Técnicas, géneros y estilos de interpretación I

Aníbal Vicente Ruiz de la Hermosa

Creación y desarrollo de mi personaje

En esta página iré subiendo mi progreso con la asignatura y con mi personaje.

Semana 1: 16/09/25

Acción: "Mirarse al espejo".Personaje: "chulo".

Acción: "Ponerse la chaqueta". Personaje: "chulo".

Para este primer día escogí seguir explorando a un personaje "chulo". Siento que es un personaje que se aleja mucho, tanto física como mentalmente, de lo que suelo interpretar y quería ponerme ese reto.

Estuve pensando en qué acciones podría hacer. "Prepararme para salir" me parecía una acción con muchas acciones juntas en ella, por eso decidí centrarme en mirarme al espejo. Luego Nerea me dio la acción de ponerme la chaqueta. La verdad es que es mucho más práctica. Y noto menos vacío.

Para la próxima clase me estoy preparando la acción que inicialmente pensé. Es un personaje que ahora mismo no sé muy bien por dónde enfocar. Me siento perdido dentro del contexto del personaje. A veces siento que puede ser un chulo de barrio y otras un chulo con dinero. Pero tengo claro que tengo que ser chulo, porque dentro de la incomodidad me siento cómodo en ese personaje, así que ya veré qué me va deparando.

En cuanto a cómo afrontar la técnica extra-cotidiana para la próxima semana, me quiero centrar mucho en la actitud, en que la acción no sea tal cual un chulo la haría en su casa, sino que sea algo más performativo, que la postura corporal y la energía indiquen que no es simplemente estar, sino también hacer. Al menos así es como he interpretado yo a Barba. Con la presión de hacer una escena, ya de por sí pasa de cotidiano a extra-cotidiano, pero si además soy consciente de esa presión y llevo el cuerpo al límite de la incomodidad en escena, creo que puedo llegar a lo que pide Eugenio Barba.

Llevo toda la semana caminando por la calle como lo haría mi personaje, y ya me sale instintivo. Intento imitar a gente en el metro que está en posiciones chulescas, y luego cuando practico en mi casa o simplemente estoy, pero en personaje, intento recordar esas posturas, pero las hago mías.

Semana 2: 23/09/25

Acción extra cotidiana: "Prepararse para salir".Personaje: "chulo".

Esta semana, me ha gustado mucho el entrenamiento pre-expresivo con la repetición de movimientos y cambios de ritmos mientras corríamos. Puedo intuir que en parte tiene mucho de similar con las técnicas extracotidianas que propone Eugenio Barba. Algo que no haríamos de forma natural en un entrenamiento de activación, pero que nos permite explorarlo desde otro punto. En cada repetición se va nutriendo de una forma nueva.

Por otro lado, en cuanto a la acción extra-cotidiana que teníamos que traer esta semana para nuestro personaje, esta semana he cambiado la acción a una que permita explorar más al personaje (de mirarse en el espejo a prepararse entero) y sí que es verdad que para una escena cotidiana me ha dado mucha más amplitud (a pesar de mi bloqueo a la hora de representarlo en clase). Sin emabrgo, he de decir que me ha limitado un poco para el concepto de extra-cotidiano porque no sabía cómo enfocar el ritmo y la exploración repetitiva e inusal en esa acción.

Para la semana que viene me enfocaré en algo más particular y exploraré la extra-cotidianidad desde ese punto más consciente. También meteré un distanciamiento pensado con anterioridad, tal y como proponía Brecht, de forma que me aleje de alguna forma de mi personaje unos momentos y me acerque a mi yo actor.

Durante esta semana estoy dando mucha importancia a la extracotidianidad; estoy probando distintas formas en la acción que me lleven a ella. Necesito tenerlo claro porque es importante para el proceso del personaje, ya que las técnicas extracotidianas forman parte de la pre-expresividad y del entrenamiento del actor.

También me ha gustado explorar a Meyerhold con la división de la acción: intención, equilibrio, ejecución, porque se relaciona mucho con los sats y los impulsos de Barba y pone en la ejecución una energía que genera mucha presencia. Esa energía de la duda creo que es muy potente para que no se quede vacía.

Semana 3: 30/09/25

Acción extra-cotidiana: "Echarse gomina".Personaje: "chulo". Distanciamiento: limpiarse con papel higiénico.

En la clase del día 30 de septiembre, primero hicimos un calentamiento corporal de activación. A mí me gustó especialmente, sobre todo porque me sumergí mucho en los ejercicios que se iban proponiendo..

A través del baile fuimos metiéndonos en diversos personajes, pero sin estereotipar. Cogíamos algún rasgo del personaje y lo llevábamos al baile, porque no todos los médicos son iguales, no todos los seductores son iguales... También trabajamos con animales, con músicas y ritmos distintos y fuimos soltando el cuerpo.

También fue el día de las exposiciones, como hemos explicado en el apartado general del blog, y por eso no dio tiempo a hacer las escenas extra-cotdianas con su respectivo distanciamiento.

Aquí adjunto el ejercicio pensado para la clase y grabado desde mi casa. Decidí enfocarme en la gomina. Es un ejercicio mucho más específico y que me ha ayudado más a desarrollar mi acción: acciones repetitivas, con ritmo, con cambio de dinámicas, con consistencia y con dilataciones que me lleven a explorar mejor mi acción.

El distanciamiento lo he realizado al final. De forma que el hecho de limpiarme las manos manchadas de gomina, ha salido de mi yo actor y no de mi yo personaje.

Durante esta semana he estado leyendo y practicando a Julia Barley con sus propuestas sobre el texto. Me está pareciendo un ejercicio muy interesante porque me permite jugar mucho con mi voz, como cuando somos niños en los patios de los colegios. Esa riqueza a la hora de improvisar sonidos (repetitivamente) y luego trasladarlos a texto memorizado es interesante porque de repente empiezas a hablar de una manera que no esperarías.

También me gusta eso que dice Barley sobre olvidar el texto y empezar con acciones vocales, pausas, musicalidades... para que todo eso te lleve al texto. Es un ejercicio que (al igual que propone Eugenio Barba con el cuerpo) va al revés de lo que estamos acostumbrados, y la verdad que explorar ese terreno es muy bonito.

Por último, Chéjov habla de que toda esa base que propone Julia Barley es la que hace que nos caractericemos como personaje y que nuestra voz hablada en el día a día no sea la del personaje. No debe recordar la voz del personaje a la nuestra, pues ese es el trabajo de voz que tenemos que hacer. Esto es muy rico también porque nos permitirá hacer personajes que no suenen igual que el anterior.

Semana 4: 07/10/25

En la clase del día 7 de octubre estuvimos debatiendo sobre las buenas interpretaciones que habíamos llevado cada uno de nosotros.

A mí, estas dos clases que hemos tenido de debate en las que hemos analizado interpretaciones me han resultado muy ricas a nivel actoral. Y no solo porque vemos ejemplos de resultados buenos o malos que nos servirán para saber qué debemos hacer y en qué no debemos caer (estereotipación o sobreactuación), sino también porque, estando nosotros mismos en el proceso de creación de personajes, nos viene bien ver los caminos que llegan a buen punto. Barba, Meyerhold o Julia Barley nos están guiando en este proceso. Por ello, usando estas técnicas de referencia, podemos ver si un actor está o no con energía o voz en el espacio presente o cuando simplemente está haciendo que actúa.

Por otro lado, el ejercicio de improvisaciones encadenadas en personaje. Hicimos tres rondas con distintas propuestas: la primera en onomatopeyas, la segunda en idioma inventado y la tercera en nuestro idioma. Las tres tenían que compartir la misma acción. Personalmente, en este ejercicio sentí que pude haber dado más. Tanto a nivel vocal como de acción, me quedé un poco bloqueado. Siento que, aunque vaya progresando, me falta mucho. Sobre todo, lo que me bloquea es caer en la estereotipación; por eso esta semana es en lo que me centraré, en trabajar con mi personaje más, autoexplorarme, saber cómo es mi personaje. Y eso solo se consigue pasando tiempo con él.

Durante esta semana he estado dando más matices y personalidad a mi personaje. Por ejemplo, iba andando por la calle en personaje y me iba dando cuenta de que le gusta juzgar y criticar a las demás personas. E incluso que quizá sea un poco machista. También en mis interacciones de personaje en las improvisaciones que hemos practicado con los compañeros durante la semana, me he dado cuenta de que es un personaje al que le gusta gustar mucho y eso le lleva a ligar con cualquiera que ve por la calle, lanzar piropos, etc.

Pero sobre todo, me he dado cuenta que esto lo hace por un motivo. Y es que sí, tiene mucho ego y se ve el mejor. Pero en realidad, no deja de ser una persona humana que en su intimidad lucha por agradarse a sí mismo. Quiere que todo el mundo le vea bien porque quiere que le ayuden con su autoestima. La chulería es un escudo, porque en su intimidad, sí, sigue siendo alguien que admira su propio cuerpo, pero también es alguien a quien la repetición constante de admiración le ayuda a verse mejor.

En cuanto a la voz, he seguido con ejercicios de Barley y mediante la repetición creo que estoy llegando a algún punto, la voz de mi personaje. Lo he practicado sobre todo con: "tranqui, tranqui, que ya hemos hecho esto anteriormente, ¿qué te pasa tío?"

Por último, decir que ya me voy encontrando con mi personaje más cada día. Tengo claro cómo es y qué tipo de chulo es: quiero que sea un chulo de barrio, porque así me ha ido saliendo según iba creando.

Semana 5: 14/10/25

Personaje: chulo de barrio. Acción: prepararse para salir a vender droga.

En la clase del día 14 de octubre estuvimos concretando con ayuda de Nerea a nuestros personajes. Hablamos de la creación dramática como proceso para el mejor entendimiento de nuestro personaje. Por un lado está la biografía (hábitos, modos de ser, de vestir, de comer, gestos, interacciones, música, colores...), y por otro el episodio (un acontecimiento cercano que de alguna manera altera algo en el personaje, puede que no de por vida probablemente porque el personaje es el que es, pero sí le va atransformar de alguna forma tras haberlo vivido. Aquí hablamos también del punctum como el punto más álgido del episodio vivido.

Según Roland Barthes, creador de La cámara lúcida, el punctum sería ese punto de inflexión que llega directamente al corazón, mientras que el studium es algo que deja indiferente al espectador porque no es objeto de tanta atención. De esta manera hablamos de poder relacionar el punctum con el episodio (como he explicado) y el studium con la biografía en la que están ocurriendo cosas per tampoco son de vital importancia para el protagonista. Simplemente son parte de su rutina diaria y casual.

Así, ejemplos de punctum podrían ser las imágenes documentales en las que se cuenta un hecho importante dentro de la vida de unas personas, y que nos llegan. Imágenes como las que se aportan en la reflexión general del día de hoy, o como la de la izquierda. Una boda podría ser un episodio muy importante que upone un cambio de inflexión en la vida de esas personas. Y el momento captado en esa fotografía es claramente un punctum que nos llega, nos dice algo y perturba el studium: la vida normal de esta pareja antes de casarse. Lo mismo con el resto de imágenes aportadas.

Siguiendo con la clase, hicimos luego un calentamiento breve para pasar rápido a la ejecución de escenas. En ese calentamiento Nerea nos pidió a mí y Kris (aletoriamente) mientras caminábamos por el espacio que dijéramos una canción que escucharía nuestro personaje. Rápidamente me vino "Dance Crip" de Trueno, porque aunque nunca me había parado específicamente a pensar una canción concreta, sí que relacionaba a mi personaje con el estilo de rap mientras camino por la calle en personaje. Fue un ejercicio que me gustó mucho, porque en cuanto se puso la canción, me sentí inmediatamente en personaje y una sensación me recorrió por dentro.

La última parte de la clase fue la ejecución de las escenas. En mi caso realicé (como se puede ver en el vídeo) la escena de prepararme para salir de fiesta con texto. Pero el contexto era distinto, porque la noche anterior la había pasado en la cárcel tras haber sido pillado vendiendo droga en la fiesta. En la escena, mi personaje no quiere realmente ir de fiesta, tiene remordimientos y algo ha cambiado en él.

Me sentí un poco inseguro después de realizarla, pero también un poco menos bloqueado que la última vez. Acogeré muy bien los consejos de Nerea de aportar algo físico en lo que refugiarme durante la frustración que siento y repetir más el texto que tengo más asimilado en lugar de decir tan explícitamente lo que está pasando con un texto nuevo.

Después de la clase he estado reflexionando sobre los tres motivos desde donde surge la creación dramática: PRESIÓN, NECESIDAD y DESEO. Llevándolos a mi yo creativo espectacular (lo que me define como artista), voy a reflexionar sobre qué me producen:

PRESIÓN: A mí lo que me presiona como artista, y más concretamente en esta clase en la creación de este personaje, es la razón que me habla internamente y me dice que tengo que hacer todo perfecto para hacer un buen trabajo. No quiero que quede estereotipado, que no sea orgánico, que no cuente nada... y la racionalización de todo eso me presiona a hacerlo bien, pero a veces también lo hace en exceso y me bloquea. Yo mismo me presiono.
NECESIDAD: La necesidad en este caso sería la necesidad de hacer un personaje que esté contando algo. Quiero poder jugar con este personaje. Es también la necesidad de hacer un proceso creativo que me lleve a algún punto para beber de él y que él beba de mí. Y con ello poder contar algo al mundo. Porque es necesario hablar y contar qué nos sucede, qué nos mueve, qué cosas nos pueden molestar del mundo, etc.
DESEO: Mi deseo es aprender, sacar el máximo partido posible de esta asignatura y también de la carrera en general. Hacer personajes que me muevan por dentro y disfrutar del proceso. Beber de todas las técnicas posibles para encontrar la mía.

Esta semana voy a especificar la biografía y el episodio de mi personaje, así como su personalidad y su modo de ser. Llegando así a la creación dramática de mi personaje:

BIOGRAFÍA (STUDIUM):

Se llama Ramoncín y tiene 22 años.

Actitud de creído y chulo por la vida desde que se levanta hasta que se acuesta.
Pone gran interés a su imagen: tarda en prepararse para salir para asegurarse que todo el mundo le vea bien.
Su actitud también es bastante machista, engreída y va criticando y/o juzgando a las personas por la calle.
Como le gusta gustar, liga con chicas que encuentra en su trabajo, de fiesta, por la calle...
Viste de barrio, pero siempre se pone gomina para salir.
Le gusta la comida rápida.
Escucha trap y rap.
Su color favorito es el negro. Y los grises.
Rutina concreta:

- Se levanta tarde cada mañana (sobre las 12:00 h-13:00 h) porque se acuesta muy tarde. Vive en un piso compartido (bajo) en Carabanchel.

- Se prepara para ir a trabajar (obrero) ya que trabaja de 15:00 a 20:00 cuando le llaman, en reformas express o algún trabajillo. No está contratado fijo.

-De camino a trabajar pasa por un local de comida rápida para comer algo la mayoría de los días. Otros días, cuando saca algo más de tiempo, se prepara algo rápido en casa.

-En el trabajo le gusta hacerlo bien, necesita el dinero y es su responsabilidad, pero siempre la acaba liando, peleando con algún compañero o ligando con alguna que aparece por allí.

-Cuando llega a casa (sobre las 20:30-21:00), descansa algo y luego se prepara más a conciencia para su segundo trabajo y con el que gana más dinero: vender droga en fiestas. No es un trabajo que haga a diario, pero casi, cuando sus colegas le avisan de posibles fiestas. Lleva solo dos años haciéndolo, pero le ayuda a seguir adelante y tiene muchos contactos para hacerlo. No puede dejarlo.

-Cada noche que sale, vuelve a casa tardísimo y se acuesta muy tarde. Muchas veces con alguna mujer con la que ha ligado. No tiene novia.

-Él no toma droga, solo la vende. Alguna vez la ha probado de fiesta, pero no cuando vende porque no quiere que le engañen.

-Está solo en el mundo, solo tiene a sus amigos del piso que muchas veces le aconsejan dejar su trabajo de vendedor. Son amigos de toda la vida. Con los que se va a vender no los considera amigos.

EPISODIO (PUNCTUM):

La noche anterior salió a vender droga como de costumbre y la policía le pilló. Habían instalado cámaras en la discoteca. Pasó la noche en la cárcel, pero pudo salir con una fianza de uno de sus compañeros de piso; tampoco había pruebas exactas de que fuera él el de la cámara porque estaba de espaldas y tapado con la capucha.
La noche en la cárcel la pasó fatal, él no sabía que iba a poder salir. Se vio por un momento atrapado allí de por vida.
El PUNCTUM concreto fue el momento en el que le apalearon y expusieron; se le vino el mundo encima.

ESCENA:

La escena que voy a realizar tiene lugar la noche siguiente a la que le pillaron. En teoría tiene que volver a salir de fiesta, pero no está convencido. Tiene presión por parte del resto de vendedores, pero él no quiere salir. Y tiene claro que no va a salir. Le han soltado esa misma mañana de la cárcel y aún está conmovido. Ha sido un punto de inflexión para él y algo le ha cambiado.

-Acción: prepararse para salir (a pesar de no querer hacerlo): echarse gomina, vestirse...

- Texto: Hablándose a sí mismo en el espejo (tranquilizándose, sin ser explícito porque no sería natural).

- Creación dramática: la explicada y detallada hasta ahora.

- Apoyos: en el ejercicio (lleva la rabia y la frustración al ejercicio) y en la música (se pone rap para intentar no pensar).

Partitura de la escena: (aprox. 2 min y 30 segundos)

—Llego a la escena con la música puesta: "TRANKY FUNKY" de Trueno.

- Primera parte: Chulo.

- Me echo gomina y me peino mientras me miro al espejo. Me veo bien.

- Me miro el cuerpo y me gusta lo que veo; hago poses para autoconvencerme de que estoy bien.

—Pausa: me miro al espejo detenidamente.

- Segunda parte: La parte chula empieza a mezclarse con algo de frustración.

- Saco la adrenalina que tengo mediante el ejercicio:

---> boxeo (texto con palabras de refuerzo) ---> pausa ---> flexiones (texto con grito)

- Me miro en el espejo y me confirmo: "¿Ves? Todo está bien, tranqui, tío, tranqui..."

- Tercera parte: La frustración se ve más.

- Estoy poniéndome la ropa con dudas mientras me intento tranquilizar con la mirada, siempre muy presente el espejo.

- Una vez puesta, me recoloco la ropa, no estoy cómodo saliendo de fiesta, pero me confirmo con la mirada; no puedo perder los nervios.

- Me voy de escena resaltando la parte de chulo, con gestitos.

Esto es una partitura desde la cual partir para tener un cierto orden a la hora de realizar la escena, pero también me dejaré llevar por la fluidez y organicidad del momento, que al fin y al cabo es de la manera que he llegado a esta partitura tras varias repeticiones. Aquí se ve un ejemplo de ensayo:

Por último, explicaré la PRESIÓN, NECESIDAD y DESEO que mueven, en este caso, a mi personaje y no a mí como creador:

- PRESIÓN: La presión que tiene mi personaje es la de los demás traficantes, no les puede fallar porque le puede salir caro. También tiene la presión añadida de que le vuelvan a pillar y meter en la cárcel definitivamente, la presión de que la policía le esté esperando y le haya tendido una trampa.

- NECESIDAD: Mi personaje necesita que esto pase, que la policía deje de rondar por donde él va, volver a sentirse libre. También necesita cambiar de vida, pero sabe que está muy metido y es muy difícil.

- DESEO: El deseo de mi personaje esa noche es quedarse en casa porque sabe que algo puede salir mal. No sabe qué deseará en el futuro, pero esa noche no quiere salir.

El día 14/10/24 tuvimos una sesión destinada al examen parcial: escrito y también práctico, en el que presenté la escena de la que he estado hablando estos días. De mi trabajo el día del examen estoy orgulloso. Nerea me corrigió que podría haber jugado con un imprevisto en escena y haber tratado a mi personaje de torpe. Pero también me dijo que se veía un progreso con todos los elementos planteados en el personaje.

Después de este examen, se nos encomienda el ejercicio de interactuar con otros personajes, creando escenas de dos en las que lo importante es que ambos personajes se mantengan vivos y orgánicos, que sigamos siendo fieles a lo que piden de nosotros los personajes.

Luvera y yo nos pusimos a pensar en posibles situaciones en las que se encontrarían nuestros personajes. Lo que teníamos claro es que no queríamos forzar la situación. Planteamos más de 6 situaciones, pero al final surgió la idea de que yo estuviera reformando su casa (al yo ser un obrero y pobre, y ella una multimillonaria, funcionaba).

A partir de la situación fue surgiendo poco a poco la acción y el conflicto. Ambos teníamos claro nuestro contexto, de dónde veníamos, qué era lo que nos había cambiado en el episodio último y qué deseábamos de la escena.

En mi caso, mi personaje quiere salir de la vida que tiene en el entorno de la droga por el último episodio vivido en el que acabó una noche en la cárcel. Quiere hacer eso a toda costa. Solo le dan trabajos esporádicos en obras y reformas y aprovecha la situación que se le presenta (casa de una multimillonaria) para, por todas las estrategias posibles, intentar mejorar su situación económica y que eso le lleve a otra vida.

Empieza haciendo preguntas para obtener información de cuándo se va a quedar la casa sola (ve la oportunidad de robar); después se da cuenta de que puede ligar con ella y crear un vínculo de cercanía que le puede beneficiar. Todo le sale mal. Se precipita, con las mujeres, con sus comentarios... siempre hace lo mismo.

Su actitud siempre le ha dado problemas. En la escena está muy contenido porque no quiere meterse en problemas, pero realmente no soporta a esta chica que le mira por encima del hombro.

Por otro lado, es una escena muy jugable porque el personaje de Luvera (Robbie) es una chica que en ese momento de su vida le apetece ser deseada, luego le entrará la inseguridad, pero eso dará a que podamos jugar con la escena.

En cada improvisación que hacemos vamos integrando mejor la escena. Van saliendo nuevas interacciones, movimientos y diálogos que, si nos gustan, vamos incorporando a la partitura. No todo nos gusta. Muchas cosas son descartadas; queremos que nuestros personajes hablen desde la verdad.

Semana 7: 28/10/25

Escena con Luvera (Ramón y Robbie)

En esta sesión estuvimos hablando sobre el guion como proceso vital para la creación de personajes. La historia de nuestro personaje ha de tener un valor narrativo que genere una empatía con el público y una identificación. No necesitamos escribir un guion como tal, pero sí tener clara una cierta estructura.

Para ello es importante la figura del ACONTECIMIENTO: algo que ocurre al personaje y que tiene cierta importancia en su día, pero no es vital para un cambio en él. Es algo que no se espera el personaje en su día a día, no es predecible, pero no es necesariamente un cambio radical.

Para poner un ejemplo de acontecimiento que le puede suceder a mi personaje, Ramoncín, tengo que remontarme a su rutina y crear desde esa rutina algo impredecible. ¿Cuál será este acontecimiento?

ACONTECIMIENTO NARRATIVO DE MI PERSONAJE

Ramoncín irá andando por la calle, como cada mañana que le llaman para algún trabajo esporádico en la obra. Esa mañana le toca acercarse a hacer una reforma en un barrio de bien. Él no acostumbra a pisar estos lugares; su barrio tiene otra calidad de vida. Mientras camina por las calles (amplias, limpias y despejadas), ve a una pareja riéndose y de la mano. Delante de ellos van dos niños. Uno es un bebé en un carro, y el otro (13) está tirando del carro cuidando a su hermano.

Esta imagen le tocará algo dentro de él. Ramón se da cuenta de que con la vida que lleva es muy difícil que llegue a tener algo así; tiene que cambiar su forma de vivir. Sin embargo, sabe que no puede. Seguirá caminando un largo rato con esta imagen en la cabeza. Luego, se acabará olvidando de ella para meterse de lleno a trabajar en la reforma y el resto del día transcurrirá como de costumbre.

Después de hablar de esto en la clase, seguimos hablando del guion como proceso vital y salieron los términos de PRESIÓN, DESEO, OBJETIVO, PUNTO DE VISTA. ACTITUD y CAMBIO. Todos estos términos son importantes cuando hablamos del autoconocimiento que tenemos que llevar de nuestros personajes. Aplicados a mi personaje:

PRESIÓN: Miedo que Ramoncín le empieza a tener al entorno de la droga; sabe que le puede pasar algo si se desvincula de ellos.

DESEO: Vivir bien: en un buen piso con un buen trabajo estable, sin necesidad de recurrir a las drogas.

OBJETIVO: Lograr un trabajo fijo, para mejorar poco a poco su situación económica y poder llegar a cumplir su deseo.

PUNTO DE VISTA: Ve el mundo negro y oscuro, desde la inseguridad.

ACTITUD: Él reacciona cayendo ante el mundo, dejándose llevar. Su actitud engreída, chula y de intentar ser mejor que nadie es su forma de afrontar el mundo.

CAMBIO: El cambio lo hará en el punto de vista y en la actitud. Lo que le hace cambiar es ver a tantas familias viviendo como él no vive, ver que hay más mundo además de la oscuridad en la que está sumergido. En la cárcel estuvo reflexionando sobre esto.

Después de reflexionar sobre todo esto en clase, pasamos a desarrollar las escenas. Luvera y yo habíamos pedido escenografía y vestuario para crear ambientación. Nuestra principal corrección fue que redujéramos esto y nos quedáramos con lo esencial (mi acción de montar la mesa y su acción de comer).

También me corrigió que no parara mi acción cada vez que me giraba para mirar a Robbie, que siguiera con la acción o incluso que a veces el diálogo no significase mirar a la otra persona todo el tiempo. Esto es algo de lo que me di cuenta justamente el último día de ensayos revisando el vídeo y que se me olvidó incorporar en escena el martes, pero que tiene mucha lógica para ayudar a la organicidad.

Iremos ensayando más esta escena con Luvera y, a partir de las correcciones y de los fallos que vayamos viendo en los vídeos de ensayos, la iremos puliendo más y más. Es un trabajo que me está gustando mucho hacer y estoy disfrutando mucho del proceso.

Es más agradable aún cuando hay tanta afinidad a la hora de pensar y afinar la escena con tu compañero. Trabajar en equipo es muy bonito cuando ambos estamos motivados, porque se aprende mucho de la interacción con el otro. De hecho, aprendes incluso más sobre tu personaje cuando interactúa con otro. El trabajo que surge de dos es aún más gratificante.

Semana 8: 04/11/25

En esta sesión seguimos hablando del texto, esta vez desde la voz del intérprete y desde la importancia de los sonidos y de las respiraciones.

Hablamos de que proyectar no es gritar, de que la energía no es grito, de que el trabajo vocal viene con la modulación, la elasticidad y la imaginación.

YOSHI OIDA habla de esto también; en su libro El actor invisible, aborda lo importante que es detenerse en el texto para reflexionar sobre los aspectos que intervienen en el trabajo vocal.

Aquí es donde surge un nuevo elemento: la RESPIRACIÓN, puede ser controlada técnicamente para que no sea notoria, pero sí haya PAUSAS, y TEMPO en el texto. Y es que el texto acompañado de respiración nos permite ir modulando y haciendo dinámicas que nos llevarán a la EMOCIÓN. Y no al revés. La emoción surgirá a partir del trabajo físico del texto. Sino, nos quedaría una voz perfomativa y robótica (declamada y forzada)

De hecho, no siempre tenemos que mostrar externamente y exageradamente las emciones. Una emoción no visible es igual de importante que llorar externamente. Por dentro también le pasan cosas al personaje. Tenemos que ir siendo dueños de nuestras emocines a partir de el ejercicio físico y el cuerpo.

Aquí hay un ejemplo de dos formas diferentes de hacer las respiraciones para conseguir intenciones distintas en el texto, que alternando según lo que necesitemos pueden llegar a producir un cambio en nuestra emoción u otra:

Primero, inspiración --> luego decir texto lentamente inspirando.
Primero, inspiración lenta del aire --> luego inspiramos rápidamente --> por último, decimos el texto.

La respiración también es clave en el proceso de creación: PAUSA, PARAR, MEDITAR, VOLVER A RETOMAR es clave para no seguir algo que va por mal camino.

SONIDO

Un buen escritor escoge los sonidos apropiados.

El sonido está lleno de resonancia, respeto y significado.

El sonido capta la atención, atrapa en escena y es importante para entender cómo se expresa el texto y cómo llega este mensaje.

El sonido da contexto y estructura y ayuda en el subtexto.

Desordenar para luego ordenar es una técnica muy útil en la que tanto el sonido como la voz juegan un papel importante.

Las palabras no son nada si no degustamos los sonidos que las componen.

El sonido ayuda a conectar con la calidad emocional de lo escrito.

El actor y el director enriquecen lo escrito. Lo hacen único. Y el sonido es un elemento fundamental para ello.

Durante esta semana fuimos ensayando la parte grupal, incluyendo partituras corporales y la extra-cotidianidad de Eugenio Barba. Planteamos una primera escena donde nuestros personajes estuvieran centrados cada uno en su acción extra-cotidiana para resaltar lo centrados que estamos en quedar bien en la sociedad, en dar esa imagen al mundo, en no ser más que cómo nos conciben.

También Luvera y yo seguimos ensayando nuestra escena para irla perfeccionando de acuerdo a las correcciones que se nos dieron.

Semana 9: 11/11/25

En esta sesión estuvimos hablando de la "Emoción" como tercer elemento de los 4 vacíos.

Esto es con lo que me quedé de la clase:

La emoción es un impulso en movimiento, es una fusión instintiva, ideológica o emotiva del actor, creador o espectador con un personaje o situación dramática.
La emoción es empatía (apela a la convención consciente de Meyerhold cuando se dice que es el resultado de una identificación).
La emoción tiene mucho que ver con la expresión corporal, con la danza... y Patricia Stokoe es una de las primeras en acuñar este término:

- El cuerpo humano como realidad material y fantaseada que depende de nuestro imaginario y de la naturaleza.

- Importancia del movimiento natural propio de nuestro cuerpo; ella fue encontrándolo tras momentos de crisis y dolor en su cuerpo.

- SENSOPERCEPCIÓN: Es la integración de cómo percibimos cada parte de nuestro cuerpo en un todo. Desarrollo de los sentidos. Percepción y motoridad de áreas físicas, psíquicas y sociales. Conducta que integra de forma conjunta en el ser humano la expresión y el adiestramiento.

- EXPRESIÓN CORPORAL Y ESPACIO: Integración creativa de aspectos espaciales con objetivos específicos: percepción del espacio personal, del espacio parcial, del espacio total, del lugar físico, del espacio social e integración creativa de objetos ubicados con un sentido y un orden específicos.

- CALIDADES DE MOVIMIENTO:

Acción Energía Espacio Tiempo

golpear fuerte directo rápido

flotar suave indirecto lento

latiguear ...

fluir

torcer

palpar

sacudir

presionar

Después pasamos a hacer un calentamiento: ejercicios de respiración, calentamiento conjunto (ejercicio de concentración y coordinación en cadena), ejercicio de consciencia y conocimiento de nuestros personajes mediante preguntas, ejercicio en el que trabajábamos las calidades de movimiento de Patricia Stokoe, etc.

Por último, le presentamos la muestra a Nerea; esta vez llevábamos algo más trabajado, con una integración de los referentes que llevábamos dados y una mayor conciencia corporal en escena: trabajo de acciones extra-cotidianas de Eugenio Barba, trabajo de Julia Barley con el texto, trabajo corporal de Grotowsky en los impulsos, la destrucción de todo menos lo esencial...

Nerea nos fue corrigiendo sobre ello, añadiendo correcciones y nuevas indicaciones para seguir encaminando la muestra.

Durante esta semana me he enfocado principalmente en profundizar los conocimientos mencionados en clase de los dos referentes principales que estamos viendo hasta la fecha: Yoshi Oida y Patricia Stokoe.

He extraído los conocimientos de los libros principales de estos referentes: "El actor invisible" y "Expresión corporal: en el jardín de infantes", respectivamente. Estas son algunas de las cosas que extraigo:

YOSHI OIDA

Yoshi Oida en su libro habla de 5 conceptos en el proceso del actor:

EMPEZAR: Entrar en estado, presencia... antes de empezar a actuar como tal. No entrar alterados porque entonces estaremos actuando alterados. No hay que tener una intención excesiva de actuar. Limpiar el cuerpo. Prácticas--------> Respiración en el hara (abdomen bajo), conciencia del peso de los pies, espera del impulso correcto.
MOVERSE: No hay que desplazarse; es más una energía que transforma el espacio desde el punto de inicio, pasando por la trayectoria hasta el punto final. Prácticas--------> A partir del hara se mueve el resto del cuerpo; no exagerar el movimiento; es más preciso y claro si nos movemos poco.
ACTUAR: No buscamos la emoción; es un subproducto de una acción clara cuando esta es real. Para Yoshi Oida, actuar es realizar acciones concretas con precisión. Prácticas--------> Si nos centramos, por ejemplo, en limpiar una ventana pausadamente y con mimo como acción, entraremos en estado, en presencia... y poco a poco iremos consiguiendo la emoción. Siempre a partir de una acción.
HABLAR: Nace del hara y se extiende por el cuerpo: energía clara para voz clara; no se trata de decir texto, sino de dirigir la energía; el ritmo es más importante que el volumen; las pausas y silencios están llenos de información. Prácticas--------> Expulsar desde el hara el aire, no desde la garganta, musicalidad y ritmo en el texto.
APRENDER: Se aprende cuando un actor deja de querer gustar y el ego deja de ser un obstáculo. Si repetimos y repetimos, cada vez supondrá menos esfuerzo y se volverá más natural todo, pero nunca dejamos de aprender. Prácticas--------> Pequeñas acciones que repitamos día a día, observación con atención de nuestro entorno día tras día, eliminación de tensiones y hábitos.

En definitiva, volverse invisible: el público deja de fijarse en el actor y se centra en el personaje y en la acción cuando lo conseguimos. El actor no se impone ni se exhibe. Importancia del control del cuerpo con precisión, relajado pero despierto: el actor debe soltar y liberar el control para que sea verdadero. Mucha importancia a la modulación del actor en relación a los objetos, al espacio, a los detalles, al equilibrio de fuerzas (mezcla oriental y occidental)...

PATRICIA STOKOE

Patricia Stokoe en su libro habla de que cualquier acción funcional puede convertirse en danza cambiando su objetivo y agregando una organización témporo-espacial-energética. Siendo témporo variaciones de la velocidad de movimiento, espacial variaciones en tamaño y forma del movimiento y del lugar donde se realiza, y energética variaciones de la fuerza que se efectúa.

También habla de jugar con la acción, dejando su funcionalidad atrás y creando movimientos a partir de su relación con la danza, las imágenes, fantasías, ideas, pensamientos y sentimientos.

Llama Expresión Corporal (y por tanto artística) a una actividad organizada relativa a un aspecto de la condición humana. Luego tiene que haber una profundización de ello. Y más tarde, una profundización de la manera de relacionarse=comunicación.

Esa expresión corporal fundamentalmente viene en 4 aspectos: persona en relación a sí misma, en relación a otras personas, a otros seres vivos y a objetos.

Para llegar a eso, vive un proceso en 4 fases:

INVESTIGAR ---> Dotar a las acciones de cualidades (forma, tamaño, consistencia, textura, temperatura, peso, elasticidad, rebote, superficie, color, plegabilidad, resistencia...).
EXPRESIÓN ---> Hay muchas posibilidades de expresión que son muy individuales de cada cuerpo; también hay expresión en conjunto con otras personas.
CREACIÓN ---> Observar fenómenos presentes, evocar fenómenos pasados, formar imágenes nuevas, imaginar, concentrarse, desarrollar y diferenciar imagen reproductiva (evocada) de la productiva (nueva) e integrar los aportes de la naturaleza a la vida cotidiana.
COMUNICACIÓN ---> Enriquecemos al otro no solo como participante (reacciones, imitación...), sino también como observador. Tenemos que tener comunicación con nosotros mismos, con otro individuo y con otros individuos (grupo).

Semana 10: 18/11/25

En esta sesión Nerea no pudo asistir a clase, pero el grupo quedó para practicar la muestra. Le fuimos añadiendo detalles de coordinación, posiciones, musicalidad, fuimos definiendo mejor los espacios y las marcas y ritmos para quitarnos las máscaras...

Aprovechamos la clase física para marcarlo todo bien y vamos progresando en ello.

En cuanto a la sesión 10, he leído y entendido el silencio como cuarto vacío. Principales cosas con las que me quedo:

Implicación de la escucha activa tanto del cuerpo como del espacio, el conflicto...
Búsqueda de la verticalidad en trabajos de meditación, seguir resistiendo en el deseo con fuerza.
No dejarse llevar por pensamientos extraños y/o ajenos que nos alejen o perturben la práctica del silencio.
Buscar el silencio en la práctica, incorporarlo en nuestro ser para que luego pueda ir surgiendo en las escenas. Modos de practicarlo:

MEDITACIÓN: respiración cuidada, gutural, midiendo y sin medir, poniendo consciencia en cada parte de nuestro cuerpo.

ESTIRAMIENTOS: columna y pies como eje del cuerpo, practicar el equilibrio y desequilibrio, practicar el desplazamiento y la quietud con ejercicios de respiraciones, pausas, meditaciones, consciencia, cambios de ritmo...

OBJETOS MOTORES: objetos como una pelota, una tela, una cuerda, ... pueden servirnos para explorar el movimiento y la quietud de los mismos, no solo con los objetos físicos, sino también (cuando se tenga integrada la técnica) sin ellos.

EXPRESIVIDAD: movimientos lentos y expresivos, poniendo el foco en partes distintas de nuestro cuerpo cada vez, y luego vinculando este trabajo de expresión a la emoción, para que esta surja de aquí también.

El silencio queda integrado en nosotros, pero siempre debemos calentar para tenerlo presente.
En las escenas, el texto a veces calla, dejando a la acción diciendo más que el propio texto; entonces surge el subtexto ---> significado real de los textos más allá de lo aparente. El silencio en la escena se practica, se busca, se encuentra y se incorpora de forma orgánica. Encontrando los silencios en la acción, podremos ayudar a existir a ese subtexto.

Durante esta semana, a nivel individual, me he enfocado principalmente en 3 cuestiones:

Asimilicación de la sesión 10 (silencio) y puesta en práctica.
Puesta en común con Luvera de los avances y lecturas que vamos haciendo para compartir información.
Preparación del AD2

Para mi AD2 tenía ya pensada la acción: romper unas cajas de cartón y meterlas en un cubo para tirarlas. Es una acción que se me ocurrió mientras hacía la misma acción en el patio de caballos del teatro en el que estoy trabajando de prácticas. Es una acción que te vincula mucho a una emoción: enfado. Me vincula porque estar más de 10 minutos ejerciendo esta misma acción con tanta repetición y precisión acaba por meterte en una sensación y por crear en ti algo. Dependiendo de cómo se rompiera ese cartón, mi energía iba modulando. Es una acción que puede estar haciendo mi personaje en mitad de la obra en la que trabaja.

Al día siguiente, cuando tuve que volver a hacer esa acción de forma real, me centré en el hara (abdomen), desde donde sale toda la energía, y motor que mueve al resto del cuerpo. De ahí fue saliendo cada vez más la presencia, pero me di cuenta de que también si esa acción la hacía de forma arrítmica, lenta y menos repetitiva, me llevaba a otra emoción: la melancolía.

La respiración también es fundamental a la hora de hacer una acción tan mecánica; te ayuda a saber cuándo es orgánica la pausa del movimiento, por ejemplo. O, al menos, en mi caso.

Por tanto, en mi AD2 tendré:

ACCIÓN: Romper cajas de cartón y apilarlas.

TEXTO: El ya trabajado: "Tranqui, queda poco", "Hoy estás cansado", "Es solo eso".

(Este es un texto que además me vincula, entre otras cosas, al objetivo (trabajar fijo), deseo (tener una vida digna en un piso, sin recurrir a vender drogas) y punto de vista (negativo, oscuro, inseguro) de mi personaje).

EMOCIÓN: Lo que me surja en escena al ir fluyendo de ritmos; en principio, estoy trabajando frustración y melancolía, pero también me surge fatiga.

SILENCIO: Aplicar pausas orgánicas y reales en la acción. Silencios que digan más que callen y que nos hablen del subtexto. Pero para eso tengo que tener una práctica diaria constante de meditación y del silencio.

A la vez que vamos progresando con la muestra, Luvera y yo hemos ido practicando nuestra escena teniendo en cuenta los cambios que nos sugirió Nerea, aí como cosas que nosotros mismos hemos ido viendo:

No parar la acción cuando nos dirijamos el uno al otro.
Quitar elementos y quedarnos con lo esencial.
Mejorar la dicción y proyección.
Mejorar la escena del baile.

Este vídeo es uno de los ensayos, del que somos conscientes que aún tenemos que ir puliendo más cosas:

Semana 11: 25/11/25

Dividimos esta clase en tres partes:

Hablar del silencio y de las pausas energéticas. Hablamos de lo que es estar realmente en silencio (silencio de pensamientos, de no dejar fluir tu cerebro por tantas preocupaciones, problemas, estímulos, cosas que vas a hacer después...) Es transitar el aquí y ahora sin ninún tipo de expectación.

Es realmente una cuestión energética que te sostiene en lo que está pasando ahora con una presencia muy arraigada.

Calentamiento con pautas del silencio. Hicimos meditación, un ejercicio de conexión entre todos y luego pasamos a ejercicios de expresión corporal incluyendo estas pausas de las que hablábamos. La m´suica se paraba y en silencio teníamos que sehuir sintiéndola, sin pensar en nada, fluyendo.

También el equilibrio es clave para progresar en estas pausas, mantenerse en equilibrio sin alterar tu cuerpo es el mejor ejemplo de un buen tránsito en el aquí y ahora. Todo lo que perturbe la mente nos hará desequilibrarnos. Y el cuerpo pasa a ser como la vela de fuego de la que hablábbamos. La respiración también es clave para lograrlo.

Enseñarle la muestra a Nerea. Hicimos una pasada de todo lo que teníamos y nos fue corrigiendo (sobre todo coordinación y conexión entre nosotros) así como alguna cuestión técnica de posiciones y movimientos que podrían verse mejor.

Durante esta semana quedamos en el gimnasio donde trabaja Luvera toda la clase para practicar la muestra, en una sala que nos dejaron (bastante grande y espaciosa), de 16:00 a 21:00. Este día fue la vez que más tiempo estuvimos trabajando todos juntos. Planteamos primero terminar de construir lo que no estaba. Le dedicamos dos horas y media a preparar las transiciones entre escenas, utilizando el abrigo en cada una de ellas porque consideramos que es un elemento fundamental en la muestra. Ya que hemos apostado por él (como dijo Nerea), teníamos que seguir usándolo como lo que era: el elemento de unión; representa el ataúd donde muere nuestra imagen, y a la vez puede reflejar muchas otras cosas relacionadas con nuestra imagen. Por eso, por votación de la mayoría, decidimos no tenerlo tirado en el suelo y usarlo entre escenas. En cada escena representaría algo distinto. Así fuimos creando formas corporales, incluyendo el abrigo en ellas, pero de forma que no se revelara por completo la funcionalidad del mismo, y que la gente dudara todavía de que realmente era un abrigo conformado por varios abrigos.

Fueron saliendo transiciones muy bonitas. Luego pasamos a trabajar el "contact" con el abrigo, el trabajo corporal del final de la muestra. Le dedicamos bastante tiempo también a explorar esta parte. Nos pusimos diferentes músicas para ir viendo qué nos iba dando cada una de ellas. Y poco a poco fue fluyendo. También revisamos que entre todas estas nuevas posiciones y coordinaciones, quedara limpio y no hubiera confusiones para que todo el mundo lo tuviera claro.

Seguido a esto, decidimos mejorar la entrada con el abrigo, el inicio de la muestra, tanto vocalmente como en cuestión de coordinación. Esto era superimportante porque es verdad que al final de cada ensayo nos acaba saliendo, pero en frío nunca lo conseguimos. Definimos los pasos y cambiamos el orden de la fila para que no tuviéramos que dar la vuelta en el escenario (eso quedaba caótico). Hicimos después una pasada sin las escenas en parejas, prestando mucha atención a las posiciones.

Para el desarrollo de este día fue imprescindible el calentamiento y la activación que hicimos entre todos (trabajos de coordinación, conexión, ...).

En cuanto al trabajo individual, he ido buscando momentos de mi vida en los que estar completamente en pausa. Los he encontrado leyendo y duchándome sobre todo. Es un trabajo que puede parecer sencillo, pero nuestra cabeza está constantemente dándole vueltas a algo y es muy difícil no pensar y centrarse solo e algo, poner toda tu energía en algo. Lo he intentando por ejemplo jugando al bádminton, y es más difícil para mí, porque aunque tenga que estar concentrado en el deporte, siempre hay algún estímulo que me despista.

Las últimas dos sesiones (02/12/25 y 09/12/25) fueron canceladas porque Nerea se pueso enferma. Nosotros aprovechamos para practicar en clase la muestra y seguir perfeccionaándola.

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