Embedded Files
Починаючи з XVII ст., одним із популярних симфонічних жанрів стає концерт (лат. concerto — змагаюсь).
У сучасній музичній практиці слово “концерт” вживається у двох значеннях:
Концертом називається виконання перед слухачами програми музичних, літературних, танцювальних та інших творів.
У іншому розумінні — так називають виступ соліста з оркестром - інструментальний концерт - музичний твір, написаний композитором для одного або кількох соло інструментів у супроводі оркестру, а також жанр, заснований на контрастному зіставленні партій сольного інструменту і супроводжує його виконання оркестрової групи.
Слово "концерт" в перекладі з латин. - змагання, і з італ. – згода. «Інструментальний концерт» виглядає як дружній поєдинок, у якому учасники змагаються між собою у барвистості та соковитості звучання, а також виразності та яскравості тематичного матеріалу. Тим часом композитор в «інструментальному концерті» має на увазі не лише суперництво. Для втілення ідейного задуму твору автор повинен не тільки показати художні та технічні можливості обраного ним інструменту, а й узгодженість солюючої партії з оркестровим акомпанементом.
Свій початок жанр інструментального концерту бере ще в далеку давнину, людей приваблювало ансамблеве музикування, в якому одному з інструментів доручалася солуюча функція. З часом створювалися нові форми та жанри інструментальної музики.
Так, в Італії наприкінці XVI століття у церковній музиці з'явився новий термін – «духовний концерт». Цим словом стали називати поліфонічні вокальні композиції, що супроводжувалися органом або інструментальним ансамблем, в яких зіставлялися партії двох або більше виконавських голосів.
Незабаром термін «концерт» став вживатися і у світській інструментальній музиці. Так з середини XVII століття з'явилися твори, в яких контрастно зіставлялося звучання оркестрової групи - ріпієно і партії соло інструменту або групи солістів, іменованих концертино.
Спочатку такі твори називалися Concerto da camera, тобто камерний концерт. Наприклад, італійський композитор Джузеппе Тореллі складав подібні інструментальні концерти як для різних струнних, а й духових інструментів, причому кількість солістів у його творах варіювалася від однієї до чотирьох. Згодом твори такої форми зазнали значного перетворення та отримали назву «Concerto grosso» - великий концерт.
Неоціненний внесок у розвиток цього нового жанру зробив італійський композитор і скрипаль Арканджело Кореллі, який створював як церковні, так і світські концерти, які, безумовно, відрізнялися за змістом. Необхідно зауважити, що в жодному з його Concerto grosso не було встановленого розташування і чітко позначеної кількості частин.
Інструментальний концерт із солістами-інструменталістами, а також з певними елементами театральної видовищності став швидко набирати популярності і відповідно стрімко поширюватися не тільки в Італії, а й в інших європейських країнах, де композитори підхопили його негайно. Вони теж робили свій внесок у розвиток нового жанру, наприклад, у ролі солюючого інструменту вперше представили клавесин, якому спочатку діставалася лише акомпануюча функція.
Минуло кілька десятиліть, протягом яких Concerto grosso динамічно процвітав у творчості композиторів. Було написано чимало чудових творів, серед яких особливо вирізнялася колекція скрипкових тричастинних концертів Томазо Альбіноні.
Така новація у формі припала до вподоби молодому талановитому композитору Антоніо Вівальді, який написав понад п'ятсот творів даного жанру і остаточно сформував сольний інструментальний концерт.
Його композиції мали три контрастні частини: перша та третя – швидкі та динамічні, а середня – лірична та співуча.
Як солюючі інструменти Вівальді використовував не тільки свою улюблену скрипку, але й різні духові інструменти: флейту, гобой, фагот, трубу і валторну. Яскравий музичний матеріал своїх концертів Вівальді будував на протиборстві всього оркестру та партії соліста, що ґрунтується на новій віртуозній виконавській техніці. Крім того, композитор регулярно став вводити в текст витончений ритурнель, що повторюється, який постійно застосовувався в музиці балетних спектаклів.
Концерти Вівальді викликали захоплення та захоплення, як в Італії, так і в інших країнах. Це висловлювалося навіть у тому, що багато композиторів, серед яких Йоган Себастьян Бах і Георг Фрідріх Гендель, почали складати схожі твори. До того ж Бах, створюючи унікальні концерти, що вражають своєю гнучкістю та красою, розвинув здобутки італійського композитора. Він також як і Вівальді писав твори даного жанру в тричастинній формі і з ладовим контрастом, тільки на відміну від свого італійського колеги віддавав перевагу не скрипичним, а клавірним концертам, ніж підготував основу для розвитку фортепіанного концерту.
Популярність жанру інструментального концерту все більше зростала. До кінця XVIII століття набули поширення такі різновиди жанру, як концерт з оркестром для одного солюючого інструменту, двох – «подвійний», трьох – «потрійний» і навіть чотирьох, а також концерти без солістів, іменовані ріпієно або концерти тільки для соліюючого інструменту без оркестру .
Коли на зміну бароко прийшла епоха класицизму, інструментальний концерт у своєму розвитку впевнено зробив крок уперед. Саме в цей період у творчості «віденських класиків»: Гайдна, Моцарта та Бетховена повною мірою утвердилася основна тричасткова форма.
І частина
складається у формі сонатного алегро
ІІ частина
спокійна, лірична, забарвлена в пасторальні тони, зазвичай має форму тричастинної арії
ІІІ частина
життєрадісний фінал, який переважно написаний у формі рондо, рондо-сонати або темі з варіаціями.
Така структура концерту, яка нині називається класичною, була закладена Гайдном і Моцартом, а потім переродилася та утвердилася у творчості Бетховена. Саме Бетховен перетворив концерт із галантного та розважального твору на композицію, наповнену ідейним змістом, тобто наблизив його до симфонії. Крім того, Бетховен помітно технічно ускладнив партію соліста, а також першим із композиторів записав каденцію для солюючого інструменту і цим показав яке важливе значення вона має у розвитку твору.
У ХІХ столітті симфонізація інструментального концерту, яку заклав Л. Бетховен, була продовжена в творчості багатьох композиторів, серед яких Нікколо Паганіні, Роберт Шуман, Фредерік Шопен, Фелікс Мендельсон, Йоганнес Брамс, Едвард Гріг, Ференц Ліст. Водночас ці визначні музичні творці привнесли до жанру багато нового. Вони, віддаючи перевагу принципу «наскрізного розвитку», лейтмотивним зв'язкам і монотематизму, складали твори з розділами тісно взаємопов'язаними між собою.
Наприклад, Ференц Ліст зробив свій перший фортепіанний концерт одночастинним: у ньому всі частини злилися між собою в єдине ціле, а от Йоганнес Брамс, навпаки, свій концерт №2 розділив не на три, а на чотири частини. Для творів романтиків характерний ліричний та лірико-драматичний настрій. Чільну роль концерті вони віддавали солюючому інструменту, а оркестру лише виконання скромної функції акомпанементу.
У XX столітті інструментальний концерт продовжив свій інтенсивний розвиток. Дуже складно перерахувати всіх композиторів, які зробили свій безцінний внесок у цей жанр, але особливо необхідно відзначити таких видатних маестро, Пауль Хінднміт, Бела Барток, Джордж Гершвін, Арнольд Шенберг, Даріус Мійо, Моріс Равель, Ріхард Штраус; із українських композиторів - Б.Лятошинський, Л. Ревуцький, І. Карабіць, М. Скорик. Композиторами було створено концерти практично для всіх європейських класичних музичних інструментів.
Page updated
Google Sites
Report abuse