한나 박정윤 허성윤 허요

Ep5.『This position, timing, angle』 송유나 머피염 전장연 조희수

Ep6.『NaturalNeutral』 김의선 박보오리 이정화

형이하의 다이버전스 ㅣ 카운터메모리
참여작가: 정성진, 정재열, 홍기하

Counter Memory는 푸코(Foucault, Michel) 가 말하는 ‘기억은 기록된 것만 기억되며 기록되지 않은 것은 기억되지 않는다.’에서 기인한 전시명으로 거대 지배 기억과 미시적 기억 사이에서 개인의 경험과 기억의 산물로서 예술이 우리 세대의 망각을 깨우쳐주기도, 현재성에 대해 ‘’기억하기’를 환기시킬수 있음을 제시한다.

참여작가: 정성진, 정재열, 홍기하

카운터메모리(counter memory)’는 역사적 장치들에 의한 지배 기억(offcial memory)에 반하는 개인적, 미시적 기억으로 대개 기록되지 않을 뿐 아니라 침묵당하거나 말할 기회조차 제공되지 않는다.

Counter Memory는 푸코(Foucault, Michel) 가 말하는 ‘기억은 기록된 것만 기억되며 기록되지 않은 것은 기억되지 않는다.’에서 기인한 전시명으로 거대 지배 기억과 미시적 기억 사이에서 개인의 경험과 기억의 산물로서 예술이 우리 세대의 망각을 깨우쳐주기도, 현재성에 대해 ‘’기억하기’를 환기시킬수 있음을 제시하고자 한다. 일상적 기억, 문화의 기억, 체감된 기억, 거대 담론의 미술사적 기억 등의 다양한 층위의

불분명한 경계지대에서 고군분투하는 참여작가들의 에너지를 통해 우리의 잠재되었던 기억이 복원되고, 만화적 상상이 실현되고, 우리들의 추억, 기억, 꿈, 이상이 현실화되는 등 ‘지금 이 순간’에 대한 ‘현재성’에 대한 인식이 확장되기를 바란다.

미술사적 참조를 바탕으로 건축과 메스미디어화된 애니메이션 조각 작업을 전개해온 정성진은 현실과 가상(웹)이 뒤섞인 오늘날의 조각을 제시한다. 작가는 주류 미술사의 지배기억으로 남아있는 정통적 조각의 형태와 자신의 주변에서 체득하고 있는 문화 혹은 그 문화로 부터 파생된 자신의 미적취향을 조합하여 애니메이션 속 극적인 이펙트 효과를 3차원으로 끌이들이며 에니메이션과 게임 속 캐릭터들의 ‘필살기’의 형태의 조각으로 재구성한다.

가벼운 일상으로부터 서정적 분위기를 조성하는 정재열의 설치작업은 공간형의 주요공간을 차지하는 대형 조각들과 다소 상반된다. 작가는 현재의 삶을 살아가는 인간의 아주 평범한 일상적 행위안에서 혹은 자신의 사적 기억에서 비롯한 일상적 이미지들을 시적으로 재해석하고 그 소재에 따른 작가 고유의 미감을 통해 특별한 기억을 환기시키는 작업을 보여준다.

“채우고 비우기를 반복하는 과정에서 옅은 감정들이 자욱하게 뒤덮는다. 잔해와 미련들을 덮으려고 또 다시 채우는 욕망은 어렵지 않고 쉽다. 손끝으로 먼지를 쓸어낼 때 아직도 남은 기억들이 선명해질 뿐이었다. 비워진 상태는 채워지기 전까지는 소멸에 대한 불안과 먼 미동 없는 놓인 사물이다(정재열 2022).”

형이하의 다이버전스 ㅣObject, Almost 03.10-03.20

참여작가: 문우림, 신호철, 정승조, 정재열

우리는 사물로 가득 찬 세상에 살고 있다. 매 순간 사물을 마주함으로 새로운 내러티브가 탄생하며, 끊임없이 관계한다. 가벼운 일상에서 시작된 사물 미술은 일상과 예술의 경계를 와해시키고, 미술에 대한 기존 관념을 깨뜨렸다는 점에서 일찍이 단토는 ‘미술 종말’ 을 고하지만, 이것은 미술의 무한한 자유획득을 증명하는 선언이 되었음을 다시 한번 확인하게 한다. 《Objcet, Almost》는 우리의 현실만큼 일상적인 사물들을 소재로 한다. 매일 만나는 평범한 사물들을 예술 실천의 중심에 둔 작가들은 그 사물들을 개인의 조형언어이자 삶과 소통하는 매개체로 인식하고, 또 어떻게 시각예술로 용해되는지 보여준다. 각각 다른 지점에서 출발한, 다양한 시선에서 새롭게 태어난 대상-사물들은 다양한 가능성과 잠재력을 갖는다. 《Object, Almost》의 사물들은 그 형태가 지니는 인터페이스(interface)의 주 요소들로 집약된 직관적 사물회화가 되고 (정승조), 스쳐 지나가기 쉬운 개인의 꿈이 반영된 미시적 유토피아로 구성되기도(신호철), 반미학적 접근을 통한 소비문화의 감성 사물 집합으로 나타나기도(문우림), 작가의 정서를 반영하는, 마치 사물과 대화를 나누는 듯한 세심한 설치적 환경으로 펼쳐 보여지기도 한다(정재열). 이처럼 일상의 삶 안에서 예술적 사건과 삶의 시간이 뒤엉키는 과정을 담는 《Object, Almost》는 사물(작품)과 사용자(관람자)의 적극적인 소통을 유도한다. 우리는 다양한 사물들 사이를 맴돌고 불규칙적으로 부딪히면서 특별한 사물을 마주하기도 혹은 뜻밖의 사물과 맞닥뜨리며 사물의 새로운 의미, 가치를 발견하면서 나만의 소중한 기억에 귀 기울여 보기도 한다. 그렇게 사물과 인간 사이, 유쾌함, 친근함, 그리고 유머러스함 마저 자아내는 《Object, Almost》전시가 일상에 대한 애정과 감각을 되살려보는 기회가 되기를 바란다. ----모든 사물들은 가능성과 잠재력을 갖고 있다. 정승조의 사물 회화는 인터페이스로써 관객에게 대상 사물과의 상호작용을 하던 기억을 환기시키며 사물 관찰의 즐거움을 전달한다. 예술 속에서 우리는 아름다움만이 아닌, 아름다움의 반대가 추가 아니듯, 무엇을 발견할 수 있을까? 누군가의 일상이었을 사물들은 작가 자신을 반영하고 그의 삶을 보여주며 우리 모두의 삶을 담아내기도 하는 특별한 사물 조형으로 부활한다. 그 평범하지만 특별한 사물 앞에서 우리는 우리의 특별한 시간을 발견하고 경험한다. 일상의 사물은 새로운 가치와 의미를 부여받아 또 하나의 기억을 만들어내고, 그렇게 일상, 예술, 삶 모두 가능해진다 [중략]

형이하의 다이버전스 ㅣVujaDé 03.24-04.03

강인수/김상소/김요인/노한솔/이미솔/정경빈/정은빈

VUJADÉ 《문득, 낯선》는 우리의 현실만큼 일상적인 시각을 담은 회화전시이다. 그러나 매일 만나는 풍경, 혹은 그 무엇이 단순한 재현의 대상이 아닌 어떻게 구현해 낼 것인가, ‘보는 방식’에 대한 다양한 고민의 과정과 시간들이 축적되어있다.

참여작가: 강인수, 김상소, 김요인, 노한솔, 이미솔, 정경빈, 정은빈
익숙하지만 낯설다. 우리는 세상이 정한 사회적 시간과 프레임(NORM)을 통해 지금, 현재를 살아가고 있는지도 모른다.
어쩌면 그 프레임 밖의 많은 것들이 잊혀지고 버려지고 있는지도 모른다.
동시대의 예술, 그리고 예술가들은 일반적 언어 외에도 예술이라는 언어를 추가로 지니고 있어 사회가 정해 놓은 프레임을 넘나들며 잊혀 가는 것들, 무심히 지나친 것들의 곳곳의 틈을 메우는 작업을 진행 중이다. 보이는 것과 보이지 않는 것, 이미 본 것들과 보았지만 낯설게 느껴지는 것, 그리고 삶과 예술을 넘나들며 공감을 이끌어내는 7의 작가들, 강인수, 김상소, 김요인, 노한솔, 이미솔, 정경빈, 정은빈은 우리가 살아가는 “지금” 일어나고 있는 동시대성을 예술이라는 개인적 언어로 문득 낯설게, 우리가 미처 보지 못했던 부분, 당연하게 여겼던 일상의 것들에 대해 생각할 기회를 준다.강인수는 가볍게 지나치는 시선, 혹은 보이는 그대로만 바라보는 얆은 시선에 대한 고민으로 풍경 안에 새로운 시선을 만들어 이야기를 만들어내고, 김상소는 물질 회화의 방식으로 이야기를 전달하는 번역가로써 이야기를 하듯이 자신의 예술언어를 구현한다. 김요인은 모든 색과 형태들은 독립적으로 형성되는 것이 아닌, 다른 것과의 관계에 의하여 구성된다는 dependent nature(의존성)을 기반한 색조합 설치를 보여준다. 노한솔은 일상속에서 사라지지 않고 기억 속에 남아있는 장면들을 관찰한다. 그 연결고리에서 찾게 되는 우리 주변의 통용되는 기존의 수많은 정의와 상징 이미지에 대한 선긋기를 시도한다. 이미솔은 매일 칸칸이 채워지는 그리기로 재현적 대상의 일시적 표현보다는 지속적 수행에 기반한 과정과 시간을 담는다. 정경빈은 재현 불가능하다고 여기면서 실제로는 우리 삶 구조 안에 깊숙이 침투해 있는, 서로 복잡하고 미묘하게 얽혀있는 것들, 혹은 쉽게 증발되거나 좌절되는 것들을 이야기한다. 정은빈은 일상의 화면과 우연한 조우 혹은 그 마주침의 아름다움을 고요하게 그리고 섬세하게 표현한다. ‘회화를 어떻게 바라볼 것인가’에 대한 각자의 회화적 대답은 납작한 실루엣, 캔버스분할, 글자꼴라쥬, 멀티캔버스, 연속시점, 다시점, 그리고 경계 없는 공간지각으로 시각적인 상상, 재미, 정화 등 모든 것을 가능하게 한다. 문득 낯선 시각과 언어의 유연함으로 인해 우리는 보다 자유로이 작품 해석에 개입하며 이들의 작업이 갖는 시간적 여정에 함께하게 된다. [중략]주위에 있었으나 마치 처음 경험한 것처럼 새로운 관점에서 여태까지 보지 못했던 것들을 보는 능력을 가진 사람, 우리는 이들을 VUJADÉ라고 명명한다. 판데믹으로 세상이 멈춘 것 같은 오늘, 그 동안 우리는 일상의 그 잔잔한 변화들을 인지하지 못하고 지내온 것만 같다. 현대미술의 오늘은 어떨까. 미술은 시대의 욕망을 대변하듯, 이 시대의 절망과 욕망은 창조의 조건이 되기도 한다. 그래서일까, 친밀감이 자제되고 거리두기가 만연한 이 시기, ‘나’와 ‘타자’ 간의 관계성을 탐색하는 주제들로 절망이 아닌 희망을 기록하고, 지금 이 순간, 현재를 놓치지 않기 위해 노력하는 동시대 작가 7인이 전달하는 현대미술의 오늘을 만난다이렇게 VUJADÉ 《문득, 낯선》은 오늘날의 진실한 회화가 어떻게 구현되는지를 보여준다. [중략]

서문중

형이하의 다이버전스 ㅣ Anamoment 04.07-04.17

김마저/김한나/박정윤/허성윤/허요

우리의 앎을 벗어나 있는 것, 그것이 세계이다. 그리하여 세계란 우리의 발견을 기다리는 미지의 것들로 가득 차 있다. <Ahamoment>는 개인의 고립과 결핍에 맞서 자신과 관계하는 세계를 탐구하면서 새로운 삶의 가능성을 시각예술로 실험하고 있는 동시대 작가들을 만난다. <Ahamoment>는 자신이 지각하는 세계를 절대화하지 않고 하나의 마음과 감정 풍경들로 바꾸어 세계와 접촉하고 관계하는 과정을 가시화하는 작가들의 작업들로 구성된다. [중략]나에게 외로움을 주는, 상처를 주는 보이지 않은 미지의 무엇에 압도당하지 않으며, 마음의 여유를 갖고 세계와 자신의 관계를 탐구하고 사유한다는 것은 그 자체로 삶의 본질과 가치를 깨닫는 아하모먼트가 된다. 창의적, 인지적, 심리적 유연성으로 세상을 유희하는 능동성으로 또 다른 차원의 세계와 소통을 시도하고 있는 그들이 사유하는 세계에 동참해본다.현대미술의 역할과 존재 방식에 대한 저마다의 해답을 찾기 바란다.

형이하의 다이버전스 ㅣ This position, timing, angle 04.21-05.01

머피염/송유나/전장연/조희수

매일 새로운 일상이 오지만 긴장과 불안감으로 쫓기듯 달린다. 인생은 짧고 할 일은 많으니까(많다고 생각 드니까). 달리고 움직이고... 왜? 도달해야 할 목적이 저기 있으니까. 목적지가 저기 있다. 그래서 나는 달린다. 저기 어딘가에는 좀 더 행복하고 좀 더 자유로운, 내가 꿈꾸던 세상이 있을 것 같다.

매일 새로운 일상이 오지만 긴장과 불안감으로 쫓기듯 달린다. 인생은 짧고 할 일은 많으니까(많다고 생각 드니까). 달리고 움직이고... 왜? 도달해야 할 목적이 저기 있으니까. 목적지가 저기 있다. 그래서 나는 달린다. 저기 어딘가에는 좀 더 행복하고 좀 더 자유로운, 내가 꿈꾸던 세상이 있을 것 같다.

일상, 현실, 긴장, 존재, 불확실성을 주제로 삶과 예술을 연결하는 작가들을 만난다. 이들이 만들어 내는 작품들은 사물이 아니라 흐름, 혹은 순간의 움직임으로 존재한다. 이들은 일상의 수많은 만남과 새로운 사건들이 일어나는 사이사이, 자신에게 질문을 던지며 자신이 찾을 수 있는 변화와 리듬을 놓치지 않는다.

조희수는 초과밀의 강남대로 한복판에 육상트랙이라는 제약적 상황을 만들고, 그 제약에 뛰어드는 다이버를 자처한다(•••)송유나는 ‘기생조각’이라는 그만의 미술 언어를 각인시키며 다른 작업과의 협업을 가능하도록 하는 매개자이기를 자처한다
(•••)전장연은 일상에서 긴장감을 조성케 하는 불완전한 조각설치 속 충만함을 드러내는 방식으로 일상 아래 깔려진 숨겨진 서사를 드러낸다
(•••)머피염은 발견되는 사물, 가정용 기계를 본래의 기능에서 벗어나 기계의 명령과 통제를 의도적으로 오역해서 실험한다. (•••)

<이 위치, 이 타이밍, 이 각도에서>는 우연과 일시성이 강한 작업들을 서로를 기준으로 배열시키며 인생은 건너뜀이 없다는 사실을 말하고자 한다(•••) 그런 의미에서 네 명의 작가는 자연의 성실함을 닮았다. 이들이 보여주는 건 자신을 둘러싼 모든 환경을 향한 진정성이며, 성실성이다. 지금도 흐르고 있는 이 시간, 완결되지 않은, 사이 사이의 휴식, 지금을 즉시 하는 성실성이다. [중략]

별 것 아닌 순간들, 무한 루프되는 이어달리기 같은 삶에서 문득 하늘을 보며, ‘난 왜 여기에서 이러고 있지?’ ‘나 자신을 있는 그대로 긍정할 만큼 나는 자유로운가?’ 자신의 신체를 이용하여 질문을 던질 때, 다섯 개의 꼭지점이 있는 구조물을 만들면서 아이의 얼굴을 떠올릴 때, 내 작품은 누군가의 작품 뒤에서 중요한 역할을 하고 있다고 미소 지을 때, 미술은 특별한 경험으로 환원된다. 그렇게 작품 뒤의 여백을 가만히 바라보는 것만으로 관객은 이들의 섬세한 감정에 젖어들고 각자의 기억을 환기시킨다.

이들은 말한다. 가장 아름답고 소중한 건 지금 이 위치, 이 타이밍, 이 각도 안에 있을지도 모른다고.
인생은 스포츠를 닮았다. 최후의 승리보다 사이 사이 잠시 숨돌리고, 느끼고, 회상하고, 혼자 미소짓는, 그렇게 여유를 음미하는 우아한 스포츠말이다.

전시의 숨은 의도가 있다면 그것은 위로와 치유 메시지를 전하는 것이었다. 똑같은 시간과 현실을 살고 있지만 이 위치, 이 타이밍, 이 각도에서 찾을 수 있는 여유와 우아함을 공유하고 싶었던거다.

우리는 같은 세계, 같은 시 공간을 사는 사람들, 어려움과 느낌을 공유하고 있으니까.

형이하의 다이버전스 ㅣ NaturalNeutral 05.05-05.15

김의선/박보오리/이정화
형이하의 다이버전스 Ep.6 : NaturalNeutral 은 미술 안팎의 경계를 넘나들며 일상과 사물, 미술을 매개하는 3인을 만난다. 사물 관찰을 통해 삶과 미술을 통합하는 김의선, 일상에서 발견되는 미시적인 것들을 좀 더 미시적 진지함으로 바라보는 태도로서의 미술로 번안하는 이정화, 미술을 통해 ‘경계 없음’ 과 ‘다양성’을 구현하는 박보오리.

이들은 환경,생태 등 나와함께 공존하는 것들을 바라보며 비가시적인 것을 가두는, 혹은 비가시적인 존재에 대한 관찰을 예술실천으로 삼는다는 점에서 쉽지 않은 여건에서도 유의미한 미술 역사를 쓰고 있다.

▫️참여작가: 김의선 박보오리 이정화
▫️전시기간: 2022. 05.05-05.15
▫️운영시간: 목-일 12:00-18:00
▫️장소: 공간형 (서울시 중구 을지로 105, 3층)
▫️기획: 공간형 (장성욱)
▫️포스터: 그레코끼리
▫️촬영/ 기술지원 : 장성욱

Divergence of Metaphysics Ep6
《NaturalNeutral》
KIM Euysun, LEE Junghwa, PARK Boohri
May 05 – May 15, 2022
Thu to Sun : 12 - 6pm
Directed by Xunguuk.J
Organized and Coordinated by ArtspaceHYEONG
technical support : Xunguuk.J

#김의선 #박보리 #이정화

정성진ㅣ 《dock》
2022. 11.24~12.11 공간형
주최 / 기획: 공간형

김마저ㅣ 《形角無》 무각형 2022. 11.05~11.20 공간형
주최 / 기획: 공간형

“관습에 대해 알려진 중심주의와 규정에 대한 합의를 깨는” 김마저의 태도는 삶에서 마주하는 무수한 경계와 정형화된 규정들 사이 사이에서 발생하는 쉼과 자유로움을 추적하는 내부욕망으로 나타난다.

김마저는 개체를 독자적으로 바라보는 오브제성보다 그것이 놓이는 공간과의 관계성을 중심으로 고정된 것들의 사이를 살피고 그것들을 연결짓는 새로운 읽기를 제안한다. [중략]

작가의 예술철학은 모더니티와 통용된 표준개념, 추상과 형상 등의 이분화를 경계하는 것으로 회화를 공간으로 확장시키는 조형실험을 통해 각 개체들의 상호교차 상호전이, 상호공존의 이야기로 펼쳐진다 [중략]

정승조ㅣ《Woven Memory》 2022. 10.13~10.30 공간형
주최/ 기획: 공간형

정승조의 인터페이스 시리즈는 과거가 아닌 개인의 감각적 기억에서 시작해 당시의 시간들을 소환하게 해준다. 기억 속 어딘가 그 사물과 함께했던 우리들의 시간들.

(•••)

일상 곳곳에서 만나는 사물의 인터페이스와 이를 물성 가득한 회화로 옮기는데 힘써 온 그가 이번 개인전 <Woven Memory>에서는 그의 회화에 기억(memory)과 지속가능성(sustainability)을 부여한다.

작가는 자신의 회화활동(painting practice)의 부산물인 자투리 린넨의 용도를 ‘지속 가능성(sustainability)’의 관점에서 재고해서, 회화 창작 과정 내 의미를 새롭게 생각해 본 것이다. 지속 가능성이 전제하는 윤리적 올바름의 실천은 물론, 일상의 사물, 그 중에서도 저장매체(디스크,비디오테이프)를 주로 다뤄온 작가에게서 기억의 복구, 회복, 그리고 지속성은 어쩌면 그의 작업 철학을 지속하는 데 무엇보다 중요한 작업철학이였기 때문일 것이다. 이 단어가 지금처럼 유행하기 훨씬 전부터.

작품의 재료란 곧 작업의 메시지다. 그는 <Woven Memory>에서 그의 사물과 관련한 기억의 작동 방법을 친절히 안내한다. 삐뚤빼뚤 꿰매진 캔버스는 회화의 소재로 그가 빈번히 소환하는 사물들이 제 아무리 대중적일지라도, 우리는 각자의 방식대로 개별 사물을 서로 다르게 기억하고 있다는 것을 상기시킨다.

오래전 보내진 이메일의 첨부파일 속 압축파일이 보관되어있다가 꺼내진다면 이렇게 조각난 대지를 붙이고 팽팽하게 당겨서 그 위에 있었을 사물의 그림을 다시 새겨 놓으면 모니터를 통해 우리에게 보여지는 것은 아닐까? 파일이 전송되고 데이터화되고, 또 복구되는 눈에 보이지 않는 일련의 과정이 박음질 된 캔버스 천조각의 봉제선으로 드러난다는 것도 왠지 인간적이다. 어쩌면 이것이 부유하는 이미지의 조합방법, 기억의 구성 방식을 ‘정승조’라는 필터를 이용해 볼 수 있는 것은 아닐까.

작가는 질문한다 “현대 회화는 디지털 네트워크를 통해 디지털 이미지로 순식간에 전세계로 유통되고 다양한 형태로 거듭 변화하면서 재생산되고 있다. 이 여정에 동반하는 회화의 물성은 무엇을 기록하고 어떻게 기억하는 것일까?” [중략]

신호철 ㅣ 《BELLAGIO》 2022. 08.25~9.18 공간형
주최/ 기획: 공간형

1년이 넘어가도록 몇 안되는 조각 작업들을 붙잡고 완성을 시키지 못하고 있다. 나의 조각들은 말을 걸어온다. 짧게 소비되고 죽기 싫다고. 바다처럼 마르지 않는 생명력을 달라고. 내가 나의 조각들을 터치하는 매 순간마다 조각들의 비명이 들리는 것만 같았다. •••그렇게 나의 조각들은 영생을 원했다. 나는 이들의 외침에 응해서 지난 4월 조각의 불로초가 있다는 이탈리아로 떠났다. 나의 일정과 시간이 허락하는 내에서 — 신호철

[•••] 이제 작가가 고민하는 조각의 영생은 어떻게 얻을 것인가. 이번 전시에서 그가 조각의 불멸성을 위해 불로초를 찾는 여정을 간과할 수 없다••• 장소의 이동과 관련한 작업의 표상은 현대미술이 직면한, 그래서 가장 시의성 있는 화두임에 틀림없다•••그리고 이탈리아라는 장소에서 조각의 영원성을 확인할 수도, 클래식이 선사하는 아련한 위안을 기대할 수 있었다.

이정화 ㅣ ≪OLD LAND ≫ 2022.08.04-08.21 공간형
주최/ 기획: 공간형

VOID. 이정화는 아라온 호 승선 레지던시를 통해 북극 항해를 한다. 북극에서 수집해 온 자료를 그만의 진지하면서도 유쾌한 관점으로 풀어낸다.

[•••]

‘올드랜드는 빙하기 이래로 단 한 번도 녹지 않았으며, 현존하는 북극 해빙 중 가장 오래되었습니다. 바닥에 굴러다니는 얼음조각을 하나 골라 집어삼켜 보세요. 세월의 무게만큼 단단하게 응축된, 미네랄이 풍부한 얼음을 맛볼 수 있습니다. 바다의 미네랄과 하늘의 비가 만들어낸 여기저기의 웅덩이는 지상낙원의 샘물처럼 하나같이 맑고 깨끗한 물이 채워져 있습니다 /// 그 신비한 물을 한 모금을 마시면 기운이 솟아납니다. 더 마시면, 눈이 맑아져 세상이 또렷하게 보이고, 몸에서 열이 가라앉기 시작합니다. 피부는 부드러워지면서 생기가 돌기 시작합니다. 이 물은 마시면서도 더 마시고 싶어집니다. 사흘 굶주리고 이 물을 마시면, 그날부터 병에 걸리지 않고, 죽기 전까지 평생 서른 두 살로 살 수 있습니다.’ APPENDIX: Translation of the original Latin Letter of Unknown

VOID. 이정화는 아라온 호 승선 레지던시를 통해 북극 항해를 한다. 북극에서 수집해 온 자료를 그만의 진지하면서도 유쾌한 관점으로 풀어낸다. 북극점을 향해갈수록 세상의 원형으로 올라 가는 듯 아무것도 없는, 마치 가상현실에서의 default view (* 좌표를 지운 3D 프로그램의 기본 대지) 를 마주한 듯한 경험에 대해 작가는 다음과 같이 말한다.

“북으로 올라갈수록 하늘이 바다로 내려오기 시작했다. 해빙은 하늘과 바다 사이에 하나씩 떠오르기 시작하고, 드문드문 떠다니는 해빙은 구름이 되었다. 하늘과 바다가 하나가 되는 순간이었다 … 잔잔한 북극의 바다는 투명한 거울처럼 나를 비추었다.”

이정화는 탐험이라는 이름으로 미지의 세계를 향해 움직이는 인간의 끝없는 욕망을 유쾌하게 풀어놓는다. 공간에 느슨하게 연결되어있는 오브제들을 따라가다보면, 공간형 안쪽 방의 영상과 마주한다. 영상은 계속해서 흘러가는 빙하와 자막뿐이다. 인간의 태생적 결핍에서 오는 욕망에 대해 이정화는 이렇게 좀처럼 무엇인지 잡히지 않는, 경계없는 방식으로 허상,가상, 현실, 존재에 대해 질문한다. 그리곤 그만의 상상력이라는 그릇에 꾸준히 미네랄과 샘물을 공급하고 있다.

정윤주 ㅣ ≪구조로 쓴 시 ≫ 2022. 06.16-07.03 공간형
주최/ 기획: 공간형

배열된 사물들은 동등한 가치를 지닌 것으로 단순하지만 반복은 없다.
덩어리를 더하거나 빼거나 옮김으로써 그가 말하는 ‘최종의 장면’에 이르는데, 그것은 주목받지 못하는 형태, 그 기능을 가진 구조의 변형으로 뜻밖의, 잊혀지지 않는 시각적인 특별한 무엇이 된다.

[•••]

어떤 사물의 기능적 형태가 예술적으로 복원되고, 탈바꿈되는 그 지점에 ‘최종의 장면’이 녹아 있다. 그것은 다시 관람자의 상상력을 사로 잡고, 관람자의 체험으로 전이되는데, 그는 그렇게 충실하게 조각을 유희하는 것이다. ◽️공간형 / 서문 중

최지수 ㅣ ≪단지 움직임을 위한 공간≫ 2022. 05.26-06.12 공간형
주최/ 기획: 공간형

최지수는 특정 개인의 경험을 드러내고 강요하기 보다 양극의 심리를 동시에 느끼게 하면서, 딜레마적 상황을 오픈시킨다 [•••] 이상과 현실로 은유되는 공간의 안과 밖을 그대로 노출시키고 신체의 익숙함과 낯섬을 동시에 체감하게 함으로써 *언캐니한 분위기를 만들어낸다.

마치 심정이 복잡한 사람이 대체로 더 무표정한 상황과 연결되는 지점이라고 할까.

최지수는 자신의 신체를 일차적 도구로 사용하였다. <statue of> 자신의 등 구조를 선택적으로 취하여
만든 조각으로, ‘등’ 은 구분되어 지지 않고 싶음과 동시에 어느 쪽도 온전히 속하지 못하는 상황을 표상한다. 가장 구조적인, 입체적인 것을 부각시켜 조각함으로써 마치 남성적이라고 불리는 근육질의 몸을 취득한 것처럼 보이기도, 동시에 민둥민둥한 살의 영상을 입혀 평면성을 가시화한다.

미디어파사드 설치조각, <◇> 은 한 명의 등 이미지로 패턴을 만들어 새로운 신체 이미지를 만들었다. 정체불명의 몸 덩어리들이 꿈틀거린다.

최지수는 특정 개인의 경험을 드러내고 강요하기 보다 양극의 심리를 동시에 느끼게 하면서, 딜레마적 상황을 오픈시킨다. [•••] 이상과 현실로 은유되는 공간의 안과 밖을 그대로 노출시키고 신체의 익숙함과 낯섬을 동시에 체감하게 함으로써 *언캐니한 분위기를 만들어낸다.

마치 심정이 복잡한 사람이 대체로 더 무표정한 상황과 연결되는 지점이라고 할까.

*Freud는 친숙하지만 낯선 감정을 느끼는 심리를 ’uncanny’의 개념으로 설명한다.

<statue of>, 단채널 영상, 스티로폼, 우레탄 폼, 핸디코트, 천, 1520*250*1810mm

<◇>,단채널 영상, 모니터, 실리콘, 합판, mdf, 우드퍼티, 핸디코트, 젯소, 바니쉬, 570*70*980mm

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