The Principles of Informalism

                               El Principio del Informalismo

Por Abdel Hernández San Juan

Monografía sobre Terrell James

Contenidos

Las Pinturas de Terrell James

El principio del informalismo

Las Pinturas de Terrell James

©Por Abdel Hernandez San Juan

Houston, Texas

Para analizar la obra de Terrell James uno debe ubicarse a través de orientaciones que fueron generadas por el abstraccionismo. Algunas de las piezas de la artista sugieren formas y mundos que parecen recrear elementos de la naturaleza, lo orgánico y el mundo de la vida cotidiana, lo abstracto en sus obras no debe ser entendido en ningún sentido como aquel que se hacía abstracto por su contraposición a la representación con base en un modelo, sino como ese abstracto en el que, al igual que pasa con el signo acústico o el signo arquitectónico, el signo plástico encuentra su propia expresión potencial en elementos abstractos tales como la línea, el color, la superficie; campos atmosféricos.

Entonces, aun a través de la semiótica del plano pictórico, la abstracción plástica en James se relaciona más con la noción de lo abstracto en música, poesía y literatura que con lo abstracto entendido en el sentido de algo más o menos realista por el modo en que refleja o no lo real. En este sentido, su trabajo debe ser entendido como una pintura generativa. Esto puede ser visto por la forma en que las líneas delinean formas melódicas y hacen alusiones indirectas a la caligrafía. De hecho, el proceso creativo en sí mismo en la obra de James envuelve la gramática. Sin moverse más allá de los límites de la metafísica del cuadro pictórico, sus pinturas sugieren aquel concepto de Benjamín de la unicidad de la obra de arte y se trata de pinturas que aluden más directamente a Twombly—en su relación con la música, la literatura y la vida de todos los días, pinturas que hablan de un continuum de vida, la continuidad constante de la vida. En sus pinturas nosotros encontramos elementos tales como síntesis, acentuación, estilizaciones que relacionan sus obras con un impulso clásico por el modo de relacionar la figura con el fondo, la forma con el ambiente, algo que puede ser visto como un reinterpretación personal informalista del informalismo en la historia del arte.

Sin embargo, debemos analizar las pinturas de James sobre tela comprendiendo el funcionamiento de la tela como un interface, telas sobre las cuales ella ilícito un juego propio de la experimentación con pintura y los efectos de cambio del pigmento sobre la tela creando imágenes sutiles y evocativas. En este sentido lo que nosotros encontramos en sus pinturas son instancias en las cuales líneas, planos y colores funcionan como trazos del proceso creativo pero explorando armonía en el todo de las piezas, lo cual debe ser leído como un tipo de pintura orquestada que parece sobre la tela como suspendida en el tiempo. Estas capas de diferentes instancias en pigmento aclaran la forma gravitacional del modo como es trabajada la luz, algo que nos trae a una conciencia de la duración del tiempo en los términos en que Bergson se refirió al concepto de tiempo.

Este tipo de movida en el abstraccionismo ha sido relacionada como una reacción contra el canon de la representación así como una reacción de la pintura contra el surgimiento de la fotografía. Sin, embargo, más pertinentemente, el abstraccionismo está relacionado con un impulso que hemos llamado en artes plásticas autoconciencia del arte. Incluso a través de la metafísica y la fenomenología del plano pictórico, nosotros podemos encontrar que abstraccionismo y conceptualismo se relacionan en varios momentos epistemológicos del concepto y de la abstracción. En sus pinturas en metal de 1996 la artista expuso el material a la erosión intencional para que recibiera los efectos de la luz natural así como a efectos artificiales haciendo su consistencia más rústica. Así, mientras la exploración de tales efectos es el resultado de sus preguntas personales, ello también le confiere a sus pinturas un nivel meta textual. Una dimensión de juego es visible en estas piezas las cuales nos remiten a un proceso creativo en el que la artista está aprendiendo con cada pieza, entendiendo cada pintura como un proceso de aprendizaje.

En sus pinturas “estudios de campo” de 1997 varias pinturas sobre papel fueron juntadas por la artista y reunidas como un sólo trabajo. Aquí la artista propuso diferentes perspectivas y puntos de vistas sobre un mismo proceso expresando la forma como se percibe la luz y el color, algo que la artista llamo notaciones de color. Estas piezas hacen eco a aspectos de otras entre sus pinturas pues en estas ella recicló elementos derivados y hasta residuos del proceso mismo de pintar en su estudio. Tomando estos elementos espontáneos y luego componiendo con ellos, la pieza derivó en formas inventivas de pintar nacidas de lo que había inicialmente obviado en su estudio. Por ejemplo, en sus pinturas llamadas Habitad de 1999, un número de monotipias de mediano formato no fueron expuestas a efectos ni naturales ni artificiales, así como tampoco hubo en ellas referencias a un contexto determinado sino más bien un arte que volvió el proceso de trabajo y la vida cotidiana en un tipo inscripción pictórica sobre las telas.

Este tipo de características que trajo sus pinturas cercanas a la escritura, no se refieren a la caligrafía en sentido literal, pero se trata de obras que requieren un análisis gramatológico, para entender, por ejemplo, porqué, aunque no encontremos referencias directas a la naturaleza en forma representacional, se trata en realidad de obras que hablan de la naturaleza. Las exploración de Terrell James nos remiten a nosotros as ciertos aspectos de un espíritu de juego sobre el cual hablaba Humberto Eco cuando definió la “obra abierta”, un concepto que supone la idea de una obra de arte que está abierta a múltiples interpretaciones. Sin embargo, este carácter plurisémico y polisémico adquiere en sus pinturas una forma peculiar pues los niveles de significación y evocación se relacionan con el proceso más que con significados, algo que nos remite al hecho de que la anticipación del espectador a nivel experiencial en la creación misma de la pintura es central.
Con esto dicho, nosotros debemos clarificar que no estamos hablando acerca de una artista cuyas obras son concebidas para ser vistas por primera vez en el espacio y tiempo en que son presentadas en el espacio de galería. Pero lo que es peculiar es como una vez que el espectador va a la galería y contempla sus pinturas en estas se han explorado niveles cenestésicos y de comunicación, ósea que en este caso el concepto de una obra abierta funciona en una manera similar a como funciona en la crítica literaria en el sentido de que las imágenes en las pinturas de James parecen relacionadas con determinadas narrativas personales y puntos de vista. Asuntos críticos relacionados a las relaciones entre imagen plástica y narrativa podrían ser pertinentes en un análisis de las pinturas de la artista si nosotros consideramos las relaciones sugestivas de sus abstracciones con la música y la poesía.

Claro, podemos hablar de narrativas en sus pinturas únicamente en un sentido muy general, un sentido sintagmático, notaciones, puntos de vistas, etc., como momentos en los cuales elementos, formas y líneas se desarrollan en sus composiciones, así como por cierto carácter escritural de su modo de pintar sobre la tela. Aun cuando no hay escritura propiamente en las pinturas de James, ni referencias en forma de imágenes a la caligrafía o la escritura alfabética, su modo de pintar funciona fenomenológicamente como un tipo de pintura inscritural y escritural. Su trabajo es un tipo de prosa plástica que es como una plástica en prosa.

Ensayo escrito en Houston, Texas, 2002, tras varias visitas al estudio de Terrell, publicado en London, www.digitalcultures.org

The Paintings of Terrell James

©By Abdel Hernandez San Juan

Houston, Texas

To analyze the work of Terrell James one must locate oneself through orientations that were generated by abstractionism. Some of the artist's pieces suggest forms and worlds that seem to recreate elements of nature, the organic and the world of everyday life, the abstract in her works should not be understood in any sense as that which became abstract due to its contrast. to representation based on a model, but as that abstract in which, as happens with the acoustic sign or the architectural sign, the plastic sign finds its own potential expression in abstract elements such as line, color, surface; atmospheric fields.

  So, even through the semiotics of the pictorial plane, plastic abstraction in James is more related to the notion of the abstract in music, poetry and literature than to the abstract understood in the sense of something more or less realistic due to the way in which whether or not it reflects reality. In this sense, his work must be understood as a generative painting. This can be seen by the way the lines outline melodic shapes and make indirect allusions to calligraphy. In fact, the creative process itself in James's work involves grammar. Without moving beyond the limits of the metaphysics of the pictorial frame, his paintings suggest Benjamin's concept of the uniqueness of the work of art and are paintings that most directly allude to Twombly—in his relationship with music, literature and everyday life, paintings that speak of a continium of life, the constant continuity of life. In his paintings we find elements such as synthesis, accentuation, stylizations that relate his works with a classical impulse for the way of relating the figure with the background, the form with the environment, something that can be seen as a personal informalist reinterpretation of informalism. in the history of art.

  However, we must analyze James' paintings on fabric understanding the functioning of the fabric as an interface, fabrics on which she illicit a game typical of experimentation with paint and the changing effects of pigment on the fabric creating subtle and evocative images. . In this sense, what we find in his paintings are instances in which lines, planes and colors function as traces of the creative process but exploring harmony in the whole of the pieces, which should be read as a type of orchestrated painting that seems over the fabric as if suspended in time. These layers of different pigment instances clarify the gravitational form of the way light is worked, something that brings us to an awareness of the duration of time in the terms in which Bergson's referred to the concept of time.

  This type of movement in abstractionism has been related as a reaction against the canon of representation as well as a reaction of painting against the emergence of photography. However, more pertinently, abstractionism is related to an impulse that we have called in the plastic arts self-consciousness of art. Even through the metaphysics and phenomenology of the pictorial plane, we can find that abstractionism and conceptualism are related in various epistemological moments of the concept and abstraction. In her metal paintings from 1996, the artist exposed the material to intentional erosion so that it received the effects of natural light as well as artificial effects, making its consistency more rustic. Thus, while the exploration of such effects is the result of his personal questions, it also gives his paintings a metatextual level. A dimension of play is visible in these pieces which refer us to a creative process in which the artist is learning with each piece, understanding each painting as a learning process.

  In her paintings “field studies” from 1997, several paintings on paper were brought together by the artist and brought together as a single work. Here the artist proposed different perspectives and points of view on the same process, expressing the way light and color are perceived, something that the artist called color notations. These pieces echo aspects of others among her paintings because in these she recycled elements derived and even waste from the painting process itself in her studio. Taking these spontaneous elements and then composing with them, the piece led to inventive ways of painting born from what he had initially ignored in his studio. For example, in his paintings called Habitad from 1999, a number of medium-format monotypes were not exposed to either natural or artificial effects, nor were there references to a specific context, but rather an art that turned the work process and daily life in a type of pictorial inscription on the fabrics.

  These types of characteristics that brought his paintings close to writing do not refer to calligraphy in the literal sense, but they are works that require a grammatological analysis, to understand, for example, why, although we do not find direct references to nature. In representational form, these are actually works that talk about nature. Terrell James' explorations refer us to certain aspects of a spirit of play that Humberto Eco spoke about when he defined the "open work", a concept that implies the idea of ​​a work of art that is open to multiple interpretations. However, this plurisemic and polysemic character acquires a peculiar form in his paintings since the levels of significance and evocation are related to the process rather than meanings, something that refers us to the fact that the viewer's anticipation at an experiential level in the creation The painting itself is central.
  With this said, we must clarify that we are not talking about an artist whose works are conceived to be seen for the first time in the space and time in which they are presented in the gallery space. But what is peculiar is how once the viewer goes to the gallery and contemplates his paintings, kinesthetic and communication levels have been explored, meaning that in this case the concept of an open work works in a similar way to how in literary criticism in the sense that the images in James's paintings seem related to certain personal narratives and points of view. Critical issues related to the relationships between plastic image and narrative could be pertinent in an analysis of the artist's paintings if we consider the suggestive relationships of her abstractions with music and poetry.

  Of course, we can speak of narratives in his paintings only in a very general sense, a syntagmatic sense, notations, points of view, etc., as moments in which elements, shapes and lines are developed in his compositions, as well as by a certain character. scripture of his way of painting on canvas. Even though there is no writing per se in James's paintings, nor references in the form of images to calligraphy or alphabetic writing, his way of painting functions phenomenologically as a type of inscriptural and scriptural painting. His work is a type of plastic prose that is like plastic in prose.

Essay written Houston, Texas, 2002, after various visits to terrell studio,  published in London, www.digitalcultures.org