2. MÚSICA POPULAR URBANA: EL ROCK y el pop

1. ANTECEDENTES

Al igual que sucedió con el Jazz no es posible explicar el rock y el pop sin conocer, aunque sea muy brevemente, una serie de estilos que influyeron decisivamente en su nacimiento y consolidación.

RYTHM AND BLUES (R&B)

Durante la depresión de los años 30 la venta de discos había caído en picado y una de las principales formas de entretenimiento para los negros era la house rent party (fiesta en una casa alquilada), en la que se celebraba un baile en el que solía tocar un pianista, ya que las bandas eran demasiado grandes y demasiado caras.

Este pianista tocaba un estilo de blues basado en la secuencia de acordes de 12 compases al que se llamaba boggie−woogie  en el que se usaban ritmos salvajes y sincopados. A medida que la economía se recuperaba otros músicos se fueron añadiendo al piano, tales como contrabajo, batería, guitarra o armónica de blues. Así llegamos a los años 40, donde ya había amplificadores que podían aumentar el volumen de la guitarra, la armónica o la voz y el R&B (también llamado city blues) se hizo fuerte, rápido y popular.

Músicos como T−Bone Walker, fueron los pioneros en inventar el sonido y la técnica de la guitarra de rock. Walker solía subir el amplificador de su guitarra eléctrica hasta un nivel en el que el sonido se distorsionaba, creando lo que se conoce como un sonido sucio. A este volumen, las notas sueltas que se tocaban en la guitarra eléctrica podían sonar tan fuertes como en cualquier otro instrumento. Las notas también podían mantenerse durante tanto tiempo como el guitarrista quisiera, simplemente haciendo vibrar un dedo a lo largo del traste, es decir, usando una técnica que se llama trémolo de dedo o vibrato. El estilo de R&B produjo muchos solistas de guitarra famosos, como B.B. King y de otros instrumentos como la armónica, Little Walter o Sonny Boy Williamson, y por supuesto cantantes como, Howling Wolf y Muddy Waters etc

Durante los años 40 y 50 fue la música más popular en clubes, bares y salas de baile en las zonas negras de las ciudades americanas. Hubo sellos discográficos especiales para esta música, como Chess Records (con cuya historia se hizo una estupenda película titulada Cadillac Records) aunque esta música nunca fue distribuida a través de las grandes compañías de discos ni de las emisoras de propiedad blanca.

MÚSICA FOLK

La música folk llegó a Norteamérica con los primeros colonos blancos y se basaba principalmente en la música tradicional inglesa, escocesa e irlandesa. Esta música rara vez estaba escrita y tanto la melodía como la letra habían ido pasando de generación en generación, con pequeños cambios.

Las canciones, llamadas baladas, tenían letras basadas en relatos populares. Las historias dramáticas que contaban eran a menudo largas y trataban de amantes, maridos engañados, marineros y soldados que se habían ido a la guerra, el ciclo de las estaciones, y personajes y eventos mágicos. 

Pero también encontramos melodías de baile, mucho más animadas, interpretadas con violín y acordeón, tal y como se hacía en las Islas Británicas o por instrumentos de viento como la gaita, el whistle o la flauta típicos de Irlanda. Hacia el año 1900, el violín y en banjo eran los instrumentos de música de baile más populares en los EEUU y los tipos de baile más populares eran la giga, el reel, la polka y el vals.

EL BLUEGRASS

El bluegrass o hillbilly es la música folk de los blancos pobres de Virginia, Carolina del Sur, Carolina del Norte, Kentucky y Arkansas. En esta música, que empezó a llamarse así en los años 50, no se usaban instrumentos eléctricos. El instrumento más importante era el banjo, que tocaba la melodía principal normalmente con un guitarrista rasgueando acordes como acompañamiento. También suelen usarse violines, mandolinas y contrabajos.

Las canciones de bluegrass están escritas en los viejos modos de folk con la tradicional estrofa de 4 versos. Normalmente tratan de amores no correspondidos, pero también incluyen otros temas como la vida doméstica, los desastres o la religión.

Esta música, que se tocaba en los barcos fluviales, en las carpas de las ferias agrícolas, en los bailes sociales en casa y en las convenciones, alcanzó la cima de la popularidad hacia 1953 gracias a la publicidad que le dio la radio en todos los EEUU, permitiendo que intérpretes como el banjoísta Earl Scruggs llegaran a ser conocidos internacionalmente.

COUNTRY AND WESTERN

La música country sigue siendo hoy en día la principal forma de música popular en los estados del sur de los EEUU. Se ha desarrollado a lo largo del siglo tomando elementos de todas las otras formas de música folk mencionadas anteriormente. De la balada folk se ha quedado con la idea de que una canción debe contar una historia. Ha tomado algunos de sus temas del bluesgrass y ha añadido otros por su cuenta, como chicos y chicas buenos que van por el mal camino, romances, corazones rotos, desastres, religión, todos con un sencillo mensaje moral. 

En nuestros días la música country ha tomado prestados los instrumentos eléctricos del rock, pero en su primer período, hasta mediados de los 50, la formación típica contaba con algunos de los siguientes instrumentos acústicos o todos ellos: guitarra, bajo, batería, violín, banjo, mandolina y guitarra de pedal de acero. Es esta última la que da a muchos discos de country ese sonido hawaiano. El sonido que resulta de la combinación de instrumentos de una banda country y western está muy claramente definido y carece de distorsión.

Aunque a veces el canto es sincopado y las canciones se estructuran de una forma parecida al blues de 12 compases, en la música country hay pocos elementos africanos. Es música blanca que se toca en bares, cafés de camioneros, locales de máquinas de discos y salas de baile country situadas, en su mayoría, en las zonas rurales de los EEUU. Con frecuencia utilizan el  shuffle beat, un ritmo rápido proveniente del hillbilly. 

Algunos de los nombres más relevantes de este género son Hank Williams, Johnny Cash o Dolly Parton. En la actualidad sigue muy vivo gracias a otros que han tomado el relevo como Garth Brooks o Brandi Carlile.

2. el ROCK'N'ROLL

CONTEXTO SOCIAL

• Cuando nació a mediados de los años 50, acababa de finalizar la Segunda Guerra Mundial y EEUU al igual que todo el mundo se sentía libre y con ganas de disfrutar de la vida. 

• Por primera vez los “teenagers” tenían dinero para gastar y empezaban a buscar su identidad como grupo, algo excitante en lo que basar sus modas, algo que fuese suyo, y lo encontraron en el rock'n'roll

CARACTERÍSTICAS GENERALES

• El rock'n'roll unificaba las numerosas y diferentes tendencias de la música popular. 

• Por un lado el ritmo del boggie-woogie, que puede oírse en canciones como Shake, Rattle and Roll, grabado por Bill Haley en 1954. 

• La forma es la de blues de 12 compases 

• El conjunto instrumental, las letras y el estilo provienen del country.

• El sonido de la guitarra es limpio, y no distorsionado, como sucedía en el estilo R&B de T-Bone Walker. 

• Las letras no son tan sexualmente explícitas como lo eran en los primeros temas del blues y el R&B, ya que iban dirigidas a un público adolescente, que ya empezaba a ser mayoritariamente blanco.

• Bill Halley fue uno de los primeros en mezclar todos estos ingredientes. Su estilo country de rock'n'roll llegó a denominarse “Rockabilly”. Entre las estrellas de rockabilly había cantantes de country como Johnny Cash, Carl Perhins, Roy Orbison y Gene Vincent.

En cuanto a los instrumentos vemos que son los mismos que en los estilos precedentes, guitarras, contrabajo, batería pero en ocasiones se añade el saxo. Por ejemplo En See You Later Alligátor el saxo toca un riff sencillo después de cada frase del cantante. Esta idea proviene del esquema de “llamada y respuesta” que vimos en los cantos de trabajo, en los espirituales y en el blues. En su clásico éxito de rock'n'roll What I'd Say, Ray Charles hace la llamada a la que responde un coro en el más puro estilo gospel, pero con unas letras muy seculares.

Otro de los pioneros del Rock and Roll fue Chuck Berry, considerándose su tema Maybellene, grabado en 1955 para Chess Records el primer Rock and Roll canónico de la historia, junto a otros muchos que han ejercido una gran influencia como "Roll Over Beethoven", "Sweet Little Sixteen", "Carol" y el clásico "Johnny B. Goode" todas compuestas por él mismo. Pero Berry dio al rock'n'roll algo más que grandes canciones; dio un nuevo estilo y fuerza a la guitarra de rock, tanto melódica como rítmicamente. Hacía solos usando la escala de blues y tocando notas dobles con un timbre “sucio” en la guitarra, calando las notas, es decir, tocándolas ligeramente bajas de tomo, y repitiendo riffs cortos.

Pero el hecho de que fuera negro le impidió alcanzar el bien merecido trono del Rock and Roll, ya que la sociedad estadounidense, profundamente racista, prefirió un blanco heteronormativo como Elvis Presley como ídolo de sus hijas adolescentes.

Elvis comenzó cantando country y rockabilly, pero su carrera sólo despegó cuando empezó a imitar el estilo de Chuck Berry y otros cantantes negros de R&B, usando el sonido “sucio” de su guitarra, cantando letras agresivas y con connotaciones sexuales y contoneándose en el escenario como hacían los músicos negros.

EL FINAL DEL ROCK AND ROLL

Cuando el rock'n'roll llegó por primera vez a tener una audiencia de masas, en 1955, la reacción fue increíble y de histeria. Las estrellas de rock'n'roll eran aclamadas y acosadas, y los padres pensaban que la música corrompía a sus hijos. En la televisión se hacían campañas en contra del rock'n'roll, y los predicadores enseñaban que esta música era una manifestación del mal.

En poco tiempo, una serie de catástrofes precipitaron el final del rock'n'roll, y en el espacio de dos años todos los intérpretes importantes fueron puestos “fuera de combate”. En 1957, Little Richard, que había tenido éxitos como Long Tall Sally, Lucille y Tutti Fruti, dejó el rock'n'roll para convertirse en predicador y cantante de gospel. En 1958, Elvis Presley se alistó en el ejército y en el mismo año se produjo un gran escándalo por el matrimonio de Jerry Lee Lewis con una menor. Chuck Berry fue encarcelado por violar leyes de inmigración, y Buddy Holly y Ritchie Valens se mataron en un accidente de avión en 1959. 

3. EL POP ADOLESCENTE

Tras la crisis del Rock and Roll, y en respuesta al deseo de la industria y los padres de una música popular más ”limpia” y menos “peligrosa”, hubo dos fórmulas. 

1. En la costa oeste de los EEUU surgió un nuevo sonido que personificaba la imagen limpia, sana (y acomodada) del adolescente americano, un estilo conocido como surf personificado en grupos como los Beach Boys, con canciones como "Surfing in USA" (según Chuck Berry, plagio de su Sweet sixteen) y otras más originales como Fun, Fun, Fun y Good Vibrations.

2. Por otro lado, las compañías de discos habían reconocido el potencial del “romance de adolescente” y del “ídolo de adolescentes” sobre todo entre las chicas de 14 a 17 años, que compraban muchos discos. Se trataba de decidirse por una imagen limpia y un sonido respetable. Así, el éxito estaría virtualmente garantizado. Este método altamente eficaz produjo éxitos como Puppy Love de Paul Anka, Sealed with a Kiss de Brian Hyland, o Hey Paula de Paul y Paula. Esta música era, en general, menos innovadora y ambiciosa que la que se estaba haciendo en la costa oeste, pero se pensaba que el mensaje que contenían las letras, tan básico en la vida de los adolescentes como pasárselo bien y enamorarse, era suficiente.

4. LOS HIJOS DEL ROCK y del pop

LA MUSICA SOUL

Se puede pensar en Tamla Motown como representante de la música soul, pero en realidad el corazón de la música soul era la casa de discos Stax. La Stax venía directamente de la tradición de R'n'B y tenía fuertes lazos con el gospel de Ray Charles. Las canciones de Stax sonaban más primitivas, rudas y a flor de piel que las de Tamla Motown y el acompañamiento consistía solo en guitarra, bajo, batería, órgano y la sección de metal. Eran mucho más simples y melódicas; mucho más cercanas al blues y al gospel; empleaban solo unos cuantos acordes y no repetían líneas tan a menudo y con tanta insistencia. Los cantantes de Stax improvisaban las melodías en un estilo gospel desenfrenado y las letras solían tener tono sexual. Mustang Sally de Wilson Pickett o de Otis Reading son dos buenos ejemplos de los grandes éxitos de la Stax.

LA MUSICA BEAT

Cuando en 1963 los Beatles irrumpieron en la lista de éxitos, parecían sumamente frescos, nuevos y diferentes. 

Los Beatles se creo en Liverpool, un puerto marino como el de Nueva Orleáns, de donde eran originarios sus cuatro miembros -John Lennon, Paul Mc Cartney, Ringo Starr y George Harrison- llevaban un corte de pelo extraño, nuevo y “largo”. Vestían chaquetas de cuello redondo y la última moda en pantalones, camisas y zapatos.

Su música sonaba fresca porque era una nueva mezcla de los estilos negro y blanco. Al escuchar las canciones de los primeros álbumes se puede comprobar sin dificultad, donde tenía sus raíces la música. Hay canciones en el estilo negro de R'n'B, Tamla Motown y Rock `n'roll, así como clásicas canciones pop. Las tres voces de los Beatles se deriva de los grupos vocales negros, del doo-wop, de Spector y de la Motown; incluso las letras reflejan influencias tanto de la música negra como del pop. Como por ejemplo, la forma de la estrofa de can't buy me love es un blues de 12 compases.

Al principio, el grupo hacía todo esto solo con voces, guitarras acústicas y eléctricas y batería. Sus primeras letras como las de las más sencillas canciones del pop, pero esto cambió a medida que avanzaban los años 60.

Cuando se habían recuperado del shock inicial de los cortes de pelos, hasta a los padres les llegaron a gustar los Beatles (lo que fue un problema). La gente joven, aunque en el fondo les seguía gustando el grupo comenzó a buscar algo más que a sus padres no les gustara y se encontraron con los Rolling Stones, que eran lo suficientemente escandalosos como para gustar a los adolescentes.

EL R'N'B BRITANICO

Los Stones tenían el pelo realmente largo y desaliñado y no llevaban trajes ni uniformes en el escenario. Mientras que el “beat” venía de Liverpool el R'n'B británico venía de los pubs y clubes de Londres. La diferencia se notaba también en la música. El pop no figuraba en los álbumes de los Stones. Al principio tocaban sus propias versiones de las canciones de Chuck Berry y se inspiraban en las músicas negras menos elaboradas, mientras que los Beatles eligieron el estilo de la Tamla Motown que era la más complicada.

Al igual que los Beatles, los Stones adaptaron el material y añadieron su propio estilo y su sonido especial: la guitarra eléctrica distorsionada al estilo de Chuck Berry, una voz hosca entre soul y blues y una guitarra de blues con cuello de botella. La mezcla o el equilibro instrumental de los Stones era turbio y denso. En las actuaciones, eran agresivos, amenazantes y sexuales, como por ejemplo el pavoneo tremendo perfeccionado por el cantante Mike Jagger que enfurecía a la gente adulta del público.

Con la llegada de los Beatles los grupos comenzaron a escribir sus propias canciones. En 1965 los Stones escribieron y grabaron Satisfaction que fue un éxito en Reino Unido y en América. Esto preparó el terreno para la música Rock que no debe confundirse con el Rock'n' roll.

LA MUSICA MOD 

Los mods o modernos eran adolescentes de principios de los 60 preocupados por la moda y preferían una imagen elegante, incluso cuando llevaban ropa informal. Su moda incluía mocasines, camisas deportivas, camisas y jerseys “por-art” y parkas militares. 

A los mods les gustaba el soul y el sonido Tamla Motown pero en 1965 aparecieron sus propios grupos como por ejemplo The Who, quienes han pasado por muchas fases musicales y han aportado mucho a la música a lo largo de su carrera. Constituían la “tercera ola” de bandas británicas y desarrollaron las raíces del soul en una dirección radicalmente nueva. Su música se dirigía a la energía y agresividad alocadas de la cultura del baile y las pastillas. Usaban la retroalimentación y terminaban su actuación rompiendo los instrumentos sobre el escenario.

LA CANCIÓN DE PROTESTA

Los jóvenes estaban conmocionados ante la injusticia en el mundo (Guerra de Vietnam, protestas sociales y laborales en Europa) y a menudo, de una forma ingenua, trataban de frenarla. La música de la época no podía menos que reflejar este intento.

En la música folk que se remontaba a Woodie Guthrie y Pet Seeger había una tradición de protesta social y a principios de los años 60 este movimiento ganó fuerza debido a la influencia de cantantes como Bob Dylan o Joan Baez.

EL FOLK-ROCK

Dylan perdió una gran parte de su público folk cuando comenzó a tocar en una banda de rock. El salto de Dylan al rock cambió lo que podía hacerse con las canciones de folk y de rock. En 1965 los Beatles sacaban álbumes como Help que seguían tratando básicamente del amor, chico encuentra chica, chico pierde chica, chica recupera chica. En cambio Dylan estrenaba una poesía musical peculiar, a menudo con canciones de más de 10 minutos de duración, y el rock comenzó a seguir esta tendencia.

ROCK PSICODÉLICO

Por esta época, las otras grandes influencias sobre la música no fueron propiamente musicales. Una fue el LSD, que no podía faltar en el mundo del rock y que es una droga muy potente, que crea imágenes reales o alucinaciones a quienes lo usan y distorsiona su sentido del tiempo, tacto, gusto, olor, audición y razonamiento. A los músicos les cambió la percepción del sonido y cambió lo que querían decir y cómo querían decirlo. En 1966 el álbum Revolver de los Beatles, reflejaba este cambio. Las letras del álbum eran a menudo raras. Eran psicodélicas.

En el último tema de este disco Tomorrow never knows apenas se podía distinguir un solo instrumento, ya que habían sido deformados, grabados, tocados al revés y reproducidos en eco. Esto fue posible gracias a los nuevos avances en la tecnología de grabación. De estos nuevos avances nacieron varios efectos que alteraban el sonido, como el fuzz (un tipo de distorsión), el wah-wha (cuyo efecto es similar a l que indica su nombre), el overdrive (retroalimentación artificial), el flanger (una duplicación metálica del sonido) y el eco. Estos efectos se ajustaban bien al ambiente psicodélico o de la droga. En los tres o cuatro años siguientes aparecieron nuevos instrumentos, como el mellotrón y el sintetizador electrónico que permitió crear nuevos sonidos. Este estilo está representado por grupos como The Doors o artistas como Jimmy Hendrix o Janis Joplin

HEAVY ROCK (ROCK DURO)

El heavy rock es una música con mucha energía. Se basa en la imagen del héroe de la guitarra y tiene sus raíces en la guitarra y las escalas del blues. El tipo de riff de guitarra usado por Clapton y Hendrix fue desarrollado y a veces acelerado para formar la base de la mayoría de las canciones. Led Zeppellin, Black Sabbath y Deep Purple fueron las primeras bandas de heavy rock, pero le siguieron muchas más y el estilo ha continuado hasta nuestros días con pocos cambios, excepto, quizá por un incremento en el tempo. El heavy rock tiene legiones de seguidores y probablemente aún le quede una larga vida por delante.

EL GLAM ROCK

El otro estilo de principios de los años 70, el glam rock o glitter rock, es una mezcolanza de estilos desarrollados en los años 70 sin que nada fuera realmente original o distintivo. Grupos como T Rex o los Queen en sus primeros años y artistas como Marc Bolan, Brian Eno pero sobre todo David Bowie fueron representantes de este estilo. Este último sí aportó cosas nuevas al estilo a principio de los años 70. Empleaba el acento cockney, propio de los habitantes de ciertos barrios bajos de Londres. Sus canciones sonaban como de musical de teatro. Bajo su alter ego Ziggy Stardust ha quedado como la imagen icónica del movimiento Glam, pero pronto lo abandonó para crear un estilo propio, a menudo por delante de su tiempo, y que ha sido una fuente de inspiración para otros. 

EL PUNK

A medida que la música rock se volvía más artificial, las entradas para los conciertos más caras, las letras de las canciones dejaban de reflejar los problemas de los adolescentes (motivados especialmente la recesión económica de los años 70) el cambio en el panorama musical se hacía evidente. Todo estaba preparado para que en el año 1976 surgiera en Inglaterra y luego en el resto de paises occidentales la revolución punk.

Las letras expresaban el descontento social de los jóvenes con la sociedad de su tiempo. Acusaban a los gobiernos y a la monarquía de corruptos (God save the Queen era uno de los éxitos de Sex Pistols), invitaban a practicar la Anarquía (Anarchy in U.K, otro hit), abominaba de la cultura mainstream que reflejaba la televisión y la radio, predicaban la destrucción de la sociedad y desconfiaban del futuro (No future, que cantaban en el estribillo de God save the Queen, se hizo un lema para toda una generación de jóvenes) ya que las condiciones para acceder a una vivienda eran inasumibles, el desempleo atroz y los estudios superiores habían dejado de ser accesibles para los hijos de la clase trabajadora. Eran los sucesores de la idea de canción protesta que se remontaba a Guthrie, pero expresado de una forma más cruda y directa.

La estrafalaria imagen del punk, diseñada para escandalizar, fue fabricada por el propietario de una tienda de ropa y manager de los Sex Pistols (Malcolm McLaren). 

Los tempos de las canciones eran muy rápidos, las guitarras distorsionadas y el estilo descuidado y muy poco "profesional" (sus miembros presumían de no saber "música").

Los Sex Pistols se quemaron pronto: su líder dejó el grupo después de la primera gira por EEUU y Sid Vicious fue incorporado como nuevo cantante, pero murió de una sobredosis de heroína mientras esperaba ser juzgado por el asesinato de su novia.

EL NEW WAVE

La música new wave no tenía la misma intención anarquista ni las mismas preocupaciones que el punk. El sonido de sus discos era más cuidado, estaba mejor producido y mostraba un nivel más alto de musicalidad. Las canciones eran cortas y llenas de energías y volvieron a las inquietudes que más preocupaban al pop (chicos-chicas y sus relaciones).

El new wave es un pop muy bueno, bien escrito e inteligente, con un sonido duro y limpio de grupo de rock. Su música es demasiado diversa para clasificarla con precisión, abarca desde el estilo punk callejero hasta el reggae banco y cada banda parece haberse inspirado en una mezcla de raíces musicales ligeramente diferente. Aquí encontramos grupos como Tears for Fears, Depeche Mode, New Order

 EL SKA

La música popular Jamaicana comenzó en Kingston durante los años 50 con la llegada de gente del campo en búsqueda de trabajo en la ciudad. Estos recién llegados se agrupaban en barrios y vivían en chabolas de madera, pero muchos tenían radios y podían sintonizar con las emisoras de pop de los EEUU. Entre la música que escuchaban había blues, jazz, gospel y especialmente R'n'B. Los pinchadiscos jamaicanos consiguieron estos discos americanos y los pusieron en sus discotecas. Los músicos jamaicanos comenzaron a tocar su propio estilo de R'n'B, mezclando ideas de la música afroamericana con ritmo de su propia música popular jamaicana. Finalmente, fue de esta mezcla de la que surgió el Ska con grupos como Skatalites o  Byron Lee & The Dragonaires.

El ska llegó al Reino Unido con los inmigrantes afroantillanos y fue adoptado por los cabezas rapadas, normalmente blancos pobres de la clase obrera quienes se identificaban con él, con grupos como los Specials o Madness.

EL REGGAE

El reggae es la música de los “chicos groseros”, de los “fuera de la ley” de Kingston capital de Jamaica. Los “chicos groseros” son camberros callejeros y miembros de bandas de delincuentes. Los rastafaris también se identifican con esta música. Ellos creen que algún día la gente negra regresará a su tierra prometida, al país de Etiopía en Africa. También creen en la paz, el amor y la fraternidad y fuman marihuana, hierba a la que consideran sagrada. Las canciones de reggae comenzaron reflejando estas cosas, así como la lucha contra la injusticia y la civilización occidental corrupta que la sociedad industrial blanca con su competencia exagerada y su corrupción, representa.

Bob Marley con sus canciones rastafaris y fuertemente políticas fue la primera estrella internacional de reggae. El ritmo ha sido usado y acoplado a los arreglos del rock por grupos como Police y otras bandas británicas como UB40. 

EL DISCO

La etiqueta de Música Disco fue acuñada por un DJ estadounidense en 1972 para definir la música destinada a las discotecas que salía de las factorías de Soul de Chicago, Nueva York y sobre todo de Filadelfia, con temas como Love Song de Barry White.

A partir de ese momento se produjo una verdadera avalancha de grupos y artistas que producían una música destinada a los clubes privados y discotecas como la mítica Studio 54 en Nueva York, verdadero templo de este estilo. Es un estilo puramente rítmico orientado al baile, con letras intrascendentes y superficiales. Junto al citado Barry White, encontramos nombres como Donna Summers, Marvin Gaye o Jackson Five.

Tras el estreno de la película Fiebre de sábado noche, y la música de los Bee Gees, la música disco se puso de moda en todo el mundo. 

Al mezclarse con el funk llevó a la introducción del rap en la que el cantante decía rimas rítmicamente, originalmente improvisadas sobre un fondo instrumental.

EL FUNK

El soul fue la base del funk, sin embargo éste también tiene influencias del rock, jazz y blues. Funky quiere decir música sucia que tiene un sentimiento de blues y un sonido distorsionado en los instrumentos. James Brown fue uno de los pioneros del funk. Su música consistía en un sonido rítmico y brillante de guitarras, carreras rápidas de los instrumentos de viento metal y sobre todo esto iba la línea vocal rítmica y salpicada en un estilo salvaje basado en el gospel.